https://www.filmaffinity.com/es/user/rating/918915/691240.html
Brillante reflexión sobre la mente humana. Y en especial la relación entre los miembros de una pareja, casi tan críptica como la que haría G

oozey mess
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Jimmy Eat World
The Bright Sessions
"I'm Dorothy Gale from Kansas"

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@asiervl
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Brillante reflexión sobre la mente humana. Y en especial la relación entre los miembros de una pareja, casi tan críptica como la que haría G
Everyone know’s about Peru’s rainbow mountains. Utah’s aren’t too shabby either! (Utah, USA) (OC) [1434x2098] IG: @AlecOutside
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🔥 Kingfisher perched on a lotus leaf 🔥 (photographer Johnson Chua)
Todo cuadra en la Naturaleza
Un simple hombre derrotado
Ésta película kazaja presentada en el Festival de San Sebastián 2019 ha sido para un servidor, toda una sorpresa y uno de esos trabajos en los que, el espectador festivalero ya iniciado, recibirá con todo el ánimo del mundo y defenderá en próximas discusiones y chismes cinéfilos, a capa y espada. Ya que, se trata de un experimento sencillamente único y extraño a la vez, donde su realizador pretende demostrar al público, que es alguien peculiar a la hora de contar historias con una cámara y poseedor de estilo. Adilkhan Yerzhanov deja ver en su último trabajo, un inesperado y cáustico humor muy bien hilado dentro de tomas larguisimas y a priori vacias con otras, cargadas de violencia, nihilismo y situaciones desasosegantes. Yerzhanov deconstruye el género noir para acabar haciendo otra cosa totalmente distinta al policíaco. A Dark, Dark Man, se convierte en un retrato descorazonador e implacable de unos seres derrotados o en algunos casos simplemente corrompidos, de un sistema inherente y asfixiante con los derechos mínimos de sus habitantes. Filmada con unas largas y pictóricas secuencias en áridos desiertos y estepas de Asia Central. Cuenta también, con unas interpretaciones muy sostenidas, parcas y bastante inexpresivas que dejan entrever un semi amateurismo que no resta ni un ápice de la calidad del film, y lo acaba envolviendo en un halo de mayor credibilidad. En definitiva, un trabajo muy curioso y recomendable para un público interesado en el cine menos convencional dentro del panorama festivalero actual.
Calificación: 6/10
El Cuento del Psicópata
Las von Trier con su insaciable necesidad de mostrarse el más irreverente y genuino, se ve en la obligatoria posición de deconstruir y en mi opinión, logra la total destrucción del cine de género criminal, o sobre asesinos en serie. Y lo consigue, pero solo a medias.
Con The House of Jack Built, nos aporta su inagotable visión artística y bucea en el dolor y escozor, buscando la mayor provocación con su nueva obra, para lograr esa desazón y aturdimiento en el espectador. Para ello, de igual manera nos lanza mensajes y escenas repulsivas y sanguinarias, con otros momentos mas bien cómicos y absurdos, bordeando el ridículo. En donde su protagonista solo provoca sentir verguenza ajena y repulsión hacia su triste existencia. Por mucho que trata de hacernos ver que es primorosa y casi divina. En ese aspecto, es curioso y divertido ver como Lars von Trier parece dar palos de ciego en su búsqueda de la profunda visión filosófica de su cine, pero a la vez, no deja de sorprendernos, sea para bien o para mal, con cada nuevo visionado de sus obras, él nunca defrauda y arriesga como el que más. Maestro en trastocar conciencias y en remover nuestras neuronas, o simple y llanamente nuestros estómagos y hacernos querer maldecirle de por vida.
Calificación: 6/10
Estilo en los barrios
Afilado y negro retrato de los suburbios y sectores más humildes de china septentrional. Posee un ritmo lánguido y melancólico como el de sus protagonistas, de estilo noir y cargado de atmósfera. En "The Wild Goose Lake" destaca por encima de otras secuencias portentosas, la de la pareja protagonista en la barca del lago bajo la tenue luz de la luna, SOBERBIA. Todo un torrente de emociones y resuelta con un poder visual inusual. Cuarto largometraje del señor Diao Yinan, del cual precedió su potente thriller Black Coal y el cual en mi opinión ha sido rebasado en cuanto a calidad y propuesta.
Calificación: 7/10
El final de una época
Mucho se ha hablado ya de la nueva y quizás última película de Martin Scorsese "The Irishman" de ella se ha dicho que si es demasiado larga, que si sus efectos digitales para rejuvenecer a sus personajes son ridículos e irreales, que es una obra maestra, que si se trata de una elegía sobre el paso del tiempo y el valor de la amistad o incluso que es un tostón sobrevalorado. En definitiva, toda una amalgama de sensaciones y de opiniones encontradas alrededor de la película. Es verdad que la utilización del CGI para mostrarnos jovenes a actores tan reconocidos e ilustres como Pacino o de Niro, la primera vez que aparece me dejó algo descolocado y con una sensación extraña, pero conforme avanza la trama ya lo fui asimilando y no me parece una idea tan descabellada como puedan pensar algunos. En mi opinión "El Irlandés" es un gran trabajo, una película excelente en todos los apartados y enorme, y no solo en el sentido obvio de su metraje, que se dispara hasta las 3 horas y media de duración. El maestro Scorsese vuelve por sus fueros y regresa con la temática criminal y de gangsteres que tantos éxitos le ofrecieron en el pasado con titulos como "Goodfellas", "Mean Streets" o "Casino". Y lo hace con un aplomo y un control de su realización magistral, todas las secuencias y todos los momentos del film son de altísima calidad, mostrando esta vez, una pausa y una mesura en su relación con el ritmo sorprendente y desmarcándose de otros títulos de su carrera vertiginosos y más alocados, como son por ejemplo "After Hours", "The Departed" o "Shutter Island". El Irlandés resulta el retorno a las interpretaciones de primer nivel de gente como; Robert de Niro, Al Pacino, Harvey Keitel o Joe Pesci, este último, se encontraba ya retirado de la interpretación y ofrece un trabajo abrumador, lleno de matices y la garra propios de sus mejores momentos delante de la cámara. Todos estos actores se encuentran excelsos y superan todas las expectativas bajo mi criterio con sus solidas interpretaciones, ya que, no son precisamente unos treintañeros y pareciese que sus carreras ya viraban hacia otros registros muchos más ligeros y de menor calado. Cada uno de sus personajes nos muestran una veracidad y un talante indescriptibles, vendrían a ser los últimos cantos de cisne del mejor cine de gangsters, un cierre crepuscular y sin histrionismos a unas trayectorias personales y de personajes de la gran pantalla, memorables. Pudiera parecer que esta última película del genio neoyorkino estaría muy cercana a lo visto en títulos como Uno de Los Nuestros o Casino por su temática y tener mismo reparto, pero sin embargo, la veo mucho mas emparentada a clásicos como Erase una Vez en América, El Hombre Que Mató a Liberty Valance o la Trilogía del Padrino de Coppola. Cuenta con ese aroma y regusto romántico de historia clásica bien hilvanada, con diálogos míticos, amistades destruidas y lazos familiares con los sentimientos a flor de piel. Y sin duda la sorpresa nos la ofrece Scorsese en el tramo final con una última media hora donde se torna a lo más humanista e íntimo que su director haya ofrecido nunca, el dúo Pesci-De Niro se nos presenta como dos ancianos cargados de miedos y soledad en sus vidas, pasando penurias entre rejas, pero juntos, siempre fieles con un retrato de la amistad y un clasicismo que recuerda al Clint Eastwood de Sin Perdón o Gran Torino. Un desenlace el de la obra sencillamente brutal y emotivo, definitivo como punto final para la brillante época de estos genios y este género tan especial como es el género criminal, donde su principal y más brillante realizador es sin lugar a dudas, Martin Scorsese.
Calificación: 8/10
Cuando el soldado Ryan encontró a Hugh Glass
La nueva película de Sam Mendes aterriza en medio de la 1° Guerra Mundial, la conocida como Guerra de las Trincheras, muy ad hoc el término militar escogido para este conflicto bélico, con lo que nos van a ofrecer con 1917, sin más dilación adentrarnos al espectador, y ser uno más de los miles de soldados que poblaron estas lindes subterráneas durante la contienda. Y nos lo plasman de una manera atrevida y muy lógica para acometer esta trama, con un largo y "unico" plano secuencia. De una forma muy dinámica y tremendamente efectiva para regalarnos esa sensación de cercanía y de tensión con su manejo de la cámara.
Durante toda la trama Mendes y su equipo muestran una destreza con los movimientos de cámara que me tenía encantado, muy hipnótica. Cuenta con sus trucos en los cortes para que evitemos la presencia de las distintas tomas que se solapan, y crear así la ilusión y la sensación de que es una única toma durante todo el metraje, pero lo hacen de una forma muy ingeniosa y sobre todo muy práctica.
En la dirección de fotografía cuenta además con uno de los operadores de cámara mas capaces de la industria como es Roger Deakins, sin palabras su trabajo, es uno de los mejores directores de fotografía de la historia del cine.
Para el reparto cuentan entre sus actores ilustres del cine británico y de hollywood son Mark Strong, Benedict Cumberbatch o Colin Firth entre otros para los papeles más secundarios y es sin duda en el de los dos protagonistas de la misma donde recae el peso de la película, los jóvenes y bastante prometedores George Mackay y Dean C. Chapman. Sobre todo el primero, ofrece una caracterización y un nivel de entrega en su papel más que correcto.
Otro aspecto muy a señalar en "1917" es que pese a contar con un equipo inmenso de producción y un presupuesto de 90 millones no cuenta con ningun tipo de montaje o edición en sus imágenes puesto que está toda la realización enfocada en sus largas tomas "sin aparentes" cortes. En ese aspecto la película se desmarca mucho de grandes títulos bélicos recientes como Hasta El Último Hombre de Mel Gibson o el Soldado Ryan de Spielberg, donde su montaje ejerce un papel fundamental para confeccionar sus poderosas escenas de guerra y batalla entre soldados, aquí mas que eso, Sam Mendes se centra en una perfecta planificación para elaborar las secuencia y cuenta para ello con muchas cámaras móviles, de todo tipo, para seguir en todo momento a los protagonistas de la trama y ofrecer al espectador la experiencia digamos "survivor" en primera persona, moviéndonos en todo momento con ellos.
Experimentaremos junto a estos dos jovenenes y pobres designados el horror que deja atras el paso de la guerra, sea en un lado o en el otro, el desenlace es siempre aciago y devastador para todos.
Mescla en el sonido y en su edición tiene otro de sus grandes baluartes la película, junto a su banda sonora que corre a cargo del muy reconocido Thomas Newman. Dentro de la sala de cine se puede vivir esa experiencia sonora con un nivel cualitativo sobresaliente y sin querer apabullar, los momentos sonoros están muy bien escogidos y entran para reforzar las secuencias, con lo que la película consigue la mezcla perfecta entre poderío visual y de decibelios que ofrecer al espectador, todo un espectáculo para los sentidos.
Calificación: 8/10
Twin Peaks S02E18 “On the Wings of Love” (Duwayne Dunham, 1991)
El daño del artista
Takeshi Kitano esta vez nos sorprende con una de sus películas más calmadas y emotivas, aparentemente sencilla en su concepto y realización, sigue la vida de un aspirante a pintor llamado Machisu, desde sus inicios siendo un crio en el seno de una familia bien posicionada hasta sus días de madurez. En su vida se cruzaran toda clase de amistades artísticas, musas, falsos profetas, mecenas y vendedores de arte, todos ellos cortados por el patrón más hierático y caricaturesco propio del director japonés. Comprobaremos todos sus esfuerzos y baches que tendra que afrontar para poder alcanzar su objetivo en la vida, una vida sacrificada al arte. Aquiles y la Tortuga, recoge en mi opinión un compendio de las señas de identidad del genuino artista, salvo en esta ocasión, su faceta violenta o criminal, mostrándonos un Kitano más pausado y reflexivo. Cuenta con un diseño de producción muy cuidado, que aporta elegancia y detalle a la ambientación, Kitano opta por una fotografía limpia, en tonos frios y que contrasta con las llamativas y locas pinturas repletas de color que pueblan el relato de Machisu. En su estilo intimista y contenido, "Aquiles y La Tortuga" me remite al cine de otro alienigena y genial director, Aki Kaurismaki, padre de la más reciente y mejor filmografía finesa. Una película muy interesante, de fuerte calado emocional, ya sea en su vis más cómica y ligera como en su emotivo desenlace cargado de emotividad. Las fallidas representaciones artísticas de Machisu se muestran reveladoras declaraciones del propio Kitano en sus procesos de creación en el medio audiovisual, donde siempre se las ingenia para resultar fresco e innovador. Finalmente como todo en la vida Aquiles y todos conseguimos alcanzar esa tortuga.
Calificación: 7/10
MANTENER TU PROPIA VOZ
Vuelta a la gran pantalla de David Fincher trás más de seis años y lo hace, en muy buena forma. A día de hoy, una de las películas del año. Mank es la historia de un guionista (Herman Mankiewickz) a principios de los años 40 en el Hollywood de la edad de oro del cine americano. Nos cuenta a través de 2 líneas de tiempo el devenir de este hombre dentro de la industria y durante el proceso de gestación de uno de los guiones más reconocidos de la historia, el de Ciudadano Kane. H. Mankiewicz es un tipo genuino, con facilidad y naturalidad para con la palabra, y que se gana la vida en la industria del cine entre ampulosas fiestas, reuniones con magnates empresariales, apuestas de todo tipo y amoríos platónicos tras jornadas etílicas. Un auténtico y adorable perdedor que descuida bastante su vida marital y aún más su salud a prueba de autenticas bombas. Pasa por ser un peón mas dentro de la maquinaria piramidal de la industria. Cuando repartieron las cartas de la baraja "Mank" no salió muy bien parado, pero es sin duda el jugador más listo y no dejara que el mejor guion probablemente escrito en su vida caiga en el olvido. Pasa por ser la película más sobria en cuanto ritmo y reposada en la filmografía del gran David Fincher. El ritmo de la trama no decae pese a esto en ningún momento, es un festín visual en todos los sentidos. Tiene además, unos diálogos finísimos, ácidos y, muy ingeniosos por momentos, que te mantienen con atención la mayor parte del tiempo. Pasa de un comienzo un cierto lánguido y sosegado a un crecimiento del interés y la emoción considerable. Fincher se rodea de un gran equipo para facturar la película, donde caben destacar el elenco de actores que esta perfectamente escogido en su casting. Desde el último de los secundarios hasta el soberbio Gary Oldman en el papel principal, bordan sus papeles. Mención especial para mí el papel de Marion Davis interpretado por Amanda Seyfried (Chloe, Mama Mía) El lujo de la puesta en escena y la recreación de cada detalle de la época es excelente. Todo y cada uno de los apartados técnicos del film, como cabía esperar tratándose de Fincher en la dirección, son casi perfectos. En el aspecto del guion David Fincher cuenta con el trabajo realizado por su padre allá por los años 90 que se encarga de guiarnos por el proceso de gestación de la historia detrás de la mítica Ciudadano Kane (1941) por parte del cínico y brillante Herman Mankiewickz. La película acaba siendo toda una declaración de intenciones en contra de esos farsantes que viven en la burbuja de la industria "creadora de Sueños". Desmitificadora y sin tapujos parece una prístina fotografía de un tiempo dorado. Y es el propio "Mank" reflejo de la persona cargada de un talento natural, que pocos o ninguno valoran gran observadora del alma de las personas, amigo de sus amigos y feroz defensor de sus ideas pese a quien les pese, pero nunca, jamás, traicionando sus principios. Lo que aporta a toda la película un valor intrínseco especial.
Calificación: 8/10