The floor panels of Kilpper’s pavilion were designed to also function as woodcut printing blocks, and the artist has subsequently been using them to produce a variety of prints: in both fabric and paper; including single portraits and larger groups. The exhibition at Charlottenborg featured the entire floor from Venice, as well as a wide variety of prints – many of which were created in situ in the gallery. Other elements included a megaphone, which the artist made so that visitors in Venice could exercise their freedom of speech, while an 18 metre-wide banner printed from the floor was hung on Charlottenborg’s Nyhavn facade.
Curators: Mark Sladen with Stine Hebert.
Image above: Thomas Kilpper, Pavilion for Revolutionary Free Speech, Danish Pavilion, Venice Biennale, 2011.
Francesca Boenzi: For Speech Matters – the group show curated by Katarina Gregos for the Danish Pavilion at the Venice Biennale – you built up a wooden extension to the original space using materials left over from the last Architecture Biennial. You often re-use materials that you find in situ. Is this just a cheaper, more practical solution or are there other reasons for it? Thomas Kilpper: Using recycled materials isn’t a must or a dogma, but of course our present, high-consumption mode of production is not what I aim for. Re-using materials – sometimes considered ‘waste’ – is something I quite like for several reasons: ecologically, to produce less waste; economically, as you mention, to save money; and last not least it is a nice contradiction to the notion of artistic ‘values’ with high price tags.
You carved portraits and scenes relating to current political events in the wooden floor. How did you select the subjects?
My idea was to create a work that generates its intensity from the contradiction between open structure and sinister content. I built a sort of romantic place in amongst the greenery; a sub-pavilion and an anti-palazzo that invites people to have a rest and stay for a while… but when you enter the space you become aware that it’s heavily loaded with social problems and political conflict. Like real life: desire meets reality. In the floor-cut I focused on the fact that sections of the extreme right in Europe have managed to draw near to the centres of power. Within the last decade this has happened in Austria, Italy, the Netherlands, Belgium, Switzerland, Denmark, Norway and France. Some European governments are now dependent on the votes of the extreme right in parliament – with devastating consequences. This trend is represented in my piece through portraits of conservative and right-wing politicians. Another focus is the roll-back on the ‘freedom of speech’, censorship and media manipulation. The Danish anti-Islam cartoons, the new Hungarian media law and others.
A ‘Speaker’s Corner’ was set up as part of your pavilion. How was it activated?
Everybody visiting my Pavilion for Revolutionary Free Speech can use it – but because there’s no amplifier it needs personal power to actually get heard if you want to make a statement. I quite like the fact that my megaphone sculpture can be used in both ways: to speak and to listen, for example, to what people are talking about at the entrance of the Swiss Pavilion.
I saw some Italian personalities among those present in the woodcut. I was then considering the fact that the Press Freedom Index compiled by Reporters without Borders in 2010 ranked Italy at number forty-nine together with Burkina Faso. And right now the attempt to stop the anti-phone-tapping law drafted by the Berlusconi government is a serious issue. Being an Italian who’s concerned about the situation in my country, I can’t avoid thinking how appropriate it would have been to bring the issue to the attention of the international art audience on this occasion…
I wasn’t aware of that when I was ‘digging’ up my floor. But it totally fits because there’s no ‘freedom of speech’ under state surveillance or wiretapping. It’s a shame I didn’t know about it. You lived in Florence last year as an artist on the Villa Romana fellowship, and you often come to Italy.
How do you see what’s going on in Italy and the engagement of Italian artists in political and social debate?
I don’t know the Italian art scene very well, but I am surprised about the circumstances for example of the Italian Pavilion in Venice. Vittorio Sgarbi’s approach to contemporary art seems clear: he wants to demonstrate how bad contemporary art is. The disturbing or irritating thing is that he was able to find some prominent support from intellectuals like Agamben… It seems that the art scene for the most part does accept the whole show with him. This is the corresponding attack of the Berlusconi government – against the poor, the migrants, the justice or education sector – but here the attack is on contemporary art and the cultural sector. I think there should be a far stronger stand and opposition against this policy. But somehow I had the feeling that the Italian cultural field is unlikely to move from its inactivity and tends to remain more or less calm.
I find the intense physical effort you put into disfiguring and reconfiguring spaces very interesting; the way you carve floors to turn them into matrices that represent historical and political issues. And I was wondering how political engagement and activism influenced your artistic practice.
The physical aspect of my work is a matter of fact somehow. Initially, when I started my floor-cuts, it was just important to have more resistance in comparison to charcoal drawings I’d made. My self-perception as a young boy was dominated by a feeling of physical weakness and I think this was deeply inscribed in my subconscious. To reach my physical limits and to exhaust my energy by working on my projects seems a necessary challenge and a way of overcoming this feeling. Later, as a young adult, I got involved in left-wing and environmental activism for a decade or so. Empowering myself through direct action… These years in part shaped my personality. But working as an artist is something different – doing art is not doing politics even if your work reflects social and political issues. They are other ways of dealing with those issues.
Straight after the Danish Pavilion I visited the Swiss one by Thomas Hirschhorn. When I read the text the artist had written about his installation, The Crystal of Resistance, I liked how the concepts were expressed in a very simple and direct way. These included the question of how to involve a ‘non-exclusive public’; art as a form of resistance; the possibility of the work being frontal in order to avoid the viewer moving backward and gaining distance. I think somehow you share similar concerns. How do you see art’s capacity for wide communication, resistance and frontality?
Well, for me, Thomas Hirschhorn’s installation is one of the strongest works in Venice. Maybe our approach to art has something in common? I don’t know. But if the environment I work in is unfair, violent and hierarchic… my work might become resistant and sometimes even frontal. At least I try to reflect the environment and the world we live in, and the transformations I long for are towards the implementation of more social equality and less use of violence and power. Of course art can communicate this; it has to. To what extent this might lead to broader reflections or transformations within society is another open question.
Since you mention the context you work in, I’d like to ask you to say something about After the Butcher – the space you run together with your wife Franziska Böhmer – and particularly about the participation of this space in the Based in Berlin exhibition…
After the Butcher is a not-for-profit exhibition space. Our main focus is to present those artists we personally think should be shown more often. And we encourage the artists we invite to develop new works relating to our space in one way or another. I consider After the Butcher one of my on-going art projects. I very much hope to be able to continue with it for many years to come. It should be experimental, fresh, critical and daring. When After the Butcher was invited to Based in Berlin as a ‘sub-curator’ this year, we decided to ask the artists we had already worked with whether to participate and collaborate or not. While we shared the critical attitude that was taken by the artist initiative Haben und Brauchen, we also felt that just saying ‘no’ to participation would be too easy. We at least wanted to try to find a way that would make taking part make sense, if under protest, for it is and remains a controversial or even bad exhibition. After some very intense discussions we came up with a concept for our participation: six different groups of artists conceived six time-based performative projects. Besides that, the third floor of the Kunstwerke remained empty, only one piece was shown there: Allegory of Government, a photo of the Mayor of Berlin by the artists Clegg & Guttmann.
For those of you who wish to know more about, here below the letter Thomas wrote to the visitors of Based in Berlin (only in German for now) and few other links…Thank you!
*APPENDIX
liebe besucherInnen,
after the butcher ist ein unabhängiger ausstellungsraum für zeitgenössische kunst und soziale fragen in berlin-lichtenberg, der die dritte etage in den KW kuratorisch verantwortet. nach unserer einladung zu based in berlin haben wir alle berliner künstlerInnen, mit denen wir in unserem raum bereits zusammengearbeitet haben bzw. uns das in zukunft vorstellen können, angefragt, für diese ausstellung beiträge zu entwickeln. aus einem intensiven diskussionsprozess sind sechs zeitbasierte, performative projekte von sechs verschiedenen künstlergruppen entstanden. im ansonsten leeren raum befindet sich nur ein für diese ausstellung in auftrag gegebenes bild, ein portrait des regierenden bürgermeisters von Clegg & Gutmann. die gründe für dieses ausstellungsformat liegen in unserem widerspruch gegen die politik dieses ausstellungs-projekts, das als “leistungsschau junger kunst aus berlin” angepeilt wurde, zum zwecke des “beweises”, dass berlin eine neue kunsthalle braucht. dafür wurde eine aufforderung als “open call” an alle berliner künstlerInnen gerichtet, sich für diese ausstellung zu bewerben, drei “überkuratoren” als beratendes gremium sowie fünf junge kuratoren bestellt und die berliner kulturprojekte gmbh damit beauftragt, die ganze sache zu organisieren. 1,7 mio Euro wurden von der politik für dieses projekt zur verfügung gestellt. in zeiten schmaler finanzmittel und allseitiger etat-kürzungen ein dicker brocken, der darauf hindeutet, dass die politik dieser ausstellung höchste priorität einräumt.
wir sind künstler - wir lieben es, kunst zu machen und wir machen es mit vollem einsatz, wir verabscheuen es aber, uns über “leistung” zu definieren. kunst funktioniert weder nach den gesetzen einer dampfturbine, noch nach denen eines tierzuchtvereins. kunst funktioniert durch intensitäten, widerständigkeit, widersprüche und irrsinn. kunst - auch wenn es permanent versucht wird - lässt sich nicht objektivieren - kunst ist form und inhalt und gebunden an subjektives wahrnehmen, und das ist auch gut so. uns in eine “leistungsschau” zwängen zu wollen, empfinden wir als angriff auf unser sein: wir brauchen unsere faulheit wie unseren fleiss, wir brauchen unser nickerchen wie unsere wachheit, wir brauchen unsere zweifel, flops und scheitern genauso wie unsere hightlights, wir brauchen kontemplation genauso wie handeln. und wir denken, dies betrifft nicht nur uns künstlerInnen, dies sind universelle qualitäten des menschlichen seins schlechthin, sie auszublenden und uns auf “leistung” zu reduzieren degeneriert uns. und es führt in seiner konsequenz nicht selten zu krankheit: stress, burn out, depression, drogen, suizid.
wir müssen dies hier betonen weil eine korrektur der begrifflichkeit und damit ein verständnis für den berechtigten protest von seiten der politik nicht nur ausblieb sondern insbesondere der regierende bürgermeister klaus wowereit stur und ignorant daran kleben bleibt und die ausstellung trotz titeländerung weiterhin als “leistungsschau” bezeichnet.
wir nehmen an dieser ausstellung unter protest teil, da die belange der bildenden kunst von der politik nicht wirklich ernst genommen werden. wowereits absichtserklärung in seiner antrittsrede nach der wiederwahl, eine kunsthalle in berlin zu gründen, folgten keine praktischen schritte. es liest sich für uns eher als leeres versprechen, das das ausbleibende tatsächliche engagement für die zeitgenössische kunst verschleiert.
die notwendigkeit einer kunsthalle kann nicht durch eine ausstellung ermittelt werden. die notwenigkeit und die machbarkeit muss in einem offenen austausch mit allen beteiligten - künstlern, kuratoren, kunstvereinen, galerien und museen…, und in einem öffentlichen diskussionsprozess ermittelt werden.
wenn der berlinischen galerie der ankaufsetat für zeitgenössische kunst gestrichen wird, wenn die kunstwerke KW oder die kunstvereine NBK und NGBK vor substantiellen finanziellen engpässen stehen, wenn es kein einziges berliner förderprogramm für “off-spaces” und selbstorganisierte ausstellungsräume gibt…, wie soll da eine neue kunsthalle funktionieren?
wir lassen uns nicht instrumentalisieren!
wir wünschen uns berliner politik, die ernstzunehmen ist, die auf eine verbesserung der lebensbedingungen der sozial schwachen orientiert. viele berliner künstlerInnen erleben seit jahren genau das gegenteil: unsere lebens- und produktionsbedingungen werden schwieriger, mieten und lebenskosten steigen, förderungen werden gestrichen, bei rückläufigen einnahmen. mit katharina sieverding sagen wir: “arm aber sexy” ist out. es ruiniert und diskriminiert uns und unsere Kunst.
Gerade in der Kunst kann man alles zum Konzept erklären. Einen malerischen Entstehungsprozess zum Beispiel, bei dem das Bild immer wieder gedreht wird. So in etwa muss Kiron Khosla mit seinen kleinen, delikaten und irrwitzig eklektischen Gemälden verfahren, die Christian Nagel im Rahmen einer hochgradig pointierten Koje zeigt. Hier scheint es um die Instrumentalisierung von Bildern zu gehen, wenn im Eingangsbereich eine Art bundesrepublikanisches Geistesheldenpanorama versammelt ist: Da begegnen uns Willy Brandt (als Linoldruck von Thomas Kilpper) und Harald Schmidt (als Kisten-Bild-Objekt von Michaela Meise), der Pop-Theoretiker Diedrich Diederichsen als guter Hirte (beinahe schon absurd blöd gemalt von Cornelius Quabeck) und Christoph Schlingensief als Poeta laureatus oder Engel in spe (fotografisch überinszeniert von Clegg & Guttmann). Da beweist Heimo Zobernig auf der Außenwand der Koje einmal mehr, dass Konzepte doof sein und Derivate schick aussehen können, dass Appropriation nicht grundsätzlich eine künstlerische Leistung sein muss. Eingestreut finden sich aber auch jene peniblen, preziosenhaften Gemälde Khoslas. Hier entscheidet der Rand darüber, was im Bild ist und was draußen bleibt. Hier stehen Illusionismus und abstrakt ornamentale Flächigkeit auf unvermitteltem Du und Du; hier klatscht Kunstgeschichte an Referenzräume von der Flugsicherheitsbroschüre bis zum Salonkitsch. Da schleicht von links Breughels berühmter Zug der Blinden ins Bild, während vom oberen Bildrand her Kinder beim Aufhängen von Lampions kopfüber ins Bild purzeln. Schwer zu sagen, wie schlüssig Khoslas malerisches Konzept ist, ob er überhaupt aus konzeptuellen Erwägungen heraus zu solch kühn-kuriosen Bildern wie What Happens (2010) kommt. Doch hier und jetzt, nachdem die symbolischen Ordnungen gerade des Politischen und Ökonomischen zutiefst erschüttert sind, scheinen diese Bilder voll und ganz zu stimmen. HJH
Galerie Christian Nagel, Halle 11.3, Stand B 10/C 11
Kiron Khosla, What Happens, 2010, Acryl auf Leinwand, 80 x 60 cm, Courtesy of Galerie Christian Nagel, Berlin
