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ESTADIOS PARA LAS FINALES DE LA FIFA COPA MUNDIAL Una infografía de los estadios que se han utilizado para las finales de la FIFA COPA MUNDIAL. Con otros datos estadísticos como; en qué año se construyó el estadio, donde se realizado el mundial, en que año se realizó, y finalmente quien fue el campeón.

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Reglas del Diseño Gráfico

Los buenos diseños no son obra de la casualidad, un buen diseño no depende de cuanto se conozca del programa, ni de la experiencia que se tenga en el área. Existen reglas sencillas y simples que funcionan inmediatamente y cualquiera las puede utilizar.

· Ten un concepto. · Hay que comunicar, no decorar. · Habla con un único lenguaje visual. · Utiliza dos familias tipográficas como máximo… bueno, o tres. · Golpea en dos tiempos: ¡un, dos! · Escoge los colores con un propósito. · Si puedes hacerlo con menos, adelante. · El espacio negativo es mágico: no lo rellenes, ¡créalo! · Trabaja la tipografía como si tuviera la misma importancia que la imagen. · Los tipos sólo son tipos cuando son agradables. · Tienes que ser universal; recuerda: tu trabajo no es para ti. · Comprime y separa. · Distribuye la luz y la oscuridad como fuegos artificiales o un amanecer. · Sé contundente: hazlo a conciencia o no lo hagas. · Mide con los ojos: el diseño es visual. · No copies las imágenes, créalas. · Ignora las modas. En serio. · ¡Muévelo! Estático es igual a aburrido. · Busca en la historia pero no repitas. · La simetría es el mayor de todos los males. PDT: Cuando exista un propósito justificado, rompe estas reglas!!!

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10 frases que nunca debe decir un diseñador

Ser diseñador no es sencillo en los tiempos que corren, y menos en países como el nuestro, en los que raramente se valora nuestra profesión, pero además, buena parte de la culpa es nuestra, que muchas veces somos muy buenos diseñando y olvidamos otras facetas de nuestro trabajo que pueden marcar la diferencia entre una buena relación con nuestros clientes o una de horrorosa. Hoy les dejamos 10 frases que hay que evitar a toda costa.

1- “Puedo hacerlo mas barato” Si puedes hacerlo mas barato, ¿por qué diste un precio mas alto la primera vez? Aunque pueda parecer que eso es justamente lo que el cliente quiere, el bajarse los pantalones a la primera de cambio puede minar la manera que tienen de verte como profesional. No tires tus precios si tienes confianza en tus habilidades. 2- “No soy el mejor” Puede que no seas el mejor, seguro que hay alguien mejor que tu, siempre lo hay, pero una cosa es que sea verdad y otra que tengas que recalcarlo. Además, seguro que a tu cliente no le gusta oírlo, y de oírlo, prefiere trabajar con el mejor y no contigo. 3- “Eehhh, hmmm…” Esto no es exactamente una frase, pero hmmm y eeehhhh pueden matar una conversación. Si tus dotes oratorias son un problema para ti, busca algún curso de conversación o practica delante de un espejo, tan importante es lo que vendes como la forma de venderlo. 4- “Esto es algo complementario que hago además de mi trabajo” Puede que sea verdad, pero no lo compartas a menos que planees mantenerlo como un trabajo complementario para siempre. Decir que es algo complementario es equivalente a poco fiable y la gente busca certezas. 5- “Trabajo en pijama” Puede parecer envidiable, pero normalmente no funciona de esa manera. Algunos clientes no quieren demasiados detalles y otros pueden asociar pijama con conducta poco profesional. 6- “No tengo ni idea” Habrá muchos momentos en los que no tendrás ni idea. La frase “no tengo ni idea” no es necesariamente mala, mientras no se detenga ahí y se complete con “No tengo ni idea… pero lo investigaré”. 7- “Mis precios son flexibles” Esta frase podemos asociarla con la frase número 1. ¿Por qué tus precios son flexibles? Si es porque ofreces varios paquetes, puede funcionar. Si son flexibles dependiendo de lo que el cliente puede llegar a pagar o a regatear, por favor, bórrala de tu vocabulario. 8- @##|∞¬&&xx***+++##” Hay personas a las que no les gusta censurar su lenguaje por nadie ni por nada,incluso, hay clientes a los que no les importa, pero a muchos sí. Si no usarías una palabra en frente de tu abuela, no la uses con un cliente. 9- “¿Qué dijo? No lo oí” Desarrolla tus habilidades de escucha. Los clientes (y la gente en general) odian tener que repetir las cosas. Escucha cuidadosamente la primera vez y evita hacer varias cosas a la vez cuando hablas con un cliente para centrar tu atención en un solo punto. 10- “Estuve en una fiesta hasta tarde anoche” Tu vida personal es eso, personal. Salvo que tu cliente sea un amigo que conoce tus capacidades, no te arriesgues a perder profesionalidad con frases de este tipo. #2dm #diseñador

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Twitter cambia la fuente Helvetica Neue por Gotham y genera controversia

Los de Twitter anunciaron el cambio de fuente tipográfica de Helvetica Neue a Gotham. Ahora algunas personas dicen que está delgada y no se puede leer muy bien, y otros están de acuerdo con el cambio. Acá vemos la diferencia. La imagen de arriba con Gotham y la de abajo con Helvetica Neue ¿Puedes notar cuál se lee mejor?

#diseño #tipografia #2dm

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Adiós a un genio! Murió HR Giger. El creador de Alien.

El artista suizo H.R. Giger, famoso por el diseño de las criaturas de la película Alien y sus secuelas, ha muerto a la edad de 74 años, según han informado los medios de este país. Giger sufrió una caída en las escaleras de su casa en Suiza y murió el lunes en un hospital a causa de las heridas. Ganó un Oscar a los mejores efectos visuales en 1980 gracias a la obra cumbre de su carrera en Alien, y también participó en el diseño de otras películas como Polstergeit II y Species. Hans Ruidi Giger fue dibujante, pintor, escultor, diseñador y arquitecto de interiores. Creó un mundo propio y perturbador influenciado por el surrealismo, el ocultismo y la magia, con la biomecánica –término acuñado por él mismo– como piedra angular. Un niño tímido y vago

Hijo de un rígido farmacéutico, Giger nació en Coira (Suiza) en 1940. Creció entre frascos de pociones y modelos anatómicos humanos que influyeron en su obra. Según confesaba él mismo, era "increíblemente tímido, vago y absolutamente negado para estudiar", pero le gustaba modelar con plastilina. También estaba obsesionado con dibujar castillos, palacios y trenes. A principios de los años 60 estudió arquitectura y diseño industrial, y también comenzó a realizar sus primeros dibujos a tinta y al óleo. De esta época datan los primeros bocetos de sus famosos Niños atómicos, que décadas antes de la catástrofe de Chernobyl preconizaban los efectos de un apocalipsis nuclear. Su primer contacto con el mundo del cine se produjo de la mano de Alejandro Jodorowsky, quien le propuso, por mediación de Dalí, hacer los diseños para su gran proyecto: adaptar la novela de Frank Herbert Dune, en la que también participaba Moebius. El proyecto de Dune, de una escala monumental, fue imposible de llevar a cabo. Sin embargo no fue en vano: Dan O'Bannon, guionista de Alien, estaba prendado del libro artístico de Giger Necronomicon —inspirado en la obra de Lovecraft, del que era admirador— y convenció a Ridley Scott para que Giger diseñara las criaturas y los escenarios. El éxito de la película les pilló por sorpresa. Giger se alzó con un Oscar en 1980 y se convirtió en un fenómeno de culto. A pesar de que su fama se fundamenta en su obra artística, uno de los proyectos más ambiciosos de Giger fue un sistema de trenes que ideó para su país natal, Suiza, en 1993, pero no fue tomado en cuenta por su gobierno. Sus 'templos': museos y restaurantes

Asociado a corrientes satánicas y censurado por la explícita carga sexual de sus obras, Giger no obstante cuenta con espacios físicos donde su talento trasciende los soportes. En 1998, abrió su propio museo en el castillo de St. Germain, Gruyères, en Suiza central, que muestra muchas de sus propias pinturas, esculturas y diseños de películas, así como su colección privada de arte, que incluye obras de Salvador Dalí. Frente al museo se encuentra un bar que es su anexo y cuya decoración, totalmente inspirada en el imaginario de Giger, atrae tanto como el museo. También en Suiza abrió dos Giger Bar —llegó a haber otro en Nueva York y un cuarto en Tokio— situados en Coira, para que los comensales se sumergieran en su mundo de pesadillas. Fantasía, Erotismo y Pavor

Se entremezclan en un cóctel macabro en el depósito del aerógrafo, para traspasar después los límites del lienzo y cobrar vida en cuatro dimensiones. Detrás de su obra hay un demonio que pugna por salir: si Dalí tuviera un gemelo siniestro y oscuro, se llamaría Hans Rudolf Ruedi Giger. Alien es sólo la punta del iceberg. El monstruo espacial le dio la fama y el reconocimiento mundial, pero su talento, que despuntó mucho antes, es bastante más amplio y versátil, y abarca toda clase de materiales y formatos: además de lienzos y esculturas, muebles, marcos para espejos, candelabros, lámparas, armarios, cartas de tarot, videojuegos –Dark Seed–, motos, guitarras eléctricas –comercializadas por Ibanez–, bares y una serie de relojes artísticos conocidos como Giger’s watch, con los más diversos usos (para flagelarse, contra el estreñimiento, orgásmico...). Giger en el cine

En 1976, por mediación de Dalí y Jodorowski, Giger recibió su primera gran propuesta cinematográfica. Se trataba de la película Dune, para la que diseñó el mundo de la Casa Harkonnen, según un guión de Moebius. El proyecto no encontró financiación, pero Dan O'Bannon, guionista de Alien, prendado de su libro Necronomicon, convenció a Ridley Scott para que Giger diseñara las criaturas y los escenarios. El éxito de la película les pilló por sorpresa. Giger se alzó con un Oscar en 1980 y se convirtió en un fenómeno de culto. Sus diseños volvieron al celuloide con Poltergeist II (de la que no quedó contento), Alien 3 y Species, donde pudo hacer realidad su sueño del tren fantasmal. También diseñó un batmóvil para Batman forever, pero Warner lo descartó. Cuando Dune quedó en manos de Ridley Scott, Giger retomó su proyecto, pero el hermano de Ridley murió y David Lynch se hizo cargo de la cinta. Descartó la visión de Giger, si bien conservó algunos diseños rudimentarios. Y Giger, que se había quedado obsesionado con la idea de fabricar los muebles que había diseñado para los Harkonnen, empleó su propio dinero para sacarlos adelante. Hoy forman parte del mobiliario de dos Giger Bar de Suiza (llegó a haber otro en Nueva York y un cuarto en Tokio) situados en Coira y en el castillo de St. Germain, Gruyères, que Giger compró y que hoy es la sede de su museo. El mejor lugar para sumergirse en su mundo de pesadillas. Arquitectura y… ¡ferrocarriles!

Además de jugar con pistolas y resto de circunstancias traumáticas que hemos comentado anteriormente, en su infancia Giger fantaseaba con construir castillos y trenes. Una vez convertido en adulto de éxito, le llegó esa inspiración o reacción alérgica que casi todos los artistas suelen sufrir puntualmente a lo largo de sus carreras, en el que se sienten capaces de todo: envió una carta al presidente suizo esbozándole las líneas maestras de un proyecto en el que proponía unir con una red con forma de estrella de cinco puntas los extremos de Suiza mediante una línea de tren de alta velocidad subterráneo (con vagones de tres plantas), coronando las estaciones con pirámides de un kilómetro de altura. Esas pirámides, además de marcar rotundamente el acceso al ferrocarril, servirían para reciclar basura y como lugar de acogida de inmigrantes. Una propuesta escandalosa, sin duda. A diferencia de otros países en los que las paridas de ciertos Artistas se pagan aunque solo sean un croquis en una servilleta, en Suiza no solo no tomaron en serio su idea, sino que no le dieron ni un duro por el borrador. Pero Giger no se desanimó: gracias a sus estudios en Arquitectura de Interiores y Diseño Industrial, ha dirigido las construcciones de algunos bares inspirados en su obra, así como su museo de Gruyères (Suiza), saciando en parte su ansia constructiva. Su relación con los ferrocarriles no ha sido tan satisfactoria. En Species se incluyó una breve escena onírica con un tren fantasmal debido a su constante insistencia. Insatisfecho con el resultado, tuvo la oportunidad de resarcirse con el encargo de un anuncio publicitario para Levi’s, en el que una atractiva amazona se enfrentaba cara a cara con un tren diseñado por Giger. Toda la sexualidad implícita que conllevaba una mujer montando a caballo (y rodada con gran detalle) que se dirigía al galope hacia una locomotora fálica, se vio frenada por ciertos grupos de presión de empresas ferroviarias que vieron en la escena del salto una invitación a ser imitada (!!!), por lo que la emisión del anuncio tuvo una vida muy corta. Inasequible al desaliento, Giger sueña con construir un tren turístico en su museo para visitar las distintas salas montando vagones en miniatura, idea que aún no ha podido llevar a cabo por el coste económico. Finalmente, se ha tenido que conformar con una especie de tren artístico-de la bruja en el jardín de su casa. El aerógrafo

Y ahí andaba Giger, con sus peculiaridades y manías, jugueteando con tinta y óleo, hasta que en el año 1971 ocurrieron dos hechos que cambiaron su carrera artística para siempre: 1) Conoció el aerógrafo, una técnica que comenzaban a utilizar artistas hiperrealistas y que le permitía plasmar con gran rapidez sus ideas sin necesidad de bocetos ni correcciones; solamente aplicando finísimas capas de pintura que surgían desde lo más profundo de sus subconsciente, sin contacto físico con la superficie donde pintaba, y gracias a un aparato que se asemejaba a una pistola, una de sus pasiones infantiles como hemos comentado. 2) Descubrió las connotaciones sexuales del sistema de recogida de basura de Colonia, cuyos camiones tenían un peculiar mecanismo para volcar los contenedores en el interior del depósito a través de una estrecha abertura. A partir de la obra Passage X, ejecutada con aerógrafo, su fama se propaga y las pesadillescas uniones de máquinas y sexuales organismos biológicos, que ya experimentó en la serie Biomecanoides (y que dará nombre a su estilo en general) de 1968, se convierten en la marca de la casa. No deja de ser paradójica la utilización de una técnica como el aerógrafo, empleada en retoque fotográfico e hiperrealismo, para representar los tétricos mundos de Giger, escenas fuera de toda la realidad que cada vez son más oscuras y siniestras, combinando sus estructuras biomecánicas con iconografía esotérica. Es tal el dominio que llega a alcanzar que él mismo suele contar un incidente que tuvo en un aeropuerto holandés, donde los agentes de aduanas registraron su equipaje y se alarmaron al examinar alguna de sus obras, exigiendo que Giger explicara de dónde había sacado “esas macabras fotografías”. NO LO PUEDES DEJAR DE VER Una peli :

Alien, el octavo pasajero. Obra maestra y paradigmática del terror y la ciencia ficción, libre adaptación de la novela La línea de sombra, de Joseph Conrad. Supuso un punto de inflexión en las carreras de Ridley Scott; su protagonista, Sigourney Weaver; y Giger, que fue galardonado con un Oscar (el único de la película) a los mejores efectos visuales. Scott prepara ahora su precuela. (Ridley Scott. 20th Century Fox, 1979. 8,95 euros). Un disco:

Frankenchrist. Para ilustrar su tercer álbum, el más melódico, el líder de este grupo americano de hardcore punk, Jello Biafra, adquirió por 600 dólares el Paisaje de penes (1973) de Giger. Biafra fue acusado de facilitar pornografía a menores. Finalmente se anuló la acusación (aunque se obligó a cambiar la portada), pero el proceso ya había llevado a la discográfica a la bancarrota, que sobrevivió gracias a sus fans. (Dead Kennedys, 1985. 18,50 euros). Un libro :

The Mystery of San Gottardo. Incluye ilustraciones, textos, fotos, cartas y notas sobre un proyecto personal que Giger ha estado gestando durante más de 30 años y que ha tratado de llevar al cine sin éxito. A medio camino entre la ciencia ficción y el horror, ilustra una historia situada en una Suiza distópica en la que un brazo-pierna sexualmente insaciable causa estragos. (H. R. Giger (Taschen, 1998) 51,82 euros. www.amazon.com). En resumen, La obra de HR Giger es una obra polifacética, dramática, barroca, visceral, opresiva, siniestra y tal vez por todo ello, dotada de una belleza hipnótica.

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21 PELÍCULAS QUE TODO DISEÑADOR Y CREATIVO DEBEN VER

PARA VER EL TRAILER DE LA PELÍCULA HACER CLIC EN LA IMAGEN.

Todo diseñador o creativo tiene el don de contar con el gusto por la cultura visual. Consientes de que el ser diseñador es estar trabajando dentro de las ramas del arte, la exigencia se vuelve aún mayor.

Una de las muchas inspiraciones con las que puede contar un diseñador o creativo es la del séptimo arte. Como espectadores se busca un estimulo visual por parte de éstas, ya sea por su dirección de arte, vestuario, guión o fotografía.

En constantes ocasiones se buscan películas que tengan una propuesta visual impactante y original, no es necesario que tengan el mejor guión dentro de la industria, si no que sean únicas.

Una película sirve como referencia a un diseñador, puede ayudarlo a desarrollar el ojo en cuanto a composición visual y estética, e influenciarlo para futuros proyectos.

A continuación te presentamos una lista de 20 películas que todo diseñador y creativo deben ver por su propuesta visual, su uso de color y su composición.

Por su manejo de color

Estas películas se destacan por utilizar una paleta de color que resalta ante los ojos de todos los espectadores. Sus imágenes son limpias y mezcladas con tipografías y música originales que inspiran a todo diseñador. Entre los colores que se destacan en estas películas están los ocres, los verdes y los rojos.

1.- Amelie (2001) Director: Jean-Pierre Jeunet

2.- The Fall (2006) Director: Tarsem Singh

3.- Melancholia (2011) Director: Lars von Trier

4.- Moonrise Kingdom (2012) Director: Wes Anderson

5.- The Shining (1980) Director: Stanley Kubrick

Por su estética

La estética en una película es lo que puede llegar a consagrarla como una obra perfecta. Un elemento muy importante para lograr una estética perfecta es la fotografía, la composición de la imagen y el vestuario.

6.- Moulin Rouge! (2001) Director: Baz Luhrmann

7.- El laberinto del Fauno (2004) Director: Guillermo Del toro

8.- A Single Man (2009) Director: Tom Ford

9.- Where the Wild Thing Are (2009) Director: Spike Jonze

10.- The Science to Sleep (2006) Director: Michel Gondry

11.- Midnight in Paris (2011) Director: Woody Allen

Por su animación

Una ventaja de las animaciones es que son altamente creativas y diseñadas desde 0. Los elementos principales de este género es el diseño de personajes y escenarios. Las técnicas pueden variar: stop motion, 2d o 3d.

12.- Persepolis (2007) Director: Vincent Paronnaud, Marjane Satrapi

13.- Coraline (2009) Director: Henry Selick

14.- SpirIted Away (2001) director: Hayao Miyazaki

Por sus gráficos

Los elementos principales de estas películas es la creación de sus interiores, los gráficos utilizados en sus títulos y su composición en escena. Resaltar la personalidad de los personajes a través de su vestuario y dirección de arte.

15.- Pink Floyd The Wall (1982) Director: Alan Parker

16.- Sin City (2005) Director: Frank Miller, Robert Rodriguez y Quentin Tarantino

17.- Volver (2006) Director: Pedro Almodovar

18.- Waltz with Bashir (2008) Director: Ari Folman

19.- I´m a Cyborg, But That´s Ok (2006) Director: Chan-wook Park

Por su arquitectura

La arquitectura de una película puede inspirar a construir diferentes lineas, simetrías o profundidades.

20.- Inception (2010) Director: Christopher Nolan

21.- The Wizard of Oz (1939) Director: Victor Fleming

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La cámara que fotografía tu vida cada 30 segundos

Se llama Memoto y es una de esas ideas que podría quedar en nada o ser revolucionaria: una mini-cámara que, colgada de la ropa con un clip, toma instantáneas de nuestro día a día cada 30 segundos, sin enterarnos, sin apretar un solo botón. Con Instagram y el móvil ya tomamos y compartimos instantes de nuestras vidas. Memoto propone ir más allá: esta cámara de 5 megapíxeles, con GPS y acelerómetro, toma fotos por sí sola; al conectarla por USB al ordenador, las vuelca a una aplicación online ordenando y seleccionando automáticamente las más interesantes mediante reconocimiento de imagen (por ejemplo, aquellas en las que aparece gente, son nítidas…). El resultado es una especie de álbum fotográfico con los mejores momentos del día preservados para siempre. El proyecto se ha estrenado hoy en Kickstarter, la popular página de financiación colectiva, para recaudar 50.000 dólares y fabricar las 1.000 primeras unidades. En unas horas ha conseguido más de la mitad. Pinta que hoy mismo superará con creces el objetivo. (Actualización - 12:30 horas: ya lo ha hecho, en menos de 5 horas). Memoto es la última idea salida de Suecia. Su creador, Martin Källström, me explicaba hace unos días por teléfono desde Estocolmo que el sentido no es coleccionar miles de fotos, sino un puñado de ellas para preservar los momentos más preciados. “Hace tiempo perdí a mis padres por una enfermedad, me hubiera gustado tener más fotos de ellos, más memorias. Ahora tengo dos hijos y quiero documentar muchos momentos. Creo que como yo hay mucha gente”, explica.

Källström, de 38 años y con cuatro start-ups creadas a la espalda, señala que la idea es totalmente innovadora. “Capturar los momentos de tu vida de forma automática e inteligente es algo que no se había hecho antes”, dice, y añade que está todo listo para la producción de las primeras unidades. Han conseguido miniaturizar los componentes electrónicos, ya tienen un socio en Taiwán para la fabricación y han probado que todo funciona. Unas 14 personas trabajan con él en Estocolmo. “Lanzarlo en Kickstarter nos permite conseguir algo de financiación extra y comprobar que la idea interesa”. La cámara no tiene controles (la foto de arriba es un prototipo hueco creado por una impresora 3D). Mide solo 36 milímetros de ancho por 36 de alto y 9 de grosor; el GPS añade localizaciones para buscar mejor entre las imágenes una vez online y el acelerómetro orienta las fotos por si la cámara no apunta en la dirección correcta. Costará 279 dólares aunque en Kickstarter se puede obtener con descuento.

Si todo marcha, Källström planea cobrar también por el servicio de almacenamiento de fotos, unos 70 dólares al año (el primer año sería gratis). Asegura que las imágenes siempre se podrán exportar, sin coste adicional salvo que sean miles de fotos. “Con Memoto queremos que la gente se olvide de que lleva una cámara puesta”, dice . ¿Y qué hay de la privacidad? ¿Y si me incomoda alguien en frente con una cámara en la solapa? “Se lo dices. La cámara solo la puedes apagar si la pones sobre la mesa o la guardas en el bolsillo. Lo hicimos justo por eso: para generar transparencia y confianza”. Veremos si lo consiguen.

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Increibles murales de ETAM CRU

La talentosa dupla polaca Sainer y Betz que componen ETAM CRU, ha estado pintando las paredes y fachadas de algunos edificios a través de Europa y Estados Unidos. No sólo que sus trabajos son hermosos y coloridos, sino que además algunos son enormes.

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Innovación De Productos En Australia, la compañía Durex ha creado una línea de ropa interior para hombres y mujeres que cuenta con un mecanismo de vibración. Dicho mecanismo se opera de forma remota por la pareja usando una aplicación para iPhone. Con sólo tocar la pantalla del smartphone es posible elegir la parte exacta que se quiere hacer vibrar en la prenda íntima de la otra persona. Este curioso producto ha sido bautizado por Durex como ‘Fundawear’, y através de una página de Facebook, la empresa ha lanzado un concurso para buscar personas que deseen probarlo. A continuación pueden ver una pareja australiana “iTocándose” gracias a ‘Fundawear’!

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7 hábitos que dañan tu retina

Una buena salud visual es básico para tener una mejor calidad de vida y disfrutar al máximo todas nuestras actividades, sin embargo, algunos de nuestros hábitos pueden generar afectaciones en nuestros ojos pero, ¿qué daña la retina? De acuerdo con especialistas de Mayo Clinic, la retina es una capa delgada de tejido que se encuentra en la pared posterior interna del ojo; contiene millones de células sensibles a la luz y otras nerviosas que reciben y organizan la información visual. La retina envía esta información al cerebro a través del nervio óptico, para que puedas ver, pero tanto factores hereditarios como diversos hábitos pueden afectar este proceso, lo que causa enfermedades y daños en esta parte del ojo. 1. Fumar. Un estudio publicado en The Medical British Journal demuestran que fumar daña severamente la visión, ya que la exposición al humo del cigarro acelera el proceso degenerativo de la retina, lo que causa Degeneración Macular. 2. Tomar refrescos “light”. De acuerdo con la Asociación Mexicana de Estudios para la defensa del Consumidor (AMEDEC) existen estudios que el consumo en exceso de azúcar sintética como el aspartamo puede generar daños en la retina. 3. Uso excesivo de la luz LED. La investigadora Celia Sánchez Ramos, de la Universidad Complutense de Madrid (UCM) detalla que la exposición continua a este tipo de luz daña la retina. 4. Exposición a los rayos UV. Permanecer mucho tiempo bajo los rayos del sol sin ninguna protección (lentes) puede generar enfermedades oculares que dañan la retina o la superficie de los ojos como la degeneración macular o maculopatía solar, según la Sociedad Española de Retina y Vítreo (SERV) 5. Uso de láser verde. Dennis Robertson, MD, oftalmólogo de Mayo Clinic, asegura que enfocar directamente el láser a los ojos puede dañar la retina y la visión. 6. Ingesta excesiva de ácido acetilsalicílico. Un estudio de la Universidad de Sidney, publicado en el Jama Internal Medicine, sugiere que las personas que toman con frecuencia y por muchos años el ácido acetilsalicílico tienen más riesgo de desarrollar degeneración macular. 7. Uso de poppers. Un estudio publicado en la revista científica Eye sugiere que el uso de esta sustancia química en la vida sexual puede generar problemas de visión, al dañar las células de la retina. No olvides que tus ojos son parte importante de tu cuerpo, así que trata de mantener hábitos que cuiden su salud como alimentarte sanamente, acudir con un especialista para una revisión general y protegerlos adecuadamente.

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¡La Creatividad no tiene limites!

El artista sueco Johan Thörnqvist toma fotos con su celular y luego dibuja sobre ellas, creando así un mundo muy particular en el que todo diseñador le gustaría vivir.

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DISEÑO DE INTERIOR A PARTIR DE LA TIPOGRAFÍA

En una tienda en Italia de alimentos ecológicos el diseñador español Jordi Rins, se puso hacer letras sobre una superficie oscura, es como si fuera un enorme pizarrón pero en lugar de gis utilizó plumones. Las palabras que hizo con diferentes tipografías tienen relación con la tienda, hablan de productos orgánicos, plantas, cuales son los alimentos de temporada, etc. Lo interesante es ver que la tienda no necesitó nada más para que se viera muy bien, la decoración sólo es buena tipografía. Es muy interesante ver como no se necesito de muchas cosas para decorar ese tienda, con las tipografías hacen que la tienda luzca interesante y le da un toque de tienda antigua por las familias tipográficas que eligió el diseñador.

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Este vídeo intenta dar cuenta del peculiar rol asignado al diseñador gráfico dentro del mundo del cine. Agradecimientos especiales a la Catedra Gabriele, FADU - UBA

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¡Un Sketchbook para inspirarse!

compartimos el magnifico trabajo de un diseñador francés que bajo la firma de Pez Artwork, deja en evidencia su talento y creatividad. 

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Este es un video realizado por unos estudiantes de Diseño Gráfico. La historia cuenta cómo la Akzidenz Grotesk, una de las primeras y  mejores fuentes de palo seco o sans serif originales (creada en 1898) fue “copiada” y desplazada por la Helvética (creada en 1957 por Max Miedinger). La Akzidenz fue realmente la precursora de la Helvética.  El video es bastante bizarro y poco “Tarantino”, pero está muy bueno.

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Tipografías de logos famosos

Cuando un logotipo se hace famoso y queda grabado en la retina, gran parte de dicho mérito lo tiene generalmente la tipografía. En este aspecto creo que los diseñadores somos como los niños, puede que hayamos visto miles de veces esa tipografía para descargar y la hayamos pasado de largo, pero al verla en un logo famoso queremos averiguar de que fuente se trata y la queremos tener en nuestro baúl de recursos.

Y justamente uno de estos diseñadores-niños ha estado hurgando y averiguando sobre los logos mas famosos de la red, posteando una lista con el logo y la fuente utilizada, la cual exponemos a continuación:

Twitter: Pico Alphabet (modificada)

Last.fm: National (modificada)

Vimeo: Black Rose

Flickr: Frutiger Black

Facebook: Klavika (modificada)

Digg: FFF Forward (modificada)

Cork’d: Triplex

Grooveshark: FF Nuvo

Envato: Agenda Italic

Tuts+ Network: Lubalin Graph

Technorati: Neo Sans Medium

Purevolume: Avenir Book

Youtube: Alternate Gothic No. 2

Basecamp: Whitney

Diego Mattei Blog: Grobold

Google: Catull BQ

Yahoo: Yahoo Font

Hulu: Futura MDd BT (modificada)

Bebo: Neuropol (modificada)

TMZ: Amelia

The ONION: Eagle Bold

Linkedin: Myriad Pro Bold

Skype: Helvetica Rounded Bold

Revision 3: VAG Rounded Black

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Los 10 errores más comunes a la hora de diseñar un logotipo

Hoy más que nunca es imprescindible para cualquier tipo de negocio o emprendimiento, distinguirse y destacarse del resto. ¿Y cómo lo logran? Con su logotipo. Su marca gráfica es fundamental en este sentido y también para su promoción, identificación y reconocimiento.

Aquí hay una lista de los 10 errores más comunes a la hora de diseñar un logotipo exitoso y profesional.

1- Dejar el diseño en manos de un amateur

Evitar sitios web que ofrecen "logos" a precios baratísimos. Un negocio profesional debe lucir profesional. Muchos empresarios al comenzar su negocio invierten muchísimo tiempo y dinero en materiales y equipamientos, pero no invierten en su logotipo.

Estas son las razones más comunes de porqué muchos logotipos parecen amateurs:

El empresario quiere ahorrar tiempo y dinero diseñando el "logo" él mismo.

Un amigo o pariente que dice tener algún conocimiento de diseño lo hace como un favor.

El "logo" es encargado a gente que no es la indicada (Las imprentas generalmente no son competentes en diseño de logotipos) acá en Bogotá en sitios como Ricaurte o La estrada.

El trabajo es dado a compañías on line que ofrecen "logos" baratos, baratísimos.

Las ventajas de contratar a un profesional son:

Tu logotipo va a ser único y memorable.

No vas a correr ningún riesgo con su posterior reproducción.

Tu logotipo tendrá una larga vida útil y no necesitará ser rediseñado por unos cuantos años.

Tu logotipo lucirá profesional.

2- Diseñar el logotipo según la tendencia del momento

La moda de poner semicírculos cóncavos, brillos, biseles o lo que sea, va y viene y se termina transformando en un cliché. Un logotipo bien diseñado es eterno, y esto se logra ignorando los últimos gritos de la moda (trucos y efectos). El logotipo debe representar una identidad única para el cliente, por eso no hay que dejarse llevar por la tendencia en diseño de "logos" del momento.

Ser consiente como diseñador de lo que está en tendencia es importante, pero más que nada para tratar de evitarlo.

3- Utilizar imágenes rasterizadas

Para el diseño de logotipos se utilizan programas para gráficos de vectores, como Adobe Illustrator. Un gráfico en vectores está construido por puntos matemáticos muy precisos, lo cual hace que la imagen pueda ser redimensionada a cualquier tamaño sin pérdida de calidad visual. Lo contrario es utilizar programas de imágenes rasterizadas como Adobe Photoshop. Una imagen rasterizada es un mapa de bits que está construida a partir de píxeles.

Usar este tipo de gráficos para un logotipo no es aconsejable porque pueden haber posteriores problemas para su reproducción. Si bien es posible crear un logotipo bastante amplio en Photoshop, nunca se puede estar seguro de cuán grande va a necesitar ser impreso en algún momento. Si se hace demasiado zoom a una imagen rasterizada, aparecerá pixelada, lo que la hace inutilizable.

Las ventajas de utilizar vectores para diseño de logotipos son:

El logotipo puede ser redimensionado a cualquier tamaño sin perder calidad.

Es más fácil para editarlo en un futuro.

Puede ser adaptado a otro medio mucho mejor que una imagen rasterizada.

4- Utilizar gráficos de bancos de imágenes

Este error generalmente es cometido por el dueño del negocio quien diseña su propio "logo", o por amateurs que no tienen idea sobre las leyes de copyrigth. Bajar gráficos de bancos de imágenes no es un crimen, pero probablemente sea un problema si se incorpora a un logotipo.

El logotipo debe ser único y original, y los derechos de él deben ser exclusivos del cliente. Utilizar imágenes de stock es romper ambas reglas. Además si se utiliza un vector o gráfico de estas fuentes, se corre el riesgo de que otra persona utilice la misma imagen, y el logotipo ya no será único ni exclusivo.

5- Diseñar para uno mismo y no para el cliente

Este “pecado” se nota a un kilometro de distancia, y generalmente es producto del enorme ego del diseñador. Se debe pensar siempre en el objetivo y el mensaje del logotipo. Pensar qué tipo de tipografía es la más apropiada para trasmitir la idea de la empresa. Lo correcto es apegarse al brief y enfocarse en los requerimientos del cliente.

Algunos diseñadores dejan su propia marca en su trabajo, pero imponer el estilo y la personalidad de esta manera no está bien. Jorge Frascara se refiere a este error como “ruido” en el diseño, de manera que opaca el mensaje que se debe trasmitir.

6- Demasiada complejidad

Como sucedería con una huella digital, en la cual sólo observamos sus líneas sinuosas cuando la miramos de cerca y en cuanto nos alejamos un poco perdemos todo detalle. Lo mismo sucede con un logotipo con detalles muy finos.

Cuando son impresos en tamaños pequeños, un logotipo demasiado complejo perdería su particularidad, llegando a ser una mancha o, peor, un error. Cuanto más detalles tenga un logo, más información debe procesar el receptor. Un logotipo debe ser fácil de recordar, y la mejor manera para lograrlo es mantenerlo simple. Basta con mirar los logos de corporaciones como Nike, McDonal’s o Apple. Todas ellas tienen un ícono muy simple que puede ser reproducido en cualquier tamaño sin complicaciones.

7- Depender del color para causar efecto

Este es un error muy común. Muchos diseñadores no pueden esperar a ponerle color a su diseño, y algunos logotipos terminan dependiendo del color completamente. La elección del color debe ser el último paso del proceso, lo mejor es comenzar a trabajar en blanco y negro.

En algún momento quizás el cliente tenga que imprimir su logotipo a un color, por este motivo el diseñador debe probar si esto afectaría a la identidad del logo. Si se utilizan los colores para distinguir los elementos del diseño, entonces el logotipo lucirá totalmente diferente a una tinta.

8- Una mala elección tipográfica

La elección de una fuente puede hacer al éxito o fracaso del logotipo. Elegir la tipografía apropiada es la decisión más importante que el diseñador debe realizar. Frecuentemente, un logotipo fracasa a causa de una tipografía inadecuada u ordinaria. (En la imagen que ilustra este punto se utilizó la fuente "Comic Sans")

Encontrar la fuente perfecta para un diseño, depende de  una relación formal entre la tipografía y el estilo de la imagen. Pero esto puede ser un poco delicado. Si la relación es demasiado estrecha, el icono y la fuente competirían entre sí para captar la atención. Si fuera lo contrario, se desprenderían uno del otro y el receptor no sabría donde enfocarse. La clave está en encontrar el equilibrio justo. Cada tipografía tiene una personalidad. Si la fuente elegida no está de acuerdo con las características morfológicas del ícono, todo el mensaje que se quiere transmitir fallará.

9- Demasiadas tipografías diferentes

Usar demasiadas fuentes en un logo es como mostrarle a alguien todo el álbum de fotografías al mismo tiempo. Cada tipografía es diferente, y el receptor necesita algún tiempo para reconocerlas. Demasiadas fuentes generan confusión.

Usar un máximo de dos tipografías de diferentes cuerpos es una práctica usual. Restringir el número de fuentes a esta cifra aumenta la legibilidad del logotipo y el reconocimiento de marca.

10- Copiar a otros

Este es el error más grande de todos, y se está haciendo cada vez más y más común. Como se mencionó anteriormente el propósito de un logo es representar un negocio. Si resulta igual que el de cualquier otro, ha fallado en ese aspecto. Copiar a otros no le hace ningún favor al cliente ni al diseñador.