BALAZO

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ÁRIDO CÁLIDO.

Pretende hablarnos desde la identidad norestense con una selección de artistas hecha por un equipo en el que participaron galerías y espacios independientes de la ciudad. Pedro Magaña, Carlos Lara, José de Sancristobal, Mónica Vega, Ana Mercedes Hoyos, Francisco Larios, Generoso Villareal, Rubén Gutiérrez, Carlos Balderrama, Blasto, Oswaldo Ruiz, La Lucha Libre, Issa Téllez, Mayra Silva, Pedro Friedeberg, Federico Jordán y Jessica Nieto exponen en distintos puntos del centro en un área que abarca la Macroplaza, el Museo Metropolitano, el terreno al lado de la Capilla de los Dulces Nombres y la Catedral de Monterrey.

La mayor parte del proyecto de Las Artes Monterrey en el centro de la ciudad no refleja ninguna aproximación ni reflexión con el espacio, contexto o comunidad presentes en la zona al ser obras ubicadas en espacio público, funciona como un lazo entre el contenido que se presenta dentro de las galerías de San Pedro para el transeúnte cotidiano del centro (vendedores ambulantes, trabajadores, paseantes, etc.). Resumir en una sola definición de identidad a toda la población del norte es inviable. El factor de los recursos económicos es uno de los más importantes para definir nuestra posición en las estructuras sociales; doblemente cuando se plantea desde la torre de marfil (ivory tower), un lugar hermético y privilegiado.

El patrón aburguesado y cómodo de la pantalla del arte permite al espacio llegar como colonizador, el protagonismo de los habituales personajes del circuito artístico regiomontano es evidente hasta en el registro de las obras que requerían la participación activa del público, al transitar por el espacio la gente evitaba los contenedores ubicados a un lado de la capilla de los Dulces Nombres.

Cuestionemos el contenido, pensemos en el efecto que se podría generar con proyectos con el mismo capital, repensemos estructuras y sistemas, consideremos siempre las otredades en donde se va a interferir, como gestores culturales y como artistas que presentan su obra en vía pública. Cuestionemos objetivos, función y finalidad de lo que se va a promover fuera del espacio privado que llega a receptores con distintas estructuras de lectura y decodificación de mensajes.

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Tifoidea

Septiembre. Espacio en Blanco.

Algunas conclusiones a partir de Tifoidea zine / exposición.

 Excusa para la fiesta y la música; una reunión expresada a partir de otros lenguajes. (La aleatoriedad presente, como parte de esos lenguajes)

La exposición hacia un espacio introductorio repleto de imagen, carente de información concreta. En referencia directa, tangible, de recopilación histórica del proyecto.

El proyecto como cúmulo de ideas dispersas unidas por una aparente línea en cada tomo. Ejercicio de campos semánticos de tren de pensamiento. Ventana hacia el depósito y búsqueda de significados o lógica a través de la proyección propia.

El proyecto y su conjunto de referencias visuales, semi atemporales, presentes dentro de nuestra cultura popular. Nostalgia aprendida y apropiada hacia la vibra característica de los noventas.

La familiaridad previa hacia el proyecto en formatos de revista a manera de apoyo referencial y de antecedentes respaldados por siete tomos. El efecto de déjà vu tras entrar al espacio expositivo y presenciar el brinco del zine al muro. 

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SOMOS inevitablemente

Contestación de Textos Balazo para El club de los 27.

Somos 

Inevitablemente

La respuesta a los bagajes históricos y culturales de crisis en el arte de la ciudad de Monterrey, 

el error y el hueco que dejaron, 

la prueba de la resilencia al cambio, 

el feminismo en práctica, 

la exigencia del ser escuchadx,

un nuevo sistema incluyente,

el deber ser, roto; 

somos fuerza exorbitada porque no tiene a donde llegar. 

Somos el espacio independiente, autogestivo, autocrítico, 

investigadores, escritores, productores, artistas, 

trabajadores 

somos colegas y compañerxs. 

Somos archivo y memoria, 

que no busca ser complaciente ni tibio, 

que es persona, 

que considera al otrx como ser humanx,

cuestionamos y proponemos, sin roles, 

somos compromiso. 

Somos inevitablemente el 

permanecer más que veintisiete, 

permanecer más que lo que nos propusimos, 

permanecer más que lo que nos pensaron, 

permanecer más de lo que nos enseñaron.

El club de los 27 por Paola Livas 

Por la importancia de reconocer que somos la fuerza incipiente.

Considero que la categorización determinista nos limita y de una forma u otra nos resistimos a ella. Somos conscientes de¬ la vida y muerte del “espacio independiente” (sabemos la carga controversial que conlleva el uso conjunto de esas palabras) pero entendiendo el fenómeno como lo planteó Tamara Ibarra en su investigación “Tomar la ola. Movimiento de los Espacios Independientes” (2013), estamos montando la ola a sabiendas de que llegaremos a su Cresta (coincidencia afortunada del lenguaje) y bajaremos estrepitosa o apaciblemente. 

Volvemos al “centro y la periferia” y sus connotaciones de poder, volvemos a Baudelaire y el arte por el arte, ideas que parecen escaparse de una estructura social capitalista y una pesada valoración regia a la cultura del trabajo, los bienes tangibles y circulables, el tiempo productivo. 

Escribo desde un acelere de cafeína a las 11 de la mañana de sábado intentando procesar lo dicho ayer bajo la cochera de Lugar Común en una convocatoria sin precedentes de agentes culturales de Puebla con los espacios independientes, emergentes, autogestivos y alternativos de Monterrey. Ahí, entre el bochorno posterior a una lluvia que la canícula nos venía debiendo desde hace meses, el humo de todos los cigarros fumados, los focos incandescentes, la cerveza y los humores enervados y desganados, me di cuenta de la importancia de tomar el control de nuestra narrativa.

El club de los 27 es un nombre cargado de infortunio y mal augurio que se me presentó muy claro al empezar a escribir este texto. Mirando a mi alrededor y reconociendo a los nuevos dirigentes de los espacios y/o estrategias me es inevitable pensar en cierta fuerza generacional. Somos en su mayoría menores de 27 años, en algunos casos sobre los 27 y en menos casos superándolos por 1 o 2 años. 

Somos, para los mayores, caso de estudio y promesa a futuro. Somos, tal vez, encasillables o esquivos a clasificaciones, somos, ante sus ojos, ingenuos y acelerados. Pero lo cierto y evidente es que SOMOS. Aun ante los obstáculos económicos y prácticos de un entorno artísticamente hostil, somos, con la expectativa y determinación de seguir siendo.

Somos, y por eso hay que manifestarlo, por eso hay que generar una crónica de nuestros encuentros y desencuentros, aciertos y errores, nombrarnos y definirnos o indefinirnos, identificar nuestras necesidades particulares y abordarlas, trabajar desde, para y por la ciudad si es el caso, construir los puentes que nos parezcan necesarios y destruir los que nos estorben, recurrir a la validación que nos sustente o generar la propia, establecer las comunidades virtuales y reales que nos mantengan vivos. 

Montemos la ola o la alegoría que nos funcione, enfrentémonos a esas instancias de cuestionamiento e incertidumbre que se generan desde las reuniones multigeneracionales sin precedentes, pero, principalmente, colegas de OSCILANTE, El Taller, Malteada La Vida, El Expendio, FEA Internacional, Textos Balazo, Artpipol, PUAC y cualquiera que se nos una, reconozcamos el reto que hemos enfrentado de emerger y el mayor reto de permanecer. Que a septiembre de 2018 manifestemos que somos, y que, como la fuerza incipiente de la escena artística en Monterrey, seguiremos esforzándonos por ser.

Paola Livas

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(un)happy accidents, Malteada la vida

CRGS

Los accidentes y errores son parte de la práctica y consecuencia lógica de un proceso de discernir entre el cómo se puede y cómo no, (un)happy accidents, muestra la anécdota y el objeto. Errores en la manufactura de la pieza, performaticos o de arquetipos sociales.

En el hacer del arte aún se pueden encontrar formas y métodos de lo correcto en la técnica y manufactura, aun así, considerando el límite de la experimentación de la materia; mientras que dentro de la conceptualización de la pieza no se desarrolla del mismo modo, en la mayoría de las veces aporta a un significado de valor en relación al proceso, la prueba y error te hace entender nuevas necesidades y condiciones, sean físicas y/o conceptuales.

Si bien el error técnico dentro del arte por su estética puede ser llamado arte contemporáneo y pasar fácilmente desapercibido dentro del cubo blanco, en esta propuesta se integró un recurso de apoyo donde los artistas agregaron un texto que relata el accidente que tiene la pieza, del cual se leen distintas dinámicas que plantean a grandes rasgos.

Entendiendo el accidente como suceso imprevisto y permanente de la cotidianidad del ser humano se deben considerar las variables posibles para tener un resultado mas aproximado a lo deseado; lo cual nos orilla a pensar y cuestionar los rangos de objetividad y subjetividad sobre la forma en la que se plantea y percibe un error dentro de la conceptualización de una proyecto/obra de arte y quién define la linea panoramica de la experimentación sin llegar a ser Rerror.

Registro fotografico por Malteada la Vida.

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Crewmaster | El Expendio

Agosto 23

Crewmaster, proyectos paralelos se titula el evento que se desglosa en tres proyectos individuales de Tony Allen (Nostalgia 1994), Maurilio Rojas (Monstruos Fabulosos) y Neto Gzz (Lucid Neon Nightmares) inaugurados a la par con El Expendio, lugar que les aloja y que se presenta como un nuevo espacio independiente interesado en propuestas de arte contemporáneo en el centro de Monterrey.

Referirse al paralelismo dentro del título de la muestra es acertado, pues El Expendio, al menos en esta primera presentación, funciona a manera de espacio conformado por espacios, donde cada proyecto individual se acomoda por su cuenta sin generar un diálogo o una intersección evidente con el trabajo artístico que se encuentra al cambiar de habitación; a diferencia de lo que generalmente se presenta en las inauguraciones, esta vez nos encontramos con una propuesta de propuestas, donde de cierta forma se comparte el espacio entre proyectos manteniendo cierta distancia.

El Expendio nace y se enlista dentro del marco del creciente surgimiento de proyectos independientes que han marcado un historial dentro del quehacer artístico local con espacios longevos como NoAutomático y proyectos más recientes como Malteada La Vida, El Taller, Oscilante, Lugar Común, La Cresta, Deadline y Espacio en Blanco, que operan como núcleos de diálogo a manera de plataformas que en ocasiones además de exposiciones ofrecen talleres u otras actividades para la comunidad.

Si bien El Expendio es recibido con gusto dentro de la creciente oferta espacial, el reto ahora es la constancia de las actividades futuras a realizar; que se aprovechen, pues, los metros y metros cuadrados disponibles en proyectos que hablen desde y hacia la ciudad.

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EMERGENCIAS: PRIMER ACTO

Lo que vuela y lleva polen cae al suelo, de la tierra emerge; el horizonte es la línea donde se divisa día con día nueva flora, nueva producción, nuevos artistas, nuevo arte.

Exposición colectiva por Angélica Zeledón, Victoria Elizondo, Michelle Chávez, Darío Romo y Raúl Márquez en el Taller 10/10 Ote.

Con la intención de generar un taller de producción donde las ideas se conviertan en acciones y finalmente en producción artística, Edgar “Bacalao” Argaez y Raúl Márquez inician el Taller 10/10, invernadero donde se cultivan nuevxs productores locales para convertirse en artistas insertos en las prácticas del mercado del arte.

Articular estos espacios es labor de mantener viva la práctica, haciendo crecer una tradición de taller plástico que es poco vista en monterrey: una labor de compartir sin celo el conocimiento y la herramienta. Lxs artistas seleccionadxs para trabajar aprenden e insertan nuevas perspectivas enmarcadas dentro del mismo contexto, así como en conjunto están sujetxs a la crítica y autocrítica constructiva, que al mismo tiempo genera confianza, desinhibiendo posibilidades y experimentos en la producción.

En esta ocasión las ideas son plasmadas en punto y línea, dibujo y grabado, técnicas concretas y gestuales que desvisten por completo la personalidad y rasgos más particulares de los artistas, dándonos una presentación honesta y en bruto de quienes son y lo que están creando.

Vemos el brote de otro espacio en la ciudad que abre sus puertas, vemos una vez más a artistas preocupadxs porque los oficios no mueran, transformando contenidos, generando productores para así, cultivar nuevas ideas.

Colaboración con Pedro Zeuqram  

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Colección MARCO

La Colección MARCO empezó a establecerse en 1994 con el premio MARCO; se extendió una invitación a una serie de artistas seleccionados para donar obra, entre la cual se escogió un solo ganador al que se le entregó un único premio de 250 mil dólares. Todo ello por medio de un jurado conformado en parte considerable por miembros del consejo del museo y el arquitecto de este, Ricardo Legorreta.

El museo se hizo entonces de 98 obras de artistas mayoritariamente originarios del continente americano, resultando ganador Julio Galán, artista local reconocido en los noventas, con su obra Sácate una muela (1994), pintura que se presenta quizás de manera obligatoria cada vez que se elabora un proyecto expositivo con la colección. De las 98 obras hubo 80 pinturas, 10 esculturas, 6 instalaciones y 2 collages; selección congruente con la época, pero también con el carácter conservador industrial de la ciudad.

La información acerca del acervo del museo es un tanto difusa, existe un listado de artistas que lo conforman; sin embargo, no es posible acceder a un registro fotográfico de la mayoría de las piezas, ni de las curadurías que se han logrado a partir de ellas, ni de las adquisiciones posteriores que, como menciona el texto de sala de la exposición actual, se han ido sumando hasta llegar a “cerca de 200 piezas” en su totalidad.

La Colección MARCO ocupa una vez más las salas del museo. Inaugurada el primero de agosto del presente año, se conforma esta vez por 65 piezas seccionadas por categorías como figura humana, paisaje y naturaleza, representación del espacio y escenas con narrativa. Las curadurías anteriores de la exposición se caracterizan por abarcar conceptos amplios de manera general. Considerando que se trata de una colección privada en Monterrey, queda claro que encontramos tanto piezas que pudieran tener fundamento teórico como piezas que se abren lugar dentro de la colección por sus características estéticas.

Lo que podemos resaltar de la muestra actual es que se tomaron en cuenta diversas características de las piezas para invitar al público a participar en actividades dentro de la sala expositiva, partiendo de conceptos básicos de análisis de la imagen como la línea, color, valor, figura, textura y espacio. En la sección de retratos hay pizarrones con marcadores en los que se invita al participante a retratar a un acompañante de perfil; una mesa con barro para modelar acompaña la sección de figura humana; y siluetas de zapatos marcadas en el suelo señalan la posibilidad de realizar una coreografía en la sección de figura humana en movimiento.

Durante el recorrido se pueden observar a los visitantes realizando las actividades. Estos módulos funcionan como focos de atención, lo cual nos lleva a preguntarnos  la pertinencia y utilidad de integrar al publico al acervo utilizando este tipo de recursos, y qué pasa cuando el material complementario de la exposición llega de manera más directa y efectiva al público que las piezas mismas.

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Deadline 2

Deadline se abrió paso con su segunda edición, esta vez dentro de los cuartos que funcionan a manera de salas expositivas en El Taller, espacio independiente a cargo de Alejandro Gómez y Nico de León, quienes fueron parte del jurado de selección de obra junto con Abril Zales y Paola Livas, creadora del proyecto; resultando en una exposición donde participan Georgia Durán, David Nahum, Ache, Jimena de la Mora, Aarón de León,  Luis Bañuelos, Deni Ríos, Raúl Pereyra, Ángel García, Andrea Hinojosa, Carlos Gómez Dalvi Kai, Fernanda Santos, Jesús Vergara, Marco Ávalos, Modwina Rocío, Carlos Lara, Malcolm Vargas y Cristy Martínez.

Resulta inevitable realizar una comparativa entre la primera muestra expositiva que se realizó en el mes de marzo en Oscilante, y la recién inaugurada el pasado diez de agosto; no sólo por el afán de darle seguimiento sino por evolución del proyecto que pudo apreciarse en esta segunda edición.

Quizá mencionar la diferencia en cuanto a la amplitud de los espacios y cómo estos afectan directamente en elementos como la percepción y las limitantes para con las obras sea caer en obviedades; sin embargo, resulta importante mencionar que El Taller evidentemente le brindó a Deadline la posibilidad de seccionar y acondicionar un poco más el ambiente alrededor del conjunto de piezas dentro de cada sala, como fue el caso de Líquido y Harto de lo que no entiendo  de Carlos Gómez, instalaciones de video que se reprodujeron en una pantalla a la pared y un televisor analógico en el suelo de un cuarto a obscuras, encaminado por la pieza De aquí al otro de Jimena de la Mora, que se encontraba proyectada al final del pasillo que antecede a la sala; esto permitió un recorrido muy distinto al que se pudo apreciar dentro de las paredes de Oscilante, donde se presentó una propuesta un poco más lineal.

La variedad de formatos fue otro aspecto destacable de la exposición, pues se conformó por proyectos de pintura, escultura, fotografía y video, así como instalación de audio, textil, intervención in situ, piezas donde la participación del espectador es clave para su activación, incluso proyectos conformados por diversas técnicas y formatos, lo cual nos lleva a pensar en las posibilidades a futuro para la escena local teniendo en consideración el brinco que se ha dado hacia formatos más allá de lo tradicional; asimismo, se presentaron propuestas de montaje muy interesantes, como Skylines de Cristy Martínez, fotografía digital que se encontraba adherida al techo del lugar, por lo que te obligaba a mirar hacia arriba, y Lo que sea de Jesús Vergara, compuesta por fotografía, instalación de audio y texto impreso en vinil adherido al suelo.

El proyecto logró alcanzar un nuevo nivel dentro de los estándares y parámetros puestos por el mismo cuando arrancó debido a su continuidad. Queda claro que Deadline ha crecido considerablemente no sólo en cuanto a cantidad de participantes, sino en presentación y propuestas de proyectos, asistencia de espectadores y expectativa de nuestra parte para la siguiente edición. Partiendo por interés por incentivar la producción artística emergente y el registro del mismo como parte de los cimientos para este programa de exposiciones, se puede decir que al menos en este lapso de cinco meses se ha logrado el objetivo.

*Gracias a El Taller por compartirnos el registro fotográfico del evento. Para ver el registro completo del evento y de las piezas, te invitamos a checar su instagram: @eltaller3120

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Blanco Sobre Blanco

Museo El Centenario. 

Cuatro hileras sostienen el trabajo textil de los veintiocho huipiles, lienzos y rebozos oaxaqueños que se encuentran suspendidos dentro de la exposición Blanco Sobre Blanco del Museo El Centenario. Las piezas son parte del acervo del Museo Textil de Oaxaca y fueron elaboradas por maestras del telar de cintura de distintas regiones de su estado.

Hablar de esta exposicion implica hablar de tradición y una sociedad que alberga identidad cultural. Como complemento de las piezas, se presenta al final de la sala un pequeño video documental que muestra la vida cotidiana de los grupos indígenas oaxaqueños. Ambas partes de la exposición cuentan con los mismos elementos base, cada uno bajo un foco distinto: trabajo y comunidad.

Parte de la consigna central es la contemplación de la tela; el trabajo suspendido dentro del espacio le permite al espectador mantener una aproximación física más directa, genuina y un poco menos limitada, y logra acercar la mirada hacia los diseños de bordado blanco que se dibujan sobre las telas mayormente blancas o del tono natural del algodón.

La intención, el espacio y los procesos son factores que actúan en el definir del arte contemporáneo, son señalados dentro del mismo texto de sala para generar esta reflexión y en parte explicar y concretar estas piezas como arte.

La exposición funciona como un reflejo y realce del trabajo indígena oaxaqueño, recuperar la mirada para procesos y memorias. Guardar como archivo el mismo trabajo que solo se puede conservar por generaciones mediante la misma acción del hacer.

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No hay lugar como el hogar, Monica Vega

Julio. La Cresta.

  Contemplar un momento cálido.

 Lo simple, lo imperceptible a la rutina hecho para contemplarse y sentarse a ver luz.

Observar

El objeto es objeto hasta que se observa

Lo simple se vuelve simple hasta que se ve,

Hasta que te sientas y cuestionas, ¿desde cuándo ha estado? / hasta caer en la cuenta que no sabes cuándo lo viste por primera vez, esperando que ese gusto de ver lo nuevo no se pierda por encontrarlo después en todos lados.

 La luz. Radiación electromagnética que es percibida por el ojo, percepción que varía por el sujeto que la ve,

Tan vital y tan imperceptible;

La luz se propaga a distintas velocidades según por el medio por el que viaja, se propaga.

Atmosfera saturada

Determinado momento

A lo largo de su transmisión

Interponemos un cuerpo

Que refleja

La luz se propaga a través de la materia de una forma más lenta que en el vacío.

 Hogar, el lugar que evoca, seguridad y calma,

 Mientras exista la luz (natural), en un ciclo que se puede reproducir infinitas veces, que te proporcione un lugar para contemplar una atmosfera cálida.

Mientras exista el hogar, un ciclo que se puede reproducir infinitas veces, que te proporcione un lugar para contemplar una atmosfera cálida.

 El cuerpo absorbe el tiempo reflejado en luz de un proceso natural, donde nadie busca, se crece.

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Sobremesa con Verónica Gerber Bicecci

La intimidad colectiva, la sinceridad, las reflexiones, risas, dudas y discusiones se encontraron en un Lugar Común el sábado 14 de Julio.

Se trataron diversos temas en la sobremesa que se prolongó a lo largo de casi 4 horas, entre ellos los formatos expositivos, la validez y composición de los textos de sala y los elementos  mediadores de la obra en los museos, la respuesta del público a la obra, y el proceso de producción artística.

Esta reactivación de Lugar Común, además de ser amena, cumple con una función valiosa para la comunidad: una oportunidad de poner sobre la (sobre)mesa algunos temas importantes que idealmente pudieran llevarnos a conclusiones contundentes que permita desarrollar la práctica artística local; la presencia de Verónica Gerber, artista proveniente de la ciudad de México, funge como elemento clave ya que brinda un punto de vista desde experiencias y contextos diferentes al nuestro como Neoloneses.  

La “informalidad” de esta charla es ya característica de Lugar Común, el generar una dinámica sencilla de sentarse a platicar (tal cual) con un tema en mente, para así tejer un hilo de conversación que se ramifique casi hasta media noche. Propone un moldeado de formatos tradicionales de charla, donde “la gente que sabe” se sienta de un lado, “la gente que desea saber”, del otro. Si bien no es la primera vez que se abre el espacio para un evento de este estilo y se confía que tampoco sea la última, esperamos que sigan proponiéndose diferentes formatos de charla en la ciudad.

*Gracias a Pedro Magaña por facilitarnos registro fotográfico de la charla

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Callegenera | Mujeres y su Participación en el Arte y Cultura Urbanas.

comunidad

nombre femenino

1.

Conjunto de personas que viven juntas bajo ciertas reglas o que tienen los mismos intereses.

Por octava ocasión, el Festival de Expresiones Urbanas Callegenera toma lugar como todos los años desde el 2011 en instalaciones de CONARTE principalmente. Desde sus inicios, el festival pretende evidenciar la estética que se vive a diario en las calles ofreciendo exposiciones, talleres, competencias de skate y breakdance, proyecciones de documentales, conciertos, etc que se extienden a lo largo de dos semanas. Inicia este año con su ciclo de actividades el 13 de julio con la exposición Mujeres y su participación en el arte y cultura urbanas dentro de la Nave Generadores, muestra que está conformada por el trabajo de 35 artistas que presentan su producción en grafitti, fotografía y tatuaje.

Está de más decir que el espacio de la Nave se transforma notoriamente tras las intervenciones de murales que abarcan una gran parte de ambas plantas del lugar, resulta siempre interesante e importante preguntarse entonces lo que implica llevar aquello que se genera desde la calle hasta el espacio no sólo expositivo sino también institucional. La apreciación y el valor de la obra afuera, en relación y diálogo constante con la ciudad, inevitablemente termina siendo distinta a la lectura que se le pueda dar a la misma sobre las paredes y bajo la iluminación del espacio expositivo. Al mismo tiempo, la extensión de la gráfica hacia muros altos, recovecos y paredes que no se consideran generalmente para el montaje de las exposiciones que toman lugar dentro de nave Generadores muestran un claro intento por someter al cubo blanco a una leve transición hacia algo más, lo cual evidencia a esta parte del festival como uno de los pocos proyectos que se integra con el espacio a un nivel en el que termina tratando de emular otros espacios: la representación de la calle dentro del cubo blanco.

Este cuestionamiento hacia la descontextualización que llega a sentirse al insertar la producción de carácter urbano dentro de la institución se disipa levemente tras ver un panorama más amplio a lo largo de la exposición. La voz de la mujer es un aspecto importante del programa que Callegenera ofrece este año; el brindar un espacio para la muestra de producción tanto artística como de investigación y conocimiento permite dar a conocer discursos, formas de ver y de vivir. Dicho esto, en este caso resulta pertinente dejar un poco de lado la lectura de la obra individual para abrirse paso a ver la muestra como un fenómeno de colectividad, donde se refleja el sentido de comunidad que genera la calle: la fuerza que da trabajar mujer con mujer, la experiencia de la mujer desde la calle y el impacto que este tiene al encontrarse concentrada, plasmada y reflejada en las salas expositivas.

Entre la experiencia de ver las diferencias técnicas del trabajo de las expositoras, las líneas temáticas y similitudes que existen dentro de sus discursos, así como el notar la asistencia de familias completas conformada por gente de todas las edades a la Nave Generadores, Mujeres y su participación en el arte y cultura urbanas invita a preguntarnos qué cambios vienen y a quien va esta exposición y charlas, con qué fin y con qué firmeza.

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Encuéntrame entre las Flores

La producción artística de Tahanny para la galería Emma Molina habla del permanecer en el limbo eterno del duelo, de la pérdida y de la búsqueda del querer trascender, referente a la muerte de su hermana. Las obras presentes marcan una lectura distinta de un mismo objeto, las flores. La madre de la artista decide entregarle un baúl lleno de flores que estuvo recolectando por siete años cada aniversario luctuoso, en respuesta a tal acción, se desglosa esta composición sobre la percepción, el rastro, lo firme y lo sensorial; estos términos oscilan uno en otro, formando conceptualmente la exposición del día 5 de junio.

El proyecto involucra un acto catártico de la madre de compartir y de Tahanny de poder hacer, recopilar los tonos de las flores marchitas del baúl es el primer paso para la artista, la percepción al detectar las sensaciones para después plasmarlas conscientemente a su realidad física sobre un lienzo es en si un proceso de búsqueda y reconocimiento.  El trabajo de la artista para el camino de lino que se extiende de la pared hasta el piso de la galería es el rastro que dejó el tratamiento de flores rociadas constantemente de óleo negro, a un lado de esta pieza se encuentran pequeñas cajas que muestran estas flores solidificadas por el óleo. Terminan siendo figuras retóricas de esta realidad de la ausencia de algo que nunca se podrá compensar, el oscuro rastro podrá ser en si una delicada estela en un camino o una idea petrificada que se deja ver dentro de una pequeña caja.

Durante la inauguración se realizó el acto performático de Karla Cruise, quien se encontraba sentada en el interior de un cubo cantando una canción escrita por la artista, esta estructura geométrica dejaba ver por fuera todo su esqueleto, cuatro pequeños visores en las paredes del mismo te dejaban observar su contenido, desde el techo de la instalación se encontraban flores suspendidas que muy apenas te dejaba ver algún otro rostro que se asomara en cualquiera de las otras ranuras. En la postura del espectador que escucha y mira desde lejos, la pieza ofreció una experiencia de carácter sensorial más allá de la visualidad.

Queda claro que desde el momento en el que el proyecto se acomoda dentro de instalaciones de galería, la obra se encuentra inserta en el mercado; si bien la estética es un elemento importante en muchos de los casos cuando se trata de vender, es preciso mencionar que el balance que existe en el trabajo de Tahanny entre la obra como reflejo conceptual de un bagaje personal y la ejecución de la misma como producto mercantil es muy preciso. Hablando específicamente del contenido de Encuéntrame entre las flores, esta exposición termina siendo una búsqueda de lo físico a lo intangible y etéreo; un proceso tan real como lo es la muerte y el cuerpo.  Pasa por el desarrollo de varias capas tanto conceptuales y reflexivas de lo mucho que ha durado la falta, y de cómo hacer perdurar algo que no se puede compensar.  

  Encuéntrame entre las flores

encuéntrame entre sus ramas

¿A dónde se fue mi hermana?

¿A dónde, y por qué ya no me habla?

 Encuéntrame entre sus hojas

que no secan

que no se aguadan

háblame de sus secretos

háblame para no olvidarla.

(Escrito por Tahanny Lee Betancourt.)

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Territorios del Polvo

El registro del cambio constante de la urbe ha sido del interés de varios artistas que producen su trabajo en tierras regiomontanas. No es de extrañarse, pues se trata de una ciudad con una identidad aún muy sólida bajo el ala de la industria, una ciudad con una tendencia hacia la edificación monumental que, además, se encuentra en contínuo crecimiento vertical.

 Dentro de la lógica de representación de esta realidad de continuo movimiento, se encuentra la constante de la fotografía. El uso de la cámara y la consulta del archivo como herramientas para retratar fielmente este crecimiento cumple con otras funciones además de la estética al evidenciar, retomar y congelar miradas que reflejan la manera en la que los habitantes de la ciudad la transforman, la transitan y se relacionan con ella. Un constante moldeado del individuo para con la ciudad, y viceversa.

 A pesar de la aparente efectividad de la fotografía para reproducir con exactitud lo que uno ve, en ocasiones esta representación documental no logra materializar con esa misma precisión las ideas del proyecto fotográfico en su totalidad. El brinco de la bidimensionalidad de la fotografía hacia una reflexión que alcance al espectador muy por encima de la visualidad y la evidencia del paso del tiempo montado sobre un muro fue un elemento muy presente en Territorios del Polvo del artista venezolano Marcel del Castillo, exposición inaugurada el viernes pasado en NoAutomático.

 El recorrido a lo largo de las tres secciones te recibe con cinco cajas de luz situadas en el suelo de la sala a oscuras, frente a un video que se reproduce en loop. A través de una dinámica con la instalación de cajas de luz, en la cual el espectador literalmente desentierra las imágenes debajo del polvo que las cubre, nos lleva a considerar el impacto de la interacción directa de la gente con su entorno como un eje temático que se encuentra presente, tomando en cuenta el cambio visual significativo que se presentaba cada vez que alguien se acercaba a interactuar con la obra. Se materializa tras esta acción de descubrir y recubrir el planteamiento principal del artista: el polvo como elemento reflexivo brinda indicios del paso del tiempo, la presencia del polvo como prueba de lo que existió en el pasado, como recordatorio de que lo que existe en el presente desaparecerá en un futuro. A su vez esta idea cobra un sentido a la inversa con la secuencia de video, que muestra una edificación y transformación de algo nuevo tras la acción de recolectar el polvo suelto de una ventana hasta apelmazarlo creando así una tira más sólida, un cúmulo compactado de partículas pequeñas de polvo.  

 Tras alcanzar un nivel de cierta forma poético con este par de instalaciones, la muestra continúa en la sala contigua con un tríptico de fotografías alineadas verticalmente una sobre otra, esta vez con una idea de permanencia, donde la imagen y el panorama se mantienen estáticos mientras los personajes que aparecen dentro del mismo son los que se encuentran movimiento: otra forma de ver el tránsito.

 En general, Territorios del Polvo resulta en una exposición que atrae no solo a la vista y la atención sino a la participación como elemento clave para la activación del trabajo artístico, cosa que le brinda sentido al proyecto en su totalidad. El papel del espectador como elemento activo dentro del espacio potencializa un acercamiento reflexivo hacia conceptos e ideas que se presentan tangibles, en este caso, en forma de cajas de luz tomando como base un trabajo fotográfico previo. Ello no significa que la efectividad de toda producción artística y la enunciación temática de la misma recaiga siempre en la participación activa de aquel que lo presencia; se trata de un ejemplo más donde los formatos de exposición en relación con lo que se quiere decir se balancean a tal grado que la congruencia y el entendimiento de los mismos se logran de manera efectiva.

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Instantes Sonoros

La Casa Universitaria del Libro ha albergado ya más de una vez exposiciones donde la temática central es precisamente la producción artística a partir del formato tradicional del libro. Ejemplos tangibles son la instalación Y pudimos escapar de las palabras de Yohana M. Roa, presentada en febrero del presente año, y #PorqueJuego, exposición de Ana Fabiola Medina.

Bajo la curaduría de Rocío Cárdenas se encuentra ahora en medio de la librería Instantes Sonoros de Adair Vigil, muestra expositiva conformada por un total de diez libros de música cuyas hojas de partituras se encuentran intervenidas con cortes y dobleces que caen en cascada formando una especie de planta de enredadera: hojas hechas de hojas. El miércoles 20 durante la inauguración, el artista realizó un performance donde una de las piezas escultóricas se convierte en instalación sonora; al interactuar con la misma el movimiento y el roce entre las hojas se amplifica con ayuda de sensores, micrófonos, pedales y ecualizadores conectados a las hojas y ramas que caen del borde inferior del libro generando así un juego de imagen y sonido, donde el sonido representado en imagen dentro de las partituras, si bien no traduce tal cual lo que las partituras dictan, logra salir del papel a nivel sonoro creando así una circularidad dentro de la obra: del sonido a la imagen, de regreso al sonido.

Independientemente del bagaje conceptual de la producción de Adair, el espacio en el que se presenta esta exposición en específico le brinda cierto peso tras el intento de generar un diálogo al insertar libros entre libros; por otro lado, cabe destacar que se trata del primer proyecto itinerante propio de la sede, por lo que las piezas estarán interactuando con diversos espacios en un futuro, cosa que quizá provoque un cambio constante en la percepción e interpretación de las piezas en relación con el entorno en el que se inserten.

Lograr muestras expositivas en espacios que ya cumplen con sus respectivos propósitos resulta una tarea compleja; hablando específicamente de la Casa del Libro, esta misión se acota todavía más al tomar en cuenta la consigna de seguir la línea temática del libro y la lectura como ejes centrales de sus proyectos curatoriales; pareciera entonces que la línea entre generar un patrón de repetición en las exposiciones y mostrar diversos conceptos y salidas de proyectos artísticos a partir de una raíz en común es severamente delgada.

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REGISTRO05/Enfocar la mirada

Un incentivo por parte de Leo Marz que nos invita a “cargar” nuestro celular en su obra Monolito, para poder así dejarlo de lado y ‘enfocarnos en lo que estamos mirando’. Es así como MARCO nos da la bienvenida a REGISTRO05/Enfocar la mirada, la 4 edición de la serie de registros, iniciada por el Museo de Arte Contemporáneo hace más de una década, donde se puede apreciar el trabajo de 10 artistas que actualmente se encuentran produciendo obra en la ciudad. 

Este primer cuestionamiento de nuestra dependencia a lo virtual y cómo la vida actualmente se construye en torno a ello, es un tema que resulta interesante tener en cuenta a largo de la exposición. 

Los proyectos que conforman la muestra fueron configurados para las salas del museo MARCO y es algo que se manifiesta claramente en el recorrido, ya que la sala deja de intentar pasar desapercibida para acoger a la obra y convertirse en parte de la misma. 

El espacio de Leo te dirige hacia el de Raúl Quintanilla, que es una especie de caja negra donde se proyecta El lenguaje del Sol, producto de un estudio de la risa: otro trabajo minucioso de edición con videos provenientes de “todos los países del planeta” con recortes de risas en diferentes contextos. El texto de sala menciona una referencia directa al texto Magia de la Risa de Octavio Paz: “La sonrisa es el signo de la impasibilidad, la señal de la infinita distancia de los hombres. Sonríen: nada los altera”. ¿Por qué se da el interés particular por la risa en distintos puntos geográficos? 

La sala de Raúl y la siguiente, con el trabajo de Tahanny Lee Betancourt, funcionan como un díptico que por un lado examina la alegría y por el otro lado la aflicción.  Google Alerts Tamara, proyecto en el que Tahanny hace uso de un motor de búsqueda, alimentándolo con el nombre de Tamara durante una cantidad de tiempo para después cosechar los resultados y traducirlos al lenguaje musical, interpretándolo en un piano familiar, se apodera de la sala con una instalación en tres partes donde la artista trabaja con la temática de su proceso de duelo.   

Así como la primera luz de la mañana empieza a emerger justo cuando estamos en lo más oscuro de la noche, las de obras María Fernanda Barrero nos sumergen en una luz azulada, para presentarnos dos diferentes líneas de horizonte: una maqueta topográfica de la ciudad de Monterrey, seguida de un cuarto en donde se encuentran tres lienzos que retratan el paisaje en la costa, con la técnica artesanal huichol de pegar hilos con cera a una superficie rígida. 

La maqueta de Monterrey, que observamos desde arriba hacia abajo, antecede también la obra de Alejandro Cartagena, que también habla de la ciudad, pero desde abajo hacia arriba: Suburban Wars es una acumulación de videos grabados por usuarios de redes sociales en donde se aprecian desde la calle helicópteros volando, vigilando, atentos al movimiento. La obra nos hace sentir observados, estudiados. Es de conocimiento general el hecho de que el gobierno corrupto del país está asociado con el narcotráfico y en tiempos de campaña electoral de elecciones federales, esta pared de videos nos lo recuerda y nos cuestiona si la protección que supuestamente deberíamos sentir por parte de la policía es efectiva. 

Las maneras de abordar los temas en la exposición van desde un punto de vista muy personal a algo sumamente social y político. Es interesante cómo la pieza de Sofia juega con ambas, donde lo privado, como la vida de ciertos individuos, dada en un contexto social muy específico, se vuelve un asunto político y de interés público. De ésta misma forma eso se puede leer en el montaje de la pieza, donde su registro, de ser un diario, pasa a ser una especie de mural donde el espectador se encuentra sumergido. 

Las reflexiones en torno a los dispositivos móviles vuelven a enfatizarse en la pieza Kessler I de Ernesto Walker, ya que así cómo Leo te invita a que te despojes de éste, Ernesto te reta a utilizarlo, para tener una lectura completa de la pieza tras escuchar frecuencias de radio que transmiten lo que ésta sucediendo en la sala. Daniel Pérez Ríos imprimió en 3d un render de El amor de Psique realizada por Antonio Canova a finales de Siglo XVIII, contrastando la pasión que retrata la escultura con la técnica digital con la cual fue elaborada. El resultado es la obra The Whole Netflix and Chill. 

De igual manera, en la sala de Paula Cortázar, se contrastan la calidez de los materiales que Paula utiliza como materia prima y la delicadeza con la que estos son tratados, con lo frío, casi clínico que resulta ser el espacio museístico, haciendo una especie de Land Art descontextualizado con lo que nos provee la naturaleza que rodea nuestra área metropolitana. 

Por último, (y para cerrar el círculo) la exposición acaba con la instalación Las grosellas negras que el coyote lleva en la mano izquierda, de Mayra Silva, que hace uso de un teléfono de disco que pide constantemente que se atienda la llamada para compartir éste momento con la artista y a la vez con nadie. 

Es posible generar una o varias lecturas de la exposición, las conexiones entre proyectos y la posibilidad de un recorrido dentro del espacio total de la planta alta del museo son un par de elementos que de cierta forma se dan por hecho; al mismo tiempo, al estar dividido por salas que albergan cada una un proyecto individual, es posible llegar a la interpretación de que se trata no de una, sino de diez muestras expositivas, donde la particularidad de cada proyecto se apropia del espacio que se le asigna, libre de un diálogo o contacto directo con el trabajo del resto de los artistas participantes. De esta manera se construye una delimitación donde el contacto del espectador para con la producción artística es más directa y personal. 

Por medio de esta exposición, el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey brinda voz a los artistas locales y por lo tanto a los intereses que tiene la ciudad. Quizá es hora de que los espacios institucionales tomen más en cuenta al ecosistema artístico local a la hora de asignar recursos, para tener una visión constante del arte contemporáneo local, que habla desde y también hacia la comunidad.

Colaboración con Roble Vargas

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Articulus CCLXV: Peicandum Proclivio

La Sacerdot-Issa (juego de palabras que se generó para dar difusión al evento), dirigió la ceremonia que planteaba la exposición, con un toque ácido de ironía y cinismo, manejando un tema bastante delicado como lo es el abuso sexual.

El día 9 de junio se realizó en el espacio de NoAutomático Articulis CCLXD peicandum proclivio por Issa Téllez, evento que consistió en un ritual de tres partes: limpieza y preparación de lugar, confesiones consiliare y el último que fue perritencias.

La búsqueda del ritual como proceso catártico es inherente al pensamiento humano, que aquí se materializó en el acto de despojarse físicamente de las prendas con carga negativa de experiencias de abuso, compartir verbalmente y en intimidad con una persona que se presta para escucharte dentro de una dinámica elaborada específicamente para llevar esto a cabo, y por último cerrar el rito por medio del movimiento corporal; el uso de la misma estructura de la iglesia católica planteado de una forma paralela e inversa (aunque no del todo) fue tomado como base del evento.

Bailar reggaetón para reapropiarse del propio cuerpo como Perritencia, fue aportar nombre a dinámicas o procesos catárticos quizá utilizados inconscientemente por más de una persona antes. El uso de palabras en referencia a la religión deja dudas, como lo es penitencia en relación a perritencia; si la penitencia consiste en corregir el mal comportamiento individual tras arrepentirse de los actos a confesar, y la confesión nace de una necesidad de lidiar con la culpa al admitirla en busca de perdón y sanación, resulta un poco confusa la referencia directa al sacramento a través de un juego de palabras en relación con lo que este implica, que evidentemente choca con la finalidad del ritual de Articulus CCLXD.

En la fe católica se recapitulan los pecados y se confiesan a alguien que puede absolverlo, ¿la artista ¿puede absolver tus penas? ¿La postura que toma es de empoderamiento?, ¿Será la estructura social triangulada donde se ve al artista en el pico más alto? El juego jerárquico despierta la necesidad de pensar en las diferencias y similitudes entre compartir experiencias generando un ambiente de empatía y ayuda, y depositar las experiencias en busca de una respuesta en el otro.

¿A qué responde este performance/happening/exposición? Y ¿de qué forma lo hace? Esta fiesta otorgó un espacio y una persona para dejar cargas e historias e intentar sanar a través de la reapropiación corporal, por medio de la personificación y escenificación del ritual usado por la fe católica. La participación activa de las personas que asistieron al evento, en sintonía con las dinámicas establecidas dentro del mismo generan una cadena donde la vivencia ajena se vuelve la vivencia propia; pese a que la lógica de tomar rituales con terminologías, definiciones y finalidades sólidamente encriptados para convertirles en ritos sanación para experiencias de violencia sexual aún sigue difusa.