blooming buzzing confusion / rigogliosa ronzante confusione

blooming buzzing confusion / rigogliosa ronzante confusione a cura di Silvia Petronici, con gli artisti Andrea Santini e Francesca sarah Toich, Boris Bertolini, Lucia Amalia Maggio, Fagarazzi e Zuffellato, Martin Verdross, Moira Parise, Silvia Stefani / Cantiere Barche .Vicenza . 14-30.10.2016. La mostra collettiva è parte di GLI STATI DELLA MENTE Festival di Arte e Cultura sul tema della salute mentale a cura di Petra Cason

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blooming buzzing confusion. rigogliosa ronzante confusione

_ a cura di Silvia Petronici / Cantiere Barche _Vicenza, 14-30 ottobre 2016 Andrea Santini e Francesca Sarah Toich, Boris Bertolini, Lucia Amalia Maggio, Fagarazzi&Zuffellato, Martin Verdross, Moira Parise, Silvia Stefani             mostra collettiva all’interno del progetto GLI STATI DELLA MENTE Festival artistico sul tema della malattia mentale _ a cura di Petra Cason 

testi di Silvia Petronici

Rigogliosa ronzante confusione è l’espressione usata per descrivere l’esperienza visiva dei neonati (come degli adulti in speciali condizioni psicofisiche) dal filosofo americano William James.

La confusione è uno stato nel quale prevale l’indistinto, dove percezioni e pensieri si mescolano, la realtà è un magma fluido continuamente presente.  

Prima di iniziare ad usare le categorie della mente, i concetti e gli strumenti di controllo del linguaggio, la realtà è colta in un’esperienza pura, come un “che che non è ancora un definitivo che cosa”, come si legge in A Pluralistic Universe dello stesso autore.

L’uso del linguaggio e delle categorie del pensiero, concetti e classificazioni, renderanno in seguito in grado di percepire il mondo non più come continuo scorrere, indistinta corrente esperienziale, ma come composto di oggetti discreti per i quali è possibile costruire un ordine volta per volta sensato a seconda delle esigenze in campo.  L’intervento concettualizzante dell’intelletto dissiperà il ronzio e bloccherà in una serie di stasi il rigoglioso proliferare della confusione perseguendo obiettivi razionali e interessi pratici.

L’arte, indagando il profondo, assottiglia le forme razionali di presa sul mondo, apre gli schemi concettuali e ridiscute i paradigmi culturali.  E così facendo ritorna in quel luogo rigoglioso e ronzante, dove la confusione è tutto l’ambiente e il materiale.  Riabilita quel ronzio.

L’assenza (o la parzialità) delle categorie razionali del pensiero che le persone colpite da un disagio psichico condividono con i neonati consente alla realtà di espandersi, di attraversare il corpo e diffondersi come un tutto panico e onnicomprensivo.  

Provando ad immaginare questo luogo, un giardino dove si può essere fiore e contemporaneamente albero, cielo, terra o sasso, si può tentare di comprenderne il valore e la potenzialità.

L’indistinto mostra la densità e l’origine delle cose come dei pensieri e delle categorie culturali che le definiscono.

Il linguaggio, termine ultimo della presa razionale sulla realtà, fraziona e distingue, connette e posiziona:  in sintesi, costruisce il mondo a partire dall’uso che facciamo della realtà.

La ronzante confusione è pre (o post) linguistica, è corpo, cuore-pancia-occhi-mani-orecchie-bocca-naso.  Ed è un corpo mitico e sconosciuto, una foresta di stimoli, di luci esplose come stelle.

Un luogo neutro, né buono né cattivo, presente nelle narrazioni di tutti i popoli, sospeso tra metafisica e immanenza, luogo di inizio o esito finale del percorso evolutivo ( Terra di mezzo, Es, Isola Bianca, Nagual, Nirvana, l’Avvolgente Infinito, Ein Sof, della Cabala ebraica, il Nulla, l’Abisso di Leopardi, il Panta Rei, l’Uno di Plotino, la Nigredo degli alchimisti).

Un bagno di significati dissolti.  Una storia senza inizio o fine.  Un mondo trasparente come un odore dietro le cose solide.

Una soglia tra il silenzio e le parole, tra il sonno e la veglia.  Un margine dove tutto accade contemporaneamente.

Insomma un luogo rigoglioso e magnificente da cui attingere energia pura.  

La prospettiva dalla quale, quindi, si è guardato alla costruzione di questa mostra è stata quella di  insistere sul valore positivo e potenziale della confusione, preferendo osservare attraverso la lente della poesia la condizione del disagio o della malattia mentale.  Senza trascurare il dolore ma cercando di illuminare il varco che dalla ferita può condurre a una nuova scoperta di sé e alla guarigione.

Gli artisti hanno dato inizio alla ricerca che li ha poi condotti a realizzare gli interventi presentati nella mostra osservando alcuni quadri realizzati dagli utenti dei laboratori di arte del Dipartimento di Salute Mentale Ulss n. 6, San Felice, di Vicenza per elaborare a partire da un dialogo dentro le forme dell’arte le loro opere.

Si tratta pertanto di installazioni concepite con approccio site specific e pratiche di partecipazione.  Le forme comprendono performance, azioni collettive, ambienti sonori, video e installazione site specific secondo il linguaggio e la sensibilità di ciascun artista.

Tutti gli interventi nel loro complesso si propongono di far emergere il senso di potenzialità compreso negli stati di sospensione del comportamento razionale.  L’arte come strumento di indagine e riarticolazione del disordine si pone al confine fra i due mondi.  Confine percorribile, ponte e  luogo di significati inattesi.

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Si ringraziano gli autori dei quadri:  Enrico Romano, Mauro De Munari, Ivano Campesan e Michele Sgarbossa

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lucia amalia maggio, LA’ DOVE OGNI PENSIERO PUO’ PRENDERE FORMA

Installazione site specific.  Striscia di luce led, tubo in plexiglass, pellicola per retroilluminazione, polvere di carbone, polvere di marmo.  Misure complessive d’ambiente

La sesta stanza del piano interrato, l’ultima prima di risalire dalle scale al piano superiore, è interamente occupata dall’installazione realizzata nello spazio oscurato da due tende poste all’ingresso e all’uscita.  A terra sono tracciate con polvere di carbone nella parte centrale e di marmo verso le estremità quattro spirali logaritmiche concentriche che partono dallo stesso punto, dove il filo di luce poggia sul pavimento.

Si tratta di un’opera che investe in maniera forte sulla metafora visiva. L’uso delle due polveri è simbolico. Il carbone nero è l’antico, l’origine sotterranea, l’ombra, la materia primordiale, il caos e la confusione generativi.  Il marmo bianco, solida pietra resa polvere è l’estensione, l’occupazione dello spazio visibile, l’apertura verso l’esterno.  La forma della spirale logaritmica ha il senso di un vortice evolutivo nelle due direzioni cartesiane dentro/fuori e alto/basso.  Il suo punto d’origine nel punto dove la luce tocca il pavimento è una magia che ci permette di vedere tutte le dimensioni dello spazio comprese quelle sotto il pavimento.

È un punto geometrico infinitamente piccolo, cioè illimitato e quindi dinamico. Un luogo potentemente simbolico dove tutto accade e può ancora accadere, la forma procede la sua corsa verso un dentro senza fine.  La spirale mirabilis, come è stata anche definita la spirale logaritmica in epoca barocca, procede la sua corsa espansiva nello stesso modo all’esterno, rimanendo sempre uguale e costante.

L’artista si pone di fronte al tema affrontato dalla mostra con due suggestioni per la ricerca che poi ha condotto alla realizzazione di questo intervento installativo.

La prima le deriva da L’altra verità. Diario di una diversa di Alda Merini, dove si legge: nello spazio che gli uomini sentenziano “malato”, nulla accade che non sia apparizione, che non porti con sé una dimensione enorme di bagliore e non venga avvolto in una gigantesca, mostruosa vestizione d’ombra.  Da qui l’artista trae il tema dell’epifania, dell’insorgere di un enorme bagliore dal buio di un ambiente doloroso, colto e attraversato dalla luce pur se avvolto nell’ombra come in un abito religioso dove il nero profondo dei tessuti induce l’introversione e il silenzio, la separazione dal mondo e la distanza.

La seconda dal quadro già citato della forma blu in campo verde (realizzato da Enrico Romano, utente del laboratorio di arte del Centro Diurno Terapeutico Riabilitativo San Felice, Dipartimento di Salute Mentale Ulss 6 di Vicenza) da cui deriva l’intuizione sul tema della forma e dell’informe, del dentro e del fuori.

L’installazione occupa l’intero spazio della stanza illuminando un buio denso e drammatico.  L’ambiente nel quale l’artista invita il fruitore a fare la sua esperienza del vortice, dell’ombra e della luce è un luogo simbolico ma carico di energia che si sentirà sulla  pelle.

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moira parise, BETWEEN

Video installazione e performance.  Schermo video lcd, piedistallo, video full HD 6’ 30’’ realizzato con la regia di Enrico Tavella. Performance, 15’, 3 repliche, 5 partecipanti ciascuna, 6 sedie, faro, sintetizzatore, audio live a cura di Enrico Tavella.  Misure complessive d’ambiente

La performance si svolge nel buio della quinta sala nel piano interrato dello spazio, tagliata da una luce intensa prodotta da un faro posizionato all’altezza della finestra e occupata dalle sedie che ospitano i partecipanti.  La performance prevede l’accompagnamento delle azioni dell’artista nello spazio con un audio realizzato al momento per mezzo di un sintetizzatore.  Nei giorni che precedono la performance e in quelli che la seguono nella sala sarà presente un video nel quale l’artista realizza una performance in studio, indagando ancora il tema affrontato in quella dal vivo, la relazione tra le forme del corpo, della luce e del buio.

Il lavoro è innescato dall’incontro con un quadro realizzato da un utente del laboratorio di arte del Centro Diurno Terapeutico Riabilitativo San Felice (Dipartimento di Salute Mentale Ulss 6 di Vicenza) nel quale l’autore (Enrico Romano) dipinge una forma nei toni del blu e dell’azzurro in campo verde.  La figura informe ha l’aspetto di un bozzolo, di una forma incompiuta o potenziale circondata dal verde da cui si differenzia ma che in parte include insieme a tratti di luce gialla.

La forma del corpo che emerge in tutta la sua elasticità e polisemia nella danza (e in particolare, la danza butoh che l’artista studia da anni) è un risultato e un codice.  Un costrutto culturale transitorio e una necessità per abitare questo mondo e, in questo senso, un filtro alle sue pressioni, una membrana osmotica tra il dentro e il fuori.  La luce la determina insieme al buio da cui sono definiti i suoi contorni, i vuoti e le assenze.  Il tempo e l’eternità.

Il buio di questo lavoro sono le paure e gli ostacoli ma anche l’origine confusa e impalpabile di puro tutto da cui emergiamo lentamente.  La luce è il limite, il confine e perciò il contorno della forma di ciò che siamo, del nostro apparire, accadere nel mondo.

Affrontando il tema della forma l’artista parla di linguaggio e in questo senso di comunicazione come di una dimensione inevitabilmente mediata.  Da qui il senso del titolo.  I significati passano attraverso le forme.  Le parole, i gesti, il corpo stesso.

Le sedie disposte nella stanza buia creano percorsi per l’azione come per la stasi dell’artista che li attraversa o vi permane lasciando i partecipanti in mezzo ad essi.  Come nella vita, in mezzo.  Tra qualcosa e qualcos’altro.  Tra noi e il mondo.  Noi e gli altri.  Ciò che riteniamo soggettivo, le nostre storie i nostri sentimenti, l’emergenza dei sensi e ciò che si consegna come oggettivo, i valori, le regole, gli accordi, la solidità presunta dei fatti.

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andrea santini e francesca sarah toich, PER INTERVALLA INSANIAE

Installazione audio.  File audio, riproduttore audio. Stanza buia.  Misure complessive d’ambiente

La sala posta al piano interrato dello spazio espositivo è occupata da un ambiente sonoro ottenuto con la diffusione in due diversi punti della stanza di due tracce audio realizzate a partire da frammenti tratti dal De Rerum Natura di Lucrezio.  In una traccia i frammenti di testo sono diffusi in un calmo tono recitativo e nell’altra scomposti e ricombinati secondo un sistema elettronico generativo.  L’audio dei brani recitati è diffuso da un dispositivo a sua volta illuminato da una luce e circondato da sedie per favorire un ascolto comodo.

Il lavoro è stato ispirato da un quadro realizzato da un utente del laboratorio di arte del Centro Diurno Terapeutico Riabilitativo San Felice (Dipartimento di Salute Mentale Ulss 6 di Vicenza) nel quale il suo autore (Michele Sgarbossa) riempie interamente lo spazio con una moltitudine di puntini colorati.  

Il De Rerum Natura di Lucrezio esprime un punto di vista epicureo su temi come la vita e la morte, l’anima e la fisica degli elementi partendo dalla teoria atomista già diffusa da Democrito e acquisita poi da Epicuro.

Ogni cosa che esiste risulta da una combinazione temporanea di atomi, i sassi e le montagne come l’anima e i sogni. Al termine della vita che mantiene la tensione interna alla forma, questa si disgrega e gli atomi si disperdono resi nuovamente disponibili per altre temporanee aggregazioni.

Da qui l’assoluta mortalità e finitudine di ogni cosa, anima compresa, che ottiene per Lucrezio l’infame damnatio memoriae, la condanna cioè all’oblio. Per questo sappiamo poco e anzi pochissimo della sua vita e delle ragioni della sua attività letteraria.  È passato l’aneddoto della sua follia, causata da un filtro d’amore, nelle pause della quale avrebbe potuto scrivere il meraviglioso De Rerurm Natura, appunto, come suggerisce il titolo, per intervalla insaniae.

Ecco il legame filologico con la mostra sostenuto da quello formale nella partenza dal quadro “atomistico”.

Lucrezio scrive il suo poema dichiarando un’intenzione in qualche senso educativa, si propone, cioè, di condurre chi legge a liberarsi dall’angoscia associata alle paure principali che affliggono la nostra vita.  La paura della morte, in prima istanza, associata a sua volta alla paura della punizione in un aldilà dai contorni spesso foschi e poco rassicuranti.  Senso di colpa, contenimento delle passioni e soggezione a regole di costume in realtà frutto di un sistema di controllo che imbriglia le menti e impedisce agli uomini di essere liberi ed esprimere la gioia dell’esistenza.  La citazione di Lucrezio invita il fruitore, nell’ambiente immersivo dell’opera, ad aprirsi alle possibilità molteplici della vita, a ritrovare la leggerezza nella libertà e nell’autenticità dei suoi sentimenti.

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silvia stefani, DEVO MOLTO A TE

Installazione site specific.  Legno, specchi, metacrilato specchiante.  Misure complessive d’ambiente.

La terza sala dello spazio espositivo appena sotto le scale è occupata da due volumi sospesi funzionanti come periscopi rovesciati, uno dei quali collega dal lato della ringhiera della scala, il piano superiore (la seconda sala) a quello inferiore.  Nella stanza si trovano poi un parallelepipedo in posizione di seduta sotto il secondo periscopio e un secondo parellalepipedo con uno specchio sul lato superiore.  Una pannellatura di metacrilato a specchio riveste il soffitto e sulla parete di destra è fissato uno specchio inclinato verso il basso che permette il funzionamento per riflessione multipla del periscopio secondo le intenzioni dell’artista.   I due periscopi mostrano al contrario (l’angolo dell’inclinazione degli specchi al loro interno è di 45°) il primo:  ciò che accade nelle sale alle due estremità (se si guarda da sotto, cosa succede sopra e viceversa) e il secondo:  la schiena di chi sta guardando seduto sul parallelepipedo.

L’artista inizia il percorso della ricerca che l’ha condotta a scegliere questa forma per la sua installazione, dall’incontro con un quadro realizzato da un utente del laboratorio di arte del Centro Diurno Terapeutico Riabilitativo San Felice (Dipartimento di Salute Mentale Ulss 6 di Vicenza).  Nel quadro il suo autore (Mauro De Munari) ritrae per l’intera campitura della tela una sequenza di quattro maiali grandi e tre piccoli ripresi dall’alto ma con lo sguardo a loro volta rivolto verso l’alto.  Come se guardassero chi li sta guardando.  (Altri due maiali di dimensioni medie rispetto agli altri sette si trovano nella parte alta del quadro orientati verso sinistra e di profilo, fuori dalla precedente dinamica dialettica a tal punto da metterla bene in risalto).

Sentirsi prima osservati e poi visti è qualcosa che tutti sperimentiamo e di cui siamo più consapevoli in certi momenti delicati della nostra vita. Sviluppare una speciale sensibilità allo sguardo altrui e derivare da esso forme e contenuti della nostra autopercezione nonché della nostra stessa identità è una parabola a cui tutti siamo soggetti.

Questo è un lavoro non sulla percezione ma sul fenomeno dello sguardo come elemento dell’identità.

L’altro che diviene sé.  Il mondo che da fuori raggiunge il profondo, varca la soglia dei nostri confini corporei e entra in un gioco di rifrazioni e angoli e riverberi e prospettive dentro di noi al punto da ridefinire la nostra stessa immagine.  Tanto che l’immagine che si produce dall’interno di noi, nella nostra mente, non corrisponde più (o non abbastanza o non più perfettamente) all’immagine proiettata dallo sguardo nel quale siamo specchiati.  E tutto questo può prodursi fino a confonderci, a mischiare confusamente le carte e, infine, a costruire per accumuli successivi strati di noi che ci nascondono invece che esprimerci, che dissimulano e tradiscono.

Nel meccanismo del lavoro ricorre il sistema di guardare dentro per vedere fuori.  Ecco che al contrario di quanto ci viene imposto si può ricavare induttivamente l’influenza del fuori guardando con attenzione dentro e accorgendosi che lì c’è la chiave per vedere il fuori e i suoi condizionamenti.

Quanto è mio e quanto non lo è.  Cosa eredito e cosa posso alienare.  L’altro evocato nel titolo del lavoro (Devo molto a te) potrebbe appunto essere una persona specifica considerata importante o il mondo intero all’incontro con il quale dobbiamo la nostra identità, ciò che siamo infine, ciò che diventiamo ogni giorno.

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fagarazzi e zuffellato, THREAD

Opera partecipata. Installazione site specific.  Indumenti, libro di fotografie di cm 25 x 20, 20 pagine, stampa digitale su carta, due contenitori, uno in vetro l’altro in metallo, terra, acqua, set fotografico (fondale, cavalletto, macchina fotografica, luce), bevande, bicchieri. Azione durante l’inaugurazione della mostra, il 14 ottobre 2016.  Misure complessive d’ambiente

Il lavoro è attivato da un dispositivo relazionale in tre fasi.  La prima fase riguarda la richiesta da parte degli artisti rivolta alla curatrice della mostra, alla curatrice e alla segretaria organizzativa del festival di cui la mostra fa parte e al direttore dello spazio espositivo di regalare loro un proprio indumento. La seconda riguarda gli artisti che, mostreranno ai loro familiari cinque quadri realizzati dagli utenti dei laboratori di arte del Dipartimento di Salute Mentale Ulss n. 6, San Felice, di Vicenza.  Da questo momento di confronto emergeranno forme e contenuti degli interventi (ricamo e cucito) che andranno a modificare gli indumenti. La terza fase, infine, riguarda i fruitori della mostra durante il momento della sua inaugurazione. Questi saranno invitati dagli artisti, in un clima conviviale, a indossare o comunque relazionarsi con gli indumenti e a farsi fotografare in questa interazione. Nei giorni successivi all’azione e per il resto della durata della mostra, nella seconda sala dello spazio espositivo, sarà allestita un’installazione con due contenitori trasparenti al cui interno saranno inseriti gli indumenti insieme ad acqua in uno, terra nell’altro. Nell’installazione sono presenti le immagini stampate degli scatti fotografici realizzati durante l’azione composte in un libro.  I tre elementi sono posti su un tavolo al centro della stanza.

Si tratta complessivamente di un’opera aperta, un processo generativo che da un passaggio all’altro modifica il corso e la forma del lavoro.  Una forma plastica rispetto all’interazione tra artisti e persone coinvolte di cui il lavoro stesso si compone e da cui risulta.

Gli artisti nel disegno progettuale che sottende all’opera individuano tre livelli o sfere o spazi esistenziali o intensità nell’ambito della relazione con l’altro e, partendo da se stessi, tracciano tre cerchi e in essi danno il via ad un movimento che infine genera il lavoro come interpretazione, con il linguaggio dell’arte, delle questioni generalmente sollevate dalla mostra.

Primo cerchio.  La relazione tra loro stessi e i loro primi committenti, le curatrici e il direttore dello spazio (in un’ estensione topografica e semantica che va dalla mostra come luogo simbolico della pratica artistica, allo spazio come luogo fisico di questa pratica al Festival come contenitore di entrambi i luoghi in una dimensione urbana più allargata).  Una relazione di intimità segnata da uno scambio.  Da un lato la domanda di un’opera che rifletta sul disagio psichico e sullo stato di confusione ad esso associato, un’opera che non può non essere il risultato di un coinvolgimento personale e profondo con quanto si decide di affrontare e dall’altro la richiesta di un indumento personale come segno di fiducia e altrettanto coinvolgimento.

Secondo cerchio.  La relazione con le famiglie d’origine dove tutto ha inizio. In questa relazione primariamente creativa inizia il processo di costruzione dell’identità e di identificazione con regole, figure, valori e condizioni che poi definirà (o condizionerà fortemente) la persona adulta come metaforicamente condiziona la modifica degli indumenti.  Tracce e segni nel processo identitario di cui senza dubbio l’abito è un elemento simbolico esplicito, il gioco delle identificazioni multiple nel quale si sperimenta e si cerca se stessi durante l’infanzia.

Terzo cerchio.  Infine la relazione con l’esterno, il mondo, le persone, il contesto sociale, il giudizio.  Qui le persone presenti all’inaugurazione fanno funzionare il dispositivo che risulta dalle fasi precedenti dell’opera interagendo, indossando o comunque reagendo agli indumenti.  Gli artisti stessi assumono un atteggiamento di osservazione partecipante, registrano i dati derivati dell’interazione che in qualche modo stimolano o provocano e li replicano attraverso la forma installativa finale nella riproduzione delle immagini.  Inoltre invitando le persone a farsi una fotografia che fissi il momento della loro interazione con gli indumenti, gli artisti contribuiscono ad aumentare la tensione drammatica derivante dalla relazione sé/mondo (identità corporea immediata/identità sociale mediata) che il gioco dell’abitus mette in qualche modo in scena.  Faccio mio per un istante qualcosa che non mi appartiene direttamente, che è costruito e derivato dall’esperienza di altri come ogni volta che assumiamo un comportamento culturalmente codificato o semplicemente il linguaggio come assoluta convenzione.  In questo caso ciò che si assume e si incorpora (seppure per un istante) deriva in particolare da un’interpretazione della sofferenza, ha a che fare con essa e con il suo linguaggio meno esplicito e condiviso di quello che caratterizza la comunicazione convenzionale.

L’acqua e la terra dentro i contenitori trasparenti restano oltre le azioni di tutto questo processo a garantire la sua dimensione simbolica.  Sono gli elementi biblici della creazione.  Gli elementi di base della vita. Possibilità.  Potenziale.  Creazione. Ma in questo caso specifico, anche nascondimento e diluizione (si potrebbe dire alchemica) della sostanza energetica messa in campo e delle sue molteplici tensioni.  Tutto torna al livello di partenza come in una sintesi in cui nell’esito si condensano tutti i presupposti, il processo e le sue molte varianti.

Il libro dei ritratti è un altro modo di incorporare e nascondere come di tradurre visivamente il meccanismo di complessa identificazione, perdita e recupero di sé messo in evidenza da questo lavoro.

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boris bertolini, SOSPESE COLLISIONI

Installazione site specific.  Fili di cotone, 400 campanelli, legno. Misure complessive d’ambiente.

Una sequenza di fili di cotone occupa l’ingresso alla prima sala dello spazio espositivo e prosegue nella seconda per circa 20 metri lineari con un’altezza di un metro e mezzo da terra.  I fili terminano in campanelli.

La sequenza dei campanelli dialoga con la sequenza delle travi che caratterizza in maniera regolare il soffitto delle due sale dove si colloca l’intervento. La dinamica di suono e movimento è attivata dalle persone, dal loro tocco o dal semplice spostamento d’aria prodotto dal loro passaggio.  Si tratta di un gioco che mette in questione gli elementi formali del linguaggio architettonico dello spazio e introduce una riflessione sul tema delle serie, la ricorsività, l’insistenza ossessiva di una ripetizione ricorrente nel difficile sistema di comunicazione elaborato nell’ambito del disagio mentale.  La necessità di contenere il caos interno con la ripetizione di elementi semplici e distinti fino a renderli sufficientemente solidi da contenere il tutto dell’ambiente e della vita.

La libertà di movimento che questo lavoro consente apre queste serie e riporta la dinamica di interazione con l’ambiente al suo stato originale, confuso, potenziale e creativo.

Un universo a volte armonico a volte dissonante ma essenzialmente aperto e molteplice.  Forme plastiche a partire dall’infinita combinatoria degli elementi dati.

I campanelli suonano perché qualcuno (o qualcosa) ha agito sui fili, è un effetto dell’interazione con l’ambiente che, a sua volta, produce un mutamento nell’ambiente stesso.  Qualcosa che cambia in una parte cambia nel tutto.  L’universo è un organismo plurale, come lo siamo noi, come l’ambiente nel quale siamo immersi.  Un bagno percettivo e semantico nel quale muovendoci tocchiamo tutto, sentiamo tutto, tutto ci sente e significa.

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martin verdross, A-B-A

Installazione site specific.  File audio e riproduttori audio.  Misure complessive d’ambiente

Negli spazi dove si sono svolti i due interventi performativi previsti nel corso della mostra, l’azione collettiva di Fagarazzi&Zuffellato nella seconda sala dello spazio espositivo e Between di Moira Parise, nella quinta sala dello spazio espositivo, sarà posto un dispositivo che riproduce un audio derivato dalla traduzione operata dall’artista in un codice sonoro della traccia “energetica” lasciata nello spazio stesso dall’avvenuta performance al termine di questa e per la durata successiva della mostra.  

Si tratta di un’eco, un riflesso sonoro delle modifiche rilevate nel tracciato energetico (semantico) dello spazio fisico dove si sono svolte e concluse le azioni artistiche.  Un’impronta che restituisce il senso di una minima ma importante variazione dovuta allo svolgersi di un’azione nello spazio.  

Con questo lavoro l’artista tace per ascoltare le voci, i gesti e le intenzioni degli altri artisti e, infine, restituire gli esiti di questo ascolto creando un effetto di dilatazione temporale di tali gesti puntuali.

Il silenzio nel quale questo lavoro è immerso è spazio per i suoni altrui, dalla lezione di Cage sul valore di densità e vissuto del silenzio, Martin Verdoss trae la forma del suo lavoro.

È possibile applicare un metodo per rilevare le tracce inudibili di qualcosa che è accaduto in uno spazio? Questo lavoro si fonda su questa domanda e sul tema della traccia che, a differenza del segno che incide con maggiore forza le superfici, è un’eco destinata a scomparire a sua volta come l’azione che l’ha prodotta.  

Il metodo applicato è la modifica di un testo sonoro di base che l’artista fa registrare ad un’amica artista che in portoghese parla della sua ricerca sulla muffa come elemento di traccia e presenza che modifica un luogo.  Tale testo base diviene la superficie sonora su cui si innestano le modifiche che l’artista registra negli spazi e nei momenti dell’accedere delle performance.

Il titolo formalizza con un linguaggio logico il fenomeno descritto:  uno spazio (A), un evento dentro lo spazio (B) e nuovamente lo spazio (A).  Ed è questa seconda A che porta la traccia dell’evento.

Il legame di questo lavoro con il più generale contesto della mostra è, appunto e ancora, il tema della traccia.  Qualcosa accade e passa.  Ma in realtà non finisce se non dopo molto tempo dalla sua scomparsa nel campo del visibile.  Questa trasparenza, invisibile e inudibile, delle tracce lasciate su di noi dall’accadere del mondo è la condizione della nostra sensibilità, mossa e sollecitata al di qua e al di là dell’attenzione cosciente.  In essa alcune tracce possono essere ferite e renderle nuovamente percepibili può permetterci di osservarle, comprenderle e forse guarire.

Il rispetto per la memoria concede spazio ad un tempo, il passato, che si pensa fuori luogo ma che invece con esso, con il luogo, ha molto a che fare.