Brazilian Artist Launches Performance about African Diaspora and Environmental Racism at Osun-Osogbo Sacred Grove Festival in Nigeria
Amália Coelho sees herself as a body from the diaspora, born in a quilombola community in the countryside of Minas Gerais State, called Arraial dos Crioulos. During her childhood she moved to Belo Horizonte (capital city), and she became a visual artist and an anthropologist at the Federal University of Minas-UFMG. She is currently a researcher at the Federal University of Recôncavo da Bahia and she works at the junction between anthropology, traditional communities and art.
The artist will be in Nigeria, in the city of Osogobo, from August 19th to 30th 2018, presenting her performance entitled Iporí. She told us about her work, the process of raising money for the trip and her expectations about being for first time in the African continent.
Amália Coelho se vê como um corpo na diáspora, nasceu numa comunidade quilombola no interior de Minas Gerais, chamada de Arraial dos Crioulos. Mudou-se na infância para Belo Horizonte, tornou-se artista visual e antropóloga pela Universidade Federal de Minas-UFMG. Atualmente é pesquisadora na Universidade Federal do Recôncavo da Bahia e atua no entroncamento entre antropologia, povos tradicionais e a arte.
A artista estará entre os dias 19 e 30 de agosto deste ano na Nigéria, na cidade de Osogobo, realizando a performance intitulada Iporí e nos falou sobre o seu trabalho, o processo de arrecadação de verba para a viagem e as expectativas de sua primeira vez no continente africano.
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Written by/Escrito por Davi Nunes
Translated by/Traduzido por Emi Koide
Davi Nunes: What does Iporí mean?
Amália Coelho: In Yoruba cosmology Ìpòri is one of the elements of the soul, symbolizes the ancestral energy connected to our head (Orí), our ancestor (Eledá) and our destiny (Odu). It is a concept that brings together men in a global chain. Ìpòri relates itself to the placenta and the origin of life. Thinking about this concept, the performance relates water as an element in connection with the placenta, life, fertility, ancestry, the Atlantic crossing and the diaspora.
DN: How are aesthetic elements constituted and what is the message of your performance?
AC: The performance has a national and an international phases - Brazil and Nigeria – and it investigates the African cosmogonic continuities in Brazil, considering water, thinking about the importance of water as an element of life, and also as a metaphor of the diaspora for the traditional black communities.
DN: Water for you is an element of connection, or rather, an element that crosses and connects the history of the Blacks from the African continent and from the diaspora?
AC: Yes. Water is the main research topic of my work as a performer. In the case of this performance, water is intrinsically related to the diaspora, articulating itself with other elements such as the black woman's body, the crossing and the Brazilian candomblé. The performance investigates the relationship between the black woman's body as a symbolic receptacle of the diasporic project and the symbol-object of the "quartinha". “Quartinha” is a religious sign-vessel in the orixá “settlement” in the Brazilian candomblé that symbolizes life, which carries water. It is an element that relates to the placenta and to all the discussion about the continuity of life, about the constant interruption for the black bodies, whether in the form of genocide or environmental racism.
DN: How does your performance work as a counterpoint, or even a manifesto against environmental racism?
AC: The poetics pursued by the performance seeks to highlight the importance of water as a natural and cultural element in black cultures. Water is essential to life and to culture and it is being taken from black and indigenous peoples in Brazil, through land grabbing, control of spring water sources by big companies, mining, dams and etc ... The research starts from a problem related to environmental racism that has to do with my own life trajectory, with the trajectory of expropriation of the black peoples in Latin American territory and it is in this sense that the performance is related to the Osun-Osogbo Sacred Grove Festival, held annually in the city of Osogobo, Nigeria. As an offer, the relationship established between the body of the performer and the Yoruba goddess Oxum, the "quartinha", the placenta, carrying waters from Brazil to be offered to the African goddess. Reconnecting symbolically the lives that relate to the strength of waters and internationalizing the reflection on water management, essential for the autonomy, health and prosperity of traditional communities.
DN: Very interesting. And what is involved in performance (people, institutions)?
AC: The performance is a project conceived by me and Dayane Gomes, another Brazilian black visual artist, and it has the support of the Yoruba Institute for Art and Culture and Circula Minas program in Brazil. We have also launched an online crowdfunding campaign where everybody and institutions can contribute and become partners and supporters of the project.
Be a supporter: www.catarse.me/ipori
[Português]
Davi Nunes: O que significa Iporí?
Amália Coelho: Ìpòri é na cosmologia Yorubá, é um dos elementos da alma, simboliza a energia ancestral ligada a nossa cabeça (Orí), ao nosso ancestral (Eledá) e nosso destino (Odu). É um conceito que une os homens em uma cadeia global. O Ìpòri relaciona-se com a placenta e à origem da vida. Pensando nesse conceito ÌPORÌ a performance, relaciona a água como elemento na sua ligação com a placenta, a vida, a fertilidade, a ancestralidade, à travessia atlântica e à diáspora.
DN: Como é construído os elementos estéticos e qual a mensagem da sua performance?
AC: A performance tem uma etapa nacional e internacional – Brasil e Nigéria – e investiga as continuidades cosmogônicas africanas no Brasil a partir da água, pensando a importância que a água exerce como elemento da vida, como metáfora da diáspora para as comunidades tradicionais negras.
DN: Água para você é um elemento de ligação, ou melhor, que atravessa e liga a história dos negros do continente africano e da diáspora?
AC: Sim. A água é o principal campo de pesquisa do meu trabalho como performer. No caso dessa performance, a água se relaciona de forma intrínseca à diáspora, articulando-se à outros elementos como o corpo da mulher negra, a travessia e a o candomblé brasileiro. A performance investiga a relação que existe entre o corpo da mulher negra, como receptáculo simbólico do projeto diáspórico, e o objeto-signo da “quartinha”. A Quartinha é um recipiente-signo religioso nos assentamento de orixá no candomblé brasileiro que simboliza a vida, que carrega a água. É um elemento que se relaciona com a placenta e com toda a discussão a respeito da continuidade da vida, constantemente interrompida para os corpos negros, seja na forma do genocídio ou do racismo ambiental.
DN: Como sua performance funciona como um contraponto, ou mesmo um manifesto ao racismo ambiental?
AC: A poética perseguida pela performance procura evidenciar a importância da água como elemento natural e cultural nas culturas negras. A água é essencial à vida e a cultura e está sendo destituída dos povos negros e indígenas no Brasil, por processos de apropriação de terras, controle das nascentes por grandes empresas, minerações, barragens e etc.. A pesquisa parte de um problema relacionado ao racismo ambiental que tem a ver com a minha própria trajetória de vida, com a trajetória de expropriação dos povos negros no território Latino Americano e é nesse sentido que a performance se relaciona com o Osun-Osogbo Sacred Grove Festival, realizado anualmente na cidade de Osogobo, Nigéria. Como uma oferta, a relação estabelecida entre o corpo da performer e a deusa ioruba Oxum, a “quartinha”, a placenta, carregando as águas do Brasil para serem ofertadas à deusa africana. Re-ligando simbolicamente as vidas que se relacionam com a força das águas e internacionalizando a reflexão sobre o manejo das águas, essenciais para a autonomia, saúde e prosperidade dos povos e comunidades tradicionais.
DN: Muito Interessante. E quais são as pessoas, instituições envolvidas na performance?
AC: A performance é um projeto meu e de Dayane Gomes, outra artista visual negra brasileira, e conta com o apoio do Yoruba Institute for Art and Culture e do programa Circula Minas no Brasil. Nós também lançamos uma campanha de colaboração na internet onde pessoas e instituições podem contribuir, tornar-se parceiros e apoiadores do projeto.
Congratulations @dalton_paula on being selected for @newmuseum fourth triennial! “The show, which opens February 13 and continues through May 27, bears the title “Songs for Sabotage,” and will fill four floors of the museum’s building in downtown Manhattan. The 30 or so artists chosen by Gartenfeld and Carrion-Murayari, the New Museum’s Kraus family curator, span 19 countries and range in age from 25 to about 35.” Dalton Paula, b. 1982, Brasília, Brazil; lives and works in Goiânia, Brazil. He holds a BA in Visual Arts and currently focuses on interrogating the silenced body in the urban environment. His productions reflect contemporary issues concerning fear, ephemerality, individualism and otherness. _____________________________ Parabéns @dalton_paula ao ser selecionado para a quarta trienal do @newmuseum O programa, que abre 13 de fevereiro e continua até 27 de maio, tem o título "Songs for Sabotage", e irá preencher quatro andares do prédio do museu no centro de Manhattan. Os 30 artistas escolhidos por Gartenfeld e Carrion-Murayari, curador da família Kraus do Novo Museu, abrangem 19 países e variam entre 25 e 35. Dalton Paula, n. 1982, Brasília, Brasil. Ele mora e trabalha em Goiânia, é bacharel em Artes Visuais e atualmente investiga o corpo silenciado no meio urbano. Suas produções propõem uma reflexão de questões contemporâneas, referentes ao medo, à efemeridade, ao individualismo e à alteridade. (at New Museum)
Reclaiming the Legacy of Afro-Brazilian Sculptor Agnaldo dos Santos
Agnaldo dos Santos, 1926-1962
b. Itaparica, Bahia
d. Salvador, Bahia
Facing racism and poverty, dos Santos rose to become a leading artist in the Brazilian Art world. He has lived a period of acceptance and recognition in the elite and white mainstream world of contemporary art throughout his career.
Agnaldo dos Santos frequently used wooden sculptures to express themes generally related to African ancestry and representations of blacks in Bahia. He often sculpted wooden figures with closed eyes, expressing serenity and placidity in the world of black spirituality.
While he was known and celebrated during his lifetime, it is only in recent years that his legacy has begun to be known.
Written by Davi Nunes
Agnaldo dos Santos, 1926-1962
Nascido na Ilha de Itaparica, na Bahia
Foi um artista do impossível dentro das artes plásticas no Brasil, visto que ele enfrentou em vida condições sociais e raciais adversas até se tornar um escultor com obra exposta e trabalho reconhecido no mainstream elitista e branco das artes plásticas brasileiras.
As obras de Agnaldo dos Santos são essencialmente de madeira, antropomórficas e expressionistas. E os temas estão geralmente relacionados com a ancestralidade africana e às representações dos negros na Bahia. Uma das características estéticas das suas esculturas são os olhos fechados, os quais expressam serenidade e placidez, ao mesmo tempo em que manifestam um mundo extra sensorial, um mundo da espiritualidade negra.
Heitor dos Prazeres was an Afro-Brazilian singer, songwriter and painter. Born to a family of musicians, his father, Alexandre dos Prazeres played clarinet for the Brazilian National Guard. His uncle, Hilario Jovino was a composer and presented him with the cavaquinho (an instrument of Samba music) inspiring him to compose his first songs. By the 1920s dos Prazeres become a pioneer of samba in Rio, standing out as one of the most famous composers of the Carioca Carnaval.
In 1936, at the age of 38, after the passing of his wife, dos Prazeres dedicated himself to painting. His portraits depicted the life and effervescent culture of Rio's favelas in his time. He painted samba jam sessions (rodas de samba), the life of the bohemian creatives, the black artists and people on the streets, children playing and the first homes the created - the favelas of Rio.
He became internationally recognized by the form in which he painted the figures, side by side with their eyes lateral. Transposing the figures with bright and brilliant colors, becoming a hero of the Afro-Brazilian creative movement.
Heitor dos Prazeres foi um cantor, compositor e pintor afro-brasileiro. Ele nasceu no Rio de Janeiro no dia 23 de setembro de 1898 e faleceu em 1966, aos 68 anos. Heitor era de uma família de músicos: o pai, Alexandre dos Prazeres, era marceneiro e clarinetista da banda da guarda Nacional, e seu tio, Hilário Jovino, era compositor e foi quem lhe apresentou o cavaquinho e o inspirou a compor as suas primeiras músicas. Já na década de 20, se destacava entre os famosos compositores do carnaval carioca, de maneira que se tornou um dos pioneiros do samba carioca.
No ano de 1936, com 38 anos, sua esposa morreu e ele começou, numa espécie de epifania artística, a se dedicar à pintura. O pintor Heitor dos Prazeres retratava a vida e a cultura efervescente das favelas cariocas na sua época. Pintava roda de samba, a vida boêmia e criativa das pessoas e artistas negros(as) nas ruas, pintava crianças brincando de soltar balões e pipas e as primeiras casas que formaram, o que é hoje, os morros do Rio de Janeiro.
Uma das principais características que fez suas obras serem reconhecidas com exposições numerosas no Brasil e no exterior foram os rostos das pessoas sempre pintados lateralmente com a cabeça e o olhar para o alto. Transpondo com cores brilhantes e alegres o heroísmo e a força criativa do negro brasileiro.
Written by Davi Nunes
Translated by Tiffany Auttrianna Ward
Bia Rodrigues, known online as biarritzzz, is a video and new media artist based in Recife, Brazil. Born in 1994, Bia has contributed to exhibits and biennials throughout Brazil since 2013. Heavily influenced by a movement known as Poesia Concreta (Concrete Poetry), Bia merges video and images to create a type of gif-poetry. The two of us sat down to discuss her experience as an artist in Brazil's current scene, along with our shared admiration of Junglepussy and breaking down art world barriers.
Bia Rodrigues, ou como o seu “avatarônimo” se intitula, biarritzzz, é uma artista brasileira que trabalha com vídeo e novas mídias. Nascida em 1994, Bia tem participado de exposições e mostras pelo Brasil afora desde 2013. Fortemente influenciada pelo movimento da Poesia Concreta, Bia mescla vídeos e outras linguagens para criar algo como poesia-GIF. Nós duas “sentamos” para discutir sua experiência como artista na atual cena brasileira e dividimos uma admiração pela rapper Junglepussy, além de uma queda por quebrar barreiras globais.
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Tiffany Auttrianna Ward: Who are you and what type of art do you create?
Bia Rodrigues: I’m Bia "Biarritzzz" Rodrigues and I’m an artist from Recife, Brazil. I work with moving images to create videos, gifs, and web art.
TAW: How long have you been working with digital art?
BR: I was born in 1994, so I was raised in the internet era. I was already making GIFs by age 10. By the time I even realized what web art was, I had already begun creating digital videos.
TAW: Had you studied art?
BR: Yes, but not officially.
TAW: So when did it become more than a hobby?
BR: Around 2013. It was a rough time personally, but fortunately I was able to connect with several artists. The artists I connected with changed everything for me, including Cássio Bomfim, who I still work with on ACRE (his fashion label). Cássio and I are both based in Recife.We felt like family right away.
ACRE Recife Marketing by Bia “Biarritzzz“ Rodrigues
TAW: When I first saw your work, I immediately recognized the similarities to current black & brown girl feminist art movement. Who are some of your influences?
BR: When I was younger I had an obsession with futuristic images and virtual worlds. I was a nerd! I would also say poetry and literature have greatly influenced my work, particularly the Southeastern Brazilian literary and artistic movement Poesia Concreta (Concrete Poetry). The artists and writers of that movement had this belief that words, letters, numerals all held a life on their own — that these words should be represented artistically.
Also I only really discovered the axé* of local artists around 4-5 years ago. You know the city next to mine, Olinda, - is a culture capital! We have a lot of art going on here - A LOT. So, yeah, my local influences are also really important. But I’ll be honest with you, sometimes I feel like I’m talking alone out here; no one here in Recife is doing what I do.
*portuguese noun of Afro-Brazilian origins, used to express energy, spirit, vibe
Pêndulo (Swinging Pendulum) - Concrete Poem by E. M. de Melo e Castro
TAW: Recently, social platforms like Instagram have given our generation greater access to artists and their art. What’s your take?
BR: It is refreshing! Somehow the old hierarchy that was so important for modernity is breaking down little by little. I’m a post-modernity enthusiast. It's our duty to see all 20th century empires fall down.
TAW: New Media as an art form, particularly internet art, can be difficult to grasp for some people.
BR: It is currently, but that will change. I have a hard time being interested in some of the “real” art institutions out there. The art market will only catch up with new media artists years from now. I understand it's a slow process but we can't just lie here and wait.
Untitled by Bia “Biarritzzz“ Rodrigues
TAW: Do you consider your art a form of protest?
BR: Yes! but not only because I'm talking about minorities but because I refuse to do it in the known way." I refuse to make what is already out there. I’d rather not have any audience than [have an audience by solely creating] what people are already domesticated to consume.
TAW: And what do you feel like people are domesticated to consume?
BR: I think people in terms of video are completely domesticated whether under an advertising language or even the cinema language — that’s why I like to focus on moving images.
TAW: Talking specifically about Blackness, lately it seems like every Afro-Brazilian person is being asked about race.
BR: We are. But that’s because we had never been asked before this point. You feel like before internet it was a million times easier to just pretend we were all “humans.” Brasileiro was used as a blanket term, something like “colorblind”. The words negro (black) and crespo (kinky hair) was always a negative thing. We say that the “race” problem was always “jogado pra debaixo do tapete” (thrown under the rug).
Screenshot of Bia’s Webpage
TAW: So do you feel like the internet has had an influence in your definition/relation to blackness?
BR: Absolutely. [Although it was through the internet,] the influence came directly from other black people. Let’s not forget that, because Zuckerberg has NOTHING to do with it. Nor Steve jobs or Bill Gates or any other white western man.
TAW: Right!
BR: This is real crazy, because after something like 4 years, since I let my hair grow natural, I had that sensation that I’m a descendent from African people (not even mentioning the native people).
TAW: Lastly can you list a few of your current faves?
BR: ACRE Recife, Tabita Rezaire, Junglepussy, Laurie Anderson (forever in our hearts), Miyö van Stenis, Metá Metá!
Follow Bia on Instagram
[Português]
Tiffany Auttrianna Ward: Quem é você e que tipo de arte você faz?
Bia Rodrigues: Eu sou biarritzzz ou Bia Rodrigues, artista recifense, nascida no Ceará. Trabalho com imagens em movimento e brinco com vídeos, gifs e web arte.
TAW: Há quanto tempo você tem trabalha com arte digital?
BR: Eu nasci em 94 então eu cresci na era da internet... Com 10 anos eu comecei a fazer GIFs. Quando fui descobrir o que era web arte, já tava fazendo vídeos autorais há um tempo.
TAW: Você estudou arte?
BR: Sim, mas não “oficialmente”.
TAW: Então quando foi que isso virou mais que um hobby?
BR: Por volta de 2013. Foi um período conturbado, mas por sorte conheci diversos artistas. Esses artistas mudaram tudo, incluindo Cássio Bomfim, com quem ainda trabalho no ACRE (sua marca de roupas/experiências). A gente se conheceu e sentiu que éramos tipo irmãos na hora.
TAW: Quando vi seu trabalho pela primeira vez vi na hora certas semelhanças com outras artistas desse novo movimento de garotas negras feministas. Quais são as suas influências?
BR: Quando eu era menor, tinha uma obsessão com coisas futurísticas, mundos virtuais. Eu era muito nerd! Eu diria que a poesia e a literatura me influenciaram bastante artisticamente, principalmente a Poesia Concreta. Os artistas e poetas desse movimento acreditavam que as palavras, as letras, os dígitos tinham uma vida própria, e que sua representação visual no espaço era tão importante quanto o conteúdo do que tava escrito.
Ainda falando de influências, só fui realmente descobrir e reconhecer o axé dos artistas da minha terra uns 4-5 anos atrás. Você sabe, a cidade vizinha da minha, Olinda, já foi capital da cultura. Nós temos muita arte acontecendo aqui, MUITA. Então sim, minhas referências locais são extremamente importantes. Mas vou ser honesta contigo, às vezes sinto que tô falando sozinha por aqui, como se ninguém em Recife tivesse fazendo o que eu faço.
TAW: Ultimamente redes sociais como o Instagram têm dado à nossa geração um maior acesso a artistas e sua arte. O que vc acha disso?
BR: Acho instigante! De algum jeito aquela hierarquia solidificada que era tão importante pra a modernidade está quebrando pouco a pouco. Sim, eu sou uma entusiasta da “pós-modernidade”. É o nosso dever ver todos os impérios do século XX ruírem.
TAW: Entender as novas mídias como uma forma de arte, particularmente a arte de internet, pode ser difícil pra algumas pessoas.
BR: Sim, o é hoje, mas isso vai mudar... Eu tenho certa dificuldade em me interessar pelo que se tem de instituicionalizado em arte por aí. O mercado da arte só vai conseguir mesmo chegar onde os artistas das novas mídias estão dentro de alguns anos. É um processo lento, mas a gente não pode simplesmente sentar e esperar.
TAW: Você considera sua arte uma forma de protesto?
BR: Sim! Mas não só porque estou falando de minorias como todo mundo tá hoje, mas porque eu me recuso a fazer do jeito que já é estabelecido. A reproduzir o que já existe por aí... Prefiro não ter público nenhum do que só fazer o que todo mundo já tá domesticado a consumir.
TAW: E no que você acha que as pessoas estão domesticadas a consumir?
BR: Eu acho que as pessoas, quando se trata de vídeo, são completamente educadas e restritas a uma linguagem publicitária, ou hollywoodiana (o que pode ser redundância). Por isso que gosto de dizer que o que faço são “imagens em movimento”.
TAW: Falando especificamente sobre negritude, ultimamente parece que toda pessoa negra no Brasil está sendo questionada sobre raça…
BR: E estamos mesmo. Mas isso é porque nunca estivemos antes. É como se antes da internet fosse milhões de vezes mais fácil simplesmente fingir que somos todos “seres humanos”. O “Brasileiro” era usado como um termo genérico, como se não tivéssemos cor ou raça. As palavras negro e crespo sempre soaram como coisas negativas. O problema racial sempre foi jogado pra debaixo do tapete.
TAW: Então você considera que a internet teve influência na sua definição/relação com a sua negritude?
BR: Claro. [Apesar de ter sido através da internet,] a influência veio diretamente de outras pessoas também negras. Não nos esqueçamos disso, até porque Marc Zuckerberg não tem NADA a ver com isso. Nem Steve Jobs nem Bill Gates, ou qualquer outro cara branco ocidental.
TAW: Isso!
BR: E isso é muito doido porque depois de, tipo, 4 anos desde que deixei meu cabelo crescer natural, eu tive aquela sensação de que sou descendente de pessoas que vieram da África (sem mencionar toda a herança genética indígena).
TAW: Pra terminar, você pode listar um pouco da sua galera favorita hoje? BR: Claro! ACRE Recife, Tabita Rezaire, Junglepussy, Laurie Anderson (pra sempre em nossos <3), Miyö van Stenis, Metá Metá..!
Feature: Brazilian Artists Use Graffiti to Bridge African Roots and Feminism
Stefany “Fany” Lima (Instagram) and Ananda Santana (Instagram)
written by (escrito por) Davi Nunes
Stefany Lima
Stefany “Fany” Lima is a graffiti artist born and raised in Embu das Artes, a municipality of Sao Paulo known for its artistic community. She originally began working with graffiti as an event photographer in 2011. Within two years she began to develop her own work, constructing a unique style that blends her Afro-Brazilian ancestry with Black Feminism.
Stefany Lima, Fany, como assina em seus trabalhos, é paulista de Embu das Artes, atualmente mora em Recife. Seu primeiro contato com o grafite ocorreu em 2011, fotografando os eventos do gênero. Em 2013 começou a desenvolver sua arte, construindo um estilo singular que mescla ancestralidade com representações afro-feministas.
“Graffiti, for me, is a rebellion, but it is also a kind of freedom - a release. Graffiti never needed institutional authority to exist; because it’s an art of the streets. It changed men and women from broken brothers and sisters of the ghetto to artists and creators for the streets. It transformed their reality.”
“O graffiti é transgressão, é um respiro. Nunca precisou de permissão ou aprovação para existir como expressão artística, nem para intervir nos espaços públicos. Ele devolveu a muitos manos e minas da quebrada a real perspectiva da rua, sabendo entrar e sair de qualquer lugar ou situação, sendo sujeitos autônomos e potenciais criadores, transformadores da realidade.
“The fact is - the black woman is not recognized in the same way for our cultural production, intellectual and artistic. People still want to keep us hidden in servitude.”
“O fato é que a mulher negra não é reconhecida da mesma forma por sua produção cultural, intelectual e artística. Ainda querem nos reservar um papel coadjuvante, de servidão e esquecimento.”
“The understanding of my black ancestry is primarily what brings me patience, inspiration, strength and intuition. Alongside, knowing that the creative process is changeable and continuous. My ancestry influences everything, figurative or abstract, elements, textures, shapes, colors and compositions. ”
“O reconhecimento da minha ancestralidade negra é, primeiramente, o que me traz paciência, inspiração, força e intuição. O saber que o processo criativo é mutável e contínuo. Por fim, tudo se converte em referências, figurativas ou abstratas, elementos, texturas, formas, cores e composições.”
Ananda Santana
Ananda Santana is a graffiti artist and painter based in Salvador, Bahia. She began painting as a child and came into contact with graffiti when she attended a feminist graffiti training in Salvador. It was through this course that she began to use graffiti to portray the ancestry and beauty of black women.
Ananda Santana é Baiana, nascida em Salvador, apesar de pintar desde criança seu contato real com o graffiti ocorreu quando participou de um grupo de formação com feminismo e graffiti, onde entendeu o significado dessa arte e começou a usá-la para representar a ancestralidade e beleza das mulheres negras.
“In my graffiti, I love to focus and highlight the African features of black women of all ages and styles.”
“Nos meus graffitis gosto muito de trazer traços de mulheres africanas, mulheres de todas as idades e costumes, mas sempre reforço e traço minhas mulheres negras em evidência e espero, quero evidenciar e crescer ainda mais com esta proposta!”
“The main challenges, I see, are the prejudice, sexism and racism we face. As black graffiti artists we are frequently replaced by white graffiti artists. And as black women we have to work twice as hard to get recognition. And I don’t mean the stroke! I’m talking about maintaining to showcase our work with quality, dignity and a head held high. This is one of the greatest challenges.”
“Os principais desafios, vejo como a invisibilidade que nós acompanha, tudo por questão de preconceito, machismo e racismo, por mais que façamos graffiti, que sejamos artistas é bem mais provável, na maioria dos casos que sejamos substituídas por graffiteiras brancas, por estas e outras que nós mulheres negras, graffiteiras temos que trabalhar dobrado para conseguir reconhecimento, não me refiro a traço, me refiro a mostrar seu trabalho mesmo, com qualidade, dignidade e muita cabeça erguida! Vejo como um dos maiores desafios.”
I see my work as having a strong effect, not just because of the colors and strokes but because of the representation. I see young girls seeing themselves in the women I paint. To me this is the most important part; it is my form of protest - being a black woman painting and producing art. My hope is that black women will love themselves a bit more because they are seeing themselves represented!”
“Vejo que meus trabalhos causam repercussões muito boas, não só pelas cores, pelos traços, mais sim por sua representatividade, consigo perceber ao pintar que muitas mulheres, meninas se reconhecem neles, são desenhos de mulheres negras e considero esta pauta de extrema importância, és a minha forma de militância de mostrar que existe sim mulher preta pintando e que produz arte para representar e fazer com que suas receptoras se vejam e gostem disso, do desenho e do que são, é isso!”
“This series was produced free from commercial and market influenced aesthetics. Aesthetically, I have always been interested by the colors shapes and overlap used during the Baroque period. When I started this series in 2010, I experimented until I found what it was that I desired to accomplish. Using colored self-adhesive tape, acrylic, gouache, glitter, beads, colored stickers, and other materials I composed Afro-Retratos completely on paper.”
-Renata Felinto (Translated by Tiffany Auttrianna Ward)
“Esta série é uma espécie de libertação estética e mercadológica. Sempre me interessei muito pelas cores, formas e sobreposições, acúmulos bem barrocos de informações estéticas, visuais. A partir desta série iniciada em 2010 fui experimentando até encontrar o que desejava realizar. Fitas auto-adesivas coloridas, acrílica, guache, glitter, miçangas, adesivos coloridos, dentre outros materiais são os elementos que serviram para compor tais pinturas sobre papel.”
-Renata Felinto
Renata Felinto is a São Paulo-based researcher, educator, and visual and performance artist, whose interest lies in “the world of images produced by Man since the world began."
Afro-Retratos was on display from July 31 to August 18 in 2012 in TrackerTower, located in the center of the city of São Paulo.
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Renata Felinto, é uma artista plastica com sede em São Paulo que também é "pesquisadora, educadora e interessada pelo mundo das imagens produzidas pelos homens desde que o mundo é mundo."
A exposição ficou em cartaz de 31 de julho a 18 de agosto no ano de 2012 na TrackerTower, situada no Centro da Cidade de São Paulo.
