j3yy @jeeyliing - Tumblr Blog

-AUTOEVALUACIÓN-

Reflexión sobre la dinámica de clase

Me gustó la dinámica de las exposiciones y que el formato fuera tan abierto. Ver cómo cada equipo abordó su tema deja mucho que pensar sobre el potencial del salón cuando nos dan libertades creativas y de información; se nota que, cuando no hay un molde rígido, cada quien encuentra una forma única de explicar la arquitectura.

En lo personal, mi exposición sobre el Hotel de Sully me dejó varias lecciones importantes que no esperaba. Aprendí cómo la verticalidad y la longitudinalidad son estrategias clave para resolver problemas en terrenos estrechos, algo que se conecta mucho con lo que vi con el otro grupo de la Asamkirche. Entendí que la organización espacial siempre tiene un propósito, ya sea por una cuestión de jerarquía social o simplemente por comodidad visual. Además, me impresionó el dramatismo de los materiales de esta época; solían tener esa intención de darle poder y carácter a la edificación.

A veces admito que divago un poco al ver las expos, pero es que las edificaciones elegidas eran realmente buenas; lograban atraparte y daban ganas de seguir viendo las diapositivas. Al final, estudiar el Renacimiento y el Barroco es fundamental para entender nuestra propia descendencia en la historia. Me quedo con la idea de que los arquitectos que crean su propio lenguaje a través del juego de luces, la monumentalidad, la geometría y la materialidad.

Opinión y Crítica:

Me agrado el grupo de Najeslie, Victoria y Meliza logró simplificar la densidad del Barroco bávaro sin perder la profundidad del análisis. Su gran acierto fue explicar cómo la Asamkirche, al ser una obra de devoción privada, permitió a los hermanos Asam romper con las normas tradicionales, como la orientación del altar hacia el oeste. Manejaron un lenguaje muy fluido para explicar la "metáfora del ascenso espiritual", haciendo que entendiéramos la transición de la oscuridad terrenal a la luz celestial como una experiencia sensorial y no solo arquitectónica.

Presentación visual y escala de valor:

Gráficamente, su presentación fue una guía excelente para entender un espacio tan estrecho de apenas 8 metros de ancho, llevándonos de la mano por la complejidad decorativa del interior. Por la claridad de su exposición y la relación entre lo visual y lo dicho, les doy un 4 de 5💋.

Análisis Crítico: La Asamkirche en Múnich

Después de escuchar la exposición de mis compañeras sobre la Asamkirche (o Iglesia de San Juan Nepomuceno), no pude evitar conectar varios puntos con lo que ya hemos investigado sobre el Barroco italiano y los términos que hemos definido en nuestro glosario. Me parece fascinante cómo una edificación tan pequeña —apenas 8 metros de ancho— logra concentrar toda la carga emocional que el Barroco buscaba proyectar.

Características claves y espacialidad

Lo primero que me llamó la atención es su espacialidad. Mientras que en el Renacimiento buscábamos una claridad absoluta y proporciones que el ojo pudiera medir fácilmente, aquí los hermanos Asam rompen con eso. La planta es extremadamente longitudinal y estrecha, lo que te obliga a mirar hacia arriba.

Me recordó mucho a lo que vimos sobre la unidad de Wölfflin: no puedes ver los elementos por separado; el fresco, las esculturas y la arquitectura se funden en una sola experiencia "pictórica". Es como si el edificio no tuviera límites claros, una forma abierta que parece expandirse más allá de las paredes. Además, el uso de las columnas salomónicas en el altar mayor es un guiño directo a Bernini (quien fue maestro de los Asam en Italia), conectando esta pequeña joya alemana con el Vaticano.

Contextualización e importancia

Lo que hace que la Asamkirche sea única es su origen: nació como una iglesia privada. Al no tener que rendir cuentas a los estrictos cánones de la Iglesia oficial de la época, los hermanos se permitieron "rarezas" que en otros proyectos serían impensables. Por ejemplo, orientaron el altar hacia el oeste en lugar del este, y colocaron el crucifijo a una altura mucho más baja de lo normal para que el predicador estuviera cara a cara con la imagen, rompiendo esa jerarquía distante del Barroco tradicional.

Es una obra de devoción personal construida en pleno espíritu de la Contrarreforma, donde el arte no solo debía informar, sino emocionar y reafirmar la fe a través del impacto visual. Es curioso pensar que, aunque hoy es pública por exigencia de los ciudadanos de Múnich, se diseñó originalmente como un espacio donde Egid Quirin Asam podía vigilar el altar incluso desde una ventana de su propia casa.

El alma barroca de la edificación

Si tuviera que definir qué la hace puramente barroca, sería su **teatralidad y el manejo simbólico de la luz**. El análisis que hicieron del espacio dividido en tres niveles me parece la clave de todo:

☆ El nivel inferior es oscuro, representando el mundo terrenal y el pecado.

☆El nivel intermedio sirve de transición, decorado para el Emperador.

☆El nivel superior es una explosión de luz natural y color que representa el cielo y la gloria divina.

Ese uso de la iluminación indirecta y oculta tras las cornisas crea una atmósfera de misterio que apela directamente al sentimiento y no a la razón. Al final, la Asamkirche no es solo un edificio; es una metáfora del ascenso espiritual. Es el Barroco en su máxima expresión: complejo, decorativo hasta el exceso y profundamente emocional, demostrando que no se necesita un tamaño monumental para crear una arquitectura que te deje sin aliento

-Mapa 12-

Zwinger de Dresde (Alemania, siglo XVIII)

Cuando mis compañeros expusieron el Zwinger en Dresde, me gustó mucho su nombre honestamente, y cuando profundizaron en el tema me di cuenta de lo hermoso que es. Fue diseñado por el arquitecto Matthäus Daniel Pöppelmann a principios del siglo XVIII. Originalmente, el propósito de este espacio no era ser un edificio cerrado, sino una gran explanada abierta rodeada de galerías y pabellones para que la corte tuviera un lugar digno de fiestas, torneos y exhibiciones de arte.

Lo que me parece más interesante de esta edificación es la cúpula de bulbosa ( que se mencionó en el anteroir post) y cómo utiliza la arquitectura como un escenario: en lugar de muros pesados, el arquitecto diseñó una estructura llena de arcos, esculturas y fuentes que parecen estar en constante movimiento. Es un ejemplo perfecto de cómo el barroco alemán logró que la piedra se sintiera ligera y teatral, creando un espacio donde el jardín y el edificio se vuelven una sola cosa para maravillar a cualquiera que lo visite.

GLOSARIO 13 :D

☆ESTEREOTOMÍA: Es el arte súper técnico de saber cómo cortar las piedras (en 3D) para que encajen a la perfección unas con otras ( como pasaba en el hotel sully). Es pura geometría aplicada para poder construir arcos y bóvedas complejas sin que se caigan.

☆JESUISTAS: Es una orden religiosa de curas (la Compañía de Jesús) que fueron como el escuadrón intelectual de la Iglesia Católica. En arquitectura son importantísimos porque crearon un "modelo a seguir" para las iglesias: naves únicas muy anchas para que la gente escuchara perfecto los sermones.

☆MEMENTO MORI: Significa "Recuerda que morirás". En el arte y arquitectura de la época, era la costumbre de poner calaveras, esqueletos o relojes de arena en las iglesias y tumbas para recordarle a la gente que la vida es corta y la muerte es inevitable.

☆ CÚPULA BULBOSA: Es una cúpula que tiene forma de cebolla o de gota invertida (se ensancha en el medio antes de llegar a la punta). Aunque las asociamos mucho con Rusia (como las de Moscú), también se usaron en el Barroco de Europa Central.

INFORME DE LA PELI

Farinelli-1994

Ver la película de Farinelli me hizo entender la materia de una forma que los libros no logran, porque me permitió ver "en movimiento" todo lo que hemos puesto en nuestro glosario. Mientras veía las escenas de los teatros, no podía dejar de pensar en cómo la arquitectura de esa época no era solo para vivirla, sino para dar espectáculo. Me llamó mucho la atención cómo la voz de Farinelli, que era algo artificial y exagerado, encajaba perfecto con los edificios que hemos investigado. Por ejemplo, cuando estudiamos el paso del Renacimiento al Barroco, hablábamos de cómo se perdió esa calma y sencillez de las figuras geométricas perfectas de obras como la Cúpula de Santa María del Fiore de Brunelleschi, para pasar a algo mucho más cargado y dramático. En la película, eso se ve en cada rincón: los dorados, las esculturas que parecen moverse y esos techos llenos de pinturas que te hacen dudar de dónde termina la pared y dónde empieza el cielo. Me recordó mucho a lo que vimos sobre el ilusionismo, que es básicamente usar la arquitectura para engañar al ojo, algo que también noté cuando investigue la Iglesia del Gesù, donde el espacio parece estirarse hacia el infinito, tal como la voz de Farinelli parecía no tener límites.

A medida que avanzaba el relato de su vida y sus giras por Europa, pude comparar los palacios de la película con las investigaciones que hicimos sobre las fachadas llenas de curvas y adornos. Antes me costaba entender por qué se complicaban tanto con los detalles, pero viendo la película comprendí que en esa época "más era más". La arquitectura era una herramienta de poder, igual que la música. Hubo escenas donde los personajes caminaban por pasillos enormes y salones llenos de espejos que me hicieron pensar de inmediato en el Palacio de Versalles, y ahí recordé nuestras charlas sobre la teatralidad; todo estaba diseñado para que la gente se sintiera pequeña y asombrada. Si en el Renacimiento, como vimos en la Villa Capra, buscábamos que el edificio fuera proporcional al ser humano y todo fuera ordenado y simétrico, aquí en el Barroco lo que importa es el impacto. Al final, relacionar la vida del protagonista con edificios como la Basílica de San Pedro y sus columnas retorcidas me hizo ver que tanto el arquitecto como el músico buscaban lo mismo: conmover a la gente, ya fuera con una nota altísima o con una cúpula que parece que se te cae encima. Esta peli me ayudó a unir los puntos del glosario: ahora entiendo que términos como el horror vacui (ese miedo al vacío que hace que llenen todo de adornos) no son solo conceptos, sino la forma en que esa gente sentía y vivía su mundo.

-Mapa 11-

Catedral de San Pablo (Londres, Inglaterra)

Cuando mis compañaeros hablaron de ella me pareció una locura, fue la gran obra maestra de Christopher Wren después de que el incendio de 1666 dejara la ciudad en cenizas. El propósito de este proyecto no era solo reconstruir una iglesia, sino levantar un símbolo de orgullo y resiliencia para todo el país utilizando un lenguaje barroco muy elegante. Lo que más me llama la atención de esta edificación es el uso oculto de la ingeniería: Wren instaló un cono de ladrillo y cadenas de hierro escondidas entre las capas de la cúpula para poder sostener la enorme linterna de piedra en la cima. Es una solución brillante porque logra que el edificio sea estructuralmente indestructible sin perder esa silueta ligera y monumental que domina todo el horizonte de Londres.

GLOSARIO 12

☆SAGRARIO: Por ejem en las exposiciones mencionaron al Sagrario Paular. Es como la "caja fuerte" sagrada de una iglesia. Es el espacio (generalmente en el altar principal) donde se guardan las hostias consagradas. En el Barroco, dejaron de ser simples cajitas para convertirse en micro-arquitecturas de oro, mármol y súper decoradas.

☆VENTANA FRANCESA: Básicamente, es una ventana tan alta que llega hasta el suelo y funciona como una puerta de dos hojas. Sirven para dejar entrar muchísima luz natural y conectar los salones interiores con los jardines.

☆EL TRANSPARENTE (como en Paular o Toledo): Es un truco de magia arquitectónico inventado en el Barroco. Consiste en abrir un tragaluz oculto para que la luz del sol pegue directo sobre un retablo o sagrario. El espectador no ve de dónde viene la luz, por lo que parece una iluminación divina o un milagro.

☆AUSTERO: Significa sencillo, estricto y sin adornos. Es exactamente lo opuesto al Barroco recargado. Un edificio austero es sobrio, con paredes lisas y se enfoca en la función sin gastar en decoración innecesaria.

-Mapa 10-

Para esta clase elegí 2 mapas

-Hotel de Sully (París, Francia, siglo XVII)-

Me tocó exponer esta edificacion, honestamente me gustó mucho, tanto su historia como su arquitectura, por ello queria agregarla en este mapa, me parece interesante como el arquitecto Jean Androuet du Cerceau hizo la edificacion ya que para esta época fue un nuevo estándar de lujo y privacidad para la nobleza francesa, separando la vida social del ruido de la ciudad mediante un sistema de patios y jardines. Lo que me parece más wow es el uso de las mansardas en sus techos: no son solo un detalle estético, sino una solución arquitectónica brillante que permitió convertir los áticos en espacios habitables y elegantes, aprovechando al máximo la estructura de madera. Es una obra que demuestra cómo la arquitectura puede crear un refugio de orden y arte en medio del caos urbano.

-Los Inválidos (París, Francia)-

Lo expusieron otros compañeros ese día, me impresiona mucho el complejo, es una de las obras maestras de Jules Hardouin-Mansart. Fue construido originalmente como un hospital y hogar para los veteranos de guerra, pero terminó siendo el símbolo máximo del poder del Rey Luis XIV. Lo que me parece más interesante de esta edificación es el "engaño" visual de su cúpula triple: el arquitecto diseñó una estructura exterior de madera para que se viera altísima desde kilómetros de distancia, pero colocó otras cúpulas internas de piedra para soportar el peso y asegurar que, al estar adentro, las pinturas y las proporciones no agobiaran al visitante. Es un manejo increíble de la escala para proyectar grandeza estatal.

GLOSARIO 11

☆ABSOLUTISMO: Es un sistema de gobierno donde el rey manda en todo sin que nadie le lleve la contraria. En clase por ejemplo, un absolutista que mencionamos fue al rey Luis XIV. En arquitectura, esto se nota porque los reyes mandaban a hacer palacios gigantescos y exagerados solo para presumir su poder absoluto.

☆BUROCRACIA: Es todo el grupo de papeleos, funcionarios y oficinistas que trabajan para que el gobierno funcione. Como en esta época los estados se hicieron más organizados, hizo falta construir nuevos edificios públicos y administrativos solo para meter a toda esta gente a trabajar.

☆BORBONES: Es el apellido de una familia real (una dinastía) muy poderosa de Europa. Originarios de Francia, llegaron a reinar también en España. En la arquitectura, importaron muchas ideas francesas (más elegantes y ordenadas) a los lugares donde gobernaban.

☆CARTUJA: Es un tipo de monasterio diseñado específicamente para los monjes de la orden de los Cartujos. Como ellos tienen voto de silencio y viven casi como ermitaños, estos edificios son muy particulares: tienen casitas o celdas individuales separadas alrededor de un gran patio central.

Por qué soy team Borromini?🤓☝️

Si tengo que elegir un bando en la Roma del siglo XVII, soy Team Borromini sin dudarlo. Mientras Bernini se mantenía bajo el ala segura del clasicismo y el favor de los Papas, Borromini se atrevió a romper las reglas. Lo que me fascina es que no se limitó a repetir los cánones del Renacimiento; él decidió explorar geometrías inusuales que desafían la lógica visual.

Me parece increíble cómo logra ese orden matemático tan estricto a través de algo tan puro como el triángulo, transformándolo en curvas elípticas y espacios que parecen vivos. Su manejo de la verticalidad y esos juegos de luces hipnóticos hacen que sus obras no sean solo edificios, sino experiencias sensoriales. Todavía sigo anonadada con la perspectiva forzada del Palacio Spada; es la prueba máxima de que su talento técnico superaba cualquier limitación física🌬.

Hay algo en su personalidad difícil y en su lucha constante que me hace empatizar con él. No fue el favorito, no tuvo los beneficios del nepotismo que impulsaron la carrera de Bernini (quien es un nepobaby, 🤔aunque talentoso, se siente mucho más tradicional y predecible). Borromini es el triunfo del genio puro sobre el contacto político. Su arquitectura no busca solo agradar a la vista, busca retar a la mente, y es ese riesgo creativo lo que me hace admirarlo por encima de cualquier estilo clásico.

-Mapa 9- San Carlo alle Quattro Fontane

(construida entre 1638 y 1641 en la ciudad de Roma. )

Lo primero que me atrapa, y lo que realmente me vuela la cabeza como estudiante, es su geometría inusual, y mas en estas épocas que ya se esta casi acabando en Renacimiento .Borromini no se conformó con el círculo o el cuadrado; él diseñó una planta basada en la intersección de triángulos equiláteros que terminan configurando una elipse perfecta. Es una locura pensar cómo algo tan complejo visualmente puede ser, al mismo tiempo, tan eficiente y estar tan estrictamente ordenado. No hay caos aquí, solo una matemática avanzada que fluye.

Al ver mas fotos del interior el espacio se vuelve realmente hipnótico. La verticalidad se siente presente y el juego de luces en la cúpula es de otro mundo; la luz. Esa claridad hace que la estructura pierda peso. Es esa mezcla entre el rigor técnico de la planta y la luz dirigida y oculta me hace entender por qué Borromini era un genio incomprendido: logró que la geometría, la herramienta más racional que tenemos, produzca una emoción pura y casi irreal.

Glosario 10

☆NEPOTISMO: Práctica común en la Iglesia y el Estado donde los Papas o gobernantes otorgaban cargos, tierras y riquezas a sus propios familiares (sobrinos, principalmente). Fue el motor detrás de muchas de las grandes villas y palacios barrocos en Roma.

☆PIETISMO:Aunque nació como una corriente de introspección espiritual, en arquitectura lo siento en esa búsqueda de conmover al espectador. No se trata solo de construir paredes, sino de crear una atmósfera de devoción personal a través del drama y la luz.

-Mapa 8-

Me llamó la atención la Ciudad Bath para el Mapa ya que siento que representa el nacimiento del urbanismo moderno para la burguesía. Ya no se trataba solo de construir una iglesia o un palacio para un rey, sino de diseñar una ciudad entera pensada para el ocio y el estatus social( tipo brigerton)

Situada al oeste de Londres y no dentro de la capital, se convirtió a partir de 1720 en el refugio de lujo y prestigio. Bajo la visión de Ralph Allen y los arquitectos John Wood, la ciudad se transformó usando una característica piedra dorada en un manifiesto del estilo neoclásico palladiano, donde se priorizó la armonía visual y la relación con el paisaje. Aquí es donde conceptos como el crescent cobran sentido, al ser fachadas continuas en forma de media luna que dan orden al caos urbano y ofrecen vistas privilegiadas.

GLOSARIO 9

☆FOLLY: Vimos que eran un espacio que no tiene una función real (como vivir o trabajar en ella). Se hacían en los jardines europeos del siglo XVIII para decorar.

☆ ALGARETE: Es algo que no tiene un orden fijo o que se desarrolla de forma libre y espontánea, sin seguir algun patrón estricto.

☆ CRESCENT (Media Luna): Lo vinos en clase, es una espacio vacío en forma de media luna que esta rodeado y conectado por edificaciones

☆ALEGORÍA EN EL ARTE: Es cuando una obra utiliza figuras, objetos o imágenes para representar ideas abstractas o conceptos.

Edificaciones buscadas y analizadas en el primer corte y segundo corte de historia ll - Google My Maps

https://www.google.com/maps/d/u/0/edit?mid=1AyAEtGIODMJ16qU_BbNrX1pqoVhn4nc&usp=sharing

Edificaciones buscadas y analizadas en el primer corte de historia ll

FASE 2 (informe)

Al leer el texto de Arnold Hauser, lo primero que me llamó la atención no fue solo su análisis técnico, sino su formación como sociólogo de la cultura. Hauser no ve un edificio como una pieza aislada; para él, una columna o un muro son el resultado directo de las presiones sociales, políticas y económicas de su tiempo. Al leerlo, comprendí que el Manierismo no fue un estilo que él intentara "defender" o "atacar" con juicios morales, sino que lo abordó con la honestidad de quien intenta descifrar un síntoma histórico.

Entendí que el Manierismo fue una respuesta valiente y consistente de una sociedad en crisis que ya no podía creer en la armonía absoluta del Renacimiento. Mientras el mundo se fracturaba, el arte no podía seguir fingiendo equilibrio. Lo que antes me parecían "errores" de diseño —como esas columnas que no sostienen nada o espacios que te hacen sentir perdido—, ahora los veo como la audacia de Hauser para interpretar la angustia. Él tuvo que acuñar términos como "espacio empírico" porque el lenguaje convencional no le bastaba para explicar esa sensación de desconexión.

Me conecté mucho con su capacidad para analizar lo "incómodo". Hauser nos muestra que arquitectos como Giulio Romano en el Palazzo del Té no buscaban el aplauso fácil, sino materializar la inseguridad de su época. No es que Hauser fuera un fanático del estilo, sino que entendía que la arquitectura es un medio de expresión psicológica: si la sociedad está ansiosa, el edificio debe ser ansioso.

Esta lectura me enseñó que el valor del arte no reside siempre en su belleza, sino en su capacidad para ser un espejo honesto (aunque sea un espejo roto) de la realidad humana.

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