J a r d i n d e g i v r e

Musique et mots s'agençant ensemble.

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Critiques cinéphiliques 2025 :

Critiques cinéphiliques 2025

Cool World (Bakshi, 1992). De bonnes idées, mais un mauvais film. Un projet qui a complètement échappé au réalisateur Ralph Bakshi pendant la production, résultant en un fouillis irrécupérable, malgré ses bons coups – certains personnages parviennent somme toute à être touchants… par moment. Gabriel Byrne se demande ce qu’il fait là, Kim Basinger se débrouille comme elle peut, Brad Pitt est excellent.

Doctor Sleep (Flanagan, 2019). Oser adapter la suite de The Shining au cinéma est casse-gueule tant le film de Kubrick est singulier – évidemment, c’est Kubrick. Mike Flanagan adapte le livre mais choisit de tenir compte du film, ce qui est un bon choix. Il se permet également de « réparer » la finale du livre original que Kubrick avait choisi d’ignorer, sans doute pour des raisons discursives – typique du cinéaste, et le résultat lui donna évidemment raison. Doctor Sleep est réussi de la même manière que le film 2010 de Peter Hyams réussit en tant que suite à l’autre monument kubrickien. La distribution est géniale, mais Rebecca Ferguson sort du lot dans ce film fort réussi.

Dragonslayer (Robbins, 1981). Une entrée mineure dans la production de fantasy hollywoodienne des années 80 qui, malgré tout le charme de la distribution et le visuel plutôt abouti, souffre d’un scénario maladroit et amateur. Caitlin Clarke est sublime, la musique d’Alex North se refuse résolument de tomber dans la pompe usuelle de la musique de film hollywoodienne.

Early Spring (Ozu, 1956). Une histoire d’adultère dans le milieu des travailleurs de bureau du Japon d’après-guerre, qui en fait ressortir leur désillusionnement profond et les limites de leurs aspirations. Évite les pièges de ce genre de récit, en particulier les envolées mélodramatiques – à peu près absentes –, en se concentrant plutôt sur l’impact social, tout en montrant les limites du rêve propre au « salaryman ». Les personnages principaux, prisonniers de leurs rôles socio-sexuels, gardent admirablement leur dignité, malgré tout le pathos de leur situation.

Event Horizon (Anderson, 1997). Désire poursuivre le projet qu’était Alien, qui semble destiné à être unique en son rang en tant que film d’horreur spatial. Pourtant, malgré l’idée convenue (de tous les studios, Disney avait déjà visité le thème d’un trou noir menant à l’enfer vingt ans plus tôt…) de trouver l’enfer dans l’espace – ne se trouve-t-il pas à tous les coins de rue, à en croire nos chers voisins? – le film met en place un équipage intéressant, efficacement campé par la distribution, et des décors par moments plus outranciers que ceux de Giger – une approche aussi juvénile que celle de refuser au vilain savant une raison crédible de tomber sous le charme du mal. Au final, les scènes horrifiques manquent d’horreur, comme si on avait cherché à choquer le moins possible le MPAA, ce qui revient à enlever au film son essence. Une occasion manquée, sans être un désastre.

Hundreds of Beavers (Cheslik, 2022). Une comédie burlesque au kitsch assumé et à l’absurde hyperbolique mais finement travaillé. Dans les débuts des colonies anglaises en Amérique, un fabriquant d’Applejack désœuvré doit amasser des centaines de peaux de castor pour gagner la main de la fille d’un marchant dont il s’est épris. Les castors – ainsi que tous les animaux du film – sont interprétés par des acteurs dans des costumes de mascottes. Hilarant.

La femme de l’hôtel (Pool, 1984). Un regard sur le cinéma, sa production mais également la recherche derrière son écriture et sa réalisation. Impressionnant travail sur l’espace, qui alterne entre fictionnel, onirique, et divers degrés de mises en abîme. Le thème centrale en est une forme d’introjection au plus profond de l’identité féminine, que Paule Baillargeon, majestueuse, Louise Marleau, magistrale, incarnent avec une sincérité et une conviction désarmantes.

La vérité (Clouzot, 1960). Étude d'une relation amoureuse hautement toxique destinée à la tragédie. Mise en scène particulièrement efficace, le film ne guide aucunement le jugement du spectateur quant aux sujets de la relation (il préfère dénoncer la froideur du système de justice). Brigitte Bardot puissante. Une autre entrée remarquable dans la filmographie du réalisateur.

Les visiteurs du soir (Carné, 1942). Une entrée plutôt mineure pour le réalisateur. Le rythme est beaucoup trop lent et malgré un intéressant départ, le tout finit par s’essouffler. Alain Cuny peine à garder la conviction de personnage, surtout en comparaison avec Arletty, toujours mystérieuse. L’arrivée du Diable souffle sur les braises et redonne espoir, mais malgré toute la bonne volonté de Jules Berry, son personnage finit par se perdre dans ses laïus, tout comme Marie Déa, d’ailleurs. La répétition et la surenchère dans les dialogues s’avère parfois judicieuse, mais ici, même la plume de Prévert ne parvient à soutenir la cadence.

Look Back (Oshiyama, 2024). Adaptation animée du manga de Tatsuki Fujimoto. Après une mise en situation « slice of life » charmante, le film adopte une rupture de ton pour le moins dramatique qui enchaîne certains dispositifs narratifs (incluant une séquence potentiellement fantastique) utilisés de manière quelque peu maladroite, ce qui amenuise le propos, a mon sens. J’ai tout de même bien hâte de lire le manga. Pas mal, au fond. A réévaluer ultérieurement.

My Science Project (Betuel, 1985). Les années 80 ont vu l’essor d’un genre qu’on pourrait nommer, sans trop se tromper, « Screwball Teen Fantasy ». My Science Project en est une entrée mineure, sortie la même année que le summum du même genre, Back to the Future. On s’entend, My Science Project est un mauvais film, bourré de clichés plus malaisant que sympathique, que l’on pourrait presque mettre dans la catégorie so bad it’s good. Ça s’améliore vers la fin, mais il faut être généreux.

Pale Flower (Shinoda, 1964). Un film de yakuza tout en retenu, qui délaisse romantisme et violence (les deux approches « classiques » du genre) pour se concentrer sur le cynisme et le nihilisme du milieu. Une approche bien singulière du film noir exécutée avec élégance. Bon.

Patlabor 2 (Oshii, 1993). Pas loin d’un chef-d’œuvre, ce film est une leçon d’appropriation d’un concept juvénile – le genre Mecha, les robots géants qui bastonnent – pour en faire un film résolument d’auteur. Le propos est ambitieux : le prix de la paix d’après-guerre offerte par l’Occident au 20e siècle. La perspective est japonaise, mais son traitement reste universel. Ce n’est pas pour tout le monde : typique d’Oshii, le film est lent, contemplatif, basé sur de longues tirades, et les robots géants ne s’activent qu’aux dernières vingt minutes. Mais le résultat est grandiose, et encore très pertinent.

Perceval le Gallois (Rohmer,1978). Avertissement : ce film n'est vraiment pour tout le monde. Ceci dit, en tant qu'enthousiaste de théâtre filme, j'ai particulièrement apprécié cette adaptation audacieuse, et très hermétique, du roman inachevé de Chrétien de Troyes. Musique médiévale jouée devant nous par un chœur qui nous accompagne en studio à travers des décors ultra-stylisés pour évoquer l’art médiéval, narration effectuée par les personnages mêmes entre leurs propres répliques, ce film est l'antithèse du cinéma grand public, aux prétentions et a l'hermétisme assumés.

Real Genius (Coolidge, 1985). Une autre Screwball Teen Fantasy de 1985, très réussie, qui se regarde comme du bonbon. Une distribution d’ensemble toujours brillamment utilisé, un scénario conforme mais efficace, une dose de la magie de l’époque : au final, ça fonctionne!

The Warriors (Hill, 1979). Basé sur le roman de Sol Yurick qui transpose l’Anabasis dans le New York des gangs de rue, ce film a tout pour être culte : la surenchère contextuelle – le nombre total des gangsters est immense –, le surjeu souvent savoureux de la distribution – la scène culte où David Patrick Kelly chantonne, les doigts dans des bouteilles –, la DJ à la voix sensuelle qui agit en petits interludes entre les divers épisodes qui forme le récit, et bien sûr, le look qui tire sur le série B, mais sans excès de ringardise. Charmant.

Triplé James Gunn: Les films de superhéros me laissent généralement froids, mais force est d’admettre que James Gunn connais son affaire. Son maniérisme est ostentatoire, j’en conviens, mais il s’appuie sur des bases scénaristiques solides et une technique qui, malgré les grands envols visuels clinquant, sert, au final, la performance des acteurs. Bref, c’est du bonbon hollywoodien fort bien usiné que je trouve franchement sympathique :

The Suicide Squad (Gunn, 2021). Peut-être le plus réussi des trois. L’extrême violence – on se rappelle que Gunn vient du milieu de l’horreur – côtoie des propositions fort loufoques, des personnages absurdes propre au comic book américain, mais l’ensemble fonctionne parfaitement, à l’honneur du cinéaste.

Guardians of the Galaxy Vol. 3 (Gunn, 2023). Le premier de la série avait été pour moi une agréable surprise dans ce genre qui m’intéresse moins. Je m’étais refusé les deux suites sous prétexte qu’on ne parviendrait jamais à accoter l’original. Pourtant, si ce troisième volet peine à partir, une fois qu’on y est, on est emporté. Le travail du personnage est encore à la l’œuvre, tant au niveau du design que de l’interprétation.

Superman (Gunn, 2025). La réinvention du Superman, après avoir été massacré par Zack Snyder (je n’ai subis que l’horrible Man of Steel, ce fut suffisant), c’est un retour à la couleur et à l’essence du personnage : sa naïveté et son enthousiasme inébranlable. Dès son arrivé au cinéma « moderne », en 1978, Superman avait été confronté avec la complexité du monde à l’ère de l’information, où sa naïveté devenait à la fois un baume, et la source de quelques gags fort sympathiques. Si Gunn s’éparpille souvent au fil du récit, le résultat demeure bon. Ses réflexes stylistiques sont toujours pertinents, ses personnages sont toujours intéressants (Mister Terrific est génial, et que dire du chien Krypto!!?), bref, avec un peu de duct tape et un soupçon d’audace, le film tient la route.

Wake Up Dead Man (Johnson, 2025). Retour en force pour Rian Johnson, après un second volet des aventures de Benoit Blanc moins intriguant – trop cabotin, mais non moins intéressant. On retrouve ce en quoi Johnson excelle : des rebondissements parfois tirés par les cheveux, mais sans sombrer dans l’outrance, personnages sympathiques, tordus juste à point, des atmosphères presque gothiques, des revirements amusants, la caméra agile. Excellent.

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Critiques cinéphiliques 2024

Birds of Prey (and the Fantabulous Emancipation of One Harley Quinn) (Yan, 2020). Inventif et rafraichissant sans pour autant révolutionner le genre. L’antagoniste savoureux n’est rien de moins qu’une incarnation amusante du patriarcat misogyne colonialiste. Sympathique.

De la guerre (Bonello, 2008). Un réalisateur en quête existentielle s’investit dans un étrange culte fasciné par le plaisir, dont la quête est vue comme une guerre. Un film stylistiquement proche de la perfection, aux cadres d’une précision désarmante, aux références extratextuelles justes et pertinentes (Denis Villeneuve devrait s’y faire faire leçon : Michel Piccoli en Colonel Kurtz est tellement plus puissant que le baron Harkonnen émulant le même personnage!). Mais une énigme demeure : si, comme il l’a dit en entrevue, Bonello se refuse à voir son culte comme une influence spécifiquement sectaire, comment se fait-il que le parcours du héros ressemble pourtant en tout point en un endoctrinement? Est-ce à dire que l’accès au plaisir, au XXIème siècle, ne peut se faire que par une radicalisation sociale et morale? La dialectique qui s’opère entre la sensualité évoqué symboliquement par les membres de la secte et l’apparence ultraconservatrice de la  maîtresse du culte illustre à merveille les pôles de la juridiction du plaisir à notre époque. Prodigieux. (6/4/2024)

eXistenZ (Cronenberg, 1999). Cronenberg est vu par beaucoup comme un grand auteur de cinéma, et ses dévots peuvent parfois le défendre avec un brin d’agressivité. Soit, il a ses moments : Dead Ringers est un grand film, Naked Lunch atteint l’impossible, Scanners (probablement mon préféré) est un pugnace petit film qui aspire à être beaucoup plus que son budget limité ne pourrait le contraindre… Mais Cronenberg a aussi tendance à une naïveté qui vient désamorcer de manière fâcheuse certaines de ses finales. Videodrome (dont on ne peut, cependant, critiquer la puissance de son esthétisme plastique), par exemple, et eXisteZ aussi. Si, du point de vue de la mécanique narrative, leur finale fonctionne très bien, l’exécution semble bâclée, comme l’aurait fait un jeune aspirant-réalisateur inexpérimenté. Dans eXistenZ, je ne parle pas de la révélation principale, mais bien de la toute dernière péripétie du film, quoiqu’il se reprenne ultimement avec un gag digne du They Live de Carpenter. Ma conclusion demeure inchangée : Cronenberg est un auteur, certes, mais bien inconstant. Dans ce cas précis, cependant, l’ensemble est plutôt réussi, malgré la fin un peu forcé. Somme toute bon. (24/5/2024)

Furiosa: A Mad Max Saga (Miller, 2024). L’exploit de battre Fury Road était bien improbable. Le visuel de ce film – c’était l’une des forces du volet précédent – parait souvent désuet et mine la dimension épique que l’on tente d’évoquer. Cela s’améliore au moment de l’arriver d’Anya Taylor-Joy, fort heureusement, mais la finale souffre de longueurs qui auraient facilement put être évitées. L’œuvre est donc inégale mais pas dépourvu d’intérêt. Taylor-Joy est puissante, et Hemsworth, bien qu’il ne soit pas l’acteur le plus adroit du lot, offre une performance somme toute sympathique. Correct. (2/11/2024)

Gamera : Guardian of the Universe (Kaneko, 1995). Un Kaiju des plus sympathiques à la réalisation maîtrisée, aux effets visuels typiques mais amusantes. Reboot de la série Gamera. Livre amplement la marchandise.

Godzilla Minus One (Yamazaki, 2023). Sans jamais atteindre les sommets de la relecture d’Hidaki Anno, cette nouvelle adaptation est somme toute assez réussie, malgré son intrigue et sa forme conventionnelles. Mais les personnages sont interprétés avec suffisamment de flair pour être attachants au point que les clichés finissent par nous charmer. La thématique d’une guerre absurde (la Seconde Guerre mondiale) qui plonge dans un dilemme impossible un héros accablé de doutes est malgré tout bien usinée. (4/5/2024)

Hellboy: The Crooked Man (Taylor, 2024). Scénario extrêmement bien construit, une distribution plus qu’impeccable. Mais une immense lacune à la réalisation, surtout, et au montage, ce qui est extrêmement dommage. Et ce n’est pas du tout une question de moyens pécuniaires. Car bien que l’on vise parfois au-delà de son budget, au final, ce sont les défauts de mise en scène et de ponctuations (de « punch »), et un manque de maîtrise des dispositifs cinématographiques, qui viennent miner l’entreprise. Ainsi des situations prometteuses comme le siège de l’église ou les quelques visions qui se voudraient horrifiques – le serpent qui enlace la femme en lévitation, par exemple – tombent à plat. Ce qui brille, dans ce film, ce sont les moments plus intimes, grâce au savoir-faire des acteurs en puissance. Par son scénario, qui sans réinventer la roue se veut fort solide, le film s’élève au-delà de beaucoup des fantaisies hollywoodiennes qu’on nous sert depuis une dizaine d’année mais… À tout le moins, ça m’a donné le goût de lire le matériel source. (19/10/2024)

Heroic Times (Gémes, 1984). Adaptation de la trilogie de Toldi de János Arany sous forme, principalement d’animation à la peinture d’une facture graphique postimpressionniste sublime. Une déconstruction étonnante du mythe du héros médiéval (assumée d’emblée par le titre totalement antithétique) au visuel magistral qu’accompagne une musique orchestrale résolument moderniste dont l’effervescence souligne à merveille le drame et la violence du propos. Excellent. (9/3/2024)

Inside Man (Lee, 2006). Exercice de style de Spike Lee. Un heist movie efficace, à la distribution ridiculement experte. Le style rétro-classique est amplifié par une musique typée, qui agit comme le souvenir fugace des vieux films noirs hollywoodien. Le commentaire social, dont on est en droit de s’attendre du cinéaste, est juste assez subtil pour laisser toute la place une histoire emphatique, potentiellement satisfaisante, et très typique du self-made vigilante dont est friand l’imaginaire américain. La particularité, ici, est qu’on nous présente deux cas-type, l’un jouant à l’extérieur du système, l’autre à l’intérieur, dont les efforts combinés s’attaquent au final à une importante figure capitaliste au passé amoral. Efficace et bien usiné. (29/3/2024)

Joker : Folie à deux (Philips, 2024). Mieux que la majorité des films du genre, et définitivement meilleur que le premier, dont la psychologie naïve n’arrivait pas à rencontrer l’ambition de sa proposition. Lady Gaga excellente. Mais malgré tout, ce film ne m’a pas trop enthousiasmé.

Megalopolis (Coppola, 2024). Malgré les bonnes intentions, Coppola s’embourbe dans d’impressionnantes maladresses à tous les niveaux. Pour la vision optimiste d’une humanité future au projet utopique, il s’entête à raconter l’histoire d’un sauveur, avec tous les clichés pseudo-scientifico-christiques possibles, que les quelques bonnes idées – et véritables surprises – du film ne parviennent à réchapper. Regorgeant d’effets spéciaux de piètre qualité malgré les moyens à sa disposition, l’image est tout aussi décousue que le scénario, et l’ensemble rappelle un peu les ambitions manquées de son vieux compagnon Lucas lorsqu’il avait repris Star Wars au tournant du siècle. Car on veut, ici, rien de moins que redéfinir les paradigmes du cinéma, et l’échec en est spectaculaire! La distribution est solide, mais pourquoi Coppola s’entête-t-il à enchaîner des séquences qui furent d’évidentes expérimentations sur le plateau, qu’un cinéaste judicieux aurait coupé au montage, acceptant leur échec, ne serait-ce que pour ne pas couvrir de honte des acteurs pourtant compétents? Et les bonnes intentions ne parviennent pas à sortir Coppola d’une pensée véritablement datée, où l’homme seul détient le véritable esprit, alors que la femme ne peut aspirer à n’être autre chose, au final, qu’une commodité. Et dans son désir de montrer la décadence de la société du paraître, le cinéaste ne fait qu’y déverser sa libido dans des séquences franchement malaisantes. Dans le genre – la décadence de l’empire américain, le culte de la personnalité, l’épopée moderne de science-fiction, etc. – d’autres ont fait beaucoup mieux : je pense particulièrement à la version longue de Southland Tales, de Richard Kelly. Le Metropolis de Lang offre grosso-modo la même résolution, déjà problématique en 1927 pour cause de scénariste aux sensibilités national-socialistes… Fellini se retournera dans sa tombe un millier de fois à chaque nouvelle projection de la séquence du cirque quelque part dans le monde. Tout comme Wyler lors de la course de char en miniature qui souffre terriblement de ce que Zappa appelait affectueusement cheepniss, propre aux films de série B des années 50… évidemment très éloigné des prétentions actuelle de Coppola. Une chose est sûre, cependant, comme l’a noté le critique de 24 images, on ne s’ennuie jamais dans ce film, car le flot de l’histoire est tellement cahoteux, que l’on finit toujours par être surpris. Par l’audace, la folie, la bêtise? Un mauvais film est rarement aussi outrancier! (23/9/2024)

Monkey Business (McLeod, 1931). Il devient bien évident, à la fin de ce film, que les frères Marx ne sont pas humains. Ce sont des forces de la nature, des degrés d’intensité du chaos : Zeppo, le degré zéro, l’ultime straight man qui est autant « outsider » aux 3 autres que les 3 autres sont « outsiders » au réel – j’adore qu’il soit la vedette de la finale; Groucho, au verbiage magistral, dont la démarche est aussi impertinente que ses incessants commentaires; Chico, faussaire génial – un italien, un pianiste, un pantomime burlesque? –; mais lorsqu’on atteint le niveau d’Harpo, plus rien à dire : il est purement et simplement le dieu de l’entropie. Le film est un enchaînement de comédies de situation, de jeux de mots tellement ridicules et tirés par les cheveux qu’on ne peut ravaler son rire, et d’habiles et économiques routines de Vaudeville. Ce film révèle également l’imposante présence de Thelma Todd en partenaire parfaite pour Groucho (en l’absence de Margaret Dumont) qui, cette fois, ne subit pas les mesquineries du comédien autant qu’elle s’éleve, la majorité du temps du moins, en son égal. Bref, malgré une prémisse simple qui n’est que prétexte, ce film est un véhicule solide pour démontrer la grande force des frères Marx en tant que performeurs comiques. (6/7/2024)

New Rose Hotel (Ferrara, 1998). Thriller cyberpunk dont le motif esthétique central est l’image de surveillance, qui préfigure notre époque, où l’image numérique est omniprésente. L’image de surveillance finit par devenir un mode de la mémoire même des personnages. Basé sur une nouvelle de William Gibson, ce film choisi de s’intéresser non pas au cœur même de l’intrigue – la séduction d’un scientifique pour en faire un transfuge corporatif – mais bien à la psychologie des deux maîtres à penser du coup, et leur rapport avec la femme, celle qui met sa vie en jeu pendant ces événements que l’on se refuse à nous montrer. Cela à pour effet de questionner la valeur même de la mémoire au moment où se trame la trahison finale. Nous nous retrouvons tout aussi déroutés que le personnage de Wilhelm Dafoe, faisant de ce film une expérience étrangement immersive. (20/4/2024)

On-gaku (Iwaisawa, 2019). Le laisser-aller et l’inertie de la jeunesse est au cœur de cette histoire où la musique devient une échappatoire pour des adolescents blasés et emprisonnés dans une routine de conventions sans buts. Finalement, le nihilisme de la jeunesse devient aussi absurde que surréel, pour en former un baume existentiel. (20/4/2024)

Perfect Days (Wim Wenders, 2023). Ce film est un baume pour l’âme. Superbe slice-of-life où le quotidien transcende l’ordre cosmique pour une ode à la contemplation et à la civilité. Subtilité parfaite pour ne pas tomber dans un moralisme superflu, on n’y retrouve qu’une méditation sur la vie et la sérénité. Grandiose. (24/8/2024)

Ronin (Frankenheimer, 1998). Un film d’action, un heist movie aux accents de thriller, à la réalisation habile et efficace. Le scénario souffre de nombreuses lacunes, cependant. En fait, on mise tellement sur les séquences d’actions qu’on se permet de réduire le développement de personnage à des clichés vite faits. N’empêche, ce film rappelle les films d’actions français des années 80 – à la « Le professionnel », de Lautner – ce qui n’est pas désagréable. Efficace est le bon qualificatif. (10/2/2024)

The Hunt (Zobel, 2020). Comédie d’horreur satirique qui s’arme d’une ambiance série-B pour tomber sur les tares de « l’ère Trump » : conspirationnisme, la violence des échanges sur les réseaux sociaux, la cancel culture, et l’imprégnation de la l’imaginaire mainstream états-uniens par les valeurs progressistes au cœur de la guerre idéologique qui sévit chez nos voisins du sud. Le cinéaste et les scénaristes semblent préférer « tirer sur tout ce qui bouge », adoptant ainsi une posture cynique plutôt qu’engagée. Amusant, mais peut-être, au final, un peu vain. (29/3/2024)

Tomie (Oikawa, 1998). Variation sur le thème du double dont la finale est un peu trop facile pour l’ambition de l’ensemble, même à l’époque de production. De très bonnes idées malgré tout. Miho Kanno excellente en adolescente cruelle et manipulatrice.

Weird : The Al Yankovic Story (Appel, 2022). Une fabulation facétieuse de la carrière de « Weird » Al Yankovic, incluant Madonna en succube avide de pouvoir, Pablo Escobar en monstrueux « adulescent », et Salvador Dali discutant avec Andy Warhol dans une arrière-cour de banlieue. Usage judicieux de clichés cinématographique (le biopic, bien sûr, le film d’action reaganite, le série Z aux costumes douteux et au jeu amateur, et de nombreuses citations directes). Daniel Radcliffe joue avec conviction et le film enchaîne les intrigues absurdes sans jamais s’essouffler. Fort sympathique. (18/5/2024)

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Lectures terminées en 2023

L’Héritage (Victor Lévy-Beaulieu, 2012, Boréal). La grande saga familiale des années 80, racontée dans une version « définitive ». La force de Lévy-Beaulieu, c’est la construction de ses personnages, archétypale, certes, mais fluide et parvenant même à nous faire oublier le cliché du « patois-type » de chacun. Mais ces personnages! Vivants et viscéraux, violents dans leurs convictions et leur force de vivre. La prose de l’auteur est quelque peu chancelante et inégale, et s’il prend d’abord son temps à développer le récit, plus il avance, plus il semble enclin à se presser, comme s’il ne voulait pas atteindre la millième page, et franchement, c’est agaçant, car le plus souvent, il coupe dans ses délicieux dialogues. Les derniers chapitres racontent l’équivalent du premier tiers du bouquin. Chose étrange, en le comparant avec la série télévisée  que ce roman d’abord fut, il est étonnant de voir que certaines scènes fonctionnent mieux à la télé (malgré les évidents stigmates du genre) que dans le roman, et vice versa. (Terminé en 2023)

L’homme révolté (Albert Camus, 1951, folio essai). Les idées sur la nature de la révolte, sur sa pulsion positive et inclusive me semblent particulièrement justes. Camus déconstruit l’histoire de la révolte en montrant pourquoi ce qui se veut au départ positif et inclusif finit trop souvent par sombrer dans le nihilisme et le meurtre. Fort pertinent. (Terminé en 2023)

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Critiques cinéphiliques 2023

Adaptation (Jonze, 2002). Auto-parodie, questionnement  existentiel traduit en images, antidote à un réel syndrome de la page blanche que Charlie Kaufman a réellement subit en tentant d’apapter le livre de la véritable Susan Orlean… L’univers kaufmanien se précise, et continue d’explorer d’un œil absurdiste les méandres de la subjectivité, qu’il associe presque toujours à un égocentrisme souvent brutal, et que ses personnages finissent par vivre à l’extrême. Dans Adaptation, Kaufman évite le tragique par son troisième acte qui satirise la recette du scénario hollywoodien – une recette qui dénature tout propos plus « auteuriste » et personnel. C’est un peu forcé et farfelu : si cela sert bien le propos et permet de sortir des angoisses du personnage principal, dans l’univers que créent Jonze et Kaufman, une telle manigance me semble au final bien artificiel. Le résultat est bien, mais le réalisateur et le scénariste ont depuis bien longtemps prouvés qu’ils sont capables de beaucoup mieux. (2/9/2023 – date incertaine)

Asteroid City (Anderson, 2023). Si la mise en contexte de la « pièce dans le film » est beaucoup trop maniérée et un peu trop froide, un peu de patience nous permet de nous rendre compte que le nouvel exercice stylistique de Wes Anderson se veut, en fait, une tragi-comédie familiale des plus chaleureuses, en plus d’une réflexion sur la création théâtrale, et par extension, cinématographique La relation entre les personnages de Jason Schwartzman et Scarlett Johansson (de grandes performances) s’avèrent au final le cœur du récit, et leur chimie rend leur histoire franchement touchante. Et le climax émotionnel, partagé par Schwartzman et Margot Robbie clôture avec puissance, malgré l’anti-climax bien avoué, ce qui, sous des allures de sci-fi très « camp », se révèle en fait une étrange romance comme seul Anderson en est capable. Le film dans le film dans le film peut paraître, à prime abord une gimmick de plus dans le répertoire du cinéaste, mais elle trouve tout son sens dans ce fameux climax. Si le visuel du désert hyper-stylisé parait trop synthétique (Anderson filme les intérieurs avec beaucoup plus d’efficacité), les fondements du film sont bien charnel. Il ne faut simplement pas s’attendre à une intrigue béton et un rythme intense. C’est de l’absurde, et au-delà, le cœur. (24/06/2023)

À bout de souffle (Godard, 1960). « No future ». 17 ans avant le célèbre slogan, le truand Michel Poiccard l’emblématise dans l’un des films phares de la Nouvelle Vague. Les velléités sans buts, les réflexions incomplètes, les incapacités de décisions morales, voilà ce que vivent les protagonistes d’À bout de souffle. Un film solide malgré une scène beaucoup trop longue où Michel tente de convaincre Patricia de coucher avec lui. Après une trahison elle aussi prise dans l’incertitude existentielle, le personnage brillamment interprété par Belmondo va confronter la mort avec audace et tout son style bogardien, dans une finale génialement ambigüe où l’incompréhension face à la vie même – et à la mort, dans le fond – triomphe. (14/01/2023)

Athena (Gravas, 2022). Une guerre civile en France suite à l’exacerbation des tensions sociales en banlieue.  Une situation hypothétique très à-propos dont les causes, révélées dans la finale, ne sont pas dû au clash culturel que la droite réactionnaire dénonce et craint. Un sujet qu’il faut confronter, en France, et en Occident. Mais l’exécution de Gavras est bâclée sur presque toute la ligne. Techniquement, le film est impeccable : la direction des foules dans ces plans-séquence complexes tournés au drone et avec quelques probables trucages numériques, la direction d’acteur, intense et juste, la photographie, aussi brutale que les combats représentés, etc. Mais les choix de réalisation démontrent un manque crucial de maturité. Au lieu de présenter le contexte, de développer le drame dans toute la complexité d’une révolte civil, Gavas investit toutes ses ressources à ses plans compliqués bourrés des clichés des vidéos de MTV en vogue voilà 30 ans, accompagnés d’une musique absolument abjecte qui tente d’élever le pathos dans la stratosphère. Le résultat, au lieu de nous rapprocher de ces personnages que l’on côtoie de très proche, que l’on suit dans leurs interminables déplacements à travers le terrain, nous éloigne malgré tout le bon vouloir des excellents acteurs. Un bien mauvais film. (21/1/2023)

Bienvenue chez les Ch’tis (Boon, 2008). Si la prémisse est périlleuse –  rire des préjugés associés à une région –, Boon parvient à tirer son épingle du jeu en passant plus de temps à développer les deux histoires d’amour en parallèle, et à développer les relations humaines, avec les gags régionaux qui étoffent au lieu d’être centraux. Ça en fait un film très sympathique, un feel good movie particulièrement réussi. (7/1/2023)

Crumb (Zwigoff, 1995). Un documentaire sur le bédéiste légendaire R. Crumb, un homme étrange, fin observateur des tares de la société américaine, qu’il critique et attaque par un art souvent trash et sans retenue. Le personnage en lui-même est d’emblée si bizarre, mais ce qui étonne encore plus, c’est que les autres membres de sa famille (ceux que l’on rencontre dans le film, du moins) le sont encore plus! C’est une forme de mal-être grave que l’on nous montre, et c’est à se demander si les rires nerveux de Crumb sont une façade, ou un moyen de défense contre celui-ci. En termes de montage, ce documentaire est une classe de maître : on va et vient de manières hypercohérentes entre divers segments de quelques entrevues et événements, en suivant des motifs thématiques sans jamais casser le rythme. Et on reconnait Zwigoff, dans la facture du film, et des figures qui reviendront souvent dans ses œuvres de fiction. Ce film est aussi documentaire qu’expression personnelle. (20/5/2023)

End of Eternity (Ermash, 1987). Film en deux épisodes qui adapte le roman du même nom d’Isaac Asimov. Je n’ai pas lu le roman (encore), mais en connait les grandes lignes : l’adaptation semble bonne, bien que la finale change complètement de sens. Malgré tout le film a tout d’une production de science-fiction à petit budget du genre TV Movie, comme celles que produisaient la BBC et certaines boîtes de productions américaine à la même époque, par exemple. Le côté kitsch est sympathique, et la plupart des décors et des effets sont plutôt réussies. L’intrigue est entièrement charriée par les dialogues, jamais supportée par le montage qui faciliterait notre investissement émotionnel, ce qui peut rendre le visionnement ardu. Au lieu de cela, le réalisateur semble beaucoup trop occupé à imiter Andrei Tarkovski, ce qu’il fait fort mal, et trahit bien tristement une absence de réel talent. Un film mineur qui est malgré tout bien intéressant. (18/11/2023)

Gemini (Tsukamoto, 1999). Edogawa Rampo rencontre Shinya Tsukamoto dans un film sur la brutalité et la monstruosité qui habitent les deux côtés des inégalités de classe, dans le Meiji tardif. Le monstre grotesque de Rampo fusionne à perfection avec le monstre social de Tsukamoto, et l’aura d’unheimliche rappelle parfaitement le mystère propre au romancier, jusqu’à donner à une fin plutôt prévisible une ambivalence inquiétante et, en soi, elle-même monstrueuse. (20/5/2023)

Knit’s Island (Barbier, Causse, L’Helgouac’h, 2023). L’exercice est admirable : trois documentaristes se créer trois personnages documentaristes dans le jeu DayZ afin de recueillir les impressions et commentaires de joueurs rencontrés au gré du hasard. Le produit fini représente des heures (des années, en fait) de recherche dans l’univers virtuel, tout en subissant les aléas d’un jeu dont le but est de survivre à l’environnement, aux besoins vitaux de son personnage, et aux autres joueurs. Voilà la prémisse. Mais ce qui brille dans ce film, ce sont les joueurs rencontrés, en soit de véritables personnages, dont l’excentricité provient justement de l’anonymat que leur procure leur avatar virtuel. Ces personnages sont bizarres, sympathiques voire touchants, intéressants, et le parcours des documentaristes, tel que façonné par le montage, prends des allures d’odyssée psycho-sociale qui amène à reconsidérer son rapport au réel. Pas le leur, bien que ce soit abordé à plusieurs reprise dans le film, mais le nôtre, en tant que spectateur, ne serait-ce qu’en se questionnant sur la valeur du temps véritable utilisé à « exister » virtuellement en ligne. Mais ce film ne sombre jamais dans la lourdeur. On rit souvent, on peut se choquer, mais on ne perd jamais l’intérêt. Superbe. (21/11/2023)

La dolce vita (Fellini, 1960). Si j’arrive difficilement à éprouver l’attachement nécessaire pour suivre l’aventure du protagoniste de 8½, je suis plus à même de le faire dans La dolce vita, peut-être grâce à la critique sociale virulente qu’on nous y présente. On y montre des personnages brisés, déchirés par leurs désirs et l’attrait de l’opulence abject et d’une vie de plaisirs mortifères qui, au final, ne répond jamais au besoin le plus basal de tous : la connexion humaine. Peut-être est-ce la raison pourquoi le personnage le plus sympathique du film, Paola (qui n’a pas encore perdu l’innocence nécessaire à la relation humaine), devient étrangement menaçante lorsqu’elle finit par nous regarder, nous spectateur, en guise de finale. (17/11/2023)

Last Night in Soho (Wright, 2021). Ne jamais douter d’Egard Wright : quand il décide de se lancer dans l’horreur psychologique, le produit finit est un hyper-giallo aux références multiples, conscientes ou non. On saute de la comédie musicale à une histoire de double, une descente aux enfers, une enquête criminelle, et une finale digne des meilleures films de Tim Burton, tout ça dans l’esprit des maîtres du giallo comme Argento, Bava, et autres Fulci. Edgar Wright est un grand réalisateur, il parvient à obtenir de puissantes performances de ses actrices et acteurs, qu’il filme avec un doigté, une intuition et un contrôle frôlant la perfection. Je n’ai trouvée qu’un seul manquement à son expertise, au cours de la finale, où une péripétie sombre dans l’artificialité, mais sinon, un excellent accomplissement. (6/5/2023)

Le dîner de cons (Veber, 1998). Digne de sa réputation, ce film rassemble des performances précises et des scènes habilement construites, typiques du cinéaste, filmées somptueusement pour un effet particulièrement efficace. Si les dispositifs comiques transparaissent parfois, le tout ne devient jamais artificiel par une maîtrise du rythme fort habile. Hilarant. (7/1/2023)

Le Garçon et le Héron (Miyazaki, 2023). Je suis rassuré : octogénaire, Miyazaki n’a rien perdu de son talent de raconteur, de sa créativité graphique, et de son sens du rythme. Il nous offre un grand film, aux multiples niveaux de lecture sans jamais pour autant s’alourdir sans raison. Quel merveilleux film! On nous raconte le relativisme du temps : les aînées d’une époque sont les combattantes d’une autre plus ancienne, les traumatismes du passé vivent en perpétuité par la mémoire, parfois sur plus d’une génération ; on nous raconte les difficultés de l’existence, où il n’y a pas de justice simpliste, pas d’harmonie fantasque, qu’il faut accepter ce qui peut paraître injuste, non pas sans révolte et ténacité, avec une persévérance entêtée ; mais plus que tout, Miyazaki parvient à illustrer l’obsession bien humaine de vouloir réordonner les choses, parfois à son propre détriment. Le monde qu’il nous raconte est si vraisemblable : pas tout noir, mais pas tout rose non plus, et c’est là la puissance de Miyazaki, et la raison pourquoi ses films, et ceux de son vieux complice Takahata, auront toujours une longueur d’avance sur les films d’animations hollywoodien, Pixar et autres Disney. Chez Ghibli, la véritable nature de l’existence, dans toute son ambivalence, n’est pas à craindre, ou à anesthésier, mais bien à affronter, la tête haute. Il y a beaucoup plus dans ce film, et je serai heureux de le revoir, encore et encore. Génial. (23/12/2023)

Le Père Noël est une ordure (Poiré, 1982). Nous avons droit ici à un humour théâtral, au sens où tout part du texte, à partir duquel les performances se construisent et les situations s'imbriquent et montent en intensité, et en hilarité. Si des gags comme le voisin étranger aux goûts dégueulasses ont mal vieillis, l’ensemble est un excellent exemple d’un type de comédie très difficile à faire, basé sur un rythme d’enchaînement surexcité sans jamais s’essouffler ou perdre le fil. Exhilarant. (7/1/2023)

Le Professionnel (Lautner, 1981). Ce film semble préfigurer tous les excès de l’Hollywood reaganite : machisme, escapisme, vengeance, héros indestructible, dualité manichéenne, etc. Mais si l’Hollywood des 80s est plus porté vers la politique des mœurs, Le Professionnel est aussi influencé par l’univers de Leone (la scène du duel est épique!), une misogynie moins idéologique que caricaturale (incluant une flic tortionnaire lesbienne…!), et un côté tragique très européen. Et malgré tout, ce film est amusant : la réalisation nous permet d’avaler ses invraisemblances et fantasmes juvéniles sans trop de difficulté. Le sujet aurait pu donner une fresque subversive à la De Palma. On a plutôt opté pour un film d’action subtilement plus sombre qu’il n’y paraît. (21/1/2023)

Les Olympiades (Audiard, 2021). Cas de figure sur l’état de l’amour et de la sexualité dans le monde d’aujourd’hui. Personnages engageants, spécifiquement dans leurs luttes relationnelles incluant égocentrisme, engagement amoureux, abus et quête de guérison, l’indifférence cruelle et la difficulté à donner et/ou trouver l’empathie. Sans être transcendant, le pari de départ est réussi. (15/07/2023)

Licorice Pizza (Anderson, 2021). Un film sur le décalage dans une relation amoureuse, traité non pas comme une romance, mais comme une relation humaine complexe. Ce dont on vient à attendre de Paul Thomas Anderson, tout comme ces personnages si singuliers, aux prises avec leurs propres désirs conflictuels et des situations souvent – et parfois extrêmement – absurdes. Ici, le cinéaste part du principe du drame relationnel pour montrer à quel point le concept de « vie adulte » est flou et relatif. Et en frôlant les inconforts propres à la condition humaine, on ne sombre jamais dans le tragique. Ce film est un feel-good movie au même titre que Punch Drunk Love l’était, si on peut ainsi le concevoir. J’ai été charmé. (10/2023)

Moonage Daydream (Morgen, 2022). Un documentaire impressionniste sur David Bowie, qui incarne en soi les multiples facettes de l’artiste. Bowie est toujours intéressant en entrevue, surtout à partir de son exil à Berlin, mais Morgen parvient à faire de ces commentaires une œuvre audio-visuelle forte et digne de l’œuvre de son sujet. Excellent. (14/01/2023)

Mr. Freedom (Klein, 1968). Film narratif pamphlétaire dont la piètre exécution rend le visionnement laborieux, qu’on soit d’accord ou non avec les points de vue déclinés. Si la valeur discursive, et la présence des nombreuses personnalités qui font partie de la distribution, sont les plus forts atouts de ce film, il reste qu’aujourd’hui, il ne s’agit que d’une curiosité cinéphilique pour les amateurs « hardcore ». (4/11/2023)

Niagara (Lambert, 2022). J’ai toujours la sombre impression que l’industrie cinématographique et télévisuelle québécoise se complait souvent dans les mêmes conventions de jeu et de réalisation et prend rarement des risques, aussi petits soient-ils. Les drames contemplatifs du temps où le cinéma québécois en était un d’auteurs, aussi lourds pouvaient-ils paraître, me semblent toujours plus originaux et intéressants. Et puis il y a Niagara qui me rassure qu’il y a peut-être matière à espérer. Ici, chaque personnage est singulier, soit par étrangeté, soit par la fascination de son caractère, soit les deux! Et le film aborde l’apathie du monde contemporain sans jamais sombrer dans le nihilisme ou le nombrilisme, et sans jamais manquer d’humour. La musique de Laurence Nerbonne ne ressasse pas les habituelles thématiques mornes de l’industrie. Et bien que film soit bâtit comme un enchaînement de sketches dont certains fonctionnent mieux que d’autres, on a au moins l’impression, au final, d’un effet de cohérence franchement satisfaisant. On a l’impression que Guillaume Lambert a travaillé fort sur chaque scène et chaque péripétie, chaque personnage, jusqu’à trouver le moyen d’être à chaque fois un brin original. Bref, un très bon film. François Pérusse et Véronic DiCaire – gros coups de cœur. (8/2023)

Oppenheimer (Nolan, 2023). On ne peut attendre moins, en matière de prouesses techniques, de la part de Nolan. Comme la plus belle pièce d’horlogerie, ce film démontre la plus imposante maîtrise de la technique cinématographique… au détriment total de la sensibilité. Car ce thriller très (trop?) Nolanesque est tellement artificiel… l’intrigue, qui enchaîne des brides de différentes scènes tout en gardant la même idée discursive, le rythme effarant qui jamais ne s’arrête, le montage en tapisserie qui manie trois temporalités, tous ces dispositifs créent tellement de distance vis-à-vis des acteurs, qu’on perd, au final, l’attachement et le ressenti qui auraient dus être au rendez-vous. Et ce n’est certainement pas la faute de la distribution – Murphy et Downey Jr. devraient d’ailleurs faire une place au-dessus du foyer pour leur futur Oscar –, mais de tout le reste : on noie les personnages dans tellement de couches d’artifices qu’au final, il ne reste pas grand-chose. Ce genre d’exercice a été très utile à l’excellent ‘Tenet’, mais passe complètement à côté de la carte avec ‘Oppenheimer’. (2/12/2023)

Pinocchio (Sharpsteen, Luske, 1940). Le Pinocchio de Disney est l’un de ces classiques des classiques. Et commencer son film par la sublime When You Wish Upon a Star soulève les attentes! D’un point de vu technique, ce film frôle la perfection, que l’on peut encore clairement discerner 80 ans plus tard : l’animation est superbe, les décors sont littéralement magiques – l’atelier de Geppetto est franchement impressionnante –, et comment ne pas tomber amoureux de la Fée bleue, aux mouvements rotoscopiques à l’harmonie parfaite (la référence étant Marge Champion, qui avait également servie de modèle pour Blanche-Neige). Si certains thèmes didactiques sont habilement menée (Jiminy Cricket comme conscience, par exemple), d’autres sont plus élitistes, comme le traitement plutôt négatif de la vie ouvrière, que l’on associe à la paresse et à la poursuite des « plaisirs » plutôt qu’à un phénomène d’inégalités sociales. Malgré tout, le film ne sombre pas dans une propagande idéologique active, agissant plutôt comme une fable de moralité destinée à la classe moyenne américaine de son époque. Ce qui empêche ce film d’accéder à la grandeur de Snow-White ou Bambi, c’est son rythme tortueux et un certain manque de cohésion narrative. Film moyen à la technique parfaite et à certains moments de génie. (4/11/2023)

Portrait de la jeune fille en feu (Sciamma, 2019). Quel grand film! Quel œuvre magnifique! Du scénario, d’une précision chirurgicale, à la photographie sublime, le jeu puissant des interprètes, et l’usage génial de la musique, ce film est un monument. D’abord au regard féminin, puis à l’élégie de la mémoire, en plus d’être une classe de maître en techniques cinématographiques. Ici, la fusion des techniques ne sert qu’une chose : la production d’affects sincères, et si l’on doit réfléchir ou remettre en cause notre conception du monde par l’intellect et la réflexion, ce n’est qu’en passant par le ressenti et ça, c’est la chose la plus difficile à faire en cinéma. Mais Céline Sciamma réussit la tâche avec brio, et se hisse par le fait même très haut dans la stratosphère du panthéon. Je devrai revoir ce film, autant par plaisir que pour en considérer la véritable grandeur car pour le moment, je ne peux qu’en faire l’éloge. Et je le reverrai ce film. Souvent. (12/8/2023)

Profondo rosso (Argento, 1975). Dans ce film, Argento démontre à quel point il est un grand formaliste. Sa réalisation est majestueuse, sa caméra bouge avec grâce, juste au bon moment, ses zooms sont choisis avec soin, sans le maniérisme daté associé souvent à ce dispositif. Si Argento est plus intéressé à tenter de manipuler les attentes du spectateur au dépit de l’intrigue, le film me semble malgré tout l’un des plus réussi que j’ai vu dans sa filmographie. (11/2/2023)

Repulsion (Polanski, 1965). Étude extrêmement précise d’une descente dans la folie, démontrant une bonne compréhension du sujet. Atmosphères efficaces, images superbes, Catherine Deneuve particulièrement en forme. Le produit final est fort réussi et, sur bien des aspects, plutôt progressiste, ce qui est surprenant et ironique, connaissant les méprisables habitudes de vie du cinéaste. (1/4/2023)

RRR (Rajamouli, 2022). Je ne connais pas assez l’histoire de l’Inde, ni son cinéma pour me faire une idée de l’importance de ce blockbuster dans la culture de l’état. Cependant, d’emblée, il s’agit d’un long film de surhommes s’opposant, chacun à leur façon, au colonialisme britannique, ponctué de numéro impressionnant de chant et de danse. Divers commentaires sur la fraternité, l'union de forces culturelles diverses, et la nature s'étoffent au passage. Malgré sa durée, le film ne comprend pas de longueur, mais son intensité peut rendre le visionnement éprouvant. Malgré tout, les excès du cinéma indien, menés magistralement par le réalisateur, offre un changement bienvenu à l’opulence uniformisatrice d’Hollywood. (03/06/2023)

Shin Kamen Rider (Anno, 2023). Après un génial Shin Godzilla et un très sympathique Shin Ultraman, Anno est de retour à l’écriture et la réalisation d’une relecture d’un héro classique ciné-télé avec Shin Kamen Rider. Et si le style Anno est bien présent la plupart du temps, ici on souffre d’un sérieux manque d’inspiration. Bien sûr les hommages à la série de 1971 sont nombreux et souvent visuellement réussi… sauf en ce qui concerne les méchants, qui  sont systématiquement ennuyants, et les confrontations sont si peu dynamiques que même lorsque la « touche Anno » se manifeste, les longueurs nous ont déjà complètement refroidies. Malgré une bonne performance de l’interprète de l’antagoniste principal, et la chimie amusante entre les deux Kamen Rider, c’est trop peu trop tard. L’intention d’Anno était probablement de faire différent et déjouer les attentes, et il le fait souvent bien, mais dans ce cas, c’est raté. Franchement décevant. (8/2023)

Shin Ultraman (Higuchi, 2023). Hideaki Anno était parvenu à réinventer Godzilla de manière aussi génial que l’original, et si sa version d’Ultraman n’est pas aussi innovatrice, elle demeure quand même une réussite. Réalisé par Shinji Higuchi, on sent omniprésente la facture du maître à toutes les facettes de la production. Si la musique de Shirô Sagisu aide énormément à ce faire, ce dernier livre l’une des meilleures trame sonore de sa carrière, alternant entre ses fanfares camp et la musique jazz-psychédélique des téléséries des années 60. Anno ne quitte pas l’humour bureaucratique qui a fait le succès de son Godzilla, mais y ajoute une plus-value dans sa diplomatie galactique qui, bien que prévisible un brin – et de manière toute à fait charmante! – ne devient qu’un prétexte pour œuvrer dans ses multiples relectures très acutelles des thèmes chers à la culture japonaise : l’honneur, la nature, le devoir, le conformisme, le courage, l’abnégation, tout ça en présentant de superbes designs et de l’action enlevante. Si le réalisateur est un peu effacé, j’espère qu’il retiendra ses leçons! (27/5/2023)

Sisu (Helander, 2022). Un film d’action mettant en scène un « one-man army » qui décime une unité nazie pendant l’occupation de la Finlande. Le film ne cache aucunement l’influence du spaghetti western, dans sa musique ou  même les caractères de ses intertitres, et l’esprit de Corbucci imprègne chaque scène. Les méchants se font dynamiter, poignarder, démembrer, canarder, dans un esprit plus ludique qu’horrifiant, très « cartoon ». Le héros encaisse sans broncher de terribles tourments, survit à des situations impossibles, avant bien punir l’envahisseur, tout en permettant à un groupe de jeunes prisonnières de se venger de leur tortionnaires. Ludisme, « gore », et action, sur un mode de western italien, une formule qui fonctionne parfaitement dans ce cas-ci! (4/5/2023)

Spider-Man: Across the Spider-Verse (Dos Santos, Powers, Thompson, 2023). Si l’original Into the Spider-Verse, tout en étant d’une originalité vraiment défaillante, parvenait somme toute à nous faire oublier son attirail de clichés et de formules scénaristiques, ce n’est pas le cas de la suite. Cette fois, je n’ai vu qu’une succession de conventions bien plates de drame familiale à la sauce absurdement convenue, des pires clichés corporatifs sur la vie supposée de l’adolescent américain moyen, et de péripéties plus que galvaudées tout droit sorti du monomythe de Joseph Campbell. Le tout ponctué de séquences d’actions au montage stroboscopique ultra-rapide et de longueurs insupportables. Ceci dit, ce film comporte le même genre de touches sympathiques au niveau des designs et du  visuel, de l’animation et de la conception des personnages – coup de cœur : le méchant « Spot » est très attachant et intéressant. Mais ce dont ce film abonde, plus que de l’action, c’est de sa propre mièvrerie. (18/11/2023)

Tetsuo : The Iron Man (Tsukamoto, 1989). Un thriller cyberpunk à la frontière entre cinéma expérimental et cinéma narratif – catégorisation floue, car un cinéma expérimental peut tout à fait expérimenter avec une narration. Un film d’attraction, peut-être, mais au propos fort intéressant, sautant d’une dialectique cyborgienne à l’identité de genre de manière hyper-syncopée, accompagnée d’un humour ubuesque souvent très noir, voir tragique. Il y a peut-être une ou deux longueurs vers la fin, mais encore-là, on pourrait penser qu’il s’agit d’un dispositif « expérimental » cherchant à tester la patience du spectateur. (25/3/2023)

The Freshman (Newmeyer, Taylor, 1925). Une comédie universitaire avec Harold Lloyd, très populaire à son époque. Ce genre de film m’intéresse peu, et même les facéties du comédien ne m’ont pas impressionné. Le charisme de Jobyna Ralston, malgré son rôle très (trop?) typé, me semble le point fort du film. (11/2/2023)

The Great Silence (Corbucci, 1968). Un genre d’eulogie de l’esprit même du western, mais selon l’esthétique du spaghetti-western. Le message est ainsi plus violent, plus brutal – subversif, sur plusieurs points –, et le nihilisme du mythe fondateur américain est démontré sans détour. Très bon. (11/2/2023)

The Green Knight (Lowery, 2021). Une relecture du fameux conte médiéval, sur un mode plus sérieux, plus dramatique et sombre. Ce genre d’exercice est la tendance du cinéma populaire depuis au moins les vingt dernières années, mais Lowery, dans son entreprise, triomphe. Le scénario est d’une justesse prodigieuse, la recherche se sent dans la richesse des situations et des dialogues, et si le style visuel manque de maturité à certain moment, l’ensemble est solide et sincère. Un film puissant. (15/07/2023)

The Innocents (Clayton, 1961). Drame d’horreur psychologique, adaptation de The Turn of the Screw, où l’ambiguïté génère l’effroi – une thématique devenue plutôt classique dans laquelle on ne parvient à distinguer la présence du surnaturel, où simplement d’une folie paranoïaque. Le dispositif du narrateur non fiable est reproduit adroitement par les cadrages inquiétants et le jeu des acteurs. Deborah Kerr tient le film sur ses épaules, mais la performance des enfants, particulièrement Martin Stephens, est solide. La réalisation est maîtrisée et efficace, sans être révolutionnaire. Très bon. (06/2023)

The Killer (Fincher, 2023). Fincher se penche sur la figure (contre-culturellement) classique de l’assassin nihiliste, cette fois, avec toute la précision habituelle de son arsenal technique, qui assure, comme d’habitude. Le portrait est narrativement froid – le personnage est crapuleux – mais attrayant – son œil, son traitement de la lumière, son sens du rythme, ce qui en fait un bon film de genre. Le portrait du personnage est savamment mené selon les raccourcis tordus de la logique d’un personnage dont les plus cyniques pourraient s’énamourer sans doute facilement. La scène de combat à main nu contre « la Brute » (Sala Baker) est l’une des meilleures que j’aie vues depuis longtemps. Un bon film, mais surtout, efficace. (11/11/2023)

The Last Duel (Scott, 2021). Je n’ai intérêt que dans les plus anciens films de Ridley Scott. Le début de Gladiator m’a complètement brûlé. J’ai cependant décidé de laisser une chance à ce film, peut-être dans le but de le détester. Mais Damon et Affleck montrent une fois de plus qu’ils sont compétents à l’écriture (avec leur co-scénariste Nicole Holofcener pour la perspective féminine), et Scott réussit à le mettre en image de manière compétente et intéressante. Malgré tout, je ne peux m’empêcher l’impression que le sujet, à l’ère post-metoo, représente « trop peux trop tard ». J’aurais été beaucoup plus à l’aise avec une femme à la réalisation, et il est problématique que le financement de cette superproduction ait probablement été possible surtout à cause de la réputation du réalisateur. Un très bon film tout de même. (21/10/2023)

The Limey (Soderbergh, 1999). Après un seul visionnement, ce film se hisse parmi mes favoris. Quelle leçon de cinéma. La réalisation et le montage sont parfaits, et la distribution offre des performances rien de moins que géniales. Terrence Stamp campe à la perfection ce bandit à la recherche du meurtrier de sa fille, et la conjonction d’amour, d’honneur et de cruauté en font l’un des plus beaux personnages de la filmographie du réalisateur. Une histoire simple qui se révèle astucieusement au spectateur, et qui confirme Soderbergh comme le plus intelligent réalisateur grand public d’Hollywood. (03/06/2023)

The Night of the Hunter (Laughton, 1955). Que peut-on ajouter à tout ce qui a été dit de ce remarquable film? La mise en scène opératique – car ce film a davantage à voir avec l’opéra que le théâtre – et le style néo-expressionniste élève un sujet plutôt anodin au rang d’épopée maximaliste. Car si le film traite d’abord des deux pôles de la foi, la destructrice d’un côté, la salvatrice de l’autre, l’ensemble est si organique, si prégnante de cohésion, qu’on ne peut que se laisser porter par l’œuvre  presque contre son gré. C’est un étrange équilibre que Laughton atteint, entre le jeu caricatural de certains personnages qui contraste avec le réalisme stylisé de Robert Mitchum ayant permis à son personnage de devenir l’un des plus grands antagonistes du cinéma mondial. C’est ce même équilibre qui mène Lilian Gish à la sainteté, Shelley Winters à la dévotion aveugle – sans pourtant en être totalement inconsciente – et  Billy Chapin à l’évocation d’un enfant résolument moderne. L’image cinématographique cesse de n’être qu’un support au narratif pour prendre pleinement les moyens des atmosphères créés avec les ritournelles qui ponctuent le récit. Ce film est un chef-d’œuvre. (20/5/2023)

The Northman (Eggers, 2022). Adaptation très libre de la légende d’Amleth selon Saxo Grammaticus (qu’adaptera plus tard Shakespeare), doublé d’une bonne dose de machisme à la Conan et d’une lecture néo-païenne des croyances préchrétienne. Fidèle à lui-même, Eggers montre une recherche exemplaire, une mise en scène nuancée, et une réalisation experte pour « moderniser » la légende avec la grittiness propre au goût du jour. Dans les mains expertes du cinéaste, ça fonctionne plutôt bien, quoiqu’une certaine prudence face aux choix de représentation des peuples anciens soit de mise. (8/4/2023)

The Untouchable (De Palma, 1987). De Palma m’est toujours apparu comme le moins intéressants des grands auteurs du Nouvel Hollywood : son sens du spectacle hyperbolique tourne souvent au sensationnalisme, et sa volonté de tout subvertir finit par me tomber sur les nerfs. « The Untouchable » est plus léger. Si le film abandonne la subversion, c’est au profit de sa propension au spectaculaire : aussi, il se permet une scène de western épique en plein cœur du film, et son fameux hommage tonitruant à Eisenstein (et Hitchcock, évidemment), vers la fin, sans compter la brutalité des antagonistes, sanglante à souhaite. Mais dans l’ensemble, ça fonctionne : il transforme Eliot Ness et sa bande en « supercops » (on donne une carabine au comptable!!) qui pourfendent les sbires de Capone, en prenant d’énormes libertés historiques au nom… du spectacle! Ajoutons une trame sonore signée Morricone, qui oscille entre la fanfare coplandesque pour illustrer la vertu des héros, et des rythmes plus contemporains pour souligner l’action, le résultat est pas mal. De Palma grand public. (25/12/2023)

The Velvet Underground (Haynes, 2021). Un documentaire sur le groupe légendaire. Présentation extrêmement intéressante de la scène artistique new-yorkaise des années 60s. Suit un modèle de reportage plutôt classique avec quelques sympathiques variations. (14/01/2023)

[maevewalkerorchestre]

Critiques littéraires – 2022

Capitalisme et schizophrénie : L’anti-Œdipe. (Gilles Deleuze, Félix Guattari, Minuit, 1972). Une importante et virulente déconstruction du cheval de bataille de Freud, le mythe d’Œdipe, que l’on juge hautement problématique, autant d’un point de vue thérapeutique qu’idéologique. On montre le dommage de cette obsession freudienne dans l’optique d’une compréhension du monde toujours influente encore aujourd’hui, en psychologie, dans l’art et les sciences humaines. En partant du principe marxiste de production, Deleuze et Guattari développe leur vision extrêmement intéressante du désir, et si, pour y arriver, ils y vont de quelques raccourcis historiques un peu forcés, la mise en application dans ce qu’ils appellent la schizo-analyse devrait s’enseigner dans les départements de psychiatrie et de psychologie aujourd’hui. Mon expérience avec les troubles de l’esprit me pousse à croire que l’ambition thérapeutique de cet ouvrage pourrait en aider plus d’un. Deleuze s’est dit déçu que ce bouquin n’aie pas été plus influent. J’espère qu’on finira par le redécouvrir très prochainement. Toute ma formation et mon histoire personnel m’a préparé à ce livre que je désirais lire depuis plus de 20 ans. (Terminé en décembre 2022)

Galaxy Express 999 (« Premier voyage », Matsumoto, 1978-1981). Le chef-d’œuvre de Leiji Matsumoto. Chaque chapitre se lit comme une aventure d’apparence naïve, simpliste, mais se délecte comme un poème. Rarement Matsumoto n’offre de réponse aux enjeux de la condition humaine qu’il évoque : il semble préféré stimuler la réflexion. Peu d’épisodes mauvais. Pour son ensemble, Galaxy Express 999 est véritablement un monument de la littérature jeunesse. (terminé en juin 22)

Kara and the Sun (Kazuo Ishiguro, 2021). Dès les premières pages, Ishiguro nous démontre sa grande maîtrise du langage : le personnage titre est clairement définie par sa narration. Le soliloque est juste – et ne déraillera jamais du roman, ne montrera jamais le moindre signe de faiblesse – et les dialogues entre AFs et leur Manager appuie la description plutôt limité du monde futuriste et humainement aseptisé que présente le récit. L’auteur semble vouloir concentrer l’essentiel de son roman sur les relations humaines : les relations mère-enfant, celles entre ex-amoureux, et pendant un certain temps, j’ai eu l’impression qu’il s’agissait-là du cœur du roman : les problèmes humains dans un monde post-humain. Mais pour autant que l’art de l’auteur serve à la perfection son personnage principal, il me semble incapable d’insuffler à ses autres protagonistes une profondeur qui les rendrait signifiants. Les dialogues sont particulièrement atroces tant ils sont sans substances, ce qui est dommage car leurs rôles narratifs n’est jamais superflus, ou forcés. Je me suis demandé si le point de l’œuvre était justement de montrer la société future socialement vide, mais la structure discursive du récit, qui touche à des thèmes très communs dans la science-fiction – il les passe systématiquement tous en revu, de l’intelligence artificiel à la religion, de l’ingénierie génétique à la recherche de l’âme pure –  depuis l’orée du XXème siècle, finit par tomber à plat et n’amène rien de nouveau à toute forme de réflexion. D’autres auteurs ont beaucoup mieux traité ce sujet, bien qu’il faut reconnaître l’effort d’Ishiguro d’avoir choisit d’amener ce transhumanisme futuriste vers le drame social tout simple. Malgré tout, décevant. (Terminé en mars 2022)

Le nouveau (Keigo Higashino 2009, traduction de Sophie Rèfle 2021). Superbe roman à tiroirs d’Higashino mettant en vedette l’astucieux et très humaniste inspecteur Kaga. J’avais vu la série télé de 2010, et avait adoré, bien qu’elle porte les stigmates propre au dorama japonais. Le roman, cependant, est une œuvre de littérature policière magistrale beaucoup mieux tempérée, qui observe et rend compte des grands thèmes classiques de la société japonaise– conformité, humilité émotive, cadres familiaux rigides – en les démystifiants, en quelque sorte. Les habitants de ce quartier de Tokyo qu’on nous présente sont imparfaits, voire vains, mais il suffit d’une étincelle pour que ne surgisse, l’espace peut-être d’un instant, leur profonde humanité. Kaga, bien sûr, n’est jamais loin de ces moments. Excellent. (Terminé en septembre 2022)

Les Mystères de Hobtown : L’affaire des hommes disparus (Kris Bertin, Alexander Forbes, 2017, version française 2020) Illustrée de manière éloquente, dans un style figuratif détaillé mais frénétique, le récit nous plonge dans l’enquête d’un groupe d’étudiants habitant un petit village de Nouvelle-Écosse (on suppose) sur une série de disparitions. Complots, une force surnaturelle étrange, et une malédiction multi-générationnelle s’en suivent, dans une suite de péripéties qui rappelle à la fois Twin Peaks et Scooby-Doo! Si la mise en case est à l’occasion confuse, la richesse de l’univers diégétique, l’alternance de familier – voire de clichés stylistiques –, et de rebondissements finement orchestrés, nous rapproche des héros de cette histoires, ces jeunes hommes et femmes qui luttent contre une force obscure et incompréhensible. Agréable et mystérieux. (Terminé en janvier 2022)

Lightfall, tome 1 – La dernière flamme (Tim Probert, traduit par Fanny Soubiran, 2021). La force de ces BD, c’est les personnages. Les deux protagonistes, aussi classiques soient-ils, fonctionnent à merveille, et leurs alliés – même ceux aux motivations moins nobles – sont tout aussi mémorable. On préfère garder l’opposition mystérieuse, et l’on se sert d’antagonistes génériques pour s’assurer de garder le lecteur en haleine, ce qui pourrait finir par devenir redondant à la longue. Il est d’ailleurs clair que l’auteur désire garder le plus possible l’histoire de son monde secret, ce qui ne peut que faire monter nos attentes – une situation dangereuse pour l’auteur. Si les punchs que nous dévoilerons les tomes subséquents ne sont pas à la hauteur, la déception sera d’autant plus grande. Pour l’instant, en tout cas, les prémisses sont intrigantes. Prometteur. (Terminé en juillet 2022)

Nombreux seront nos ennemis (Geneviève Desrosiers, 2019/1999) Germes  prometteurs d’une poésie qui n’atteindra tragiquement jamais sa maturité. Je m’en veux de ne pas avoir été plus touché par sa plume. (Terminé en juillet 2022)

Pantagruel (François Rabelais, 1532, adapté par Guy Demerson chez Points). Outre la richesse du propos, les accents scabreux, sa philosophie humaniste, sa richesse historique, culturelle et langagière, je m’aperçois que Pantagruel est avant tout un très bon roman d’aventure. Rythme endiablé est ici le terme juste, alors que le récit ne s’essouffle jamais, et son comique décapant qui évoque immédiatement une filiation vers Monty Python, n’hésite pas à plonger dans l’absurde en plein dénouement! Ce roman, court mais si riche, est tout simplement prodigieux, aussi grandiose que bien des théories auxquelles il a donné naissance, souvent, je soupçonne, dans l’incompréhension. Le XVIème siècle était peut-être moins radical dans son conservatisme qu’on l’a longtemps pensé. Cela mérite réflexion. Et si certaines conceptions de l’auteur s’avèrent quelque peu rétrogrades, d’autres annoncent résolument le meilleur des temps qui suivirent. L'édition annotée chez Points permet de consulter le texte d'origine, et met certaines subtilités en contexte. (Terminé en novembre 2022)

Que notre joie demeure (Kevin Lambert, 2022). Un pari stylistique audacieux, tenu jusqu’aux dernières lignes, qui fait judicieusement usage d’un stream of consciousness soutenu. Un roman social habilement construit, qui maintient élégamment le propos éditorial et une certaine objectivité de caractères. On saute d’un point de vue à l’autre, sans jamais se perdre, et au lieu de marteler une opinion, c’est avec l’ébauche d’un questionnement fécond que l’on se retrouve à la dernière page. Je le mets sur ma liste de classiques potentiels. (Terminé en octobre 2022)

Réinventer l’amour (Mona Chollet, 2021) Le titre de ce livre est quelque peu trompeur, il correspond en fait, à un projet de la part de l’autrice, un projet nécessaire dans le monde d’aujourd’hui, fruit des efforts de décennies de luttes féministes. Et à cet égard, Mona Chollet nous présente une synthèse approfondie des dernières avancées de la cause féministe depuis #metoo. Pour le ou la néophyte dans ce domaine de pensée, et surtout pour les hommes qui désirent comprendre à quel point la critique féministe des pouvoirs en place est toujours d’actualité en 2021, cet ouvrage est plus qu’essentiel. En fait, on devrait carrément en étudier certains passages dans les classes du secondaire. Pour les féministes au cœur de leurs travaux, cependant, force est d’admettre que ce livre laisse sur son appétit : on pose les bonnes questions, on pave la voie à certains éléments de réponses, mais on n’ose guère se commettre à la révolution que l’on appelle, une révolution on ne peut plus nécessaire – c’est le mot d’ordre ici –, spécialement en cette ère de la montée inquiétante de la pensée ultraconservatrice. (Terminé en janvier 2022)

Spectacles of Empire : Monsters, Martyrs, and the Book of Revelation (Christopher A. Frilingos, 2004). Ce livre offre une analyse comparative de l’Apocalypse de Jean avec la culture du « spectacle » propre à la société qui l’a produite – l’empire romain d’Orient. Il s’agit d’une recontextualisation d’un texte qu’on a longtemps compris comme un rêve émancipatoire, mais qui révèle, paradoxalement, les mêmes stigmates, les mêmes vices, que la Rome tant haïe. Au passage, l’auteur dénote la complexité du rapport à l’identité de genre que l’on retrouve dans le texte de Jean en comparant son imagerie à celle de certains récits fictifs de l’époque. Un ouvrage fort intéressant, bien qu’il m’ait laissé sur ma faim. Le texte appelle, il me semble, une analyse plus poussée des implications socio-historiques du livre de Jean, et même un regard critique sur le développement du christianisme qui devient lui-même impérial : un fait ironique si l’on s’en tient aux paroles de Jésus… mais n’était-ce pas ce qui était souhaité, ou fantasmé par l’auteur de l’Apocalypse? (Terminer en février 2022)

The Cyborg Manifesto et Companion in Conversation (with Cary Wolfe) (Donna J. Haraway, dans Manifestly Haraway, University of Minnesota Press, 2016). Un important texte féministe qui cherche à redéfinir le féminisme d’un point de vue marxiste. Dans la figure du cyborg, elle explore la sociologie et l’histoire de la condition marginale, afin d’en esquisser une mise en pratique : l’écriture liminale. Elle envisage ainsi l’écriture des marges, des femmes immigrantes ou filles d’immigrantes, des « autres », qui doivent, selon l’autrice, construire sur cette condition d’étrangère, afin de créer de nouveaux discours, de nouveaux mythes, au-delà des genres et de catégories strictes. Le but en est rien de moins que de changer la société, qui a longtemps réprimé la différence, et continue de le faire, souvent de façon institutionnalisée. Dans sa conversation avec Wolfe, Haraway  explique comment sa réflexion en est rendu à dépasser les genres de l’espèce humaine afin d’en étudier les relations avec les autres espèces. Elle souhaite également déboulonner le tabou de la mort, qui fait partie des systèmes biologiques, ainsi que travailler la relation de l’humanité avec la terre elle-même. Pour Haraway, et j’abonde en ce sens, il est urgent de concevoir l’existence comme un réseau rhizomatique de systèmes ouverts.  (Terminé en décembre 2022)

The Ghost in the Shell (攻殻機動隊 THE GHOST IN THE SHELL, Masamune Shirow, 1989-1991) Le manga phare du cyberpunk, dont l’adaptation cinématographique de Mamoru Oshii (le film éponyme de 1995 et sa suite, Innocence, de 2004) sont deux chefs-d’œuvre absolus de la science-fiction, est en soit un projet ambitieux qui fait la chronique des préoccupations sociopolitiques de la génération de son auteur: l’écologie, la politique internationale, la guerre « moderne », la cybernétique, la réalité virtuelle, les possibilités d’internet, la philosophie, la sexualité, la drogue, la violence, et bien plus! L’édition « perfect » de Glénat censure une page et omet une scène érotique du chapitre « Junk Jungle », mais cela ne gâche en rien l’œuvre – le but de la séquence originale me semble plutôt provocatrice, voire racoleuse. L’humour cabotin typique confère au projet une couche de satire qui ne sombre pas dans le cynisme, et Shirow possède ce trait rare de nous rapprocher du plus secondaire des personnages. Une grande œuvre! (Terminé en janvier 2022)

Visions of Gerard (Kerouac, écrit en 1956, paru en 1963, traduction de Jean Autret) Un hommage infiniment tendre à son frère, d’une religiosité des plus nobles, d’une sensibilité au-delà de tout lieu commun, de toute superficialité monotone. Écrit comme un stream of consciousness que la traduction de Jean Autret rend plus ou moins bien – je lis rarement des traductions de littérature anglo-saxonne, mais je dois m’y arrêter ici : la tentative de capturer la légèreté du style de Kerouac est louable, mais finit par alourdir le texte de manière artificielle. Une traduction aux accents québécoise/canadienne française aurait été beaucoup plus pertinente, compte tenu surtout de l’héritage de la famille Kerouac – ce roman est plus une suite d’impressions, un slice of life, qu’un intrigue bien taillée, ce qui aurait été de toute façon  superflu et injustifié. Un très beau roman. (Terminé en juillet 2022)

[maevewalkerorchestre]

Critiques cinéphiliques 2022

5-25-77 (Johnson, 2022). Difficile d’être négatif devant un projet aussi personnel. Mais le film autobiographique de Patrick Read Johnson comporte tous les défauts que l’on associe à un « premier film » : l’auteur a voulu en mettre trop. Trop d’artifices, trop de péripéties, trop de clins d’œil… Trop. Ce qui en fait un film beaucoup trop long, et malgré toutes les bonnes intentions du monde, malgré les excellentes performances de la distribution, l’expérience est surchargée et au final, ennuyeuse. (décembre 2022)

8½ (Fellini, 1963). Sur les bancs d’école, je n’avais jamais accroché à Fellini. Le fait de présenter ses films dans les hideux doublages français n’a probablement pas aidé. Il aurait fallu mettre en contexte, montrer ce que le cinéaste osait, à l’époque – outre sa critique des mœurs : le film dans le film qui finit par déborder du film… la vie fantasmatique qui s’imbrique dans un même espace, dans un même cadre. Le Carnaval, le festif, qui viennent dédramatiser un sujet très violent. Car Guido, interprété viscéralement par Mastroianni, est un être abject, un vampire qui dérobe la vitalité des gens – surtout les femmes – qui l’entourent. Et puis, il y a ce traitement presque anodin des théories jungiennes au cœur du drame, auquel je n’avais jamais vraiment porté attention… Bref, j’apprécie plus que jadis ce film, bien qu’il semble que je ne serai jamais un grand amoureux du maître italien. (18/11/2022)

A Fish Called Wanda (Crichton, 1988). Si la réalisation est beaucoup trop sobre, et la musique trop convenu, c’est le travail au scénario (signé du réalisateur et de John Cleese, également à la distribution) et ses grandes performances qui élèvent ce film au rang des meilleures comédies cinématographiques. Excellente étude du ridicule qui dépasse amplement le contexte très britannique du récit. L’équilibre est parfait entre tendresse et burlesque, macabre et politique. Un pur bonheur, ce film. (5/11/2022)

A Chinese Ghost Story (Ching, 1987). Je ne connais pas assez l’histoire du cinéma hongkongais pour comprendre son oscillement entre son formalisme léché et son humour cabotin outrancier. A Chinese Ghost Story est une fusion de romance et d’horreur au kitsch hyperbolique qui frôle mais ne sombre jamais dans le mauvais goût. Un étrange film d’un courant que je ne connais pas assez. (12/11/2022)

 Adieu Galaxy Express 999 (Rintaro, 1981). Beaucoup plus beau que le premier film basé sur le fameux manga de Leiji Matsumoto – sans doute dû à un plus gros budget. Les décors sont somptueux, l’animation plus raffinée, la musique, dans l’ensemble, beaucoup moins kitsch. Mais le scénario est faible et, essentiellement, raconte la même histoire que le premier film. De manière beaucoup moins inspirée. Cette suite est, pour ainsi dire, totalement inutile, et franchement décevante. (4-5/07/2022)

Agnès Varda. Dès Cléo de 5 à 7, on comprend qu’Agnès Varda maîtrise parfaitement le langage cinématographique, au point d’en expérimenter les frontières sans jamais tomber dans l’artificiel. Ses mises en scènes et cadrages rappellent Godard, sans le côté tonitruant et grandiloquent. Après le visionnement de deux de ses films, Cléo de 5 à 7 (1962), et Kung-fu master 1987), la cinéaste m’apparaît comme l’une des maîtres du septième art, en parvenant à atteindre un équilibre parfait entre un formalisme pertinent et un contenu riche en signifiance. Que ce soit la redéfinition de son identité –  en temps réel!! – dans Cléo, où un regard au-delà de toute moralité dans Kung-fu – et c’est la réaction face à ce « pas » de trop qui est l’enjeu central du film –, Agnès Varda possède à la fois le détachement et la proximité nécessaire pour un cinéma aux proportions transcendantales. (13/3/2022)

Alice (Svankmajer, 1988). Impressionnant film d’animation qui revisite l’œuvre de Lewis Carroll avec une esthétique d’Unheimliche thématiquement et diégétiquement justifiée. Stop-motion d’une fluidité peu commune et d’une reproduction de mouvements remarquablement précise. Atmosphère méticuleusement contrôlée, hypnotique, qui cimente un ensemble particulièrement cohérent. L’imagerie est originale et ingénieuse. Singulier. (5/10 /2022)

American Psycho (Harron, 2000). Une satire de la culture yuppie des années Reagan plutôt intéressante malgré une cinématographie bien trop sobre qui vient presque gâcher une mise en scène très juste – le surjeu très pointu de Christian Bale n’est pas sans rappeler celui de Brent Spiner. Bien malgré tout. La scène des cartes d’affaire est hilarante et d’une cinglante précision. (9/7/2022)

Blade of the Immortal (Miike, 2017). On passe d’un combat à un autre, sans grand développement de personnage, et malgré une technicité étonnante, l’action incessante devient redondante à la longue. La musique de Kôji Endô est probablement l’élément le mieux réussi du film. (13/8/2022)

Britannia Hospital (Anderson, 1982). Ce film s’inscrit dans la tradition des sitcoms britanniques, peut-être par manque de moyen, mais une part est visiblement intention, de par le jeu caricatural de ses interprètes et son humour absurde, dont on pousse l’ironie et le cynisme à l’extrême. Tout y passe, dans ce film : les conservateurs, les progressistes, les syndicalistes, le patronat, les révolutionnaires, les politiciens et la monarchie, les scientifiques, les lanceurs d’alertes, l’influence mortifère de l’Occident en Afrique (et ailleurs)… Sans compter une sévère critique du transhumanisme. On en révèle le penchant fascisant avec plus de virulence que bien des œuvres dénonçant le concept! Avec quelques moments hilarants, ce film sévère laisse un arrière goût inquiétant quant à l’avenir de l’humanité. (4/2022)

Cloud Atlas (The Wachowskis, Tykwer, 2012). Un très beau film, dans une formule qui se retient à Hollywood par ses conventions (par exemple, le happy-end absent du matériel source), mais qui s’en éloigne quelque peu dans la forme. Bien sûr, plusieurs histoires montées en parallèles n’ont rien de révolutionnaire. Cependant, ici, on prend son temps, on installe méthodiquement les prémisses de chaque récit, quitte à perdre un temps le spectateur, jusqu’à ce que la charge narrative de chacune converge vers une finale plus que satisfaisante. Dommage que même la critique n’ait pas été assez patiente pour saisir l’effort. Mais je dois avouer que je partage les réserves de nombre de groupes à propos des acteurs blancs qui incarnent des personnages coréens. Outre le fait que les maquillages sont franchement horribles, ce qui cause dès le départ un problème de représentation, il y a ce double standard qui ne s’applique qu’aux personnages coréens : aucun personnage noir n’est interprété par un acteur d’une autre ethnie dans le segment traitant de l’esclavage. Je comprends le concept de montrer que les « âmes », représentées par les acteurs qui jouent plusieurs rôles, ne connaissent aucune frontière ethnique ou de genre. Sur papier, c’est même très beau, et ça permet aux acteurs de démontrer l’ampleur de leur talent. Tom Hanks, par exemple, sort admirablement de ses rôles types de bons gars monotones. Mais le problème de la représentation demeure, et je pense que si on avait abandonné l’idée, ce film serait entré dans les classiques du XXIème siècle de par sa mise en scène raffinée et son ambition épique. Le leitmotiv de la tache de naissance aurait été tout aussi efficace à montrer l’universalité de l’âme sans créer de distanciation douteuse. Somme toute pas mal. (7/8/2022)

Drive My Car (Hamaguchi, 2021). Une étude de mœurs des plus intéressantes, une belle histoire qui n’est pas autant propulsé par une intrigue – à la base plutôt standard : le personnage doit affronter ses démons – que par ce qui est dit à travers chaque scènes. Car tout, dans ce film, passe par les dialogues. Comme le texte d’une pièce de théâtre, la parole incarne les personnages, et non l’inverse, ce que montre avec grand soin, en prenant un temps  qui peut en rebuter plus d’un, toute ces scènes illustrant la méthode de travail du metteur en scène Kafuku, le protagoniste principal. Les personnages sont complexes, uniques, et c’est par la spécificité de leur vie que le récit progresse, que les personnages avancent et se réalisent. De belles scènes, touchantes non pas par sentimentalité, mais par la véracité de leur humanité, entrecoupées de la démarche de mise en scène, des auditions initiales à la pièce elle-même, pour sonder les cœurs esseulés. Un long préambule touchant à l’acte d’écriture, ainsi qu’au cœur dramatique de l’expérience humaine est nécessaire pour nous amener là où il faut afin de comprendre un film qui est, en fait, une expérience de vie. La réalisation est d’une sobriété désarmante, ce qui permet de se concentrer sur les acteurs et leurs mots. Le pari est réussi, mais ce n’est pas pour tout le monde. (29/1/2022)

Everything Everwhere All at Once (Kwan et Scheinert, 2022). À la question « peut-on faire du bon divertissement hollywoodien encore aujourd’hui? », ce film offre une piste de réponse. Au pseudo-tragédie plus ou moins gritty du MCU, l’idée du superhéros plonge à pieds joints dans ce que ce personnage est à la base : absurde! Et on embrasse l’absurde à forte dose de sci-fi en faisant usage de la plus hilarante et pertinente pseudo-science que j’ai entendu depuis longtemps. Les thèmes si important d’Hollywood : l’amour, la famille, sont traités avec grandiloquence mais ne sombrent jamais dans les bons sentiments par la persistance du danger au-delà de toute aberration d’happy-ends qu’on nous martèle habituellement. Ça rend le film franchement touchant, par moment. Et pour les cinéphiles, tous les tropes et les schèmes chers au cinéma moderne (et pas seulement de science-fiction) se font référer, de manière toujours intelligente et dérisoire, de Matrix (et de façon bien plus intéressante que dans la trilogie originale) à l’œuvre d’Hideaki Anno, celle de Wong Kar-Wai, en passant par à peu près tous les films de kung-fu – d’époque ou contemporains –, les vieux Star Trek, les films de Pixar… La distribution, dans son ensemble, est fantastique : les personnages – dans toutes leurs versions – sont habilement définis et attachants. Voilà, intelligence, escapisme et succès commercial peuvent être réunis, quand on se donne la peine. (21/5/2022)

Giliap (Andersson, 1975). On reconnait clairement le germe de ce qui deviendra le style propre au réalisateur, mais sans la grande maîtrise qui lui sera caractéristique. Le jeu de ses acteurs tend vers ce réalisme absurde qui sera sa marque, mais manque souvent d’assurance. Bref, ce film est une ébauche, et son plus gros handicap en est l’intrigue – le dernier acte est ridiculement prévisible et tombe à plat. Fort heureusement, le réalisateur se débarrassera presque totalement des intrigues flagrantes lors de ses longs métrages subséquents. Car Andersson est meilleur à filmer des personnages qui sont soit inconscients de leur propre condition, soit en profond questionnement existentiel. (10/9/2022)

Glass Onion (Johnson, 2022). Une nouvelle enquête du détective Benoît Blanc qui s’avère digne du grand film qu’avait été la première. Pas aussi transcendant, cependant : Rian Johnson semble avoir de la difficulté à filmer les grands espaces que lui offre son île paradisiaque, il revient au ton baroque de son pourtant excellent Last Jedi, mais malgré ce petit défaut, le plaisir à regarder son détective demeure le même. Excellent divertissement, brillant et inventif. (25/12/2022)

Hereditary (Aster, 2018). Bon, Midsommar m’avait grandement déçu. Outre l’excellente performance de Florence Pugh, l’œuvre ne s’avérait au final qu’un ramassis de clichés et de légendes urbaines historiques sur les pratiques païennes (mais pas que) en Europe du nord, en plus d’une psychologie totalement absurde de la plupart de la distribution. Il ne restait que le style, lui plutôt original, mais ça ne rachetait pas l’ensemble. Hereditary utilise aussi le motif de la société secrète et le thème du temps cyclique manipulé par des conspirationnistes, mais à une échelle beaucoup plus réduite, ce qui en augmente la vraisemblance et l’efficacité. Structurellement, le scénario est bien construit, mais la mise en scène manque de punch dans son développement. Forte heureusement, la finale est une cascade de séquences horrifiques et bizarres qui est, à mon sens, fort réussie. Mais les clichés et la recherche historique demeure malgré tout trop superficielle – les séances de spiritisme risquent de rendre mal à l’aise seulement les believers – ce qui semble être la faille principal de ce cinéaste dont le formalisme parfois mal contrôlé demeure pourtant intéressant. (29/10/2022)

Hereditary (Aster, 2018). Well, Midsommar was a disappointment for me. Despite Florence Pugh’s excellent performance, the film was built on too many clichés and urban legends from the pages of history books about dubious practices in old Northern Europe (mostly attributed to pagans). Like Midsommar, Hereditary also uses the motifs of cyclical time and secret societies pulling the strings, but on a much reduced scales, which does make it easier to believe and much more effective. Structurally, the script is well built, though the mise-en-scene does wander a bit in the development part. However, the finale offers a succession of really horrifying and bizarre sequences, which are really powerful. But the clichés and superficial use of historic data still hinders the overall effectiveness. The séance stuff is bound to affect only “believers”, for instance. This too much light-heartedness in research seems to be the main flaw of an otherwise really gifted filmmaker.

Hôtel du nord (Carné, 1938). Si le scénario est moins élégant que ceux de Prévert, le film demeure finement mis en scène. Louis Jouvet, et surtout Arletty, offrent d’incroyables performances qui valent à elles seules le visionnement. Sans être un chef-d’œuvre, un film réussi. (9/2022)

House (Obayashi, 1977). Superbe comédie d’horreur, baroque et cabotine, qui utilise à peu près tous les trucages photographiques disponibles à l’époque, pour créer une ambiance à la fois kitsch et surréaliste, par moment parodique. Un film profondément japonais, où l’on pousse les expressions commerciales à l’extrême, pour en faire de l’art. Ainsi, la muzak devient « noble », tout comme le soap opera – le « dorama », ou le film d’horreur grand public. C’est franchement réussi, et Obayashi réussit même à y insérer une critique antimilitariste – le cinéaste est natif d’Hiroshima. Les images sont magnifiques, souvent montées à partir de composite de différents modes de trucage : photographie standard, utilisation de mattes et de maquettes, animation, stop-motion, etc. Voilà ce que j’appelle de « belles images », et non pas les chimères pompeuses que l’Hollywood d’aujourd’hui offrent afin d’attirer les foules dans les salles IMAX! Et pourtant, je le rappel, House est un film foncièrement commercial, mais également, et c’est sa force, subversif au sens le plus noble du terme. Une impressionnante prouesse! (4/2022)

Il Decameron (Pasolini, 1971). J’avais adoré The Canterbury Tales, avant de voir en Teorema le triomphe absolu de Pasolini. Je dois admettre qu’Il Decameron m’a laissé sur ma faim, malgré quelques très bonnes séquences. Il m’est impossible de revenir sur ce film avec un semblant d’objectivité. Je devrai le revoir, éventuellement. (4/2022)

It Must Be Heaven (Suleiman, 2019). Suleiman fait du slapstick minimaliste intellectuel, et parvient à le faire fonctionner avec classe. Ses observations sont riches en matériel discursif, parfois cinglantes, souvent subtiles. La comédie désamorce la haine, mais conserve le tragique de la condition humaine et des conflits au Moyen Orient, dont l’histoire nous est savamment cachée depuis si longtemps, ici en Amérique. (21/5/2022)

James Joyce’s Women (Pearce, 1985). Écrit et interprété par Fionnula Flanagan, ce téléfilm se targue d’une sobriété laissant toute la place aux fortes performances de sa conceptrice. Intrigante adaptation d’une pièce de théâtre sur la vie des femmes, les véritables comme les fictives, dans la vie de James Joyce. On en vient à se demander comment les tableaux ont pu être joués sur scène tant leur enchevêtrement à l’écran semble organiques. (27/8/2022)

Jeremy (Barron, 1973). Un slice-of-life à propos d’un premier amour pour un couple adolescent. Aucun conflit n’intervient entre les protagonistes, qui vivent les événements avec sincérité et grâce. Même le nœud dramatique, qui provient de l’extérieur du couple amoureux, « arrive », simplement, sans être forcé par un dispositif narratif superflu. Si la mise en scène est parfois trop « relâchée », au final, c’est le caractère intime de l’expérience qui triomphe. La véritable faiblesse de ce film est sa musique originale, beaucoup trop lyrique et franchement kitsch. (6/3/2022)

La bataille d’Alger (Pontecorvo, 1966). Quel film! On fait entrer l’esthétique du néoréalisme italien dans la modernité dans ce qui est un grand film politique, et probablement le plus grand film sur la Révolution jamais produit. La caméra documentarisante réalise la prouesse de paraître, à plusieurs reprises, comme de réelles images d’archive, et le scénario laisse entrevoir une certaine neutralité à laquelle on ne s’attend pas d’emblée. Le parti pris pour les révolutionnaires est évident, mais malgré mon biais qui abonde en ce sens, je crois réellement que j’ai regardé rien de moins qu’un chef-d’œuvre, au sens universel du terme. (15/1/2022)

L’argent (Bresson, 1983). Que dire sur ce film qui n’ait pas été dit, autre que partager les éloges qui semblent faire consensus? Il s’agit, en fait, d’un des films les plus sombres de Bresson, l’histoire d’une déchéance entraîné par un crime dans un monde où la malhonnêteté est omniprésente, et où même les envolées justicières n’ont comme cause qu’une impulsion égotiste (voir le personnage de Lucien). La technique n’a jamais été aussi contrôlée, chez Bresson, et le jeu impersonnel de ses non-acteurs ne fait que renforcir, dans la diégèse, l’indifférence profonde du monde. (15/1/2022)

La vie heureuse de Léopold Z (Carles, 1965). Une journée dans la vie d’un petit entrepreneur montréalais. Ce film, outre les liens affectifs qu’il présente, prend pour sujet le Montréal de la Révolution tranquille. On peut y déceler l’ascension de la métropole à la modernité, les interactions entre classes sociales, et les aspirations bien humaines des citadins, à la jonction entre le politique et l’intime. Un très beau film qui démontre tout le talent et la sensibilité du cinéaste. (7/2022)

Le chat dans le sac (Groulx, 1964). L’un des premiers films de fiction moderne du cinéma québécois, faisant un remarquable usage de cette esthétique documentarisante qui lui sera longtemps associée. On en est au balbutiement de ce style particulier, et le film est par moment plutôt maladroit, sans pour autant compromettre sa valeur – il se démarque particulièrement de la Nouvelle Vague française, tout en lui étant ouvertement redevable. J’ignore si le but de Groulx était de montrer les dangers de la contemplation intellectuel, mais c’est le sentiment que j’en garde : le protagoniste masculin est d’une antipathie peu commune, ce qui rend cette longue, mais combien puissante scène où sa compagne s’en désolidarise, cathartique et libératrice. Car si le manque d’intérêt apparent de la protagoniste pour la politique semble d’abord un point faible, le film finit par lui dévoiler une maturité beaucoup plus grande que son compagnon dont le nihilisme pousse finalement à la neurasthénie. (8/9/2022)

Le Corbeau (Clouzot, 1943). Un drame solide signé Henri-Georges Clouzot, sombre et pessimiste, qui explore les effets de la paranoïa et de la jalousie. La distribution est solide, mené par Pierre Fresnay dans le rôle principal. Réalisé sous l’occupation, l’histoire de la production, et de la diffusion du film est presque aussi passionnante que le film lui-même! (10/9/2022)

Les Diaboliques (Clouzot, 1955). Une intéressante entrée pour Clouzot, qui rappelle le dispositif du Corbeau, où l’intrigue s’accélère en un crescendo d’incertitude jusqu’à un punch final astucieusement orchestré. Ici, Clouzot choisit de laisser le spectateur dans l’ambivalence. Véra Clouzot démontre son immense talent, basculant entre une puissance désespéré, et une fragilité autant morale que physique. Meurisse est maléfique et Simone Signoret, froide et tragique. Les séquences horrifiques n’ont pas perdu leur mordant. Un film solide. (15/10/2022)

Les sorcières de Salem (Rouleau, 1957). Adaptation par Jean-Paul Sartre de la fameuse pièce The Crucible d’Arthur Miller. Une critique virulente de la culture américaine – beaucoup plus que dans le texte original–, avec quelques élans socialistes propre à Sartre, sans pour autant tomber dans le moralisme simpliste : la conviction de l’interprétation et la sobriété de réalisation y sont pour beaucoup, ici. Le choix de complexifier les personnages féminins, particulièrement Abigail, mais aussi Elizabeth, fonctionnent admirablement et rehaussent le drame. Un excellent film. (18/6/22)

Light of Day (Schrader, 1987). Un drame social plutôt réussi. Michael J. Fox est particulièrement efficace, Joan Jett s’en sort plutôt bien, et Gena Rowland rend parfaitement son personnage dans une sincérité qui nous force à la compréhension, malgré son antagonisme qui aurait pu complètement l’emporter. Malheureusement, la mise en scène rigide manque de complexité et la vie familiale nous apparaît, au final, plutôt artificielle, malgré son rôle central au cœur du drame. La figure du père est complètement évacué, et c’est quelque peu insultant de sous-utiliser de la sorte un acteur de la trempe de Jason Miller. Contrairement à ce qu’on en a dit, cette faiblesse de la mise en scène n’a absolument pas a voir avec un mauvais casting. Les acteurs sont bien à leur place, c’est du côté de la réalisation qu’il faut chercher : Schrader est un meilleur scénariste que réalisateur. Le film a tout de même été pour moi une belle surprise. (25/12/2022)

Mad God (Tippett, 2021).  Un trip formel dont les références thématiques, sont mises en scène de manière brutale, scatophile, violente, mais incroyablement intrigante. Si l’attaque sur les sens peut facilement submerger la raison, et même couper l’envie d’y revenir, dans ce cas précis, j’y reviendrai certainement. Les dispositifs de représentation de l’ambivalence, pire, des ténèbres inhérentes à  l’humanité et à ses activités, me semblent  des plus pertinentes, poétiques et hautement viscéraux. Franchement intéressant. (18/6/22)

Marianne de ma jeunesse (Duvivier, 1955). Une histoire de fantômes (au sens large), une histoire de bandes de garçons, d’un enfant sauvage… Les images sont magnifiques, mais le jeu théâtral, bien que souvent juste, manque de finition. Un conte de fée hyper-romantique à la réalisation inégale, mais non dépourvue d’intérêt. (24/6/22)

Monsieur Klein (Losey, 1976). Une histoire de double, de virtualité, de fascination, et d’un étrange voyage hors de l’indifférence, sous le règne de la collaboration en France occupé – un sujet controversé, la plupart du temps évoqué à voix basse. La réalisation fait parfaitement le pont entre l’esthétique classique américaine et une sensibilité toute européenne, avec des séquences qui rappellent aussi bien Kubrick que Melville, et préfigure même Lynch. Alain Delon joue avec sa retenue caractéristique qui complexifie son personnage en ne révélant qu’au compte-goutte l’ambivalence de sa psyché. Michel Lonsdale offre également une impressionnante performance, mais c’est la maitrise de la  réalisation qui triomphe, ici. (6/2022)

Mort à Venise (Visconti, 1971). Le matériau qu’adapte ici Visconti permet d’explorer ses propres conflits intérieurs. La doctrine catholique, à laquelle il s’est toujours associé, ne pouvait qu’entrer en conflit avec son homosexualité. Ce thème était central au discours qui transparait dans son film précédent, Les Damnés. Dans Mort à Venise, il semble inscrire son art dans une forme de dialectique entre le plaisir des sens et l’utopie de la beauté spirituelle chère catholicisme, un dualisme bien présent dans l’art occidental depuis le Romantisme, teinté de la culture judéo-chrétienne dominante. Le sujet est délicat : un fantasme pédérastique en vient à profondément troubler le protagoniste, qui tente tant bien que mal d’intérioriser le tout. Mais les émotions conflictuelles que la situation génère l’accablent viscéralement, tout comme l’épidémie qui s’étend sur la ville. Le tumulte est paradoxalement filmé avec une caméra méditative et lyrique, ponctuée de flashbacks où Visconti élabore son discours artistique qui, sous le signe d’un catholicisme assumé mais intransigeant, surenchérit le caractère tragique de la nouvelle de Thomas Mann. (20/2/2022)

Nightmare Alley (Goulding, 1947). Ce film opère quelque chose qui ne se voulait certainement pas volontaire de la part de l’auteur du roman original – je ne l’ai pas lu. Ce film, donc, présente trois personnages féminins qui gravitent autour du protagoniste principal, un homme amoral dont la chute et le sort funeste est amplement mérité. Chacune s’en sortent en triomphant, à leur manière. L’aînée vertueuse conserve sa dignité, la femme-enfant écoute sa conscience et s’empêche de sombrer dans la déchéance de l’antihéros – bien que le happy-end forcé rende son sort ambigu –, et la maléfique manipulatrice remporte la partie en parvenant à sur-escroquer l’escroc et s’en sortir affreusement riche. Ce triomphalisme féminin est atypique dans les films noirs de l’époque, et l’indépendance de l’aînée et de la vilaine – cette dernière est d’ailleurs une femme de carrière totalement épanouie et en contrôle dont l’atout principal est l’intelligence et non son charme – me semblent particulièrement admirable et renverse les codes du genre. Le jeu des actrices y est pour beaucoup. Si la femme-enfant de Coleen Gray s’apparente le plus aux héroïnes passives du Hollywood de l’époque, Joan Blondell, et particulièrement Helen Walker, affirment leur féminité avec une puissance qui rend tout à fait crédible la chute du protagoniste. Je ne suis pas un expert du film noir américain des années 40, mais je ne peux m’empêcher de voir en Nightmare Alley un renversement féministe particulièrement habile des rôles genrés habituels au cinéma hollywoodien de l’époque. (5/2/2022)

O Brother, Where Art Thou? (Coen, 2000). D’abord un divertissement efficace, sans jamais se leurrer quant au côté sombre de la culture du sud des États-Unis (du début du XXème siècle, de surcroit), il faudra sans doute une étude approfondie pour ressortir toutes les implications socio-historiques présentes dans ce film. C’est une aventure, une odyssée (toute avouée d’emblée) sans réel temps mort. (13/8/2022)

Parlez-nous d’amour (Lord, 1976). Ce film est tout un accomplissement. Une critique virulente de la société québécoise de l’époque, avec pour cible le vedettariat de la scène télévisuelle. Jacques Boulanger, animateur à la mode, est à l’origine de bien des anecdotes que Jean-Claude Lord et Michel Tremblay ont par la suite mis en récit, en plus de jouer le rôle titre. Un acte de courage? Un suicide professionnel? Le personnage est à la fois profiteur, orgueilleux, ambitieux, mais bien vite dégoûté et accablé par la misère, sans pour autant s’avérer capable de sortir complètement du manège. Boulanger joue avec justesse, parmi une distribution de légendes : Claude Michaud, Benoît Girard, Manda Parent (à la fois touchante et pathétique), Rita Lafontaine, André Montmorency, Monique Mercure, Michelle Rossignol, Denis Drouin… Si l’image demeure fortement imprégnée du documentaire, ce qui restera longtemps une caractéristique formelle du cinéma de fiction québécois, la mise en scène et le montage rappelle un Altman en grande forme. La première heure passe de moments hilarants aux pires malaises, alors que le tragique s’immisce, et finit par presque dominer, la seconde moitié. Caustique, mais bon. (25/3/2022)

Return to the 36th Chamber (Lau, 1980). Après l’excellent The 36th Chamber of Shaolin, je m’attendais à du « réchauffé » pour le second volet de cette trilogie informelle. Mais cette suite est un petit bijou du cinéma de kung-fu. Toujours, la problématique sociale, et le héros d’abord peu crédible, qui s’entraîne pour devenir meilleur, entêté devant un maître qui le manipule pour le mieux. Et de ces valeurs sociales et martiales émergent le sauveur qui se bat avec les armes du travailleur : de la corde de bambou et des échafaudages. Et la comédie, au cabotinage typique de l’école hongkongaise, nous permet d’accueillir cette fable morale sans sourciller. C’est aussi ça, le cinéma! (décembre 2022)

Sex, Lies and Videotape (Soderbergh, 1989). La répression sexuelle en milieu petit bourgeois du sud des États-Unis est un sujet déprimant et franchement emmerdant, du moins à mes yeux. Il n’y avait que Soderbergh pour en faire quelque chose d’aussi intéressant. Dans les faits, le film se construit à partir d’une scène centrale, autour de laquelle le reste tourne, dans une espèce de crescendo au rythme légèrement inégal, mais dont le chemin en vaut franchement la peine. Car cette scène centrale n’est rien de moins qu’un moment d’anthologie du cinéma américain. Un drame puissant aux implications profondes, une étude sociale surprenante, une leçon de mise en scène et de jeu. (5/2022).

Shattered Glass (Ray, 2003). C’est un biopic qui possède les stigmates obligatoires du biopic : un montage qui atténue un peu trop la mise en scène par des dispositifs inutiles (la scène de la salle de classe fait vraiment artificielle), la musique d’une platitude épouvantable, etc. Cependant, l’histoire est intrigante, le scénario est somme toute efficace, et la distribution assure (Christensen et Sarsgaard forment un excellent duo). Un film agréable, mais formellement faible. (8/7/2022)

Southland Tales (Kelly, 2006). J’écrirai davantage sur ce film dans les prochaines semaines, mais il est clair que ce film est un grand film des années 2000s, peut-être même un chef-d’œuvre, certes mal compris à l’époque, qui s’avérera prophétique par la suite : le thought control du parti républicain, la montée des influenceurs, etc. Un équilibre parfait entre comédie scabreuse et moments de révélation tragiques qui offre à des acteurs la chance de briller par leur contre-emploi. Ambitieux, certes, baroque, sans doute, mais pas aussi décousu qu’on l’a décrit. (décembre 2022)

Teorema (Pasolini, 1968). Un étranger séjourne dans une famille bourgeoise italienne (le père, la mère, le fils, la fille, et la bonne), puis quitte, après avoir provoqué, chez chacun, une profonde transformation, unique, extrême, bénéfique ou mortifère – on est au-delà de la morale car l’expérience est, pour chacun, totalement subjective. Une exploration politico-religieuse sous forme de thèse allégorique qui fonctionne parfaitement en tant qu’œuvre d’art cinématographique. Un film d’une profondeur incroyable où, même si les convictions de l’auteur transparaissent avec une clarté presque naïve, un certain mysticisme demeure, peut-être dû à la maîtrise incroyable du medium que possède Pasolini. C’est une œuvre admirable, possiblement un chef-d’œuvre dans le sens universel du terme, et je m’en veux d’avoir pris tout ce temps avant de le voir. (21/3/2022)

The Adventures of Robin Hood (Keighley, Curtiz, 1938). C’est… particulier. Globalement, très bon, mais pour l’œil d’un spectateur de ma génération, j’avoue que les clichés, dans tous les départements de la production, sont plutôt douloureux… Et beaucoup de ces clichés proviennent justement de ce film – et vont se répéter encore et encore dans les productions cinématographiques, puis télévisuelles jusqu’à aujourd’hui. Souvent de manière parodique, mais aussi dans des œuvres « sérieuses ». Ceci dit, il y a quelques bons coups. Le Prince John de Claude Rains est splendide. Il est typé, mais Rains le joue avec suffisamment de retenue pour ne pas sombrer dans la caricature du super-vilain des serials de l’époque. Olivia de Havilland joue également straight, ce qui contraste avec l’exubérance presque satirique d’Errol Flynn (c’est à ce demandé à quel point il en était conscient…). Et si le matériel thématique de la trame sonore de Korngold demeure très conventionnel, ses orchestrations sont surprenantes, modernes, et ont très bien vieillies. On reconnait la filiation – avouée, totalement – avec John Williams dans les arrangements et la rythmique. (15/10/2022)

The Batman (Reeves, 2022). Une proposition franchement intéressante du fameux super-héros, franchement bienvenue après la triple déception signée Christopher Nolan – oui, le deuxième volet avait de bons moments – qui semble malgré tout avoir la cote encore aujourd’hui. Ici, Reeves s’intéresse à Batman en tant que détective qui affronte un bien intéressant monde criminel dont l’influence s’étend au plus profond du politique. Batman est dépendant de ses alliés, aussi, ce qui n’est pas souvent le cas, et permet à des personnages comme Catwoman, Alfred, mais surtout Gordon, - habilement interprétés, d’ailleurs – de prendre davantage d’importance. Bien qu’on étire un peu trop la sauce vers la fin, l’ensemble est plutôt réussi, dans l’esprit des romans graphiques de Frank Miller qui ont réinventés le personnage il y a trente ans. (24/6/22)

The Damned (Visconti, 1969). Que dire sur ce film? Une œuvre sur l’inhumanité, la monstruosité, que j’ai trouvée beaucoup plus insoutenable que le Salo de Pasolini. Visconti semble d’abord se questionner sur la manière de concevoir sa propre homosexualité, en donnant à son amant du moment le rôle de celui qui s’avèrera le protagoniste principal. On le présente d’abord dans un spectacle de travesti. Donc, qu’est-ce que l’homosexualité? Est-ce une perversité (Visconti était très attaché à la doctrine catholique)? Une simple préférence sexuelle? Un « jeu »? Mais bien vite, on délaisse ce questionnement, en s’enfonçant dans la mise en scène de véritables perversions. Car ce protagoniste qui aime jouer à Marlène Dietrich n’est pas nécessairement homosexuel, et ses réelles déviances sont tout autre : il se jette tout à fait volontairement dans la soif de pouvoir économique, l’avarice, l’ambition, l’égotisme, mais aussi la pédophile, l’inceste, la débauche… qui ne sont rien comparé à la plus vicieuse, perfide et maudite de toutes les perversions : le totalitarisme, et dans ce cas particulier, le nazisme. Celui-ci comprends toutes les perversités, toutes les tares de la condition humaine, et les ordonnent afin d’en faire un instrument de pouvoir et une spirale de mort. Ce film est une chute, une démonstration presque algébrique de la création de la monstruosité, de la plus pure déshumanisation. (1/2022)

The Heroic Trio (To, 1993). Une pulp comedy non sans intérêt, mais qui s’essouffle dans son propre esprit comique en plein climax. Le visuel est superbe et les gags fonctionnent bien, pour l’ensemble – on aurait pu mettre moins de pathos dans la musique déjà un peu trop synthétique. On en donne un peu trop au final, mais Maggie Cheung est hilarante en chasseuse de prime grande-gueule. (27/8/2022)

The Night Porter (Cavani, 1974). Un autre film sur la folie du troisième Reich, peut-être moins épique que The Damned, mais dont le propos n’en demeure pas moins fort : la perversion nazie est mortifère, monstrueuse, au sens où elle corrompt toutes les relations et entreprises humaines, même dans la manière qu’on y résiste – Lucia est condamnée à souhaiter la présence de son ancien tortionnaire, malgré sa violence et sa folie. L’ambivalence du propos est claire et mise en scène par une sorte de poésie brutale qui rend malheureusement le dernier acte quelque peu redondante. Le film demeure puissant, malgré ce défaut. (4/2022)

The Watermelon Woman (Dunye, 1996). Un monument du cinéma queer, ce film traite de l’absence de représentation, sous la forme d’un faux documentaire à propos d’une actrice afro-américaine lesbienne qui n’existe pas. Sur un mode élégiaque, la cinéaste se crée une filiation cinématographique, dans laquelle elle s’insère, afin de contrer le fait que sa propre condition d’artiste queer a été négligé par ceux qui ont écrit l’histoire (dans ce cas-ci, l’histoire du cinéma). En parallèle, le film propose un récit se déroulant dans le milieu lesbien de Philadelphie avec des personnages charismatiques et attachants qui tournent autour d’une version fictionnelle de la cinéaste elle-même. Un film important. (8/2022)

YUL 871 (Godbout, 1966). Alors que les films québécois de fiction, à la naissance du cinéma moderne, sont clairement imprégnés de l’esthétique du cinéma direct – une invention toute québécoise – voilà Jacques Godbout qui délaisse la caméra documentaire et adopte une approche beaucoup plus en phase avec l’Hollywood qui inspira la Nouvelle Vague. Visuellement, ce film est captivant, mais ça ne s’arrête pas là : cette tranche de vie d’un voyageur européen à Montréal est franchement bien construite, somptueusement mise en scène, et tente, du moins discursivement, de créer un pont entre Montréal et le reste du monde. Affectivement et historiquement. Superbe. (7/2022)

[maevewalkerorchestre]

Critiques littéraires 2021

C’est le Québec qui est né dans mon pays (Emanuelle Dufour, 2021) Œuvre coup de poing qui, malgré son didactisme qui frôle la condescendance, me force à réévaluer toutes mes considérations politico-historique. Bref, je dois réfléchir sur mes positions, et c’est, je crois, le but de l’autrice que de faire réfléchir. Habilement montée, élégamment illustrée, le but de cette bande-dessinée est claire et précis, et je crois que son but est atteint haut la main. (Terminé en août 2021)

Il est strictement défendu de boire en studio - 30 ans de bénévolat à CISM (Alexandre Fontaine Rousseau, 2021) Anecdotes savoureuses, mais surtout instructives sur la célèbre « station la plus à gauche sur la bande FM », et les débuts de plusieurs figures marquantes du journalisme et des communications québécoises. Une chouette lecture sur une institution qui ne devrait jamais perdre de vue sa ligne éditoriale, ni son héritage. (Terminé en novembre 2021)

Indien stoïque (Daniel Sioui, 2021) Dans une prose jouale extrêmement bien construite, Daniel Sioui fait beaucoup plus que ce qu’il annonce d’emblée, c’est-à-dire  exprimer sa colère par rapport à l’histoire des peuples autochtones du Canada depuis la Nouvelle-France. Parfois avec un enthousiasme utopiste, parfois avec une lucidité constructive, il  pose les fondements d’un avenir politique réaliste pour les Premières Nations, sans aucune prétention : ici, Sioui n’est ni essayiste, ni sociologue, ni acteur sur la scène politique.  Il est un écrivain – il n’aimera pas l’étiquette! –, un observateur qui insiste pour d’importants changements culturels, économiques et politiques au sein de la structure même du Canada. (Terminé en octobre 2021)

Le démon de l’île solitaire (孤島の鬼, Kotō no oni, 1929-30), Edogawa Ranpo Ici, ero guro nansensu (érotique, grotesque, non-sens) prends tout son (sic) sens. Et fait de Ranpo le maître du genre. Si l’auteur étire parfois un peu trop le suspense de certaines situations plutôt banales – ce qui arrive en fait deux fois, je dirais –, cela tient plus de la publication d’origine en feuilleton que d’un manque de technique. De toute façon, c’est plutôt l’exploration, dans la psyché humaine, de ce qui était, à l’époque, considéré comme transgressif – et certaines lubies des personnages, qui s’apparentent au body horror, me semblent bien de réelles perversions – qui est intéressante ici, plus que l’enchaînement de mystères que forment l’intrigue. Si Ranpo cite sans gêne ses influences, il démontre qu’il est capable de bien plus que les émuler : il les intègre à une œuvre qui lui est délicieusement personnelle. (Terminé le 1/6/2021)

L’incroyable Andy Kaufman (Box Brown, 2018, version française 2021) La vie d’Andy Kaufman est intrigante : un génie de la performance, un provocateur malgré une sensibilité qu’il ne parvient jamais à cacher réellement, un être profondément troublé aux lubies étranges, et une fin malheureusement tragique. Mais ce roman graphique, malgré la richesse de son sujet, est unidimensionnel et on ne sait pas exactement ce que l’auteur cherche à démontrer. S’il essaie de nous présenter un personnage aux pulsions conflictuelles du soi, cela tombe à plat. On se concentre surtout sur la lutte : ses fantasmes mis en scène dans sa « lutte féminine » et ses manigances en tant que « méchant » dans la lutte professionnelle. Mais aucune ligne directrice. Toute œuvre biographique, même une autobiographie, ne peut être objective. Comme le véritable cinéma documentaire, un point de vue intrinsèque doit être trouvé sinon, on tombe dans la platitude de reportages sans intérêts. La seule pointe de l’ambivalence du caractère de Kaufman arrive à la toute fin, et semble être là pour terminer le tout machinalement sur une note heureuse. Décevant. (Terminé le 17/6/2021)

L’Ombilic des limbes et Le Pèse-Nerfs (Antoning Artaud, 1925) La poésie d’Artaud est un réseau architectural d’une extraordinaire minutie. Ses descriptions de la maladie psychique ne peuvent que former une œuvre d’art, mais en même temps, elles précisent la nature de la souffrance intérieure, ce qui donne une valeur presque scientifique au texte, malgré que la science seule ne sera probablement jamais capable de bien rendre compte de l’esprit. (Terminé en août 2021)

Mille secrets mille danger (Alain Farah, 2021) Ce roman semble à ce point un projet personnel qu'il m'est difficile de le critiquer. Si les procédés stylistiques sont justes et élégants, l'auteur se perd à plusieurs reprises dans des détours formels qu'il aurait pu aisément couper. Au profit des personnages, d'ailleurs, qui sont opaques et, surtout en ce qui concerne les 2 personnages féminins, manquent définitivement de profondeur. Quand on comprend l'importance de l'une d'entre elle, on ne peut être que déçu de ne pas avoir creusé davantage la relation avec le narrateur. Les personnages qui s'en sortent le mieux me semblent être les plus âgés : le père, le dentiste et la mère. Quand au narrateur, prétendument l'auteur même, l'autodérision finit par prendre, à la longue, un ton apologétique. Ce n'est pas un mauvais roman, mais il m'apparait plutôt inachevé.

Quand je ne dis rien je pense encore (Camille Readman Prud’homme, 2021) Une poésie intérieure. Passer par l’intime pour atteindre l’ailleurs? Le cosmique? Peut-être. Mais c'est d'abord une cartographie de l'âme, celle de la poète, mais aussi la mienne, même si on ne se connaît pas. Un recueil fameux. (Terminé 10/11/2021)

Rendez-vous secret (密会, Mikkai), Kôbô Abe, traduit par René de Ceccatty et Ryôji Nakamura. Je dois étudier plus en détail l’œuvre. Ce que je comprends, c'est que Kobo semble faire un usage magistral de la spécificité grammaticale de la langue japonaise en ce qui concerne le sujet. Sa critique du monde médicale transparait dans "Rendez-vous secret", et cette notion d'anti-évolution, qui s'anime dans l'humanité me parait comme une réflexion des grands thèmes kafkaïens poussé à son extrême. Kobo m'apparait comme fasciné par l'hyperbole, l'extrême sensibilité de la perception humaine. Est-ce que son pessimisme résulte d'un dégoût d'une humanité qui l'aurait déçu? Ou d'un profond regret pour ses comparses devant un absurde ravageur? Et que penser de la sexualité du protagoniste, qui semble résister aux pulsions propres à la masse, mais se veut plus ambivalent aux désirs de la « fille de la chambre huit »? Tout cela est difficile à déterminer, mais le plaisir de ce roman bien particulier est d’y réfléchir. Au fond, peut-être suis-je trop sensible et ne peux supporter le regard détaché du romancier face à ses personnages. Peut-être est-il un habile dénonciateur du jeu politique. Peut-être est-ce tout ce que je viens d’énoncer à la fois! (Terminé le 29/6/2021)

Stalker (Pique-nique au bord du chemin) (Arkadi et Boris Strougatski, 1972. Traduit par Svetlana Delmotte). Le roman qui a inspiré le grand film d’Andrei Tarkovski (et dont Folio lui a préféré le titre au détriment de l’original) ne saurait être plus différent : malgré la similarité de certains thèmes, seul la prémisse de base est conservé par le cinéaste et, au contraire du rythme lent et contemplatif que lui donne ce dernier, le roman des frères Strougatski est hyperactif, sans temps-mort, et ce malgré d’importants changements de tons et de perspectives entre les chapitres, ce qui rend le suspense une affaire autant narrative que formelle ou thématique. Le texte français traduit l’argot russe en argot franchouillard, et les personnages s’expriment à la manière d’Arletty! Le résultat est déroutant, et provoque un double exotisme au lecteur non-français, qui n’a jamais été recherché par les auteurs. Mais après tout, Gallimard est un éditeur français… Au final, un roman qui me semble important dans l’histoire de la littérature de science-fiction, de par son ambition discursive et son inventivité stylistique. (Terminé le 3/10/2021)

Tableau final de l’amour (Larry Tremblay, 2021) J’ai dû m’habituer à l’écriture de Tremblay. La débauche du narrateur, ce Francis Bacon fantasmé, m’apparut d’abord artificiel, juvénile. Mais au fil des pages, une certaine sympathie pour le personnage s’est développée, de sorte qu’à la conclusion, je savais que l’allais m’en ennuyer. Une œuvre intéressante dont l’impudeur est franche bien qu'à certains moments, immature. Mais peut-être en est-ce sa plus grande vertu. (Terminé le 9/9/2021)

Watchmen, écrit par Alan Moore, illustré par Dave Gibbons. 1986-1987 Le super-héros est mort avec la première adaptation de Superman par Richard Donner en 1979 – par ailleurs un très bon film. Watchmen en est un cercueil élégant et implacable : on ne peut pas revenir en arrière après cet œuvre. Rarement les ruminations nietzschéennes de la culture populaire ont été utilisées de manière aussi admirable, et le nihilisme postmoderne n’a jamais été  aussi multidimensionnel. Les thèmes classiques, traités richement, sont élevés par une introspection du médium qui ne peut qu’en faire un chef-d’œuvre du genre. Il semble que seuls les comics qui ont acceptés et intégrés la mort du super-héros classique recèlent d’une pertinence indubitable après Watchmen. (Terminé le 10/8/2021)

[maevewalkerorchestre]

Critiques cinéphiliques 2021

A Hidden Life (Malick, 2019). Après quelques films peu intéressants, Malick revient à la grandeur avec ce film qui raconte l’histoire vraie d’un paysan autrichien qui a refusé obstinément de jurer allégeance à Hitler pendant la seconde guerre mondiale, ce qui lui a valu ultimement la peine de mort. Utilisant les dispositifs présents dès The Thin Red Line, soit des plans contemplatifs des environnements liés au récit, ainsi que des voix off qui révèle le monde intérieur des personnages – cette fois-ci, surtout les lettres que s’échangent les époux –, Malick présente un récit intime, peut-être la caractéristique la plus intéressante de ses trois films précédant, afin d’illustrer le caractère spirituel de son héros, sans pour autant tomber dans le moralisme facile. Le film ose poser la question à savoir si la ferveur du personnage en vaut bien la peine, mais ne porte pas de jugement définitif sur la question. Le héros ne se bat pas autant contre les atrocités que commet le régime nazi que contre l’indifférence qu’il génère au sein de ses membres, ce qui, au final, permet de commettre l’impensable. Malick ose faire un lien tout de même subtil entre la foi si chère à nombre d’états-uniens d’aujourd’hui et celle du héros, par le langage utilisé et en ramenant cette foi chrétienne à la quotidienneté d’un mariage heureux. Un film d’une intelligence magistrale sur la foi religieuse qui transcende les bases historiques du récit. (9/10/2021)

Annette (Carax, 2021). Une étude de caractère étonnante servie remarquablement bien par les recherches stylistiques du réalisateur. D’abord déroutant, ce n’est pas un film facile, le sujet est sérieux et les personnages, sombres : Ann incarne le tragique, Henry la corruption de l’âme, et l’accompagnateur, la bonté. Quant à Annette, elle est d’abord un instrument, personnage tragique en soi, mais qui sait!? D’excellentes performances et des décalages inattendus à souhait, mené par une trame sonore qui parvient à se démarquer des musicals habituels (à la Webber, disons…) (28/8/2021)

Beyond the Black Rainbow (Cosmatos, 2010). Deuxième visionnement. C’est un bon film, pas de doutes là-dessus. Un « trip » formel qui délaisse trop, je pense, l’expression de ses thèmes et possiblement de son intrigue. C’est bien un film qui nous pousse à chercher les idées derrières, de très bonnes idées, mais il faut quand même que ces idées, ces concepts, ne soient pas totalement occultés par la forme! Bref, une expérience inégale, mais pas désastreuse. (19/4/2021)

Bird (Eastwood, 1988). Le deuxième film réalisé par Eastwood que je voie après Changeling, et le verdict est le même : son style de réalisation m’est ennuyeux et si les acteurs sont, en général, excellent, on ne leur offre presque jamais la chance de briller, ce qui est dommage, surtout pour Whitaker et Venora. Ses cadrages sont statiques – et ce, même si la caméra bouge!! –, et l’image est unidimensionnelle et plate. Son montage manque dramatiquement de dynamisme, bref, il appert qu’Eastwood est un bien mauvais réalisateur – mais peut-être un bon directeur d’acteur(?) Très décevant, surtout considérant la nature du sujet : la vie du saxophoniste légendaire Charlie Parker. (23/10/2021)

Come Back to the 5 & Dime Jimmy Dean, Jimmy Dean (Altman, 1982). Un très bon film au minimalisme formel utilisé habilement par Altman. Le scénario, particulièrement les dialogues et la construction des personnages, fait montre d’une grande maîtrise de l’écriture théâtrale, malgré tout ce que la critique en a dit à l’époque. Peut-être que le sujet très « progressiste » et critique des institutions patriarcales américaines du milieu du vingtième siècle était trop difficile à avaler pour l’élite spectatorielle de l’époque? Peut-être que ces femmes qui, au final, montre la force de leur résistance envers l’ « establishment » fait peur à ceux qui chercheraient encore le rêve américain? Car le Texas que nous montre ce film révèle la folie inhérente à sa société, que le culte de l’apparence parvient (à peine) à camoufler. Du grand cinéma. (31/7/2021)

Conan the Barbarian (Milius, 1982). Ce film est fabuleux! Il traite son sujet dignement, lui donne une consistance intellectuelle assumée qu’on retrouve rarement dans le blockbuster hollywoodien. On traite du surhomme, mais les muscles révèlent derrière une ode à une volonté nietzschéenne, et parvient même à anoblir le mythe tout américain du « self-made man » (qui s’oppose à un fascisme théocratique, rien de moins), tout ça en utilisant à merveille le talent limité de Schwarzenegger. Et cette limite trouve sa place parmi une distribution dont chaque membre use d’un registre différent : James Earl Jones joue l’antagoniste avec subtilité, Sandahl Bergman est stoïque et lyrique, Gerry Lopez rigide et bienveillant, alors que Max von Sydow surjoue avec élégance. La musique inspirée de Basil Poledouris ajoute à la valeur artistique du produit fini. Un divertissement avec substance qui rend hommage à un héros des années glorieuses des pulp magazines. (28/8/2021)

Evangelion : 3.0+1.01 Thrice Upon a Time (Anno et al., 2021). La série originale (avec ou sans les épisodes en director’s cut), et les deux films qui la concluent, forment un tout que je n’hésite pas à qualifier de chef-d’œuvre, malgré sa brutalité et son hermétisme. On y retrouvait un équilibre efficace d’allégories mystérieuses, de symbolisme bien pensée, et surtout, d’un discours cohérent et pertinent. Les 4 films qui forment le « Rebuild », celui dont on parle ici étant la conclusion, étaient parfaitement inutile. Si le premier tiers de 3.0+1.01 part du bon pied, en montrant la résilience de l’humanité à travers la vie de campagne d’un village de réfugiés, les deux derniers tiers de ce film beaucoup trop long ne sont que surenchère d’allégorie et de symbolique, pour en plus, expliquer clairement le « message ». La version originale se laissait regarder, nous faisait poser beaucoup de questions, puis nous forçait à réfléchir et établir des liens. On laissait le tout mijoter, et quelques années plus tard, on regardait à nouveau, et l’on se surprenait à comprendre encore mieux, quitte à s’être trompé. Chaque visionnement amene du neuf. Cette fois, on explique tout et termine sur une note positive pour satisfaire tout le monde. Décevant. (22/8/2021)

Gräns (Abbasi, 2018). Un film de fées (pas un conte de fées) sous un angle réaliste. De quoi aurait l’air la vie d’un « faërie » dans le monde réel? Ensuite, il y a la question du mal, hors de la notion de la tradition judéo-chrétienne, qui rapproche le film du néo-paganisme scandinave. J’ai toujours vu la mythologie comme une façon d’humaniser la nature, et ce film va dans le sens contraire, mais la proposition est si intéressante que je n’ai pu qu’être charmé par un film bien singulier, souvent dérangeant,  et très fort. Bravo! (1/1/2021)

Inferno (Argento, 1980). Après le chef-d’œuvre que fut Suspiria, Argento poursuit sa trilogie des mères avec un film qui ressemble à un mauvais hommage à son premier volet! Si sa caméra offre toujours des cadres magnifiques qui découpent toujours l’espace de manière intéressante, voire inquiétante, la représentation de l’horrifique est franchement ordinaire, et souvent amateur. Suspiria était basé sur des atmosphères que la musique de Goblin montait à des sommets rarement égalés, et offrait un trip formel hypnotique qui ne nécessitait pas la péripétie à tout prix. Inferno, au contraire, ne semble jamais savoir où concentrer l’attention du spectateur, et la musique de Keith Emerson est rarement inspirée. On a beaucoup critiqué le scénario, qui ne m’apparait pourtant pas si mal. Ce n’est pas ce qui gâche le film. (30/3/21)

Just a Gigolo (Hemmings, 1978, version de 1h41). Un film étrange sur l’Allemagne de l’entre-guerre. On y voit la décadence de la vie des hautes classes d’abord sur fond comique, mais même l’ironie et la satire, alors qu’on suit le protagoniste dans sa carrière de gigolo, fait voir un monde d’illusions vaines et de prétentions futiles. Puis, alors que monte l’influence du parti nazi, on découvre le même opportunisme dont faisait usage l’ancienne aristocratie, et la triste réalité qu’on ne craint nullement le meurtre pour arriver à ses fins. Mais le film ne se concentre pas sur la politique, il nous fait suivre un soldat somme toute ordinaire dont le principal ennemi est la désillusion. Si les puissants font d’abord penser à des clowns, ils révèlent au protagoniste la même mélancolie qui l’accable, et c’est ce qui est intéressant dans le film. Quelques peu décousu (le film a été charcuté dès le départ, passant de 147 à 98 minutes), il s’agit néanmoins d’un visionnement très intéressant, et pertinent. (24/7/2021)

Killer Klowns from Outer Space (Chiodo, 1988). La réalisation est d’une banalité et rate souvent de belles occasions de gags et ce, en en réussissant pourtant plusieurs excellents! La moitié de la distribution est viscéralement nulle, mais l’autre moitié compense amplement. Les effets visuels sont étonnants et souvent de bien meilleure qualité que ceux de bien des blockbusters récents! Bref, malgré les défauts mentionnés ci-haut, ce film s’avère, au final vraiment amusant et inventif. Une belle surprise! (25/9/2021)

Lancelot du Lac (Bresson, 1974). J’ai toujours un faible pour ces « modèles » de Bresson, ces non-acteurs au jeu plus sobre que sobre, dépourvu de psychologie jouée. Je comprends totalement que cela puisse agir comme profond soporifique pour beaucoup, mais une fois qu’on accepte la règle, cela amène le regard vers la physionomie du personnage, qui révèle beaucoup. Comment ne pas trouver Gauvain sympathique, et Guenièvre, Arthur et Lancelot déchirés, que dans le regard de chacun, ou la coiffure, ou la tessiture-même de leur voix? Dans un film de légende arthurienne, on dirait que ces gestes artificiels rendent plus dramatiques les intrigues puériles des chevaliers qu’un jeu théâtral. Je ne pense pas que Lancelot du Lac figure parmi le meilleur de Bresson, lorsque le non-jeu et les images s’accordent parfaitement, comme dans les chefs-d’œuvre Mouchette ou Pick-Pocket. Mais le côté tragique de la légende arthurienne est somme toute fort bien rendu par la « méthode Bresson ». (11/12/2021)

Legend (Scott, Director’s Cut, 1985). À  mon avis, Legend (le Director’s Cut) fait parti des 4 meilleurs films de Ridley Scott. Le visuel est exquis et démontre une très grande maîtrise de ses concepteurs. La trame sonore de Jerry Goldsmith est inspirée et particulièrement efficace. Les dialogues sont brillants, mêlant un anglais des plus classiques à des expressions bien contemporaines qui contrastent autant que les thèmes musicaux éthérées de la quête au thème brutal et synthétiques des goblins. La prémisse est vieux jeu, il faut l’admettre, mêlant un christianisme dualiste aux mythes païens du moyen âge et de l’antiquité, mais l’ensemble fonctionne plutôt bien, malgré quelques problèmes de rythme et certains personnages un peu trop cabotins. N’empêche, l’univers intemporelle qu’on nous présente est sophistiqué et bien pensée, et le discours, bien que daté, tient la route. Ce film est franchement intéressant. (4/12/2021)

Little Women (Gerwig, 2019). Bien que je n’aie pas lu le roman adapté ici, je dois admettre que le film, en lui-même, est grandiose. Adroitement scénarisé, la réalisation crée des nappes atmosphériques qui offrent la chance aux acteurs d’insuffler à leur personnage une complexité nécessaire au questionnement existentiel derrière l’œuvre : à savoir, la condition d’être femme au 19ème siècle. Gerwig excelle à passer subtilement du tragique à l’optimisme sans tomber dans le piège des « bons sentiments ». La musique ne sonne jamais datée, et si certains clichés – issus sans aucun doute du texte original – se retrouvent dans les dialogues et passent moins bien, cela est vite oublié tant l’ensemble est au final harmonieux. On ne peut passer sous silence l’excellence de la distribution : ces femmes sont de grandes actrices! Et la réalisatrice démontre une fois de plus sa maîtrise du médium cinématographique, particulièrement dans le traitement méta-narratif de la finale. (23/10/2021)

Logan Lucky (Soderbergh, 2017). C’est le genre de film américain qui vieillit bien. Soderbergh fait des films « faciles », il s’est rarement essayé aux méditations intellectuelles ou philosophiques (bien que ses tentatives fussent réussies), mais il a la capacité d’insuffler à une prémisse simpliste des éléments qui rendent bien souvent le résultat des plus intéressants. Ses idées de mises en scène, la confiance qu’il accorde à ses acteurs, son usage du montage, de la musique, sont toujours fascinantes, et souvent, comme c’est le cas avec Logan Lucky, le résultat est épatant. Il a montré l’ampleur de son talent dans son diptyque sur le Che, il a bien le droit de nous offrir du divertissement intelligent! (1/1/2021)

Midsommar (Aster, 2019). Je suis incertain du résultat. Beau, bien joué, mais deux des quatre personnages principaux me font décrocher par leur stupidité caricaturale. On aurait gagné à mieux explorer la distance du couple au centre du film, ce qui est, au final, la relation la plus intéressante du récit. Viens ensuite la question du culte païen lui-même, dont les pratiques semblent provenir des sagas écrites après la christianisation de la Scandinavie, et où certains y voit une condamnation plus ou moins fictionnalisante d’un temps barbare. Ces pratiques sont horrifiques et peuvent servir une entreprise comme un film d’horreur, et Aster semble justement chercher à choquer un public aux valeurs judéo-chrétiennes… comme les américains! Mais avec quoi? Une « menace » éteinte depuis des siècles!? Cela m’amène à me demander si, pour Aster, il s’agit d’une simple recherche d’exotisme, ou s’il se cacherait, derrière son écriture, une personnalité dévote (et possiblement misogyne) qui a fait deux « cautionary tales » de suite contre le paganisme. De belles images sans vraiment de substance… (5/9/2021)

Millennium (Anderson, 1989). Un ambitieux projet fait avec des moyens limités qui sort plutôt bien. Le scénario inventif démontre une bonne connaissance des théories scientifiques de l’époque, ce qui rend le jargon pseudo-technique moins indigeste que dans bien des grosses productions de science-fiction. La mise en scène est suffisante, dans l’ensemble, et si l’on avait remplacé les robots par des êtres synthétiques à la Alien, la vision du futur aurait été plus solide «  crédible ». Je ne m’étendrai pas sur les effets spéciaux, loin d’être mauvais, mais la mode du photoréalisme qui semble dominer ces jours-ci les attentes des cinéphiles amateurs de science-fiction risquent d’en laisser froid plus d’un, tristement. (12/6/2021)

O-Bi, O-Ba: Koniec cywilizacji (Szulkin, 1985). Film de science-fiction dystopique polonaise qui exprime admirablement bien les angoisses politico-sociale des états communistes avant le démantèlement de l’U.R.S.S. La dégénérescence des masses dans une inertie de pensée, la résistance de certains devant cette inertie, les limites de la police de la pensée, autant pour ceux qui la subisse que ceux qui l’exerce : une vision nihiliste de tout système autoritaire, qui ne peut mener qu’au néant. Et cette réflexion sur la persistance du phénomène religieux malgré le sécularisme, qu’il soit outil de contrôle social ou l’espérance nécessaire à se garder sain d’esprit, est tout à fait particulière. Visuellement, la cinématographie injecte aux images une poésie d’un lyrisme qui adoucit le nihilisme du récit. En effet, l’atmosphère est méditative et non désespérée, et ce, malgré le jeu sanguin des acteurs, qui jouent la folie viscéralement, hyperboliquement. J’aurais cru la censure dans la Pologne des années 80s plus sévère devant une telle œuvre. Je dois me renseigner sur ce film que j’ajoute avec joie dans ma liste de classiques. (25/9/2021)

Om det oändliga (About Endlessness, Andersson, 2019). Tableaux de vies pas si ordinaires qui, selon l’usage formel qu’en fait réalisateur, éveille la réflexion et  une appréciation esthétique. Le style peut être nommé « anderssonien », il est unique, idiosyncratique et provoque en moi un étrange sentiment de complétude que je ne saurais traduire en mot. Grandiose. (19/6/2021)

Phoenix (Petzold, 2014). Un film intéressant où on semble privilégier la symbolique, ou la poésie, à une approche plus réaliste. Cela est évident à la facture visuelle, mais également dans le scénario, qui me semble, en certain point, difficile à avaler. Le réalisateur n’est pas en mesure de se donner entièrement dans la poésie, d’où la perte, à mon sens, de l’effet de vraisemblance. La performance de Nina Hoss est sublime, tout comme celle de Nina Kunzendorf. Pas désagréable, mais un peu confus. (13/11/2021)

Popeye (Altman, 1980). Popeye est un film qui élève le déséquilibre au rang d’œuvre d’art. Déjà Altman aimait le fouillis, un fouillis qu’il contrôle extrêmement bien. Mais dans Popeye, ce fouillis atteint une forme de paroxysme : il devient schizophrénique, à la manière des films d’animation des frères Fleischer, que le réalisateur s’amuse à émuler avec ses chorégraphies impossibles et surchargées. Le film prend du temps à se centrer sur ses deux héros, on se concentre d’abord sur le village, ou plutôt, son atmosphère, ce qui inclus à la fois le clin d’œil aux frères Fleischer déjà mentionné, mais à un commentaire social duquel on se détache peu à peu afin au fur et à mesure que les valeurs familiales deviennent l’enjeu. Ici, ces rapports ne sont pas artificiels, comme on le voit souvent à Hollywood. Robin Williams et Shelley Duvall font preuve de suffisamment de savoir faire pour rendre leurs personnages sincèrement touchants. Ce n’est pas le meilleur film d’Altman, et c’est loin d’être le film grand public que les studios devaient attendre, mais il s’agit d’une adaptation à fois de comic strips et d’une série d’animation qui se veut amusante, intelligente, et fidèle à une époque entière de l’histoire de l’illustration et de l’animation. Très bon. (11/9/2021)

Rebecca (Hitchcock, 1940). Le premier long métrage américain d’Hitchcock. Si la naïveté maladive de l’héroïne, transposée presque agressivement à l’écran frôle le mauvais goût – le réalisateur n’a de toute façon jamais été reconnu pour ses convictions féministes… – la seconde moitié devient beaucoup plus intéressante. La métamorphose de cette même héroïne aurait pu être plus radical, mais c’est surtout Laurence Olivier (toujours impressionnant) vaincu par son passé, et l’enquête qui le retrouve confronté au mystérieux Jack Favell qui réussi à élever le film. Outre la musique absurdement datée, certaines scènes demeurent remarquables, particulièrement la confession du héros, où l’on suit un  « personnage » inexistant dans ce qui s’avère ses derniers gestes. La perfide Mme Danvers est également un point fort, l’interprétation de Judith Anderson, qui passe d’une subtilité insidieuse aux proportions gonflées propre au genre gothique, illustre un jeu contrôlé et une mise en scène soignée. Un très bon film, qui ne déchante que par la mauvaise musique (petit jeu de mot, ici). (15/5/2021)

Tanin no kao (The Face of Another, Teshigahara, 1966). L’une des quatre collaborations entre le romancier Kôbô Abe et Hiroshi Teshigahara. Si la mise en situation est un brin trop longue et ardue, le film prend un rythme efficace jusqu’à la finale qui se veut peut-être un peu trop didactique. N’empêche, la question d’identité, et la valeur de l’image corporelle qui est lié, sont adroitement traitées dans une fable tragique que la musique du grand Toru Takemitsu projette dans une modernité déjà assumée par la mise en scène et la direction artistique. Un bon film, mais pas un essentiel. (3/7/2021)

Tenet (Nolan, 2020). Un thriller de hard sci-fi sur une prémisse du type « Twilight Zone » gonflée en spectacle par un budget indécent. Pas mal du tout : une intrigue soignée, une mise en scène solide et une trame sonore inspirée ne sont ternis que par l’inclusion d’une morale hollywoodienne un peu facile dans des dialogues qui n’étaient vraiment pas nécessaire. Un bon « Hollywood » bien usiné. (14/8/2021)

The Barbarians (Deodato, 1987). Matriarcat et patriarcat s’affrontent de manière spectaculaire, pour ainsi dire. Si les femmes sont montrées comme d’excellentes leaders, elle ne font pas le poids devant la cruauté du machisme typique des années 80 que l’on tourne en ridicule de manière hilarante! Les talents limités des acteurs incarnant les deux héros ne font qu’ajouter au plaisir d’un film qui ne se prend vraiment pas au sérieux, coupant avec l’approche hollywoodienne, dont on en fait une efficace parodie. Ce film ne révolutionne rien, attention! Ce n’est pas un manifeste mais une pure pièce d’entertainment typique de son époque. Malgré tout, quelques acteurs (et surtout les deux actrices principales) s’en sortent plutôt bien. Ce film culte est un petit bijou grâce à un grand sens de l’autodérision! (24/6/2021)

The Blues Brothers (Landis, Collector’s Edition, 1980). C’est l’une de ces comédies bien écrites, bien joués et bien filmées, dont l’intelligence, et la morale progressiste, se fondent en élégance. Plusieurs scènes d’anthologie, dont plusieurs numéros musicaux – et pas par n’importe qui!! Le dosage d’absurde et d’ « over-the-top » est simplement sublime. C’est une leçon de comédie d’un genre qui a disparu depuis longtemps. (4/12/2021)

The Devil Rides Out (Fisher, 1968). Un thriller surnaturel qui joue sur les clichés usuels de l’occultisme dans la culture populaire anglo-saxonne (l'auteur du roman-source était un conservateur endurci, apparemment). Un brin vieillot, le film permet toutefois à Christopher Lee, dans un rare rôle héroïque, et Charles Gray, de démontrer l’ampleur de leur charisme à l’écran. Dans ce genre de films, c’est le « surjeu » calculé qui permet de s’élever au-delà des simples dispositifs qui se démodent vite. Une belle curiosité. (2/3/2021)

Tous à l’Ouest : Une aventure de Lucky Luke (Jean-Marie, version québécoise, 2007). La série des Nouvelles aventures de Lucky Luke, produite en 2001, par Olivier Jean-Marie était déjà excellente, le film qui suivit est encore meilleur. On utilise les bonnes vieilles méthodes de Goscinny : gags visuels, références populaires (ainsi que quelques astucieuses autoréférences), burlesque, clichés, et on le fait avec panache. La version québécoise, qui garde l'accent français et émule fort bien les voix classiques, avec Stéphane Rousseau en Lucky Luke et RBO sur plusieurs rôles, est excellente dans l’ensemble. Très gros coup de cœur, et ce serait bien que Jean-Marie revisite encore cet univers! (2/1/2021)

Shock Treatment (Sharman, 1981). Le film raconte la suite des aventures de Brad et Janet, héros du Rocky Horror Picture Show, en parodiant la télé et son rôle politique, à la Starmania, prédisant au passage la télé-réalité que nous subissons aujourd’hui. Rocky Horror, un petit coup de génie qu’on ne fait pas deux fois, a probablement créé des attentes qui ont fait échouées ce film à sa sortie. Pourtant, ce n’est pas si mauvais : la musique est en général inspirée, et cite avec brio le pop/soft-rock de Rocky Horror, le garage rock des années 50, le big band, et la pop qui apparait au tournant des années 80. Si on perd quelque peu l’intrigue au milieu du film, début et fin sont satisfaisants. Le film aurait bénéficié de quelques chansons de moins et peut-être d’une plus courte durée, et d’une mise en scène plus travaillé, bien que Jim Sharman s’en sorte mieux qu’avec Rocky Horror. Les acteurs sont inégaux : si Jessica Harper fait une excellente Janet, Cliff De Young lutte pour son rôle double, et Barry Humphries offre une performance inégale. Malgré tout amusant. (19/6/2021)

Sous le soleil de Satan (Pialat, 1987). Depardieu en grande forme, supporté plus qu’adéquatement par le réalisateur lui-même, et Sandrine Bonnaire. Si les deux amants de Mouchette ont du mal avec la langue de Bernanos, j’aurais préféré un Jean-Christophe Bouvet légèrement plus théâtral. Les images et le montage sont sans artifices et efficaces, et la musique, plutôt inspirée. Je me demande toutefois l’intention de Pialat. Que voit-il de pertinent dans le roman d’un chrétien traditionnaliste presque fanatique comme Bernanos, à présenter à la France des années 80? Outre le drame spirituel qu’un acteur comme Depardieu ne peut que rendre immensément touchant? Un très bon film, mais je crois que Wenders méritait beaucoup plus la Palme d’or!! (11/12/2021)

[maevewalkerorchestre]

Critiques cinéphiliques 2020

A Fistful of Dollars (Leone, 1964). Un très bon film, beaucoup mieux que ce à quoi je m’attendais (un genre de remake qui se cherche). Les westerns de Leone ont à peu près tous une plus-value sur le reste de l’école italienne, incluant celui-ci, qui nous offre une vision plutôt sombre de l’Amérique du Nord, où la bonté est discrète et où la vivre est dangereux mais gratifiant. (26/3/2020)

Ad Astra (Gray, 2019). Qu’est-ce qu’on cherchait à faire? Montrer une histoire de voyage spatial d’une manière « matter-of-factly »? Alors à quoi servent les scènes d’action, trop clinquante pour n’être plus que quelques passages destiné à rompre ce que le spectateur moyen de blockbusters verrait comme de la monotonie? Le récit est empreint d’un manque d’imagination colossale : ce bon vieux conflit des générations prend des apparences cosmiques (sic)! Je crois que ce film aurait bénéficié d’un minimaliste assumé, comme on le présente au départ (avant la poursuite de « rovers »), que ça aurait exprimé de manière plus judicieuse la vision du cosmos du cinéaste. Ceci dit, Brad Pitt est magnifique dans ce film, sa performance est rien de moins qu’incroyable. Ruth Negga suit de près avec le personnage le plus intéressant du film. Le film est beau, mais ne réussit pas à combler ses ambitions. (31/7/2020)

Altered States (Russell, 1980). Ce film regorge de bonnes idées, et illustre très bien les divers états que peuvent traverser les personnes souffrants de troubles mentaux, des plus bénins aux plus sévères. L’élément de science-fiction, cette dé-évolution, a marqué l’histoire de la science-fiction presque depuis les débuts du genre, et encore jusqu’à récemment, malgré son invraisemblance. Elle sert plutôt l’illustration de certaines régressions psychiques que provoquent l’usage de drogue ou certaines « maladies ». L’imagerie est souvent étonnante, mais on aurait dû se limiter à des effets photographiques plutôt qu’à des manipulations électroniques primitives qui ont mal vieillies. Malgré ses faiblesses, ce film est fascinant. (28/7/2020)

As Tears Go By (Wong, 1988). Le premier film réalisé par Wong Kar-Wai, ce film présage le cinéma de Kitano (avant Kitano, et à Hong Kong, de surcroît!!) et les obsessions sociales du cinéaste. Si les choix musicaux ne sont pas aussi judicieux que dans ses films subséquents, Wong Kar-Wai finit par nous gagner avec ses antihéros tragiques et ses amours fugaces. (7/3/2020)

At Eternity’s Gate (Schnabel, 2018). Une exploration de certains épisodes de la vie de Vincent Van Gogh, incluant quelques théories controversées. Mais les considérations historiques sont reléguées au second rang, alors qu’on mise sur le mal de vivre de l’artiste interprété de manière plus que géniale par Willem Dafoe. C’est le corps incapable de maintenir une pulsion créatrice trop vive qu’on nous montre, et les explorations formelles, cette caméra hyper-mobile et ces effets de lentilles et d’éclairage, semblent de trop, et interfèrent avec l’excellent jeu des acteurs. (29/8/2020)

Beowulf (Zemeckis, 2007). Une version œdipienne du poème épique Beowulf somme toute bien écrit. La réalisation tente de tirer profit de la technologie 3D en salle, et multiplie des plans spectaculaires mais inutiles. Malgré tout, le film demeure intéressant et les effets spéciaux, bien que datés pour l’œil d’aujourd’hui, ne dérangent pas trop, à moins d’être un puriste de l’image photographique. (1/8/2020)

Brokeback Mountain (Lee, 2005). Une épopée tranquille. Une cause juste. Un film d’une sensibilité peu commune où le paysage américain est le témoin omniscient d’une histoire profondément humaine. (12/4/2020)

Cats (Hooper, 2019). Ce ne sont pas les chats en image de synthèse qui font que cette adaptation du musical bien connu ne fonctionne pas – quoi que les rats et coquerelles anthropomorphiques tombent un peu trop dans le bizarre et l’humour douteux. À part un ou deux numéros réussis, les nouvelles versions des chansons manquent de charme, surtout à l’interprétation, mais aussi dans la conceptualisation de chaque séquence. Malheureusement, Jennifer Hudson n’arrive pas à porter le film sur ses épaules : le rôle le plus important, Grizabella, offre une bien triste performance qui n’émeut pas. En fait, c’est la Victoria de Francesca Hayward qui réussit à nous charmer et à nous faire passer à travers des numéros laborieux et peu inspiré. La version du musical filmée en 1998, avec l’incroyable Elaine Paige, demeure la version enregistrée la plus réussie. (11/4/2020)

Céline et Julie vont en bateau (Rivette, 1974). Ceci est un grand film et je ne peux résumer tout ce que j’en ai tiré en un seul paragraphe. Il s’agit d’une vision franche de la conjonction de réalités fictionnelles qui parvient à trouver l’impossible équilibre entre une dérision qui n’est pas nihiliste, et un désir de rédemption honnête. Ce film appelle le cinéma de David Lynch sans toutefois y ajouter les codes du film noir. (13/6/2020)

Changeling (Eastwood, 2008). Singulière histoire qui aurait bénéficiée d’une réalisation plus aventureuse afin de le faire sortir de son caractère de biopic onéreux. Angelina Jolie ne parvient malheureusement pas à tenir le film sur les épaules et n’évoque pas la sympathie : le film devient plus intéressant dès qu’on se concentre sur le reste de la distribution. (20/6/2020)

Color Out of Space (Stanley, 2019). Moi qui pensait que Peter Jackson qui n’avait rien compris à Tolkien était un cas exemplaire d’ineptie artistique, voila Richard Stanley qui massacre Lovecraft avec un prodigieux manque de vision… (23/1/2020)

Come Drink With Me (King, 1966). Un wuxia pian de haut niveau, excitant, mais dont le montage un peu trop saccadé empêche de bien suivre les chorégraphies. Étant l’un des premiers films du genre à se démarquer, on pardonne bien vite les défauts. Cheng Pei-Pei, l’héroïne, est fort sympathique, mais c’est le mystérieux Drunken Cat, interprété par Yueh Hua, qui vole la vedette! Très bon. (25/7/2020)

Cop Land (Mangold, 1997). Ce film est génial. La distribution est exceptionnelle pour un réalisateur aussi « nouveau », mais James Mangold mène adroitement un récit labyrinthique et une prémisse très intéressante. Il s’agit, avec Rocky, du meilleur rôle de Stallone, et si la bataille finale est un peu convenue, ce film qui s’attaque à la corruption au sein des forces de l’ordre demeure un excellent drame policier. (20/12/2020)

Death by Hanging (Oshima, 1968). Oshima est un maître, et ce film est simplement génial. On passe d’une prise de conscience à une farce à l’humour très grinçant, à un théâtre de l’absurde digne d’Ionesco, à une critique sociale acérée basé sur la juxtaposition très agile de points de vue en perpétuelles oppositions, à la vision du crime violent (spécifiquement, le meurtre et le viol) comme un geste extrême de révolte… Ce film fait penser, il choque, il questionne. Il s’agit, ni plus ni moins, d’un cinéma de la rébellion. (14/2/2020)

Dick Tracy (Beatty, 1990). Adaptation réussie de la bande dessinée de Chester Gould. La stylisation exquise et les performances colorées (Al Pacino est formidable!) nous plongent dans un microcosme urbain impossible mais délicieux, où le mal est grotesque et les héros, de fières caricatures. Un film amusant qui se déguste comme la page de BD des journaux d’antan. (25/4/2020)

Flesh + Blood (Verhoeven, 1985). Sacré Verhoeven! Même quand il explore la fantasy pseudo-historique, il ne peut s’empêcher de critiquer de façon virulente le puritanisme historique (particulièrement fort à Hollywood) et la vision romancée du Moyen-âge que l’on retrouve souvent dans la fantasy. L’intrigue est complexe et labyrinthique, mais l’atmosphère est festive, digne d’un blockbuster américain, ce qui vient brouiller les cartes encore plus. Pas aussi réussi que certains films qui suivront dans la période hollywoodienne du réalisateur, mais aussi, sinon plus subversif que ceux-ci. Sacré Verhoeven! (19/9/2020)

First Cow (Reichardt, 2019). Très beau film aux envolées atmosphériques et au minimalisme assumé. Un regard ambivalent sur la condition humaine, sans tomber dans le nihilisme. (11/7/2020)

Germany, Year Zero (Rossellini, 1948). Ce film vient clore la trilogie de la guerre de Rossellini avec brio. Tragique, il présente un monde cruel, dans lequel la compassion n’est qu’un concept théorique sans application possible dans la réalité allemande de l’après-guerre. Les trois films de la trilogie sont excellents, et celui-ci est peut-être le plus réussi. (23/2/2020)

Giant (Stevens, 1956). Après le très pénible et convenu « Shane » (je n’ai jamais compris le succès critique de ce film. « The Man Who Shot Liberty Valance », fait dix ans plus tard, est une variation sur le même thème beaucoup plus réussie), j’ai commencé « Giant » en m’attendant au pire. Mais, houlà! Quel film! Un regard critique sur les texans d’avant, et après la montée du coût du pétrole, le film n’hésite pas une seconde à traiter les propriétaires terriens de l’état de racistes, de chauvins, de machistes et de conservateurs rétrogrades. Si la finale semble forcée à nos yeux contemporains, force est d’admettre, en observant nos voisins du sud, que la critique de Stevens sur l’Amérique est encore d’actualité soixante ans plus tard. James Dean brille particulièrement, dans ce film, d’ailleurs!! (11/10/2020)

High Noon (Zinneman, 1952). Allégorie du « blacklisting » de l’ère McCarthy, ce film approche, s’il n’en est pas un, le western crépusculaire, avec sa critique ostentatoire du sheriff héros et de quelques clichés du genre, notamment dans la bataille finale, où ne domine pas l’héroïsme habituel du cowboy, ce qui déplut beaucoup à John Wayne, apparemment… La photographie est superbe et le propos est fort intéressant. Il s’agit d’un grand film. (20/12/2020)

House of Traps (Chang, 1982). Un Chang Cheh de la série des « Venom ». Une histoire typique avec beaucoup de personnages aux allégeances incertaines et quelques scènes de combat aux chorégraphies plus soignées qu’à l’habitude. Amusant, mais confus, parfait pour les amateurs du genre. (15/1/2020)

I Wanna Hold Your hand (Zemeckis, 1978). Le premier long métrage de Robert Zemeckis est une comédie plus ou moins réussie. Pas mal pour un premier film, mais inégal dans l’ensemble, ce n’est toutefois pas un navet. (17/10/2020)

I Will Make You Mine (Chen, 2020). Lynn Chen a l’œil et la sensibilité parfaite pour rendre compte d’une histoire minimaliste et intimiste avec succès. Franchement, comme premier film, c’est superbe : ce film est profondément féminin et c’en est là la force, rappelant les prouesses de mises en scène de Greta Gerwig. Ce genre de cinéma doit prospérer et laisser sa marque. Longue et fructueuse carrière! (20/6/2020)

Ikarie XB 1 (Polák, 1963). Une science-fiction ambitieuse, filmé avec tout le sérieux d’un drame social dans des décors de style série B (pensons à la série originale de « Star Trek », avec un robot digne de celui de « Lost in Space ») qui raconte un voyage spatial d’une communauté de scientifiques vers Alpha Centauri. On traite de la cupidité de la société capitaliste du 20ème siècle, de maladies mentales causées par l’isolation, de la parentalité, et des bienfaits d’un communautariste socialiste (le contexte communiste tchécoslovaque de l’époque oblige). Une mise en scène somme toute sobre et une caméra résolument moderne, cet ambitieux objet filmique mérite d’être vu et reconnu dans les livres d’histoire du cinéma. (13/12/2020)

Ils (Moreau, Palud, 2006). Un thriller qui exemplifie ma conception du cinéma d’horreur : un monstre humain est bien plus effrayant que la plupart des monstres surnaturels (bien qu’il existe de très bons films de monstres). Le tout est filmé de manière sobre, sans artifices inutiles, et laissant toute la place aux personnages et, ultimement, aux thèmes abordés. Fort réussi. (7/11/2020)

In the Mouth of Madness (Carpenter, 1995). Ce film très réussi est le meilleur hommage cinématographique à H. P. Lovecraft que j’ai vu. Loin du clinquant inutile de The Color Out of Space, l’importance est ici accordée à la perte de la raison devant l’horreur, et non pas aux monstres en soi (qui sont, ceci dit, incroyablement bien confectionnés). Comme toujours, c’est le rythme qui est l’arme de choix pour le cinéaste, et malgré quelques hésitations vers la fin, le film demeure une réussite. (5/7/2020)

Jojo Rabbit (Waititi, 2019). Ce film est tout un pari, et ne fera jamais l’unanimité. L’humour noir que nécessite la considération comique du nazisme ne peut que faire grincer des dents, et je me demande si c’était l’effet escompté. Cependant, au climax, le film devient soudainement très sérieux, voir touchant. Cette dialectique thématique est difficile à assimiler, je devrai donc revoir le film pour m’en faire une meilleure idée. J’ai bien aimé mon premier visionnement, Waititi est un réalisateur très habile et talentueux, mais la fin est précipité : on évacue l’Hitler imaginaire un peu trop vite. (5/1/2020)

Joker (Phillips, 2019). Ce film est beaucoup trop chargé!! Comme ça arrive souvent chez les réalisateurs débutants, on essaie de trop en mettre et ça part dans tous les sens. Mais Todd Phillips n’en n’est pas à son premier film! Il y a au moins trois ou quatre films intéressants contenus tant bien que mal dans le scénario. Est-ce un drame social, un drame psychologique, une tragédie schizoïde, une dystopie intemporelle, un mépris d’intention? Ouf!! Cela dit, la folie qui possède le personnage de Joaquin Phoenix est l’une des plus complexes et des mieux ficelées que l’on a vue à Hollywood depuis longtemps. Tous les honneurs revenus à Phoenix pour sa performance sont amplement mérités. Un bon film qui aurait bénéficié d’un scénario plus épuré. (12/2/2020)

Kalamazoo (Forcier, 1988). Ce film est difficile d’accès, ardu, aux rythmes saccadés à l’extrême, aux dispositifs formels qui se jouent de nos attentes, jusqu’à ce que Marie Tifo retrouve sa voix et offre un troisième acte magnifique, beaucoup plus synchrone avec le reste de la filmographie du réalisateur. À revoir, mais vraiment pas pour tout le monde. (29/2/2020)

Knives Out (Johnson, 2019). Rian Johnson est un génie, et voici son chef-d’œuvre! Tout brille dans ce film : des cadres à la direction artistique, du scénario au jeu d’acteur survolté. Chaque réplique est hilarante, de par le maniérisme ridiculement assumé : une comédie de cet ordre est un exploit en soit. Ce film est une leçon magistrale de mise en scène. (26/12/2020)

La Chienne (Renoir, 1931). Drame sobrement filmé avec une caméra inventive et souvent mobile. Les acteurs sont touchants, et rendent merveilleusement bien le tragique du récit. (5/9/2020)

La Chute de la maison Usher (Epstein, 1928). Ce film appelle la modernité du cinéma, et ce, avant le parlant. Cadres somptueux, trucages maîtrisés et le jeu des acteurs bien dosé, même dans ses excès d’expressivité. Un film somptueux. (10/4/220)

Ladies and Gentlemen, The Fabulous Stains (Adler, 1982). Une belle surprise. Les tribulations d’un groupe de punk féminin qui devient la sensation du moment. C’est sans prétention, et même inspirant, d’une manière contre-culturelle! (27/2/2020)

Le Toit de la baleine (Ruiz, 1982). Ouf! Beaucoup de chose dans ce film vraiment singulier. D’abord, le problème du langage, qui est abordé de manière quasi-parodique. Ensuite, un essai sur les civilisations, les constructions sociales et les frontières entre ces sociétés qui se jugent « avancées » et les peuples colonisés d’Amérique latine. Puis, une petite fresque, au cœur du film, sur les besoins et les paradoxes des relations familiales, qui sont mis en image par d’astucieux trucages photographiques. En fait, tout le film se veut un terrain exploratoire cinématographique, mais c’est pendant la séquence « relationnelle » qu’il foisonne et s’épanouie le plus. Un film à revoir. (8/5/2020)

Les Affamés (Aubert, 2017). Je ne suis pas un grand fan des films de zombies. Le seul que j’ai véritablement apprécié est le premier de Romero, le film fondateur du genre, je crois. Les Affamés est un film habilement réalisé où les zombies sont un prétexte. Outre leur fascination pour les tumulus potentiellement mortuaires, la nature des monstres reste cachée, pour le mieux, je pense. Mais ce qui est beaucoup plus intéressant, c’est les relations entre les personnages « humains ». C’est là qu’Aubert opère le mieux. (22/8/2020)

Mission: Impossible – Fallout (McQuarrie, 2018). Tout ce qu’on peut attendre d’un bon film d’action hollywoodien, avec une touche d’intrigue d’espionnage. L’action, digne d’un dessin animée des Looney Tunes, se consomme comme du bonbon pour les amateurs du genre. (5/1/2020)

Moby Dick (Roddam, 1998). Un TV Movie de la fin des années 90, ça augure mal. Tout de même, la distribution est dans l’ensemble solide, Patrick Stewart et Ted Levine sont en grande forme (Ahab et Starbuck). Le film se concentre sur la vengeance et manque peut-être le questionnement existentiel du matériel source (je n’ai pas encore lu). Mais en tant que film, et surtout en tant que télévision, l’effort est remarquable. (22/7/2020)

On the Rocks (S. Coppola, 2020). Ce n’est pas révolutionnaire, mais ce n’est pas vain non plus. Un « feel-good movie », une comédie avec un léger brin de drame magnifiquement réalisée, où Bill Murray et Rachida Jones brillent de mille feux. (7/11/2020)

One-Armed Swordsman (Chang, 1967). Un film à l’origine de la vague de Wuxia (films d’arts martiaux d’époque) des années 70. Simplicité presqu’à outrance, des chorégraphies qui trahissent souvent l’âge du film, mais qui arrivent encore à surprendre, c’est un essentiel pour les amateurs du genre. Un bon Chang Cheh. (29/1/2020)

Paisan (Rossellini, 1946). Six épisodes se déroulant en Italie, vers la fin de la seconde guerre mondiale. Si, de l’aveu même du cinéaste, le thème de la communication entre des individus de différentes nationalités est central, c’est le côté tragique de chacune des histoires qui m’a particulièrement frappé. Les personnages se retrouvent tous totalement impuissants devant les situations dans lesquelles ils se retrouvent, et si certains sont porteurs d’espoir, c’est presque toujours dans l’horreur qu’elles se terminent. (23/2/2020)

Pompoko (Takahata, 1994). Amusant et tendre, l’aura festif laisse place à une double critique de la condition humaine à la fin du XXème siècle : les tanuki (semblables à nos ratons) représentent autant la nature que l’humanité d’avant le boom d’urbanisme qui a ébranlé le Japon dans les années 60, et les humains nous représentent nous-mêmes de par nos contradictions. Car beaucoup des gens de la génération de Takahata se souviennent avec joie de la vie rurale des années 50, mais personne ne semble capable de freiner l’urbanisme ultramoderne qui détruit la nature qui nous hante toujours. (1/8/2020)

Psycho II (Franklin, 1983). Ce film se distingue de bien des suites de par son originalité. Construit comme  une tragédie, son seul défaut est peut-être la présence d’un second grand rebondissement. Ce n’était pas nécessaire, et n’ajoute pas vraiment de substance au pathos derrière le drame que l’on raconte, comment une vengeance envers un meurtrier repenti, « guéri » ne fait que le replonger dans sa folie. (31/10/2020)

Psycho III (Perkins, 1986). Faut le faire, surtout dans le monde de l’horreur, demeurer pertinent pendant toute une trilogie. Perkins a un bon œil et un très bon sens du rythme et de la tragédie. Et de sauver Norman Bates de sa folie aurait probablement été encore plus tragique que la finale telle que présentée! (12/12/2020)

Quai des Orfèvres (Clouzot, 1947). Un drame policier bien singulier aux personnages charmants et à la mise en scène experte. Se veut une fusion improbable de Vaudeville et du film noir. Suzy Delair est formidable! (31/3/2020)

Rabid (Cronenberg, 1977). J’ai toujours eu une certaine difficulté à apprécier les premiers films de Cronenberg. Sa version de la série B commence à me plaire avec The Fly, qui n’est probablement plus série B rendu là! Enfin, Rabid est un objet étrange et n’annonce même pas le meilleur de son réalisateur. Je ne peux même pas en décrire mon appréciation! (10/1/2020)

Ran (Kurosawa, 1985). L’épopée tragique le plus abouti  de Kurosawa, qui trouve l’équilibre presque parfait – manquant à Kagemusha – entre l’esthétique lente et contemplative asiatique et un rythme effréné plus familier à l’Occident. Les éléments shakespeariens ajoutés au drame médiéval japonais créent un monde légendaire unique et crédible. Un grand film. (3/10/2020)

Rebel Without a Case (Ray, 1955). Ce film est, et je sais que cette expression est galvaudée, très fortement en avance sur son temps. On croirait regarder, à certains moments, un film de la fin des années 60. Le maniérisme de l’actor studio chez Dean aide à cet aura de modernité dans le jeu d’acteur, mais il y a également la violence de la jeunesse des années 50, ainsi que la musique totalement déjantée, pour l’époque, de Leornard Rosenman qui font de ce film un petit chef-d’œuvre. (11/10/2020)

Reservoir Dogs (Tarantino, 1992). Si je ne connaissais pas le cinéaste, je dirais qu’il s’agit d’un excellent film de gangsters, très conscient de sa dette cinéphilique, et sans prétention. Mais bon. On peut oublier la dernière partie… (11/3/2020)

Rocketman (Fletcher, 2019).  La forme « comédie musical » rend cette biographie plus intéressante en tant qu’objet-film, au sacrifice de plusieurs « erreurs » factuelles, la plupart du temps dans le choix des chansons qui échappe à tout exercice de chronologie. Personnellement, je trouve cela rafraichissant et intéressant, malgré certains tics presque obligatoires au biopic. Taron Egerton est fantastique. (8/1/2020)

Rome, ville ouverte (Rossellini, 1945). L’un des premiers films du néo-réalisme italien (si ce n’est le premier), ce film est d’une cohérence stylistique qui ne trahit pas du tout les faibles moyens à la disposition du cinéaste pour réaliser son projet. Outre les innovations propres au genre (lieux réels et synchrones avec la réalité du moment, acteurs non-professionnels pour la plupart, un style documentarisant, brutal pour l’époque, etc.), ce film est remarquable par sa distribution : un ensemble de personnages charmants font face à des ennemis que l’on ne peut que mépriser. Un grand film. (18/2/2020).

Saint Jack (Bogdanovich, 1979). Ce film est exemplaire de ce que j’aime le plus du cinéma américain, de la période « Nouvelle Hollywood » : un équilibre parfait entre approche documentarisante et formalisme discret, avec un message social loin du politiquement correcte de notre époque. Ça, c’est du cinéma américain! (23/5/2020)

Scanners (Cronenberg, 1981). Avec ce film, Cronenberg montre enfin ce dont il est vraiment capable en matière de création d’atmosphères et de réflexions pertinentes sur des thèmes plus ou moins complexes, tout en gardant le thrill d’un film d’horreur bien fait. Sa vision viscérale de la psychologie et son usage pour créer une forme cauchemardesque mais crédible de pouvoirs extra-sensoriels, dont l’influence sur la mise en image de l’horreur et de la science-fiction est indéniable, présage admirablement sa période mature qui donnera, entre autres, Dead Ringers et The Naked Lunch. Excellent. (11/1/2020)

Série noire (Corneau, 1979). Un film étrange qui me fait réaliser que je connais peu le cinéma français de la fin des années 70/début 80. Je ne m’y suis jamais vraiment attardé, mais je me souviens avoir essayé de regarder certains films, plus jeune, et avoir été complètement dépassé par l’espèce de mélancolie latente dans l’interprétation. C’est ce qu’on retrouve dans Série noire, bien que Patrick Dewaere dépasse tout le monde en intensité psychotique. Le décalage entre les autres personnages, au jeu mélancolique que j’évoquais plus haut, et le jeu de Dewaere permet de comprendre à quel point le personnage de Frank Poupart est torturé, en plus d’être dangereux. Un film très intéressant et émotionnellement difficile à suivre (ce n’est pas un défaut dans ce cas-ci!). (30/5/2020)

Sky Crawlers (Oshii, 2008). Une méditation sur l’identité dans un contexte de science-fiction. Plus sobre que ce à quoi Oshii nous a habitué par le passé, bien qu’un peu plus de mise en contexte aurait donné plus de poids au propos. Images somptueuses, personnages intrigants. Bon. (17/1/2020)

Sleepy Hollow (Burton, 1999). Une intéressante adaptation de la nouvelle bien connue, où viennent s’ajouter le surnaturel, une conspiration rurale, et une touche typique d’humour noir, de manière étonnante et efficace. Seule ombre au tableau, une musique peu inspirée de la part de Danny Elfman, ce qui n’est pas suffisant pour  gâcher le plaisir, mais qui annonce tristement la tangente que prendra la musique de film à Hollywood dans les décennies subséquentes. (31/10/2020)

Slipstream (Liesberger, 1989). Le dernier long métrage réalisé par Steven Liesberger, le réalisateur et scénariste derrière le monument sous-estimé de la science-fiction qu’est TRON. Malheureusement, les deux films réalisés par la suite sont non seulement de moindre envergure, mais « Slipstream » est franchement mauvais. La réalisation est morne, sans aucune inspiration (à l’exception d’un moment d’une ou deux minutes vers la fin). La distribution n’arrive pas à sauver le film, ni même un côté « nanar » qui aurait rendu le visionnement moins ardu. C’est dommage, car le scénario revisite des thèmes chers à Liesberger, comme la construction de la religion et les rapports hiérarchiques sociaux, mais ce film représente l’heure et demi la plus longue de l’univers… (21/11/2020)

Soul (Docter, Powers, 2020). Un des plus beaux films de Pixar que j’ai vu côté design, une interprétation plus que convaincante de la distribution, de bonnes idées, une trame sonore inspirée… Mais toujours les mêmes bons sentiments disneyens qui me foutent le cafard. Loin de moi l’idée de prétendre qu’un film doit être triste pour être bon. Les « feel-good movies » pourraient former un art en soi. Mais il y a moyen de passer ces sentiments positifs de façons moins violentes! Beau et pas mal. (26/12/2020)

The Adventures of Ichabod and Mr. Toad – segment « The Legend of Sleepy Hollow » (Algar, Gernimi, Kinney, 1949). Une adaptation géniale de la nouvelle de Washington Irving, festive, sympathique, aux designs magnifiques et au rythme effarant, comme on pouvait s’attendre du cinéma de Disney, à l’époque. Je devrai voir l’autre segment, éventuellement. (31/10/2020)

The Blade (Tsui, 1995). Le film qui m’avait jadis initié au film d’action hongkongais et dont les chorégraphies m’avaient grandement impressionnées, je le revois aujourd’hui et je l’apprécie encore plus. Intense, épique, passant du mélodramatique à une brutalité hyper-stylisée, le résultat, sans être parfait, est excellent. Sans avoir la profondeur d’un « Ashes of Time », ce film d’action est juste assez expérimental pour me titiller! (25/1/2020)

The Canterbury Tales (Pasolini, 1972). C’est un chef-d’œuvre, rien de moins. À la fois philosophique, « slapstick », cabotin, blasphématoire, sensuel, allégorique, scatologique, et engagé, ce film fait la démonstration que peu importe l’époque, l’être humain semble être condamné à la corruption sous toutes ses formes, et mené par les plus animales de ses passions, ce qui n’est pas forcément mal en soi. (21/11/2020)

The Colossus of Rhodes (Leone, 1961). Un film peu remarquable, la première réalisation officielle de Leone. Confus et daté, sa seule véritable qualité est le charisme du protagoniste principal. (9/5/2020)

The Commitments (Parker, 1991). Une comédie dramatique d’une intensité palpable, grâce à une distribution solide que la mise en scène laisse travailler sans retenue. La vie difficile des personnages est d’une authenticité brutale. Une belle réussite! (8/2/2020)

The Death of Stalin (Iannucci, 2017). Un monument d’humour noir et de satire historique qui s’acharne à démontrer, moyennant quelques imprécisions pour le rythme plus que pour l’absurdité même de l’histoire. Pertinent, hilarant, et terrifiant. (5/12/2020)

The Lighthouse (Eggers, 2019). Ce n’est pas un mauvais film, loin de là. En termes de performances d’acteurs, on peut difficilement faire mieux. La fragmentation de la réalité représente la folie à merveille. Cependant, le sous-texte mythique et le contenu discursif sont mal servis par une tendance à rechercher le cryptique à outrance. Somme toute, réussi. (8/1/2020)

The Seventh Sign (Schultz, 1988). Un film fantastique sur l’apocalypse explorant les traditions juives et chrétiennes avec intelligence. Bien qu’on y retrouve quelques faiblesses, ce film vaut mieux que beaucoup de drames eschatologiques qui sont venus avant et après. À voir, ne serait-ce que pour les performances de Jürgen Prochnow et Peter Friedman. (9/7/2020)

The Talking Parcel (Cosgrove, 1978). Filmé pour la télévision, ce film pour enfant raconte une histoire simple qui pige allègrement dans le répertoire de la mythologie occidental et fait preuve d’un style visuel très intéressant. En fait, le manque de budget est très dommage car il y avait matière à faire un classique. Malgré tout, bien que la technique a relativement mal vieilli, ce film est agréable à regarder. (19/9/2020)

The 36th Chamber of Shaolin (Lau, 1978). L’un des films d’arts martiaux les plus réussi que j’ai eu l’occasion de voir, le film est captivant, spectaculairement bien filmé, et le rythme est parfait : aucun temps morts. Un incroyable film. (25/7/2020)

The Fly (Neumann, 1958). La première adaptation cinématographique de la nouvelle de George Langelaan, plus fidèle que celle de Cronenberg, mais moins originale. Étrangement, ce ne sont pas les effets spéciaux qui ont mal vieillis, mais bien le jeu très conservateur des acteurs. Cela demeure tout de même un classique du cinéma d’horreur de l’époque. (8/8/2020)

The Fourth Man (Verhoeven, 1983). Un thriller psychologique avec une touche fantastique qui exacerbe l’instabilité psychologique du personnage principal. Parfois labyrinthique, parfois hypnotique et même un peu « gore »,  Verhoeven était à son plus inspiré dans son pays natal (bien qu’il ait fait de bons coups à Hollywood par la suite), sa facture très européenne le rapproche du giallo. (5/9/2020)

The Piano (Campion, 1993). Un drame historique touchant, très cru, très beau. Moi qui n’a jamais été un grand fan d’Harvey Keitel, je dois avouer qu’ici, il m’a charmé complètement (tout comme il charme l’héroïne!). En fait, le point faible du film est sa trame sonore, elle ne se démarque pas assez. Sinon, malgré les dires de Cochonnets, ce film est une brillante réalisation sans longueurs!! (15/8/2020)

The Uncanny (Héroux, 1977). Un film mettant en vedette Peter Cushing, Donald Pleasance et Donald Pilon!? C’est « The Uncanny ». 15-20 ans plus tôt, aurait été parfait dans la vague de l’horreur de série B. Tous les éléments sont là : histoires plutôt simpliste, quelques effets plus ou moins bien faits, le vibraphone interrogatif, les acteurs qui en mette délicieusement de trop… Pas désagréable. (15/8/2020)

The War of the Worlds (Haskin, 1953).  Une version on ne peut plus « années 50 » du roman de H. G. Wells, aux dialogues kitsch qui soulignent les bonnes vieilles valeurs américaines (la famille, le christianisme, etc), et des effets spéciaux remarquablement bien réussis pour l’époque. Loin d’être aussi provocateur que The Day the Earth Stood Still, ce film est plutôt une amusante, quoi qu’un peu longuette,  expérience visuelle. (29/8/2020)

They All Laughed (Bogdanovich, 1981). Une revisite du screwball comedy à la « Nouvel Hollywood » aux ruptures de ton juste assez intenses pour déjouer les attentes, mais qui fait preuve ultimement de beaucoup de cœur. Le slapstick trop présent de John Ritter est peut-être le point faible d’un film qui, sans être un grand coup de génie, est tout de même fort sympathique. (11/7/2020)

Thor (Branagh, 2011). Est-ce que c’est Branagh qui donne un charme à ce film? Il parvient même à bien faire jouer Chris Hemsworth, qui m’a paru plutôt limité comme acteur, dans les quelques films où je l’ai vu. Il y a les faiblesses habituelles du film de super-héros hollywoodien d’aujourd’hui : scènes de combat où le montage ultra-rapide nous empêche de bien voir, un antagoniste un peu trop caricatural (malgré le grand talent de Tom Hiddleston), la profusion d’effets visuels, etc. Un des bons coups de Marvel au cinéma, pour une approche plus « sérieuse » mais réussie. (27/6/2020)

Total Recall (Verhoeven, 1990). Même à son plus « commercial » (c’est relatif, comme toute sa carrière, d’ailleurs), Verhoeven parvient à dénoncer le fascisme corporatif inhérent aux États-Unis, les inégalités sociales en occident, et la violence qui a toujours été présente derrière l’histoire et la culture du pays nord-américain. Verhoeven doit être considéré comme un auteur, qui balance de la contre-culture à coup de films d’actions ou de drames érotiques bien mieux pensés que ces genres le laisseraient croire. (17/10/2020)

Trois couleurs : Bleu (Kieslowski, 1993). Ceci est l’un des meilleurs films que j’ai eu la chance de voir dans ma vie. Un micro-récit, des questionnements existentiels,  une psychologie étudiée et affirmée, une place au spectateur dans la résolution du récit (qui a réellement composé la finale de la pièce?). C’est un chef-d’œuvre (on excuse même le micro visible dans l’un des plans, vers la fin!). (19/9/2020)

White Heat (Walsh, 1949). Un film de gangster de facture plutôt classique qui permet à Cagney de briller dans un autre rôle de malfrat qui n’est, évidemment, jamais ennuyant, et parfois surprenant. La finale, dans l’usine, permet au réalisateur de travailler l’image, surtout les cadres qui, jusque-là, demeuraient peu imaginatifs. (16/5/2020)

Zappa (Winter, 2020). Un documentaire sur la vie de Frank Zappa, compositeur génial et autodidacte, probablement le plus important compositeur américain de la seconde moitié du 20ème siècle, et critique acerbe de la société américaine, dont le médium de choix est un rock plus-que-progressif qui se nourrit de l’histoire entière de la musique, savante comme populaire. Un bon documentaire, aux choix de montage judicieux et, sans s’arrêter à trop de détail, dégage un portrait relativement complet de l’artiste. (12/12/2020)

Zazie dans le métro (Malle, 1960). Ce film est une explosion de couleurs, au sens propre comme au sens figuré. Connaissant la réputation de Queneau, ce n’est pas peu dire. Personnages attachants (surtout Zazie et Gabriel), étranges et parfois menaçants, cette odyssée dans l’ordinaire présente son personnage comme une sorte de Faustroll ingénue. Léger, de par son sujet, le film est hyperactif et nous laisse épuisés à la fin, et ce n’est pas négatif! (7/3/2020)

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Critiques cinéphiliques 2019

A Ghost Story (Lowery, 2017). Un film n’est pas contemplatif parce qu’il montre un gars vêtu d’un drap qui regarde une fille en deuil se bourrer la face dans une tarte. Un film n’est pas intellectuel parce qu’un post-hipster déblatère sur un ton pseudo-nihiliste des méditations mal renseignées sur Beethoven et l’inéluctabilité de la fin dans la vie humaine. Et évoquer la relativité du temps ne rend pas un film plus philosophique. Ce film échoue sur toute la ligne. Il échoue à provoquer la discussion, il échoue à ses propres prétentions thématiques. Décevant. (26/2/2019)

A.I. Artificial Intelligence (Spielberg, 2001). Un film dans l’ensemble décevant. Le projet de Stanley Kubrick repris de manière douteuse par Spielberg commence pourtant bien. Étrangement, je ne suis pas de l’avis populaire selon laquelle les vingt dernières minutes sont de trop. Le problème demeure dans l’incapacité d’aborder de manière pertinente les dilemmes moraux (Spielberg est trop idéaliste, et ses films « politiques » finissent toujours par trahir sa naïveté en matière de morale). Trois scènes, dans ce film, sont réussies et dignes d’un projet kubrickien : lorsque la mère s’attache à David, lors du monologue de Joe sur le fait qu’un humain n’aimera jamais un robot, et la finale, touchante mais trop longue et en proie à un John Williams en mode doucereux sans âme – pourtant, son petit clin d’œil à Khatchatourian au début du film, sans doute un hommage à l’amour de Kubrick pour les compositeurs classiques, semblait de bon augure. Et pour complètement saboter son film, Spielberg choisi de terminer ce moment de grâce où David s’endort avec sa mère en ramenant le narrateur, ce qui brise totalement l’atmosphère. D’ailleurs, Spielberg ne fait que se saboter lui-même dans ce film : qu’est-ce que ce changement de caractère inexplicable pour le personnage du père, d’abord emballé par l’adoption, qui finit par rejeter complètement David? Et peut-on bien me dire où disparait William Hurt lorsqu’il invite David à rencontrer ses « parents »? (24/5/2019)

A Silent Voice: The Movie (Yamada, 2016). Ce n’est pas un mauvais film. Il tient mieux la route que bien des longs métrages d’animation japonaise qui ont été récemment encensés, comme « Your Name » ou « When Marnie Was There ». Cependant, l’atmosphère et la facture du film sont plus proches de la série télé, très typée (intensément mélodramatique, souvent cabotin, couleurs criardes, visages plus stylisés, etc.) que du cinéma universel auquel nous a habitué Miyazaki, Takahata, Oshii, Kon, et les autres maîtres. Ce n’est pas mal, il y a de toute façon de très bons animes à la télé, mais au cinéma, on peut faire mieux! (25/9/2019)

Animal Farm (Batchelor, Halas, 1954). Un film qui ne fait son âge que par quelques passages pompeux de la trame sonore. Utilise subversivement une stylistique disneyesque pour animer Orwell de manière crue et brutale. Très bon. (1/1/2019)

Ashes of Time Redux (Wong, 1994, Redux : 2008). La version originale avait été monté en brisant la chronologie et le mauvais sous-titrage donnait un film presque incompréhensible, sans compter que le transfert en home video était spectaculairement hideux. La version Redux montre toute l’étendue du génie du réalisateur. Le film est contemplatif, élégiaque (tout pour me plaire!), et montre qu’aucun chasseur de primes des temps anciens n’est à l’abri de l’amour. Apparemment, le film est totalement subversif au roman qui l’a inspiré,  La Légende du héros chasseur d’aigles. (8/1/2019)

Belle de jour (Bunuel, 1967). Étude de caractère d’une femme masochiste qui vit sa sexualité en travaillant dans une maison close, poussé par un mariage qui lui est peu satisfaisant. En fait, le film parle de répression sexuelle au sens large, et bien que la fin soit ambivalente, on ne tombe jamais dans le jugement moral d’un « Looking for Mr. Goodbar », par exemple. C’est Bunuel, après tout… (19/9/2019)

BlacKkKlansman (Lee, 2018). Inspiré d’une histoire vraie, ce film est efficace et plutôt effrayant. J’aurais préféré que l’on soit plus fidèle aux faits au lieu de cette sacrosainte recherche de la péripétie, car dans cette histoire, c’est la réalité derrière celle-ci qui est très troublante. N’empêche, un film nécessaire. (5/2/2019)

Bob le flambeur (Melville, 1956). Un précurseur de la Nouvelle-Vague par ses images brutes et sa caméra-épaule, le film présente une intéressante facette du monde «  de la marge » dans le quartier Montmartre à Paris. Les personnages sont aussi à fleur de peau que l’image elle-même, ce qui les rend attachants tout en gardant leur qualité de truands. (2/9/2019)

Bumblebee (Knight, 2018).  Quand j’ai entendu parler qu’on ferait un live action des Transformers, c’est à ça que je m’attendais. Ça prend du temps, on dirait, pour que les messages se rendent, à Hollywood. J’ai aimé! (8/2/2019)

Die Büchse der Pandora (Version de 133 min., Pabst, 1929). Un film sur l’ambivalence de la figure de la femme fatale, interprété par l’iconique Louise Brooks. Sa naïveté de femme-enfant, doublée de sa sexualité libertine mènent les gens de son entourage à leur perte, et ce malgré toute sa bienveillance. Interprétation particulièrement moderne (très peu de surjeu), réalisation légèrement expressionniste mais sobre. Ce n’est pas parfait, et on sent – comme d’habitude – les ambiguïtés de la morale occidentale, mais c’est très bon. (10/10/2019)

Deadpool 2 (Leitch, 2018). Ce film est d’une platitude extraordinaire. À vouloir trop donner dans l’humour « méta », on finit par devenir artificiel et lassant. Ce qui est dommage car ce film touche à des thèmes intéressants : la vie difficile des pensionnats, asiles ou autres orphelinats, et bien sûr le thème de la ségrégation des minorités qui est la raison d’être des X-Men à la base. (9/2/2019)

Deux super-flics (Barboni, 1977). Un film de bagarres avec Bud Spencer et Terrence Hill. C’est ce qu’on nous promet, c’est ce qu’on nous livre, et c’est franchement amusant! (26/1/2019)

Director’s Cut (Rifkin, 2016). Un film médiocre sur toute la ligne, si mauvais que je ne peux que ressentir de la honte pour tous ses participants. (10/4/2019)

Don’t Look Now (Roeg, 1973). Une histoire d’horreur gothique pleine de promesse. Malheureusement, quelque chose m’agace dans la réalisation de Roeg. Son style est plutôt décousu, à un fil d’être juste assez subtile, mais ça n’arrive jamais. Pas inintéressant. (26/3/2019)

Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb (Kubrick, 1964). Une comédie signee Kubrick ne peut en être autrement : truffée de gags visuels des plus subtils au plus concrets, cachant multiples discours sur l’incapacité et la stupidité du machisme et de la domination patriarcale, sur l’absurdité de la chose politique et du complexe militaro-industriel, sur l’idée que la balance du pouvoir repose sur une libido maladive et débilitante. Peter Sellers montre l’étendue de son génie en jouant trois personnages qui, malgré leur bêtise et leurs tares, demeurent tout à fait attachants! (10/4/2019)

F For Fake (Welles, Graver, Kodar, Reichenbach, 1973) Un documentaire signé Orson Welles est une expérience des plus singulières. Tout en « free form », le résultat ne déçoit pas pour le spectateur amateur des excentricités du réalisateur.  C’est à voir. (1/1/2019)

Faust (Murnau, 1926). La première partie est chef-d’œuvresque : la recherche visuelle sert admirablement le texte et est époustouflante. Murnau semble beaucoup moins inspiré pour la seconde partie, cependant, et la finale manque franchement de subtilité. (2/11/2019)

Fire and Ice (Bakshi, 1983). Un genre de Conan avec Frazetta aux designs et Bakshi à la réalisation. Une histoire typique du genre fantasy préhistorique, à l’antagoniste qui n’est pas inintéressant. Ce film amusera sans doute les amateurs du genre. (1/3/2019)

High Flying Bird (Soderbergh, 2019). Le sujet du film ne me plait pas particulièrement : le milieu du sport professionnel et sa business. Mais Soderbergh maîtrise si bien son art que le film demeure captivant du début à la fin! Bravo! (8/2/2019)

High Life (Denis, 2018). Ce film est à l’opposé de la science-fiction philosophique (ou pseudo-philosophique, dans certains cas) que l’on nous propose souvent. High Life est un film brut, vivant, violent, mais pas nécessairement nihiliste, une belle œuvre d’art d’une humanité étonnante. (22/4/2019)

Jacob’s Ladder (Lyne, 1990). Ce qui aurait pu être une mauvaise histoire de vie après la mort à la sauce chrétienne devient une intéressante fable psychologique sur la mort. Lyne parvient à rester accessible sans simplifier les choses à l’extrême, et présente son film comme un genre de thriller, ce qui n’est pas désagréable. Très intéressant. (25/8/2019)

John Wick : Chapter 3 – Parabellum (Stahelski, 2019). Un film d’action, un « trip » formel à la qualité bédéesque. Je n’en demande pas plus à mes films d’actions. Bien usiné, bien performé, loin de toute quête métaphysique ou philosophique. Ce genre de film est plus commun au sein de la filmographie populaire d’Asie qu’à Hollywood, et le film baigne habilement dans l’influence orientale tout au long. Pour les amateurs de cascades et de chorégraphies. (19/5/2019)

La Grande illusion (Renoir, 1937). La relativité des classes sociales, l’absurdité du fait guerrier, ce film est une étude de caractères remarquable, humaniste, touchante, dénonciatrice du malheur sous sa plus hideuse forme, c’est-à-dire la guerre. Filmé sous une forme épisodique, les personnages sont variés, leur attitude souvent théâtrale sert le propos efficacement durant les moments plus tristes. Un grand film. (15/6/2019)

La Noire de… (Sembène, 1966). Dans ce film, Sembène donne accès à la psyché d’une jeune sénégalaise qui recherche le rêve européen mais se voit confronté à l’incompréhension et l’oppression du post-colonialisme français. Un film coup de poing, marquant, important. (20/2/2019)

La Règle du jeu (Renoir, 1939). Une fantaisie dramatique sur la vie, en parallèle, de la haute société et de leurs domestiques. Formellement très proche de ce que fera Altman plus tard. Le jeu des acteurs est presque burlesque : Renoir se réclame ouvertement de Beaumarchais et de Molière pour ce film. En résulte une œuvre critique sévère mais accessible. La version originale de Renoir n’existe malheureusement plus, mais la version longue de 1959 est à conseiller : les personnages y sont plus complexes et nuancées. (5/6/2019)

La Vie nouvelle (Grandrieux, 2002). Un genre de drame poétique expérimental sur l’obsession pour la décadence de l’être humain. Dénuant le récit de presque tout repère spatio-temporel, on choisit en plus de faire une exploration formelle propre au cinéma expérimental. Si l’exercice semble mener quelque part à mi-chemin, la finale est teinté d’un amateurisme un peu désarmant. La dernière fois que j’ai traité un cinéaste reconnu d’amateurisme, je me suis attiré les foudres de Marcel Jean. Je me demande si je vais récolter une réaction semblable à nouveau! (21/11/2019)

Le Doulos (Melville, 1962). Quel film incroyable! Melville est en parfaite maîtrise de son art : son scénario est efficace, sa réalisation ingénieuse, ses acteurs dévoués, mais bon, est-ce que Melville a déjà déçu? (10/9/2019)

Le Quai des brumes (Carné, 1938). Carné et Prévert poursuivent l’édification du réalisme poétique avec ce film qui, malgré quelques problèmes de rythme en première partie, devient un drame poignant que porte admirablement Michèle Morgan. Un excellent film par une équipe en route vers un ultime chef-d’œuvre! (1/10/2019)

Le Sang d’un poète (Cocteau, 1933). Probablement encore plus libre dans ses liens narratifs que les premiers Buñuels, Le Sang d’un poète promeut la liberté absolu du créateur dans un continuum dénué de symboles et d’onirisme vers une poésie pure, vieillit, il est vrai, par un narrateur au ton daté qui nous ramène directement à notre condition de spectateur. Malgré tout, un film remarquable. (14/2/2019)

Le Silence de la mer (Melville, 1949). Une adaptation presque au mot du roman de résistance du même nom. On sent déjà la marque d’un grand réalisateur par ses cadrages expressionnistes et son montage soutenu et soigné. On sent dans son style une certaine influence du muet qui s’effacera par la suite, mais qui donne à ce film une facture bien spécifique. (11/10/2019)

Le Trou (Becker, 1960). Excellent film, vraiment bien réalisé, direction artistique et technique remarquable. Récit minimaliste au rythme envoutant, mais ce qui élève ce film par-dessus tout, c’est le charisme de la distribution – la plupart des acteurs non-professionnels. Un travail de maître. (25/10/2019)

Les Super-flics à Miami (Corbucci, 1985). Dans ce film de Terence Hill et Bud Spencer, l’humour physique caractéristique du duo est moins important, et l’intrigue est plus travaillée (relativement). Le produit fini n’est pas désagréable. (19/2/2019)

Limelight (Chaplin, 1952). Si Claire Bloom surjoue, et qu’elle a un manque flagrant de caractère, ce n’est pas le problème principal de ce film. Les numéros humoristiques de Chaplin tombent tous à plat. Même celui avec Buster Keaton. C’est à se demander s’il a fait exprès. Il joue bien le motivateur, mais aurait pu accélérer le rythme de la première moitié. Là où il triomphe, cependant, c’est dans les états d’âmes mélancoliques de son personnage, et bien sûr, la scène finale. (5/10/2019)

Mandy (Cosmatos, 2018). Cosmatos est un fin artisan, ses images sont magnifiques, ses atmosphères réussies, son montage toujours au point. Mais dans le creux de la forme, pas la moindre trace d’une idée de base, ou bien le contenu est caché derrière tellement de dispositifs formels qu’on se demande ce qu’il a cherché à nous raconter. (14/9/2019)

Marriage Story (Baumbach, 2019). Ce film est un triomphe. Baumbach signe son œuvre la plus achevée, la plus mature, présentant le système de justice à son plus déshumanisant, alors qu’Adam Driver et Scarlett Johansson ne sont pas forcément intéressés à devenir des ennemis. Une étude de la complexité humaine dans la plus grande simplicité, celle du quotidien, réalisée avec assurance et jouée avec sincérité. J’ai franchement adoré. (6/12/2019)

Mishima: A Life in Four Chapters (Schrader, 1985). Film biographique sur l’auteur talentueux et controversé Yukio Mishima. On y traite de sa jeunesse difficile, son obsession du corps masculin, son néonationalisme traditionaliste, son homosexualité, et son suicide spectaculaire (on n’a pas osé montrer l’acte lui-même tant la scène fut violente) en 1970. Le tout est entrecoupé de séquences surréalistes illustrant des passages de certains de ses romans, qui semblent refléter avec bien plus de candeur ses propres obsessions. Le film est une œuvre accomplie et magistrale, très forte qui illustre assez bien les paradoxes de la vie d’un homme troublé et complexe. Très bon. (11/10/2019)

Mirai no Mirai (Hosoda, 2018). Bravo! Grandiose! Magnifique! Un film sur la famille dont le traitement (la famille, c’est un sujet commun, voir banal, disons-le) est d’une beauté et d’une pertinence incroyables. Depuis 2012, Mamoru Hosoda enchaîne des films familiaux originaux et d’une grande sensibilité, sans tomber dans le mélodrame trop exacerbé. Il s’enligne pour devenir le véritable successeur du Studio Ghibli, dont les dernières tentatives post-Miyazaki n’ont pas été aussi fructueuses. Mirai no Mirai n’est pas un chef-d’œuvre, mais un grand film, ça oui! (12/2/2019)

Mother Night (Gordon, 1996). Il s’agit de ma seconde adaptation cinématographique de l’œuvre de Kurt Vonnegut. Si la transition de l’écrit au filmique est aussi bonne que certains, sur le web, le disent, le caractère très idiosyncratique du romancier démontre une hantise de la guerre, de la folie meurtrière du genre humain, un humour noir, cinglant, presque burlesque dans Mother Night, et une pointe de nihilisme face à la polarisation des comportements humains sur l’axe moral. Si les performances des acteurs sont superbes, la réalisation manque dangereusement de style, ce que rachète à peine la grande qualité du texte. (23/2/2019)

Motherless Brooklyn (Norton, 2019). Norton est plutôt doué pour filmer des sujets : des voitures qui se poursuivent, des musiciens, des personnages qui interagissent, etc. mais est quelque peu maladroit à filmer des espaces dénués d’action. N’empêche, outre une certaine naïveté dans le scénario (peut-être présent dans le roman d’origine), le film tient bien la route, et ce sont les performances des acteurs qui rendent le tout particulièrement intéressant. (30/10/2019)

Murder on the Orient Express (Lumet, 1974). Une histoire de meurtre surprenante, un film d’époque beau et mis en scène plus qu’adéquatement,  un récit basé sur le dialogue et donc sur les aptitudes au jeu de sa distribution, celle-ci composés pour la plupart de très bons acteurs, et de vedettes qui se révèlent être bien plus talentueuses ici que dans les rôles qui leurs sont habituellement offerts. Excellent! (18/4/2019)

Neighbors (Avildsen, 1981). Un film d’une médiocrité peu commune. Cela est très dommage car John Belushi, qui mourra peu de temps après d’une overdose, offre une performance remarquable. (2/4/2019)

Once Upon a Time in Hollywood (Tarantino, 2019). Bon. J’avais bien aimé « The Hateful Eight », je trouvais son style plus mature et élégant. Mais voilà qu’avec « Once Upon a Time… », il revient à des réflexes de fanboy plutôt douteux. Aucun problème avec le scénario, ni avec les acteurs, qui sont excellents. Mais il utilise le montage de façon à constamment étirer le temps, sans vraiment de bonnes raisons. La finale hilarante nous montre un Tarantino cabotin mais beaucoup plus efficace. Bon, mais trop long. (23/11/2019)

One Hundred and One Dalmatians (Geronimi, Luske, Reitherman, 1961). Les limites imposées par les coûts de production d’un cinéma d’animation dans un style vraiment fluide et précis obligent – ou plutôt permettent – l’abandon de la ligne claire et une frénésie de mouvements qui confère au film une honnêteté flagrante et bienvenue. Rien de mieux pour illustrer par la forme l’univers anarchique d’une portée de 99 chiots et leurs alliés. Cela enlève également un peu de poli sur la famille parfaite disneyenne qui est malgré le cliché, fort sympathique. (20/5/2019)

Orphée (Cocteau, 1950). Adaptation bien moderne du mythe grec. Certaines libertés qu’ose Cocteau sont bien intéressantes, d’autres moins. Mais le film est profondément personnel, on le sent, un film expérimental sans en être incompréhensible, une véritable œuvre d’art. (15/2/2019)

Ouaga saga (Kouyaté, 2004). Un feel good movie burkinabé au visuel peu remarquable, que compense une distribution très charismatique. Optimisme contagieux! J’aimerais voir les autres films du réalisateur… (20/3/2019)

Paddington (King, 2014). Ce film se trouve à un fil d’être un classique. S’ils s’étaient simplement basés sur le potentiel comique des personnages et de leur univers, au lieu de chercher à moderniser les références, le film aurait été parfait. Il n’en demeure pas moins un bon film pour la famille, ce qui est plutôt rare par les temps qui courent. (6/4/2019)

Paddington 2 (King, 2017). Une suite qui fonctionne à ce point est une chose rare dans le cinéma industriel, et il ferait bien de s’arrêter là. Malgré une prémisse plutôt clichée, les personnages colorés et la bonhomie derrière chaque péripétie  réussit à maintenir l’intérêt, et les bons sentiments, jusqu’à la fin. Un feel-good movie qui fonctionne! (15/6/2019)

Perfect Blue (Kon, 1997). Perfect Blue réussit là ou Black Swan a échoué. Satoshi Kon réussit magistralement à illustrer la dépersonnalisation d’un individu, peu importe que le contexte soit le monde de la célébrité à la chaîne très en vogue au Japon. L’aliénation de l’identité est telle que même le happy-end n’est pas très rassurant. (6/4/2019)

Pi (Aronofsky, 1998). Une prémisse de récit ambitieuse, un thème classique traité de manière originale, digne de Jarry, raconté par la forme frénétique du cinéma d’attraction contemporain. Charmant, et intelligent. (16/11/2019)

Pickpocket (Bresson, 1959). Un film qui déconstruit l’art du cinéma narratif. Bien que le propos soit accessible, le (non) jeu des (non) acteurs est d’une intensité déboussolante, et si Bresson montre sa grande maîtrise d’un rythme classique dans les scènes de vol à la tire, le reste du film est d’une sobriété désarmante. Un film de maître pour public averti. (29/10/2019)

Police Story (Chan, 1985). Un film d’action hongkongais réalisé et mettant en vedette Jackie Chan. Probablement son meilleur film en carrière (« Drunken Master II » n’est pas loin derrière), l’action défile à toute allure, sans temps morts ou longueurs. En fait, le film est plus endiablé que bien des projets auxquels il participera par la suite! (27/7/2019)

Police Story Part II (Chan, 1988). Dans ce second opus de la série, Jackie Chan élargit sa palette humoristique en jouant beaucoup sur le comique de situation, en plus des gags visuels habituels et des chorégraphies musclées qui font sa renommé. Ce n’est pas un concours, bien sûr, mais il faut dire que le résultat ne dépasse pas le premier. Cela demeure tout de même un bon spectacle de deux heures. (13/8/2019)

Project A (Chan, Hung, 1983). Un prélude à l’excellent « Police Story », ce film ne serait que transitoire s’il ne s’agissait pas de son contexte historique du Hong Kong de la fin du IXXième siècle. On se permet costumes et décors d'époque, et l’effet est plutôt réussi. Tous les éléments qui font le charme de Jackie Chan se mettent en place, le comique de situation, le burlesque et les scènes d’action, incluant un hommage à Harold Lloyd! Un bon titre dans la filmographie de l’artiste. (21/8/2019)

Psycho-Pass: The Movie (Motohiro, Shiotani, 2015). Suivant la première saison de la série télé Psycho-Pass, ce tech-noir poursuit le projet d’explorer le concept de la valeur morale de la liberté d’action en présentant un Japon où un ordinateur comportant les esprits de « déviants » dirige les destins de la population. L’héroïne, Akane, une détective astucieuse et idéaliste, parvient toujours à tromper le système de justice froid et calculateur afin de trouver une solution humaniste à chaque problème. Personnages attachants, une petite dose de gore et surtout, une intrigue enlevante malgré un concept classique. (15/4/2019)

Rebels of the Neon God (Tsai, 1992). La vie de deux jeunes voleurs, d’une jeune femme volage, et d’un étudiant désillusionné se croise dans un drame sur la perte des aspirations de la vie adulte dans le Taiwan urbain du début des années 90s. Très bon. (7/11/2019)

Sister Street Fighter (Yamaguchi, 1974). Ce film est définitivement mieux fait que The Street Fighter, dont il est l’héritier. Etsuko Shihomi est spectaculaire dans ces scènes de combat où le jeu de caméra est aussi chorégraphié que les combattants, et ce avec une efficacité surprenante. (25/8/2019)

S.O.B. (Edwards, 1981). Une critique de l’industrie hollywoodienne qui n’épargne personne. Un film inégal qui regorge de « jokes de mononc’ » et qui n’apporte absolument rien à la cause féministe! Mais est-ce qu’Hollywood a déjà été féministe? La seule qualité rédemptrice qui « triomphe », d’une certaine manière, c’est la bonne vieille amitié masculine! Robert Preston est hilarant dans le rôle du docteur aux méthodes douteuses, et qui finit toujours par avoir les meilleures répliques! (25/6/2019)

Slaughterhouse-Five (Hill, 1972). Un film qui mérite le titre de classique de la science-fiction au cinéma, usant d’une réalisation sobre et d’une mise en scène solide de personnages complexes mais engageant, malgré le ton cynique du matériel source. Les scènes extra-terrestres ont peut-être mal vieillies mais cela ne ruine absolument pas le film. (9/2/2019)

Snow White and the Seven Dwarfs (Cottrell, Hand, Jackson, Morey, Pearce, Sharpsteen, 1937). Ce film est un chef-d’œuvre. Au niveau cinématographique, au niveau scénaristique, au niveau artistique. Les personnages ne bougent pas autant qu’ils dansent, et la musique passe de chansons thématiques à une musique d’accompagnement de manière organique. Ces chansons n’apparaissent pas comme des numéros ponctuant le film, mais bien comme des leitmotivs émergeant d’un tissu narratif au matériau musical homogène. (30/1/2019)

Spider-Man: Into the Spider-Verse (Persichetti, Ramsey, Rothman, 2018). Avec quelques bonnes idées formelles, emprunté à l’esthétique « vintage » de la bande-dessinée américaine, on nous raconte l’histoire la plus classique qui soit. Ce n’est pas mal, c’est même très bien fait, mais est-ce vraiment remarquable? (25/12/2019

Star Wars: The Rise of Skywalker (Abrams, 2019). Si d’un point de vue narratif, l’épisode 8 était plus fort, ce dernier épisode de la saga Skywalker est, sommes toute très solide. Bien sûr, on est à cent lieues de l’esthétique Nouvel Hollywood de la trilogie originale (on en était déjà à cent lieues avec la préquelle, signée Lucas lui-même), mais une fois de plus, Abrams nous démontre à quelle point il aime l’acteur et à quel point il n’aurait pas besoin de tout le dispositif clinquant du blockbuster d’action moderne. Mais quand même, le film est très bon et, si je peux me permettre un détour par l’enthousiaste en moi, j’ai eu droit à une finale que j’avais, en presque totalité, souhaité. (21/12/2019)

Street Mobsters (Fukasaku, 1972). Un film de yakuzas qui ne glorifie absolument pas la « profession ». Les gangsters sont des violeurs, bagarreurs, assassins, et le supposé code d’honneur du crime n’est que rarement suivi. La violence est crue, pas nécessairement graphique, mais imprévisible et jamais cathartique. Un film sur une crapule auquel le titre d’antihéros ne s’applique même pas. Très bon. (5/3/2019)

The Endless (Benson, Moorhead, 2017). Un vaillant effort, aux influences diverses, principalement Lovecraft, mais qui, tout au long, échoue à atteindre la mesure de ses ambitions. La solution est naïve, l’inquiétante-étrangeté ne parvient jamais à s’installer, malgré une technique adéquate et une distribution efficace. Décevant. (14/5/2019)

The King of Comedy (Scorsese, 1983). Voilà un film bien étrange, une satire d’humour résolument noir et plus ou moins nihiliste. Le film est une tragédie qui utilise l’humour pour créer une forme d’anxiété de laquelle on ne sort jamais, vu l’ambiguïté de la finale. Ce n’est pas un film agréable à regarder, mais il n’en demeure pas moins très bien fait et pertinent. Jerry Lewis aurait dû faire plus de drames dans sa carrière… (2/11/2019)

The Long Good Friday (Mackenzie, 1980). Un petit bijou de film de gangsters britannique racontant l’histoire d’un gangster qui, voulant se lancer dans les affaires légales, il y découvre un monde où la politique s’avère autant et même plus trouble que celui du banditisme. Bob Hoskins joue à la perfection l’antihéros sentimental mais impitoyable, secondé par sa compagne combattive, une Helen Mirren plus que solide. La réalisation est plutôt fade, mais cela finit par rendre la violence encore plus imprévisible et horrifiante. Une belle surprise. (30/4/2019)

The Man Who Killed Don Quixote (Gilliam, 2018). Un film à propos de Don Quichotte, et du cinéma, et de la cruauté à l’intérieur du monde du cinéma. Un Gilliam autoréflexif et critique des deux pôles de son métier : la décadence de l’industrie du rêve, et le matériau du rêve lui-même. Jonathan Pryce est parfait en homologue du héros de Cervantès, et Adam Driver démontre l’ampleur de son génie, alors que son personnage traverse, à la vitesse de la pensée, le spectre complet de la sensibilité humaine! Ne serait-ce que d’une fin convenue (convenue pour Gilliam, entendons-nous bien), ce film serait de la trempe de Brazil ou Munchausen, mais il n’en demeure pas moins excellent. Et cela fait grand bien de voir un film d’aventure dont l’imagerie ne repose pas tant sur l’image numérique… (22/1/2019)

The Ninth Configuration (Blatty, 1980). Le second volet de la « trilogie de la foi » de Blatty, après The Exorcist et avant Legion (The Exorcist III). La thèse est que dans un monde où le mal est fondamentalement matérialiste, l’existence du bien est un véritable mystère. Bien que je n’adhère pas à cette théorie, je la trouve poétique et respecte totalement la foi de Blatty. Le film, inégale par moment (la scène du bar, dans le dernier acte, est vraiment trop longue et brise le rythme), se veut à la fois comédie dramatique, drame philosophique et thèse théologique, un projet ambitieux pour une première réalisation. Le résultat est pas mal du tout, mais on est à des kilomètres d’un film classique hollywoodien! Très intéressant. (8/5/2019)

The Street Fighter (Ozawa, 1974). Un film d’arts martiaux japonais mettant en vedette Sonny Chiba en combattant iconoclaste aux mimiques qui rappellent Bruce Lee. Un peu de violence et de gore pour donner un côté « film d’exploitation », ainsi que des moments absurdement tragiques comme seul les japonais sont capables. J’ai aimé! (27/7/2019)

The Wonderful, Horrible Life of Leni Riefenstahl (Müller, 1993). Le documentaire que personne ne voulait faire, sur la grande documentariste (on ne peut pas douter de son œil et de son talent) qui a travaillée pour Hitler et en a subit les conséquences le reste de sa vie. D’après certains des faits que Müller a déniché, certains sont tempérés par Riefenstahl, et d’autres totalement reniés. Était-elle aussi naïve? En même temps, on peut comprendre sa réaction devant la lourdeur du fardeau que lui a valu son association aux Nazis. Elle passe beaucoup trop de temps à expliquer quelque chose qui est, de toute façon, absurde, c’est-à-dire que l’art ne peut être politique. Était-elle aussi naïve? (28/6/2019)

Touchez pas au grisbi (Becker, 1954). Un remarquable film de gangster, tiré d’un roman aux nombreux excès de racisme, de sexisme et de violence, apparemment. Évidemment, seul le sexisme se retrouve à l’écran : les femmes sont presque toutes des propriétés, bien plus que des êtres humains autonomes. Des gangsters, évidemment, ne sont pas des anges, et ce genre d’inégalité est un produit du temps. Jean Gabin offre toute une performance et son personnage peu recommandable ne sort pas totalement vaincu, dans ce film très réussi, que l'on peut classer sans gêne au même niveau qu’un Melville. (5/10/2019)

Twenty-Four Eyes (Kinoshita, 1954). Nous suivons pendant les années trente, et jusqu’à l’année suivant la fin de la guerre, la vie d’Oishi-sensei, une enseignante dans un petit village de campagne. Elle en a que faire de la montée ultranationaliste du gouvernement et ses prétentions guerrières, et laisse une marque indélébile sur ses étudiants et étudiantes. Ponctués de moments mélodramatiques intenses, on nous dresse un portrait criant de la pauvreté qui secoue le pays pendant cette triste période, et ce film agit comme la chronique d’un douloureux passage vers des temps plus paisibles que l’après-guerre semble annoncer. Hideko Takamine est bouleversante dans le rôle principal, et la finale est plus que touchante. Ce n’est pas un grand film, mais c’est un vaillant effort. (24/1/2019)

Un flic (Melville, 1972). La fin de carrière de Melville est particulièrement resplendissante. Ses films sont des grands films, des tours de force stylistiques, avec l’ambition de dépasser le cinéma de genre et de le faire évoluer (ou l’apprivoiser, se le faire sien). « Un flic » poursuit la lignée de grands films que le cinéaste a enchaîné toute sa carrière. On a même droit à une séquence de maquettes pré-« Star Wars » à faire chigner les partisans du CGI embourbant qui paralyse Hollywood depuis plus de 30 ans. Excellent, comme toujours. (10/11/2019)

Valerie and Her Week of Wonders (Jires, 1970). Quand je parlais de renouveler le genre du récit de Vampire, c’est de ce genre de radicalisme dont je parlais! Par ce récit initiatique de la jeune fille, vu à travers le prisme des fantaisies plus ou moins (souvent moins) subtiles de la psyché masculine, ce film nous amène loin des tabous religieux – qui sont d’ailleurs tournés en ridicule tout au long du film –, et de la pudeur occidentale. Le sexe – et saphique, rien de moins – est désormais rédempteur, et le bien et le mal sont des valeurs plutôt complémentaires. Étrange et rafraichissant. (16/11/2019)

War and Peace Part I: Andrei Bolkonsky (Bondarchuk, 1966).Une ambitieuse superproduction du roman de Tolstoï. Ce qui attire immédiatement l’œil, ce sont les mouvements de camera et l’utilisation d’inserts de la nature qui donnent au film une allure moderne. En fait, le scénario est très classique – ce n’est pas rare pour ce genre d’épopée –, mais certains aspects détonnent. Ceux déjà mentionné au niveau de la forme, mais également le jeu restreint de Bondarchuk lui-même, dans le rôle de Pierre Bezukhov, qui permet de pousser un peu plus loin les questionnements de Tolstoï. Il s’agit d’une drôle de bête, et j’ai bien hâte de voir la suite! (19/7/2019)

War and Peace Part II: Natasha Rostova (Bondarchuk, 1966). Une étude de mœurs dans le monde de l’aristocratie russe du début du IXXième siècle. Plus intime que la première partie, la portée affective est cependant plus forte : le drame qui clôt le film est intense et très bien joué. Mon genre de film, quoi! (24/7/2019)

War and Peace Part III: The Year 1812 (Bondarchuk, 1967). Cette partie est une méditation sur la guerre, que l’auteur considère être contre la nature humaine – quel idéalisme! Les scènes d’horreur se multiplient alors que le héros, Pierre, tente d’aider ses compatriotes contre l’armée de Napoléon, qui finit par gagner. La finale est étrange. Est-ce Tolstoy qui diabolise à ce point les français, ou Bondarchuk? Ou est-ce simplement une manœuvre pour faire plaisir aux autorités russe des années 60s? Peut-être est-ce moi qui est trop idéaliste, ici, en m’imaginant que le mal ne connait pas de frontières… (30/7/2019)

War and Peace Part IV: Pierre Bezhukov (Bondarchuk, 1967). Bondarchuk a réussi un exploit presque sans faille : une épopée cinématographique de 7h sur le livre monumental de Tolstoï, qui soit colossale et digne du texte original. Quel dommage que le seule véritable défaut de l’entreprise arrive à la fin de la quatrième partie! Même si la grande majorité des Russes connaissent les détails de la victoire de 1812, j’aurais bien aimé plus d’exposition, subtilement, afin d’expliquer la défaite de Napoléon. Je comprends qu’on voulait montrer que c’est l’âme russe qui a vaincu les français, et non quelques manœuvres militaires, mais quand même, le film aurait bénéficié d’un peu plus de clarté. Donc, en gros, l’ensemble de la production est réussie : bien filmé, bien joué, et plus épique que n’importe quel tour de magie d’Hollywood! (6/8/2019)

William Peter Blatty’s Legion (The Exorcist III – Director’s Cut, Blatty, 1990). Quel dommage que la majorité de la version originale du film soit perdue! Plus de la moitié de Legion, tel qu’imaginé par le réalisateur, lui-même auteur du livre adapté, est monté à partir des copies VHS des rushes du film. De loin supérieur à la version des producteurs, nous avons droit à un polar surnaturel habile, une vision sobre mais d’une efficacité hors du commun (l’horreur subjective et suggestive est tellement plus terrifiante qu’une imagerie trop brute), et des performances d’acteurs phénoménales. (16/4/2019)

[maevewalkerorchestre]

Critique de films 2018

A Night at the Opera (Wood, Goulding, 1935). Le premier film des frères Marx (sans Zeppo) à la MGM, une satire de la haute société et du monde de « l’art noble » qu’est l’opéra. Les scénaristes ne sont pas aussi efficaces que Kalmar et Ruby, qui auraient déçu les trois frères en pré-production. Malgré de bonnes idées et des performances inspirées, ce film demeure dans l’ombre de Duck Soup. Agréable, tout au plus. (15/12/2018)

Akuma no temari-uta (Ichikawa, 1977). Un bon « whodunnit » se déroulant dans un petit village au début des années 50. L'intrigue est complexe, tout comme les nombreux personnages, et les deux protagonistes qui tentent de résoudre le mystère sont charismatiques et engageant. Si la musique peut, à certaines occasions, paraître datée, la mise en scène empêche le film de sombrer dans le kitsch. (3/2/2018)

Annihilation (Garland, 2018). Une variation sur un thème classique : l'humanité découvre l'Autre et celui-ci s'avère être son propre double. Garland s'est grandement amélioré depuis son dernier film, bien qu'il demeure plutôt naïf dans son traitement du sujet. Cela ne nuit pas au produit fini, cependant. (18/3/2018)

Beyond a Reasonable Doubt (Lang, 1956). Un film de cour juridique au rythme lent développant une thèse intéressante contre la peine capitale. Vers la fin, cependant, on nous présente une série de revirements qui apparaissent, de par leurs proximités, plutôt artificielle. Le film donne ainsi l’impression d’avoir mal vieillit, bien que sa naïveté ait pu déranger même à l’époque… (6/10/2018)

Black Panther (Coogler, 2018). Tout peuple, toute nation a droit à ses utopies, et celle que ce film présente est remarquable. On demande peut-être un peu trop au département des effets spéciaux lors des scènes d'actions et la force du film demeure ses personnages, et des performances, engageant. Je lève mon chapeau à Letitia Wright pour son excellent travail. (21/5/2016)

Bram Stoker's Dracula (Coppola, 1992). Une bonne synthèse du mythe de Dracula tel que façonné à travers le 20e siècle par le cinéma. On « gothifie » encore plus le récit en présentant Dracula comme un antihéros romantique, ce qui marche mieux ici que chez d’autres auteurs, littéraires ou cinéastes. La recherche de stars pour incarner les rôles clés fonctionne plus ou moins, malgré toutes les bonnes intentions du monde, bien que Gary Oldman offre l’une de ses meilleures performances. En bref, malgré quelques longueurs dans la poursuite menant à la finale, le film est un modèle de style et de vision. (14/8/2018)

Canoa: A Shameful Memory (Cazals, 1976). D'abord, visuellement, ce film est superbe. La caméra s'immisce avec force chez des personnages d'une palette on ne peut plus variée, de la naïveté abusée à la corruption la plus vile. L'histoire qu'on nous raconte ne peut qu'être vraie, ou du moins l'écho d'une vérité que permet le dispositif cinématographique. Un dispositif d'ailleurs poussée à l'extrême: les personnages nous parlent, nous incluent dans l'humanité qui est montrée. Ce film raconte une injustice sous toutes ses coutures. Important. (23/1/2018)

Carnival of Souls (Harvey, 1962). Une production indépendante, réalisée avec peu de moyen, ce film s'esquisse à la limite d'un classicisme vieillot et d'un modernisme visionnaire. Bonne construction d'atmosphère qui malheureusement n'est pas poussé aussi loin qu'on aurait pu. Mais c'est souvent le cas des innovateurs. Étonnant. (9/2/2018)

Coffy (Hill, 1973). Un film de blaxploitation à propos d'une «vigilante» qui désire venger sa sœur toxicomane. Subversif pour un film d'exploitation, il montre une héroïne en contrôle de sa sexualité et qui ne se retrouve pas punie pour son usage de violence. Charmant. (2/1/2018)

Cry of the City (Siodmak, 1948). Ce drame policier est grandiose. Non seulement l'histoire est engageante, mais le scénario ne cesse de surprendre, malgré un sujet somme toute typique. Surprenant ! (27/1/2018)

Duck Soup (McCarey, 1933). Ce film est un chef-d’œuvre, l’un des films les plus drôles que je n’ai jamais vu. Tout est génial dans ce film : les routines, le scénario, les performances, et, chose rare, une réalisation qui, tout en restant minimaliste, ne peut être décrite autrement que moderne. Ce film est d’une avance prodigieuse pour son temps : non seulement les dialogues sont récités d’une manière résolument moderne par Groucho et Chico (le contraste parfait avec le jeu savoureusement hautain de Margaret Dumont), le rythme, qu’il soit dans la mise en scène ou le montage, est d’une rapidité insensée ! L’exemple parfait d’un flot chaotique de motifs cousu serré qui donne un vigoureux bras d’honneur à l’establishment. (17/11/2018)

El Sur (Erice, 1983). Film somptueux à la direction photo d'une rare beauté qui confère au récit une poésie profonde et sublime. Ce film est incomplet dans l'esprit du réalisateur, mais cela ne parait nullement. Il s'agit d'un grand film.(25/6/2018)

Et au pire, on se mariera (Pool, 2017). J’en sors ébranlé. Toute la question de la violence ordinaire nous arrive en pleine face à la conclusion. Je devrai revoir. (31/8/2018)

Excalibur (Boorman, 1981). Boorman a fait de bons films dans sa carrière, mais celui-ci est monumental. Il rend parfaitement le caractère mythologique de la légende arthurienne sans en négliger les apports chrétiens. La mise en scène est grandiose, tout comme la direction artistique qui, toutes deux, donnent littéralement vie au mythe ! (1/3/2018)

Fahrenheit 451 (Truffaut, 1966). C'est la représentation d'une société amputée de son intellect qui frappe dans ce film. Les dialogues sont savoureux et le rétro-futurisme intéressant. Ce n'est pas le meilleur Truffaut, mais il en demeure tout de même un digne ajout à sa filmographie. (12/5/2018)

Final Fantasy : The Spirits Within (Sakaguchi, Sakakibara, 2001). Ce film est une veritable tragédie. Le créateur de la franchise bien connue des gamers y a vraiment mis une partie de son âme (incluant un bel hommage à sa mère), revisitant les concepts forts de la série de jeux vidéo, mais les dialogues et le design des personnages secondaires sont des caricatures à l’américaine, au lieu des archétypes « tongue in cheek » qui a rendu si populaire la franchise. Malgré tout ses défauts, ce film demeure une intéressante curiosité, mais aurait dû, quitte à avoir opté pour un style d’animation moins réaliste, être produit au Japon. (6/10/2018)

Five Deadly Venoms (Chang, 1978). Un classique du kung fu à la « Shaw Brothers », qui satisfera les amateurs. Pour ma part, le fait d’avoir commencé avec des productions plus récentes et plus spectaculaires m’a coupé un peu le plaisir. Un précurseur. (19/10/2018)

Get Out (Peele, 2017). Si j’ai d’abord été rebuté par le « punch » que je trouvais trop farfelu pour le sérieux de la mise en situation - et du sujet -, je dois avouer qu’il s’agit d’un métaphore extrêmement éloquente de l’esclavage : l’appropriation  de la physicalité des Noirs d’Amérique. Peele fait usage d’autres métaphores tout aussi judicieuses pour traiter de l’histoire afro-américaine, amenant une forte couche discursive à son film. Il jongle à merveilles avec la terreur - le jeu de Daniel Kaluuya à cet effet est grandiose -, la violence, l’absurde, et une parfaite dose de comédie qui allège un sujet lourd d’implications : le personnage de Lil Rel Howery est hilarant! Un film important. (30/1/2018, révisé 23/7/2022)

Hamlet (Branagh, 1996). Une version complète d’Hamlet basée sur deux manuscrits du barde. Branagh, plus mature en tant que réalisateur, réussit un tour de force en adaptant avec doigté l’une des pièces les plus ambitieuses du répertoire théâtral mondial. Dense et extrêmement riche thématiquement, le visionnement peut s’avérer laborieux. (3/9/2018)

Henry V (Branagh, 1989). Ambitieuse adaptation de la pièce de Shakespeare. On sent l'inspiration de plusieurs peintres célèbres dans la réalisation. Branagh passe d'un registre retenu à un surjeu qui lui sied bien. Quelques problèmes de rythme, mais c'est admirable comme premier film. (21/4/2018)

Hiroshima mon amour (Resnais, 1959). Ce film est un « blueprint » de l'une des formes les plus importantes qu'a amené la nouvelle vague, et que l'on retrouvera dans le cinéma international jusqu'à aujourd'hui. Cependant, ce qui viendra après (et même dans le corpus de Resnais) sera encore meilleur. Hiroshima mon amour a mal vieillit et malgré tout le bon vouloir d'Emmanuelle Riva, on n'arrive jamais à une chimie crédible entre les protagonistes. Le thème de l'éternel retour, du temps comme subjectivité sera exploré à nouveau, par le réalisateur, quelques années plus tard dans L'Année dernière à Marienbad avec beaucoup plus de succès. (25/6/2018)

Ikiru (Kurosawa, 1952). Ikiru est un film poignant, puissant, digne des grands dramaturges russes, qui passe d’une exploration du sens de la vie à une critique virulente de la bureaucratie japonaise de l’époque. Il est à deux doigts d’être un chef-d’œuvre, si ce n’était de la performance trop pathétique de Takashi Shimura. La scène des funérailles à elle seule est un tour de force cinématographique. (8/1/2018)

Images (Altman, 1972). Rarement retrouve-t-on un personnage aussi fascinant que la protagoniste de ce film. De la folie meurtrière à son rôle de grande soeur pour la jeune voisine, elle n'est jamais vraiment jugée. Susannah York fait un travail remarquable. Un très bon film qui démontre la très grande maîtrise des atmosphères d'Altman, ce qui n'est pas toujours évident dans son approche semi-documentarisante habituelle. (12/5/2018)

Isle of Dogs (Anderson, 2018). C'est presque un cliché de dire que le dernier Wes Anderson est son plus éclaté... Mais il finit toujours par surprendre avec tel dispositif narratif, tel dialogue, tel personnage, telle performance, etc. Isle of Dogs ne déçoit pas. Et y'a des chiens ! (30/3/2018)

It Came from Outerspace (Arnold, 1953). Peut-être que la plus grande force de ce film est de montrer des visiteurs extra-terrestres qui sont totalement indifférents au sort de l'humanité. Sinon, il s'agit d'une histoire typique du genre avec des dialogues plus ou moins intéressants signés Ray Bradbury. (27/7/2018)

J’irai comme un cheval fou (Arrabal, 1973). En tant que grand admirateur d’Andrei Tarkovski, j’ai appris à aimer un film qui se base sur la poésie plutôt que le symbolisme, ce dernier dispositif stylistique manquant alourdissant considérablement les films, bien souvent mêmes ceux des maîtres. Ce film d’Arrabal exemplifie les dérives d’une telle approche : il manque grossièrement de subtilité, ce qui nuit à ce qui aurait pu être une intéressante sur la renaissance par la régression du soi-disant progrès. De bonnes idées qui tombent à plat, mais une mise en scène détachée qui peut paraître brouillonne, mais que je trouve rafraîchissant. Note : ne pas confondre le symbolisme comme usage de symboles (un item pour un autre) avec le courant artistique initié par Baudelaire !! (17/11/2018)

Kanojo to kare (Hani, 1963). Un film sur les écarts de classes sociales tels que vécus par une femme de la classe moyenne japonaise de l'époque. C'est un film par moment dur, au rythme syncopé (il semble que le réalisateur ne suivait aucun scénario), à la caméra agile, et porté par le charisme de la protagoniste jouée par Sachiko Hidari. (18/1/2018)

Kurutta kajitsu (Nakahira, 1956). Ce film japonais appelle la Nouvelle Vague française par son style sobre, sa mise en scène naturalisante et son intrigue d'une simplicité trompeuse. Bien sûr, le film prend du temps à démarrer, mais il montre une réalité crue, presque effrayante, où les enfants de riches s'ennuient et se moquent de leurs aînés, et où les filles ne sont à peine plus que des biens de consommations. (6/1/2018)

L’Armée des ombres (Melville, 1969). Chroniques de résistants français fictifs pendant la seconde guerre mondiale. Malgré une mise en scène plutôt froide et distante, les personnages parviennent à nous émouvoir grâce à un jeu subtil mais efficace. On assiste à un déséquilibre émotionnel qui, au lieu de nuire à la l’acte de spectature, renforcit le propos ambivalent en une réflexion sur la guerre extrêmement pertinente et  déchirante. (27/10/2018)

L'Hypothèse du tableau volé (Ruiz, 1978). Ce film à la frontière du solliloque théâtral et du (faux) documentaire, si on accepte l'exercice de style, présente une intrigue enlevante et une mythologie franchement charmante. (16/6/2018)

L'Illusionniste (Chomet, 2010). Partant d'un scénario de Jacques Tati, Chomet tente de rendre hommage au cinéaste et le résultat n’est pas convainquant. Chomet n'a absolument pas le sens du gag que le maître avait, ce qui rend l'hommage bien superficiel. La relation entre les personnages est intéressante et d'une sensibilité remarquable, mais l'intrigue passe mal et le film laisse vraiment sur la faim. Décevant. (17/2/2018)

Léolo (Lauzon, 1992). Drame poétique très cru (rabelaisien ?) de Lauzon, un film sur l’art, sur l’expérience humaine médiatisé par la littérature. Magnifiquement filmé et interprété (malgré quelques bourdes ici et là), ce film mérite sa place parmi les classiques. (6/9/2018)

Léon (Besson, 1994). Malgré un Gary Oldman qui en met trop à en devenir dérangeant pendant le premier acte, Jean Reno, avec sa composition d'homme-enfant pour son personnage, une Natalie Portman précoce parfaite - elle est capable de tenir tête à Oldman pendant leur confrontation, ce qui n'est pas rien, - et une imagerie de la cité américaine fort poétique pour un sujet aussi terre à terre, le film est réussi. (27/7/2018)

Les États-Unis d'Albert (Forcier, 2005). Une fois de plus, André Forcier nous fait parcourir l'Amérique de ses rêves pour y discourir de ses obsessions sur l'amour, la mort, le cinéma, et la femme. S'il est moins achevé qu'« Qu'embrasse-moi comme tu m'aimes » ou « La Comtesse de Bâton-Rouge », on peut compter sur Forcier pour nous faire voyager dans son imaginaire débridé et poétique. (27/1/2018)

Les Yeux sans visage (Franju, 1960). Magnifique drame fantastique toute en retenue, aux performances solides (Edith Scob est magnifique) et à la stylistique soignée. Certaines scènes sont très inconfortables pour l’époque, mais surtout, c’est l’atmosphère qui créée le malaise. Un grand film de genre ! (8/9/2018)

Lucky (Lynch, J C, 2017). Quel film incroyable. Harry Dean Stanton est en grande forme malgré l'âge, et rend efficacement le périple de son personnage vers l'illumination. Et ce n'est pas un «trip» prétentieux, mais bien un récit empreint d'une simplicité et d'une humilité rafraichissante. Inspirant. (11/1/2018)

Ma nuit chez Maud (Rohmer, 1969). Une odyssée dans les méandres des relations amoureuses en confrontant les théories de Blaise Pascal avec la foi catholique. Rohmer fait preuve de la plus haute confiance en ses acteurs, qui brillent, particulièrement Jean-Louis Trintignant et Françoise Fabian. Habile utilisation de la monstration et du dialogue. (5/5/2018)

Matinee (Dante, 1993). Ce qui aurait pu être un bel hommage au série B d’horreur des années 50-60 tombe à plat dans ce film de Joe Dante qui recherche trop le gag et finit par tomber sur les nerfs. Le réalisateur réussit cependant à aller chercher des performances solides de ses acteurs, mais cela ne rachète pas le film, malheureusement. (9/2/2018)

Modern Times (Chaplin, 1936). Des routines géniales, un propos béton, il s’agit d’un classique indémodable et toujours hilarant ! (30/9/2018)

Mouchette (Bresson, 1967). Tragédie ô combien humaine d’après Bernanos. Le film maîtrise un pathos froid mais sans s’éloigner de sa protagoniste. (3/11/2018)

Mulan (Bancroft, Cook, 1998). Une autre légende formatée à l’Américaine qui devient une « underdog story » pseudo-féministe. Ennuyant. (21/1/2018)

Night of the Living Dead (Romero, 1968). Un film aussi sophistiqué tourné avec aussi peu de moyen est une chose rare. Mais le comble, c'est qu'un tel film marque la création d'un genre – ou sous-genre, en soit ! (13/2/2018)

Nikita (Besson, 1990). Plus près de la bande dessinée à la Frank Miller que du Polar à la Melvile (bien qu’on pourrait y tirer une filiation), Nikita partage les moments d’ultra-violence avec des moments d’une incroyable tendresse. Besson sera toujours meilleur à la mise en scène dans sa langue maternelle, bien qu’il ait produit de bons films à Hollywood. Je lève mon chapeau à la performance de Jean-Hugues Anglade. (17/8/2018)

Outrage Coda (Kitano, 2017). Kitano est surprenant, et sa filmographie contient des films allant de chefs-d’œuvre à navets. Outrage Coda termine la trilogie Outrage de manière admirable, et si certains motifs sont familiers, le film parvient à garder une certaine fraîcheur. (5/5/2018)

Parents (Balaban, 1989). Un tour de force. Suspense inquiétant à la réalisation intrigante et efficace. Un regard sur le revert de la banlieue américaine des années 50, avec une certaine substance allégorique qui enrichit le visionnement. Bravo ! (28/4/2018)

Queen Christina (Mamoulian, 1933). Superbe ! Un grand film ! Moderne avant l’heure, et pas seulement du fait de son héroïne forte et indépendante, on y retrouve entre autres des clins d’œil à l’expressionnisme allemand, du théâtre, des arts picturaux, et surtout, la protagoniste est consciente de sa propre condition de construction sociale, de valeur discursive. Et Garbo domine. Sa personnalité est effervescente, elle est plus qu’une femme, elle est un monument de femme ! Elle est elle-même une construction discursive ! Quel film ! Et ce regard… (19/10/2018)

Ready Player One (Spieberg, 2018). Ce film est mauvais, vide du début à la fin. C’est du fast-food cinématographique aux références multiples qui n’apportent absolument rien. Vide, vide, vide. (25/12/2018)

Return to Oz (Murch, 1985). Ce film n'est pas un chef-d’œuvre, mais sied bien avec un certain genre de cinéma familial plutôt sombre qui ont marqués les années 80. Presque tous les trucages sont plus qu'étonnant, et la prémisse même du film est incroyablement sinistre, que ce soit le psychiatre et ses inventions diaboliques, ou la destruction de la fantaisie que l'on retrouve une fois au pays d'Oz. Et la jeune Fairuza Balk offre l'une des meilleures performances d'enfants acteurs américains. Captivant. (1/7/2018)

Richard III (Olivier, 1955). Malgré une direction artistique plutôt daté, ce film est un monument à la performance plus que géniale de Laurence Olivier. Sa caméra contrôlé laisse toute la place aux acteurs et offre une image sobre et une clarté qui permet pleinement de savourer le drame. (16/6/2018)

Rudolph the Red-Nosed Reindeer (Roemer, 1964). J’ai trouvé ce film ennuyant, seulement ennuyant. Peut-être a-t-il mal vieilli… Ce n’est pas un mauvais film, je n’ai simplement pas aimé. (25/12/2018)

Safety Last! (Neymeyer, Taylor, 1923). On ne retrouve pas le génie de Buster Keaton ou Charlie Chaplin dans ce film, et certains gags sont un peu forcés. Il y a cependant quelques bijoux de scènes, comme ces péripéties au magasin avant que la fiancée du protagoniste n'arrive, et bien sûr, l'ascension du bâtiment à la fin. (27/1/2017)

Serial Lover (Huth, 1998). Une comédie noire avec un style tape-à-l’œil qui aide, pour une fois, au lieu de nuire. Que dire de plus? C’est charmant! (1/12/2018)

Solo: A Star Wars Story (Howard, 2018). D'entrée de jeu, le scénario manque de punch, et c'est l'habileté du réalisateur à réaliser de bonnes séquences d'action qui sauve le film. La scène du train et les deux parties de cartes sont des moments remarquables. Mais la relation de Solo avec Qi'ra ne décolle jamais vraiment. Bref, je suis resté sur ma faim. (26/5/2018)

Star Trek: Generations (Carson, 1994). « Star Trek: Generations » est la continuation thématique parfaite de la série « Star Trek: The Next Generation ». Grâce à la belle et contemplative musique du compositeur sous-estimé Dennis McCarthy, on retrouve l’atmosphère si familière, si confortable des quatre dernières saisons de la série. Au cœur du film se retrouve la famille, la valeur si précieuse pour les nord-américains. Mais elle n’est pas présentée comme le triomphe ultime de tout individu. Elle a simplement sa place au sein d’une condition humaine complexe mais porteuse d’un espoir tangible. Les capitaines Picard et Kirk y renoncent dans le but de la défendre. L’antagoniste Soran, quant à lui, agit non pas dans le but d’acquérir richesse et pouvoir, mais bien dans l’obsession de retrouver sa famille perdue. Cette valeur est traitée avec une certaine subtilité, elle n’est pas gravée dans le cœur des spectateurs comme il est commun de le faire à Hollywood. Mais il y a plus. Ce film de science-fiction est beau : l’espace, ses astres, les décors, intérieurs comme extérieurs, sont superbes. La direction photo passe de clairs/obscurs subtils à des à-plats saturées somptueux. La science-fiction est devenue si monochrome et glauque depuis lors ! Malgré quelques erreurs de mise-en-scène, le produit final est un film humaniste avec une touche efficace d’aventure sous la loupe du prisme utopique que Gene Roddenberry souhaitait conférer à l’univers de « The Next Generation ». (25/1/2018)

Stay Hungry (Rafelson, 1976). Une étrange étude de caractère qui peine à traiter efficacement des conflits de classes sociales. Les performances sont solides (même celle d'Arnold S. tient la route !) mais le scénario est décousu. L'intrigue se resserre vers la fin, mais paradoxalement, le manque de cohérence s'amplifie. Étrange. (17/2/2018)

The Big Gundown (Sollima, 1966). Un film intéressant. L’intrigue suit des thèmes classiques, mais on y amène d’intéressante variation. La mise en scène, cependant, est beaucoup trop sobre et n’a pas la touche « bédéesque » habituellement propre au spaghetti western. Le climax ramène le « showdown » à trois de The Good, the Bad, and the Ugly, mais sans montée dramatique efficace. Bref, un film agréable, mais sans plus. (30/8/2018)

The Golden Child (Ritchie, 1986). Un film d'action/aventure alors qu'Eddie Murphy était au sommet de son art. Bon dosage d'humour dans un scénario mêlant habilement le folklore judéo-chrétien et les légendes d'orient. La version française est particulièrement efficace ! (13/4/2018)

The Immortal Story (Welles, 1968). Très beau film d'Orson Welles que l'on pourrait peut-être qualifier de «symboliste» (?) Le réalisateur démontre une fois de plus une maîtrise exceptionnelle de son art, et Jeanne Moreau est splendide. Très beau. (21/4/2018)

The Ipcress File (Furie, 1965). Un film d'espionnage efficace avec quelques éléments qui frôlent la science-fiction (du moins, je le crois). Un bon thrilller tout en retenue, comme je les aime ! (11/1/2018)

The Little Drummer Girl (Hill, 1984). Une adaptation d’un roman de John le Carré qui se penche sur l’ambivalence du conflit israélo-palestinien. Les acteurs offrent de solides performances (Klaus Kinski brille) bien que les motivations de l’héroïne soient par moment floues. La réalisation n’est pas flamboyante, mais bien rythmée. Seul la musique ne convient vraiment pas au genre, et paraît extrêmement daté. (1/12/2018)

The Lost World (Hoyt, 1925). Je n'ai pas lu le livre de Conan Doyle, mais en tant qu'artéfact cinématographique, ce film, le premier long métrage à utiliser le tournage image par image, est essentiellement le modèle originelle du film de monstres comme King Kong et combien d'autres. Trucages parfois intéressants, intrigue (trop) classique et datée. (13/7/2018)

The Man Who Knew Too Much (Hitchcock, 1956). Ce film est d'une efficacité remarquable et enchaîne les scènes filmées et montées avec le plus grand doigté. Vraiment excellent. (16/1/2018)

The Misfits (Huston, 1961). Un drame psychologique remarquable, sur la mort des idéaux du Far West et la déconstruction du mythe du cowboy. Les personnages sont complexes et l’interprétation rend fort bien cette complexité : bien qu’ils symbolisent des archétypes classiques, nous sommes loin des personnalités unidimensionnels qui minent souvent Hollywood. Marilyn Monroe démontre un véritable talent pour le jeu, et ce malgré une bien mauvaise condition physique pendant le tournage. Proto-féministe et même écologiste, ce film est une agréable surprise. (13/9/2018)

The Other Side of the Wind (Welles, 2018). Le dernier film de Welles monté selon ses dernières notes. C’est déroutant, du début à la fin. Une autofiction, un film sur Hollywood, sur Welles lui-même – sans pourtant être autobiographique, – expérimental tout en restant très terre à terre. C’est le mot : déroutant. (3/11/2018)

The Plague Dogs (Rosen, 1982). Un film d'animation efficace sur la cruauté ordinaire. Sombre, triste, un puissant manifeste contre la violence tranquille que nous faisons subir aux animaux. (13/7/2018)

The Runaways (Sigismondi, 2010). Un drame biographique qui, sans être génial, se base sur des performances solides (oui oui, même Kristen Stewart qui semble être née pour incarner Joan Jett...), et une très bonne histoire. Peut-être pourrait-on lui reprocher un formalisme un peu envahissant, mais rien ne gâche l'ensemble. (6/2/2018)

The Russia House (Schepisi, 1990). Adaptation d'un roman de John le Carré. L'intrigue intéressante et la mise en scène efficace permettent à un amour peu commun de naître à l'écran, sans tomber dans la sensiblerie. Seule ombre au tableau : la musique. On a choisi un jazz néo-classique qui a mal vieilli, et offre peu de saveur. (21/2/2018)

The Shape of Water (del Toro, 2017). Il faut un talent spécial pour faire un film intéressant tout en étant classique et convenu. Apparemment, Guillermo del Toro n'a pas ce talent. Mais bon, il a probablement réalisé le E.T. d'une nouvelle génération. C'est dommage car l'interprétation est plus qu'honnête et le visuel est grandiose. Mais l'oscar aurait dû aller à Get Out, un film de genre qui, même si sa prémisse était farfelue, s'essayait quand même à nous surprendre. The Shape of Water est parfait pour le public américain, l'emportant sur le racisme tranquille en nous rappelant les horreurs de la guerre froide. (16/3/2018)

The Trial (Welles, 1962). En tant que film (je n'ai pas lu «Le Procès»), nous sommes très près d'un chef-d'oeuvre. Welles utilise à merveille l'architecture européenne et sa caméra crée des atmosphères étranges dans lesquelles évoluent des personnages dont les actes suivent une logique onirique empreinte de cynisme et de désespoir. Un grand film. (6/2/2018)

Thor: Ragnarok (Waititi, 2017). Je viens de comprendre ce que je n'aime pas des univers de super-héros : je m'y sens comme un étranger, je ne veux pas faire partie du monde qu'on me montre. Ce film m'a foutu le cafard. Cependant, je dois faire l'éloge de Waititi qui se sert habilement du cabotinage pour compenser le manque discursif. Ce film demeure un exemple sympathique du divertissement hollywodien d'aujourd'hui. Faut s'y faire, j'imagine... (18/3/2018)

Une histoire d'amour (Andersson, 1970). Superbe histoire d'un amour adolescent, qui montre que de tels sentiments précoces sont importants, surtout devant une vie adulte bien souvent des plus absurdes. (6/4/2018)

Une pure formalité (Tornatore, 1994). Un film où un interrogatoire de police devient une sorte de jugement dernier pour un homme dont la subjectivité, et la mémoire, s'échappent. La mise en scène est soignée et juste, prouvant l'énorme talent du réalisateur, ainsi que ses interprètes. (31/3/2018)

Uzumaki (Higuchinsky, 2000). Un film d'horreur qui est intéressé plus par l'étrange que l'épouvante. Le résultat est un ovni cinématographique bien curieux qui risque de frustrer l'amateur d'un cinéma plus classique, surtout dans la forme narrative. Hypnotique et très beau. (1/2/2018)

Wonderstruck (Haynes, 2017). Ce film est une odyssée à travers le temps et l'espace, bien sûr, qui aurait pu facilement sombrer dans la prétention. Mais la réalisation toute en retenue rend le film accessible et émouvant. Une réussite. (6/1/2018)

You, the Living (Andersson, 2007). Une exploration de la société humaine avec toute l'étrangeté dont le Andersson est capable. On est incapable de dire si on doit réfléchir, ou simplement ressentir les tableaux qu'on nous présente. Et ressentir quoi ? Quelles émotions cherche-t-on à nous communiquer. Il s'agit de l'un des meilleurs films du réalisateur. (1/7/2018)

[maevewalkerorchestre]

Critiques de films 2017

10 Cloverfield Lane (Trachtenberg, 2016). C'est comme une joke, avec un punch douteux... John Goodman et Mary Elizabeth Winstead sont excellents. (1/4/2017)

42 (Helgeland, 2013). Un biopic sur Jackie Robinson avec une distribution ahurissante. La musique trop convenue gâche les atmosphères, l'élément majeur qui fait que le film ne dépasse pas la catégorie de biopic. Comme ce serait bien de pouvoir dire : le racisme en Amérique est chose du passé... (9/3/2017)

50/50 (Levine, 2011). Un bon petit film sur un sujet délicat. Aurait facilement pu tomber dans la caricature, mais on sait s'arrêter à temps. Anna Kendrick illumine. (30/3/2017)

1900 (Bertolucci, 1976). Une saga familiale de 5 heures se déroulant en Italie pendant la première moitié du vingtième siècle. Deux personnages incarnant certains idéaux font face au fascisme, l'un du point de vue de la bourgeoisie, l'autre du parti communiste. Très cru dans sa manière d'aborder ses thèmes, le film peut être choquant, captivant, et souvent très cruel. Extrêmement ambitieux, regarder ce film est un événement en soi. Et que continue la guerre des classes ! (21/10/2017)

A Dirty Carnival (Yoo, 2006). Un bon film de gangster aux touches de mélodrame. Ne réinvente pas la roue, mais se regarde bien. (2/3/2017)

A Most Wanted Man (Corbijn, 2014). Difficile de parler du film sans mentionner les « punches ». Il s'agit d'un film d'espionnage où le monde n'est qu'ambivalence et fausses apparences. La performance de Philip Seymour Hoffman est pur génie.

A Shot in the Dark (Edwards, 1964). Une comédie dont les punches n'arrivent pas vite. On ne laisse pas assez de place à Sellers, qui est franchement drôle la plupart du temps. Kubrick, la même année, l'utilisera de façon bien plus efficace dans Dr. Strangelove. Malgré tout, «A Shot in the Dark» est un film amusant avec de bonnes idées. (9/7/2017)

About Time (Curtis, 2013). Une comédie romantique avec un brin de magie. Ne tombe absolument pas dans les conventions hollywoodiennes du genre. La distribution assure et l'ensemble est très réussi. (17/3/2017)

Ace in the Hole (Wilder, 1951). Ce film dénonce la presse à sensation. Ton particulièrement sombre pour l'époque. Portrait poignant de Kirk Douglas. (25/2/2017)

Akira (Otomo, 1988). Un film extrêmement ambitieux qui n'est pas tout à fait le chef-d’œuvre décrié par plus d'un : l'intrigue est trop décousu et les thèmes ne sont qu'esquissés (Le manga, lui, mérite tous les éloges), jamais développés de manière satisfaisante. Cependant, ce film est un monument au grotesque carnavalesque, parfaitement intégré à son univers de science-fiction dystopique. (6/3/2017)

 Alice in the Cities (Wenders, 1974). Je dois revoir ce film. Une odyssée qui part d'une Amérique aliénante vers une Europe idéalisée, enchanteresse. Le charisme de la petite Alice nous séduit immédiatement : elle est parfois mignonne et parfois exaspérante. On peut donc aisément comprendre les états d'âmes du journaliste. Excellent. (11/11/2017)

An Adventure in Space and Time (McDonough, 2013). Un TV Movie sur les débuts de Dr. Who. On ne réinvente pas la roue, loin de là, mais les performances offertes sont sympathiques. (24/6/2017)

An Empress and the Warriors (Ching, 2008). Un film de cape et d'épée chinois très charmant, qui rappelle les meilleurs animes du Japon. La musique est pompeuse au point de faire rire, mais elle sert le film parfaitement : une tragédie où se mêle l'amour, la trahison et la politique, portée par des acteurs en bonne forme et une direction artistique impressionnante. J'ai vraiment aimé ! (22/4/2017)

Apt Pupil (Singer, 1998). Bryan Singer est un réalisateur très talentueux. Ce film montre ce qu'il peut faire avec deux très bons acteurs, même si la fin recherche trop le «punch». C'est standard à Hollywood, j'en conviens, mais ici on aurait pu filmer le même scénario avec plus de subtilité à la finale. (13/8/2017)

Ascenseur pour l'échafaud (Malle, 1958). Un drôle de polar, si on peut le qualifier ainsi, mettant en vedette des personnages désabusés, un peu «losers», et une suite de coïncidences pathétiques. Tout cela donne un grand film ! Bravo ! (4/2/2017)

Baby Driver (Wright, 2017). Un genre de thriller léger aux forts accent de film d'action très bien usiné. On se sert du dispositif cinématographique de manière astucieuse, bien qu'on ne réinvente pas la roue. On étire parfois le suspense, mais rien de vraiment désagréable. (14/9/2017)

Barton Fink (Coen, 1991). Bien qu'il manque le raffinement de leurs projets plus récents, ce film a de la classe, et me laisse avec plusieurs questions. Est-ce que seul l'acte de tenter une carrière de scénariste à Hollywood est suffisant pour vendre son âme ? Un jugement sévère, mais peut-être pas si farfelu... (2/9/2017)

Being There (Ashby, 1979). Un intéressant film. D'abord, Peter Sellers s'affiche en tant que grand acteur et offre une performance touchante d'une sobriété contrôlée avec la plus grande minutie. Le côté satirique du film est évident, mais je ne suis pas certain du discours derrière l'ensemble du film. Cette finale propulsant le film dans le réalisme magique est déroutante... (19/8/2017)

Black Book (Verhoeven, 2006). Un film de guerre très intéressant qui raconte les derniers mois de la seconde guerre mondiale en Hollande. On se joue dans le dos les uns les autres, et si la vertu existe dans ce chaos de cruauté, elle se trouve derrière des vies complexes et déchirées. (27/4/2017)

Blade Runner 2049 (Villeneuve, 2017). Avant le visionnement : Ce dimanche 15 octobre, je vais voir Blade Runner 2049. Je dois noter ici que Blade Runner a d'abord débuté comme un bon tech-noir à l'imagerie géniale, mais sans plus. Il faut attendre le début des années 90 et le Director's Cut (le premier) pour que ce film, en retirant la narration bidon et le happy-end factice, ne devienne un chef-d’œuvre de la science-fiction. J'ai bien hâte de voir ce qu'en fait Denis Villeneuve, un maître du style qui manque souvent de subtilité. À demain ! Après visionnement : Blade Runner 2049 (Villeneuve, 2017). J'ai finalement vu le film, dont j'ai entendu dire que les performances au box office n'ont pas été très bonnes, malgré l'attente, les prévisions, et les critiques positives qu'il a reçu. Je dois dire que c'est assez rare qu'un film d'une telle lenteur (une très belle lenteur, je dois dire) apparaît dans une production hollywoodienne. Et pour une fois, Denis Villeneuve se laisse aller à la subtilité, C'est sans doute la preière fois dans sa carrière états-unienne. L'intrigue est intéressante et l'utilisation de l'univers développé dans le «Blade Runner» original permet à Villeneuve de se laisser aller à ce qu'il fait de mieux : des atmosphères avec du style. Ce film est un triomphe stylistique, et pour une fois, le contenu et le contenant se réfèrent l'un à l'autre de manière harmonieuse et élégante. Pour un film de sa durée, qu'on ne se trouve jamais ennuyé est remarquable. Ryan Gosling n'est pas un grand acteur et son jeu est faible par endroit, mais dans l'ensemble, je dois dire qu'il se surpasse ! Ce film n'est pas un chef-d’œuvre, mais il est digne de celui dont il est la suite. (28/12/2017)

Busters verden (August, 1984). Un «feel good movie» à propos d'un jeune garçon qui affronte la vie avec somme toute de la bonne humeur. Ça en vient presque à chambouler les règles classiques du drame. Très bon ! (3/8/2017)

Che: Parts One & Two (Soderbergh, 2008). Je suis mal placé pour juger de la validité historique, mes connaissances en histoire de l'Amérique latine étant limitées. Cependant, ce diptyque est excellent. La première partie est rythmé, «punché», mais ne tombe pas dans les clichés du film de guerre. La seconde partie pourrait presque être un film de Malick, elle est plus contemplative mais très inspirée. Benicio Del Toro est au meilleur de sa forme. (29/4/2017)

Claude Gauvreau - poète (Labrecque, 1974). Poète révolutionnaire qui cherchait l'au-delà de la langue, j'ai, à plus d'une occasion, versé une larme pour ce personnage que je connais trop peu. Quel joie, également, de voir jouer Gilles Renaud et Robert Gravel dans leur jeunesse qui semble d'une autre vie. (17/3/2017)

Contagion (Soderbergh, 2011). Film adroitement réalisé à la distribution impressionnante. Le scénario est un peu sensationnaliste mais ça fonctionne. (7/4/2017)

Cops vs Thugs (Fukasaku, 1975). Il s'agit d'un Fukasaku. Les yakuzas sont tout sauf romancés et le crime, bien que semblant être une composante obligée de la vie en société, paie rarement. Très bon. (27/5/2017)

Coup de torchon (Tavernier, 1981). Dramatique portrait de la France coloniale à l'aube de la seconde guerre mondiale. Protagoniste complexe qui remet en cause la violence de son peuple en faisant preuve d'encore plus de violence. Un grand film. (21/1/2017)

Dangerous Liaisons (Frears, 1988). Vraiment un excellent film, illustrant à merveille toute cette intrigue aristocratique si vaine, cette cruauté refoulée, cette sexualité réprimée... Un très bon film. (21/2/2017)

Dawn of the Planet of the Apes (Reeves, 2014). Bon, j'imagine que c'est le plus recherché qu'un blockbuster hollywoodien peut l'être à notre époque. On peut se poser des questions à propos de l'inévitabilité des jeux de pouvoir derrière les grandes guerres, sans tomber dans les grandes ambiguïtés propre à la nature humaine qu'un cinéma indépendant (qui n'aurait jamais pu obtenir les fonds nécessaires à un film comme celui-ci) aurait pu explorer. Intéressant. (14/11/2017)

Dazed and Confused (Linklater, 1993). L'ambition était de refaire un «American Graffiti» pour les années 1990, mais le film tombe à plat. Les personnages sont vides, ce qui est dommage pour les acteurs qui donnent tout ce qu'ils ont. Il manque un principe unificateur qui viendrait donner un sens poétique au film. Décidément je ne semble pas compatible avec le cinéma de Linklater. (6/2/2017)

Dead End Drive-In (Trenchard-Smith, 1986). Un petit film qui empeste les années 80, mais dont l'ambition est d'offrir une métaphore pour la société aux prises avec le «système en place». Malgré la thématique potentiellement riche, le film ne vole pas bien haut. (17/1/2017)

Dellamorte Dellamore, (Soavi, 1994). Une comédie d'horreur bien absurde qui permet au réalisateur une exploration formelle parfois étonnante. Mais je ne suis pas le bon public pour ce genre d'effort. (28/3/2017)

Do the Right Thing (Lee, 1989). Chronique des habitants d'une même rue dans le Brooklyn de la fin des années 1980. Personnages engageant, bonne mise en scène des phénomènes sociaux (on les observe, le film n'est pas didactique). Un beau et bon film. (6/2/2017)

Doctor Strange (Derrickson, 2016). Sur un scénario peu remarquable, on retrouve un intéressant aspect visuel. Il s'agit d'un des rares films de Marvel que je laisserais voir à des enfants. Il est aussi difficile de critiquer l'interprétation, quand on a affaire à Benedict Cumberbatch, Chiwetel Ejiofor, Rachel McAdams, et Tilda Swinton. (21/3/2017)

Donnie Darko (Theatrical Cut, Kelly, 2001). Un film de science-fiction qui suit les codes du film fantastique (surtout l'usage de l'inquiétante-étrangeté). Malgré quelques défauts de mise en scène, un certain manque de subtilité ça et là, et un scénario très dense, cette version du film est magnifique : on ne révèle pas trop, tout se tient et se communique en autant que nous soyons spectateurs «actifs». (25/4/2017)

Don't Breathe (Alvarez, 2016). Je ne suis pas un bon public pour ce genre de film. Les clichés sont pitoyables et le fait de toujours chercher la péripétie m'énerve. Je n'ai vraiment pas aimé. (31/1/2017)

Dunkirk (Nolan, 2017). Après une série de films pseudo-intello magistralement manqués, Nolan nous montre enfin ce dont il est capable. Avec un minimum de discours métafilmiques concentrés à la toute fin, le cinéaste utilise la caméra cinématographique dans ce qu'elle fait de mieux : montrer. Même Hans Zimmer se dépasse dans ce film, et troque les ambiances sans âmes pour des atmosphères minimalistes plutôt inspirés. N'étant pas familier avec les événements relatés par le film, je devrai le revoir, mais ce sera loin d'être un fardeau ! (9/12/2017)

Elle (Verhoeven, 2016). Une histoire de relations tordues, de viols, de violence «ordinaire» avec une étrange touche d'humour burlesque. Verhoeven en grande forme. (15/4/2017)

Eros + Massacre (Director's cut, Yoshida, 1969). Plus une expérience qu'un film, il s'agit à tout le moins d'un chef-d’œuvre formel. Si l'allégorie historique s'alourdie, surtout vers la fin, on ne peut que rester sans mot devant cet ambitieux monument. (11/8/2017)

Faster, Pussycat! Kill! Kill! (Meyer, 1965). Un film de sexploitation qui confère à la femme la violence bien masculine et son amour des voitures. Le résultat ne pouvait être que culte, mêlant de manière chaotique une volonté de sortir la femme des conventions sociales, tout en ne leur permettant pas de vivre. Meyer n'est pas un progressiste, mais un témoin pour le moins intéressant de son époque ! (10/8/2017)

Ghost in the Shell (Sanders, 2017). Adaptation bien états-unienne de la franchise japonaise. Le ton cabotin du manga, comme ce fut le cas pour les deux adaptations cinématographiques de Mamoru Oshii, a été évacué pour se concentrer sur des thèmes plus sérieux.

Évidemment, aux États-Unis, on a que faire des méditations ontologiques et métaphysiques dont regorgent les chefs-d’œuvre d'Oshii. On se concentre plutôt sur la famille, la lutte des classes, le corporatisme, et même une version moderne du bon vieux justicier des westerns. Une bonne adaptation, à la distribution compétente et aux clins d'œil formels plutôt réussis. (2/4/2017)

 Green Room (Saulnier, 2015). Un film d'horreur/thriller ordinaire. Bonnes performances, mais vide de contenu. (18/2/2017)

Hell in the Pacific (Boorman, 1968). Très bon film, le plus visuellement léché de Boorman, peut-être, dont la finale, qui montre la guerre comme un no man's land à la fois sur les plans géophysiques et intellectuels, est très audacieuse. La musique de Lalo Schifrin est fameuse, Mifune et Marvin en grande forme. (16/7/2017

 Hellboy (del Toro, 2004). Je n'aime pas particulièrement la manière dont del Toro manipule le drame, alors quand il se retient, afin de faire un film grand public, ça me plaît ! (11/2/2017)

Hellboy II: The Golden Army (del Toro, 2008). Le second surpasse le premier. Tant qu'à faire grand public, on ne se prend pas au sérieux, on se laisse aller aux designs les plus fous et surtout, on fait confiance à l'imagination du réalisateur ! (11/2/2017)

Henry: Portrait of a Serial Killer (McNaughton, 1986). Extrêmement bien fait et efficace, suivre les aventures d'un tueur en série et le destin tragique des gens de son entourage ne me procure cependant aucun plaisir. C'est infiniment triste, tragique, horrifiant. (4/4/2017)

Immortal Beloved (Rose, 1994). Une tentative de répondre à l’énigme de la lettre à « L’immortelle bien-aimée » écrite par Beethoven à une amoureuse inconnue en 1812. La vérité historique est moins importante que l’extrême romantisme d’un personnage tragique et le film fonctionne à merveille. M’a profondément ému. (25/11/2017)

In a World... (Bell, 2013). Comédie légère, bien sympathique qui ne cherche pas à choquer, mais bien à rire de situations bien amenées avec une bonne dose de subtilité. Pas révolutionnaire, mais agréable. (13/8/2017)

In Cold Blood (Brooks, 1967). Une sombre histoire d'un crime sordide. On est à l'époque où l'on s'en permet de plus en plus côté violence et démence à l'écran. Les deux acteurs principaux offrent une performance plus qu'efficace. La réalisation est inventive. (7/3/2017)

Invasion of the Body Snatchers (Kaufman, 1978). Les bons films de genre ne vieillissent pas. La réalisation de celui-ci est sublime et la progression dramatique, bien qu'elle s'étire en au moins 15 minutes de trop vers la fin, est enlevante ! (4/2/2017)

Jabberwocky (Gilliam, 1977). Ce film est une drôle de bête (dans le sens de...). Il recherche parfois trop les gags, mais contrairement à « Monty Python and the Holy Grail », la direction photo est somptueuse. Bref, Terry Gilliam se fait la main, et ce n'est pas désagréable à regarder ! (6/12/2017)

Jack Reacher (McQuarrie, 2012). Pour moi, c'est ça, un film de super-héros contemporain. Plus besoin de costume, juste des actions. L'histoire est envoûtante et la réalisation très adroite. Un bon Hollywood bien usiné. (5/1/2017)

Jason and the Argonauts (Chaffey, 1963). Ça c'est du film d'aventure pur ! Ça c'est des trucages étonnants (signés Ray Harryhausen). En fait, il ne manque qu'un rythme effréné pour correspondre au goût du jour. Mais peut-être que ce sont les gens d'aujourd'hui qui ont besoin de ralentir ? (16/11/2017)

Jurassic Park (Spielberg, 1993). Mon Dieu, ce film a tellement bien vieilli ! Un spectacle d'action/aventure avec une touche d'humour noir et des personnages intéressants qui ne s'avère pas aussi vides qu'on aurait pu l'imaginer dans une superproduction hollywoodienne. Surprenant ! (9/12/2017)

King Kong (Cooper, Schoedsack, 1933). Un film de monstre génial aux trucages ingénieux malgré les avancés technologiques de tout un siècle. Le scénario souffre d'une overdose de colonialisme et d'un brin de misogynie, mais considérant l'époque, c'est très bon ! (26/9/2017)

Kung Fu Jungle (Chan, 2014). Un Donnie Yen, ça se regarde tellement bien que c'en est presque un péché. Ce sont les clichés qui en font le charme (clichés du cinéma d'action hong kongais). (21/1/2017)

La Chambre verte (Truffaut, 1978). Bouleversant, c'est le mot. Un film incroyablement magnifique, autant que tragique. Ce film traite de la valeur d'un souvenir, et de deux manières opposées de célébrer le passé. Pour un film verbeux, Truffaut réalise un œuvre d'une grande subtilité, d'une grande humilité. Franchement, j'ai adoré. (7/2/2017)

La Tortue rouge (Dudok de Wit, 2016). Fable émouvante sur la vie familiale, le mythique jamais trop loin. Excellent exercice de style. Travail remarquable côté visuel. (23/2/2017)

Lady Bird (Gerwig, 2017). Le premier long métrage de Greta Gerwig est un bijou absolument génial. Les personnages, c'est peut-être cliché de le dire, font «vrais», mais d'une manière théâtrale, comme chez Arthur Miller, bien que je ne connaisse très peu d'œuvres du maître. La distribution brille et le film, bien qu'il traite d'un passage à l'âge adulte, ne sombre pas dans le puéril et un pathétique vain. (13/12/2017)

Le Journal d'un vieil homme (Émond, 2015). Incroyable, magnifique, un grand film. Marie-Ève Pelletier est une révélation. Ce film se classe très près de La Neuvaine en tant que mon favori de l'œuvre d'Émond. (23/2/2017)

Let Me In (Reeves, 2010). Une version américaine de «Let the Right One In». Les moments entre les deux personnages principaux, interprétés de manière exquise par Kodi Smit-McPhee et Chloë Grace Moretz sont vraiment forts, mais pour ce qui est du reste, il manque la subtilité et la contemplation propres à la première adaptation. J'en dirai plus cette semaine, car j'ai décidé de revoir cette dernière ! (18/3/2017)

Let the Right One In (Alfredson, 2008). -Second visionnement- Alors je confirme que cette version du roman de Lindqvist est beaucoup plus proche de mon sens esthétique. On est dans l'expérience du moment, et non dans la péripétie. Cela compense pour la direction photo qui manque parfois de subtilité. La version américaine n'a, comme atout, que la performance géniale de Chloë Grace Moretz. (21/3/2017)

Lilo & Stitch (DeBlois, Sanders, 2002). Malgré les nombreuses conventions de ce genre de film, surtout de type moralistes, la matière première demeure de bons personnages à l'interprétation juste et aux attitudes souvent très drôles (28/3/2017)

Logan (Mangold, 2017). Un au-revoir réussi au fameux personnage interprété de manière superbe par Hugh Jackman. Une vision nihiliste de l'univers des X-Mens qui ne tombe pas dans le pathos inutile. La distribution mérite tous les éloges. (3/3/2017)

Ma vie de Courgette (Barras, 2016). Après les premières minutes, ce film s'annonçait pour être une autre étude de la cruauté. Mais rapidement, le film révèle une humanité qui se porte bien, malgré la malice de certains. (5/5/2017)

Macbeth (Welles, 1948). Une fascinante adaptation de la pièce de Shakespeare. Pas aussi somptueuse que son Othello, Welles crée tout de même un genre qui lui est propre, une sorte d'expressionnisme américain qui aboutira à Othello trois ans plus tard. La performance de Welles est simplement sublime ! (29/10/2017)

Massacre Mafia Style (Mitchell, 1974). Dès l'amorce on comprendra que ce film ne tombe pas dans le romantisme du «Godfather». La pègre italienne est brutale et ne pardonne pas. Ce film rappelle les «Battles Without Honor and Humanity», mais encore plus nihiliste ! Malgré des moyens visiblement très limités, on parvient tout de même à quelque chose de très bien. (9/2/2017)

Mauvais sang (Carax, 1986). Superbe imagerie illustrant les difficultés de l'amour aux portes de l'âge adulte. L'intrigue en devient, en fin de compte, superflue. Un très bon film. (10/6/2017)

Medea (Pasolini, 1969). Une adaptation avec virtuellement aucune exposition, ce qui rend le visionnement très ardu pour celui qui ne connait pas les mythes grecs ou la tragédie d’Euripide. Un cinéma sans compromis qui peut paraître hermétique, mais qui a sa raison d’être, je crois. (9/11/2017)

Mifune: The Last Samurai (Okazaki, 2015). Toshiro Mifune fait partie de mon triumvirat de l'idéal masculin, avec Tony Leung et Harrison Ford. Ses performances passent du surjeux le plus intense (Seven Samurai) à des compositions plus complexes (High and Low). Ce documentaire très inspirant lui rend hommage d'une manière remarquable. Émouvant. (16/7/2017)

MirrorMask (McKean, 2005). Un brillant exercice de style. Malheureusement, tout a été dit, et de manière magistrale, par Jim Henson (et Terry Jones) dans le film aillant servit d'inspiration pour celui-ci, le fabuleux Labyrinth (dont je parlerai bientôt dans un billet de blog) ! (6/2/2017)

Morocco (Von Sternberg, 1930). Ce n'est pas un grand film : une histoire de triangle amoureux plutôt simpliste, mais pas sans intérêt. Évidemment, la scène qui a fait histoire en tant que symbole saphique vaut à elle seule le visionnement ! (14/10/2017)

Munich (Spielberg, 2005). Un visionnement difficile, surtout moralement. Il est presque impossible de faire un film narratif classique sur le conflit israelo-palestinien, et cette tentative ne fait que me questionner à savoir si mes propres opinions sur l'affaire sont miennes ou issus de la propagande d'un côté ou de l'autre. (7/1/2017)

Nelly (Émond, 2016). Dans le cinéma de la cruauté, on ne fait pas mieux. Brutal, cruel, j'ai profondément honte de mon humanité. (1/12/2017)

New Kimagure Orange Road: Summer's Beginning (Yuyama, 1996). Mélodrame fantastique à forte concentration de kitsch. Et ça marche ! Une célébration du premier amour, et des bons sentiments usuels: la camaraderie, le courage, etc. Mais ça marche (je l'ai déjà dit, je crois ?) ! (10/2/2017)

Nostalghia (Tarkovski, 1983). Ce n'est pas mon préféré du maître, mais c'est quand même un film remarquable. Il risque de me gagner à force de visionnements futurs. J'aime beaucoup les trois personnages centraux, et l'idée de Tarkovski de cet espèce de «fou de Dieu» qu'est le personnage d'Erland Josephson. (30/7/2017)

Okja (Bong, 2017). D'emblée, il faut dire que le message est un peu gros, et que la toute bonté de la nature est un peu (trop ?) utopique. Mais le «jeu» des créatures en image de synthèse, malgré quelques défauts de compositing, est très réussi. Tilda Swinton est en grande forme et Jake Gyllenhaal se laisse aller pour notre plus grand plaisir. La jeune Seo-Hyun Ahn rend l'ensemble tout à fait adorable. Si vous voulez convaincre quelqu'un de devenir végétarien, ce film est pour vous ! (2/7/2017)

One Hour Photo (Romanek, 2002). J'ai vraiment aimé ce film qui illustre un cas de sociopathie crédible et qui n'est pas obligé de tomber dans l'extrême violence pour effrayer. Les performances des acteurs sont excellentes, et Robin Williams est parfait en obsessif-compulsif maniaque. (7/4/2017)

Othello (Welles, 1951, first version). Excellent film de Welles, qui manie la caméra agilement afin de rendre le théâtre de Shakespeare fort dynamique et encore expressif. Les performances sont grandioses et les images, qui rappellent les cinémas russe et allemand des années 20, volent presque la vedette. Excellent ! (24/10/2017)

Pasolini (Ferrara, 2014). Un biopic sur les derniers jours de Pasolini. Très bien réalisé, très révérencieux, très beau. Willem Dafoe est excellent en intellectuel introverti, et on peut oublier, après un certain temps, que les acteurs alternent entre l'italien et l'anglais, car les réflexions de Pasolini prennent l'avant-plan et sont plus importante que le langage qui les articule. (30/11/2017)

Paterson (Jarmush, 2016). Une série de tableaux illustrant une semaine dans la vie d'un chauffeur d'autobus poète et sa copine. Je devrai regarder à nouveau, parce que j'anticipais trop la rupture de ton, alors que le film se veut un regard contemplatif sur les désirs des gens, les coïncidences, ainsi que les petites victoires et les défaites du quotidien. Mon genre de film, quoi ! (13/4/2017)

Phantom of the Paradise (De Palma, 1974). Je ne suis grand fan du cinéma subversif du réalisateur, aux multiples citations et aux intrigues tordus, mais je dois dire que je trouve très bon cet œuvre, qu'il fait très tôt dans sa carrière. La distribution déborde d'authenticité, et le film se veut un habile mélange de sérieux et d'ironie. (14/10/2017)

Phase IV (Bass, 1974). Un film de science-fiction à la frontière entre ce qu'on pourrait appeler l'ancienne école et la nouvelle école de science-fiction (la transition se fait vers la fin des années 70). On traite de thème comme les «hive minds», la suprématie technologique extra-terrestre, les dangers de l'isolation d'êtres humains, et la fascination pour les insectes. D'ailleurs, si vous n'aimez pas trop ces petites bêtes, ce film n'est pas pour vous ! (9/7/2017)

Pirates of the Caribbean: Dead Men Tell No Tales (Rønning, Sandberg, 2017). Cette série de film est une bonne alternative au films de superhéros. On nous montre des personnages accomplir l'impossible, on a souvent de bonnes idées qui se retrouvent noyées dans les images de synthèse. Pas mon truc, mais j'ai décidément un faible pour Johnny Depp ! (30/9/2017)

Point Break (Bigelow, 1991). La version de Bigelow d'un drame policier viril se déroulant dans le monde (très viril) des surfers. Le scénario est surprenant. et la réalisation fort adroite. Un classique, j'imagine... (24/6/2017)

Popstar: Never Stop Never Stopping (Schaffer, Taccone). Les sketches musicaux de Samberg à SNL me faisaient rire, mais ici, c'est vraiment de mauvais goût. On cherche la vulgarité au lieu de chercher à faire rire. Désolant. (15/4/2017)

Rashomon (Kurosawa, 1950). Le premier chef-d’œuvre de Kurosawa, traitant du paradoxe de l'humanité (sans humanisme), réflexion abordé dans « Nora inu », réalisé quelques années auparavant. (7/1/2017)

Red Beard (Kurosawa, 1965). Monumental film du maître, véritable éloge de l'humanisme et de la compassion. Toshiro Mifune, tout en retenue, brille dans cette dernière collaboration avec le cinéaste. Ce film est vraiment excellent. (13/5/2017)

Rescue Dawn (Herzog, 2006). Portrait cru de la vie d'un prisonnier de guerre pendant la guerre du Vietnam. Bien qu'il surjoue à l'occasion, Christian Bale offre une très bonne performance. Le happy-end peut paraître factice, mais il s'agit tout de même d'un fait vécu. Il semblerait que ce ne fut pas aussi heureux. Coquin d'Herzog ! (25/2/2017)

Rise of the Planet of the Apes (Wyatt, 2011). C'est un blockbuster hollywoodien, très convenu mais non sans intérêt. Les performances des acteurs, même celles des personnages virtuels donne une bonne dose de de crédibilité à une «origin story» qui aurait pu être très banale. Si la révolution des grands singes parait parfois trop idéale, il serait intrigant d'en connaître les origines discursives. On me jure que les deux suites sont meilleures. J'ai hâte de voir ! (11/11/2017)

Rollerball (Jewison, 1975). Dans l'avenir, on s'adonne à un jeu violent afin de pacifier les masses et laisser le pouvoir aux corporations qui gouvernent. Ce film offre bien plus qu'une simple dystopie d'un sous-genre bien connu. Il y a toute une réflexion sur la manière de gouverner et la manipulation des foules. Surprenant. (17/1/2017)

Sacrifice (Tarkovski, 1986). Ce film est un chef-d’œuvre scénarique, stylistique et d'interprétation. On lui a longtemps reprocher son « œcuménisme » cultuel, sans pour autant avancer la possibilité qu'une telle entreprise, suivant d'importants compromis, est parfaitement possible. (6/8/2017)

Shane (Stevens, 1953). Tous les westerns « classiques » sont révisionnistes et font, d'une manière ou d'une autre, l'apologie de l'homme blanc. Mais Shane est un cas particulier : les clichés du genre, même si nous ne sommes qu'en 1953, sont amplifiés à la puissance 10 par la mise en scène et le scénario. Le jeu est caricatural et le film manque souvent de rythme. Un film qui a mal vieilli. John Ford se montre beaucoup plus intéressant avec des œuvres comme «Stagecoach» et «The Man Who Shot Liberty Valance». (4/4/2017)

Shinkansen daibakuha (Satou, 1975). Ça commence bien, et pour les trois quarts, le film est enlevant et bien fait, mais soudainement, avec la scène de l'incendie dans le café, on se met à trop chercher le suspense, ce qui fini par nous faire décrocher. L'exercice n'est cependant pas futile : on cherche à expliquer le but des «méchants», qui sont loin d'être des psychopathes unidimensionnels, et le héros, à la fin, éprouve des sentiments contradictoires quant à ses gestes, ce qui fait changement de la binarité simpliste d'Hollywood. (26/1/2017)

Showgirls (Verhoeven, 1995). Un bon film, celui-là, malgré sa réputation, et malgré une première demi-heure au rythme cahoteux, plus on avance, plus ça devient intéressant. J'espère sincèrement que le monde du spectacle réel n'est pas aussi cruel que ce que le film montre. (5/5/2017)

Sid and Nancy (Cox, 1986). Un film sur Sid Vicious qui manque de style, d'une approche formelle. Selon imdb, le réalisateur voulait faire un film anti-drogue, mais la fin semble aller en sens inverse ! Mais ce n'est pas ce qui gâche le plaisir. Le film souffre de nombreuses longueurs et manque de focus. (21/2/2017)

Silence (Scorsese, 2016). D'un point de vue technique, ce film est génial. Et je dois élogier Andrew Garfield : sa performance est sans faille. Cependant, le sujet du film me pousse à la réflexion. Pour moi qui suis athée, j'ai eu l'impression de voir deux formes d'arrogance lutter l'une contre l'autre tout au long du film : celle de l'Église et celle du gouvernement japonais. Un bien étrange visionnement. (17/3/2017)

Sky High (Mitchell, 2005). C'est comme une joke... juste une joke... Mary Elizabeth Winstead montre qu'elle peut jouer plusieurs registres. (1/4/2017)

Solaris (Soderbergh, 2002). Je n'ai pas lu le roman, je ne peux donc que comparer les deux interprétations cinématographiques majeurs, celle-ci, et celle de Tarkovski, qui date de 1972). Si les longs films philosophico-poétiques de 3 heures ne sont pas votre tasse de thé, la version de Soderbergh est pour vous. Tarkovski est un poète d'abord, ses personnages n'ont pas besoin de tout un cheminement narratif pour finir par se comporter en enfant (et ainsi accéder au sublime). Le film de Soderbergh présente des personnages en quête de rationnel et le personnage de Clooney finit par atteindre le stade d'enfant céleste, si je puis m'exprimer ainsi. Les deux films sont excellents (bon, je prêche pour ma paroisse : le Tarkovski n'est pas loin du chef-d’œuvre), et méritent d'être ajoutés dans toute bonne collection de classiques de la sci-fi. (3/5/2017)

Sonatine (Lanctôt, 1984). Ce film montre trois tableaux où s'entremêlent désirs adultes et adolescents, l'idée qu'une émotion puissante ne puisse s'exprimer en mots, et l'indifférence. On ne prend jamais un ton pathétique, et on ne tombe pas non plus dans les clichés. Long et contemplatif, comme je les aime, ce n'est évidemment pas pour tout le monde. (9/11/2017)

Source Code (Jones, 2011). Un film sur le voyage dans le temps et les univers alternatifs qui n'a pas peur de la fin heureuse, qu'on prend trop souvent pour un cliché ces temps-ci. (30/3/2017)

Spotlight (McCarthy, 2015). Ce film possède de nombreuses vertus, mais celle qui m'a frappé le plus est la performance des acteurs. Un ensemble redoutable qui donne encore plus de force au propos très sérieux qu'on aborde. (20/4/2017)

Star Trek Insurrection (Frakes, 1998). Star Trek the Next Generation se voulait une utopie, dans l’esprit de son créateur, où les conflits entre les membres d’équipages de l’Enterprise devaient être pratiquement non-existants. Et pendant plusieurs années, les scénaristes des séries télé, dirigés par Michael Piller, s’en sortirent plutôt bien. Éventuellement, on voulut faire de l’utopie le berceau d’une dystopie, ou du moins, on voulut y insérer du drame, un prix à payer pour l’utopie. Cela gâcha Star Trek: Deep Space Nine, ainsi que le second film avec l’équipage de Next Generation, First Contact. On rappela Michael Pillar pour le troisième film, Insurrection, et sa griffe est bien discernable tout au long du scénario. En fait, plusieurs choses fonctionnent bien dans ce film : une bonne base conflictuelle qui ne s’étend pas à l’équipage, des personnages forts (qui est cette Donna Murphy, charmante et convaincue, qui partage à merveille l’écran avec Patrick Stewart ?), et beaucoup de chaleur humaine. Malheureusement, le coup de l’officier senior plus ou moins corrompu est devenu un cliché de Star Trek au fil des années, et ne fonctionne pas vraiment ici. Et les « méchants », menés par F. Murray Abraham, pourtant un grand acteur, ne fonctionnent pas très bien. Un visionnement mitigé, où les hauts finissent quand même à l’emporter ! Pour moi, en tout cas… (15/11/2017)

Star Trek: Nemesis (Baird, 2002). Je continue mes visionnements des films de la franchise Star Trek avec l'équipage de The Next Generation. On a droit, cette fois-ci, à un Star Trek avec du style, ce qu'on n’avait pas vu depuis Generations (car malheureusement, c'est ce qui manque le plus à M. Frakes pour les deux films précédent). Ce qui est admirable, ici, c'est qu'en respectant relativement bien le matériel qui a fait de The Next Generation une série télé plus que respectable, on se permet de verser dans l'action et l'aventure, et ça fonctionne. Même Abrams n'en a pas été capable ! Sympathique et surprenant. (17/11/2017)

Star Wars: The Last Jedi (Johnson, 2017). Avec ce film, Star Wars brûle tous les ponts avec son créateur George Lucas (certains pourraient dire que Lucas lui-même a commencé l'auto-dafé avec sa trilogie préquelle). La trilogie originale, des films pour des adolescents aux portes de l'âge adulte, est loin de ce spectacle bien trop cartoonesque qui, au final ne sert à rien, car la force de la nouvelle trilogie, ce sont les personnages. Encore dans ce film-ci, la distribution brille : Daisie Ridley et Adam Driver arrivent à m'émouvoir, et je n'ai que du bien à dire du reste des personnages. En fait, quand on se concentre sur ces personnages, le film fait du sens. Il y a même l'ombre d'un discours socio-économique clairement énoncé, qui est très à-propos, mais l'orgie de spectaculaire inutile aurait été plus à sa place aux « Guardians of the Galaxy » qu'à « Star Wars ». J'imagine que c'est le début d'une nouvelle ère pour le cinéma fantaisiste, et que l'ombre de Disney n'est pas loin. (14/12/2017)

Sunset Boulevard (Wilder, 1950). Que dire de plus ? Ce film, qui parle d'obsessions, d'amour tordus, et bien sûr d'Hollywood même, est l'un des exemples de ce que l'usine à rêve états-uniennes fait de mieux. (14/3/2017)

Supergirl (Szwarc, 1984). Malgré tout le bon vouloir de l'actrice principale, Helen Slater, ce film est franchement mauvais. La distribution joue mal, le scénario est moins qu'ordinaire, et la réalisation peu inspirée... (22/12/2017)

Superstar: The Karen Carpenter Story (Haynes, 1988). Un étrange pari : faire la reconstitution d'événements de la vie de Karen Carpenter en utilisant... des poupées Barbie. Moins ridicule qu'on pourrait le croire, ce film aux moyens modeste traite honnêtement, et pertinemment, de l'anorexie. (22/12/2017)

Suspiria (Argento, 1977). Chef-d’œuvre du genre, le film est un exemple magistral de création et manipulation d'atmosphères comme dispositifs narratifs. Ainsi, la photo et le jeu d'acteur deviennent les moteurs de l'action, au lieu de servir simplement à illustrer des relations causales. (16/9/2017)

The 7th Voyage of Sinbad (Juran, 1958). Un bon petit film d'aventure, le plus intéressant des trois films aux trucages d'Harryhausen que j'ai vu. Le stop-motion est efficace et je ne peux que faire l'éloge de Torin Thatcher dans le rôle du méchant magicien ! (24/11/2017)

The Autopsy of Jane Doe (Øvredal, 2016). La réalisation est intéressante : on ne se fit pas aux images de synthèse pour tenter de susciter la peur. Le réalisateur monte de manière magistrale des atmosphères effrayantes avec des situations bien usuelles. Mais le film se gâte au troisième acte et devient un autre film de fantôme vengeur qui ne mène nulle part. (11/4/2017)

 The Bird With the Crystal Plumage (Argento, 1970). Un film pour le moins intéressant. Si le doublage parait daté et presque comique par moment, on voit le germe des techniques d'imagerie qu'Argento raffinera par la suite. Ce n'est pas grandiose, mais pas mal non plus. (9/10/2017)

 The Boy and the Beast (Hosoda, 2016). M. Hosoda aime bien étudier des réalités sociologiques en usant d'allégories et de métaphores qui n'alourdissent jamais son récit. Un bon film pour toute la famille. Intelligent et chaleureux. (14/9/2017)

 The Big Chill (Kasdan, 1983). Histoire engageante, personnages bien campés, un style peut-être un peu trop sobre, mais tout de même un très bon film. (20/1/2017)

 The Crow (Proyas, 1994). Très bonne adaptation de la bande-dessinée de James O'Barr. Si on «universalise» plus le sujet, il en reste que le film a beaucoup de cœur et que, malgré un certain degré de naïveté, un film de genre fait rarement preuve d'autant de sensibilité. (27/5/2017)

 The Deadly Affair (Lumet, 1966). Une bonne histoire (signé le Carré), filmé de manière correcte, très classique, mais avec une trame musicale trop datée qui vient gâcher le plaisir. Intéressant. (9/10/2017)

 The Devil's Backbone (del Toro, 2001). Moins manichéen que Pan's Labyrinth, les personnages sont aussi mieux construits. La première moitié est lente et laborieuse : il y a définitivement un problème de rythme. La seconde moitié, cependant devient vraiment envoûtante et la résolution en vaut l'attente ! (9/2/2017)

 The Firemen's Ball (Forman, 1967). Allégorie du système communiste tchèque, à peine camouflée derrière ses métaphores. Satire bien exécutée. (3/8/2017)

 The General (Bruckman, Keaton, 1926). Ce film se veut une parodie historique, une comédie burlesque, et un film d'aventure (ou plutôt de guerre) à grand déploiement. Vraisemblablement un des plus grands joyaux du cinéma muet. (30/11/2017)

 The Hunger (Scott [Tony], 1983). Un film de vampires aux solides atmosphères. Une belle curiosité. (12/1/2017)

 The Last Days of Disco (Stillman, 1998). Chroniques de la «night life» de deux filles au caractère on ne peut plus opposé. Le personnage de Chloë Sevigny est charmant et soutient un film plutôt inégal. (20/1/2017)

The Last Detail (Ashby, 1973). Marcher droit tout en contournant les règles le plus possible, c'est la vision de la marine que nous offre ce film. Et on nous offre des personnages douloureusement, et peut-être même tristement, réaliste, dans la tradition de la nouvelle vague américaine, et une caméra plus que sobre, typique du réalisateur. Très bon. (19/12/2017)

The Lawnmower Man (Leonard, 1992). Un film rempli de bonnes idées, mais un traitement plutôt kitsch empêche ce film d'être vraiment satisfaisant. (21/5/2017)

 The Lost City of Z (Gray, 2016). Une intéressante variante du «going native» où le protagoniste n'adopte pas les coutumes dites «primitives», mais en vient à les considérer avec beaucoup de respect. Images magnifiques et jeu plus que satisfaisant, on a même droit à Ian McDiarmid qui fait un petit rôle ! (28/4/2017)

 The Man from Earth (Schenkman, 2007). Un film vraiment intéressant, dont l'action passe presque entièrement par les dialogues. Un film d'anticipation, une expérience de science-fiction «naturaliste». Très réussi. (18/12/2017)

 The Martian (Scott, Ridley, 2015). De la part d'un (ex ?) formaliste comme Scott, je m'attendais à mieux stylistiquement. Le film est franchement ordinaire et plutôt morne. Ce qui brille, ce sont les acteurs, en pleine forme, vraiment inspirés malgré les longueurs des élucubrations de spéculations scientifico-techniques. Un plaisir de revoir Chiwetel Ejiofor ! (23/6/2017)

The Minus Man (Fancher, 1999). Franchement mauvais, ce film est un cour de cinéma en soi : quoi ne pas faire lorsqu'on réalise un film. Connu pour être l'un des scénaristes de Blade Runner, il semble que la carrière de Fancher s'y arrête... (2/9/2017)

 The Monster Squad (Dekker, 1987). Un film pour enfants qui tombe à plat. Quelques bons coups d'effets spéciaux, mais vraiment, ce n'est pas très fort. (7/3/2017)

 The One I Love (McDowell, 2014). Un bon film fantastique au synopsis digne d'un des meilleurs «Twilight Zone». (14/3/2017)

The Party (Edwards, 1968). Partant d'une scène d'anthologie absolument brillante, le film prend ensuite du temps à enchaîner, mais ce qui le rend particulièrement drôle, c'est que le héros conserve une certaine dignité malgré ses frasques. Ce n'est pas nouveau, Chaplin, par exemple, a réussi ce tour de force à plusieurs reprises. Cependant Blake Edwards et Peter Sellers sont capables d'insuffler une nouvelle vigueur au concept, et c'est très rafraichissant.

The Princess Bride (Reiner, 1987). Il y a des films magiques, comme les films de Jim Henson, certains John Hugues, et celui-ci en fait partie. Tout fonctionne ou presque (ils auraient dû avoir un orchestre pour la musique, c'est tout ce qui manque). Magique ! (18/2/2017)

 The Robber (Heisenberg, 2010). Un film plutôt ordinaire qui a la vertu de ne pas se plier au style convenu hollywoodien. Ce n'est pas mauvais, mais c'est loin d'être essentiel. (16/7/2017)

The Room (Wiseau, 2003). Reconnu pour être le « pire » film jamais produit, l'anti- « Citizen Kane », je dois dire que l'oeuvre se défend bien : c'est mauvais du début à la fin, tellement, que même le caméraman ne semble pas avoir d'idée quoi filmer avec sa caméra. Mais contrairement à certains films tellement mauvais que ça me fâche, ce visionnement fut particulièrement sympathique ! (30/9/2017)

The Taking of Pelham One Two Three (Sargent, 1975). Un bon film hollywoodien classique, léger sans être trop cabotin. Fort sympathique ! (18/6/2017)

The Transformers: The Movie (Shin, 1986). Je ne suis pas amateur de morts gratuites du plus grand nombre de personnage possible. L'animation de ce film, dont j'apprécie la première saison de la série télé le précédant, est cruelle : les héros, bien que machines, meurent pour vrai !! Cela en fait l'un des plus violents films pour enfant que j'ai vu... Et cette destruction côtoie des chansons clairement destinés à un publique très jeune. Certains aspects du récit sont intéressants et bien menés : ce pacte avec le «diable» que Megatron scelle avec le terrible Unicron rend le personnage tragique et presque schizophrénique. Bref, c'est un film qui me laisse sur ma faim. (30/4/2017)

The Uninvited (Allen, 1944). Un ancêtre des thrillers d'horreur d'ajourd'hui. À l'époque, on n'usait pas de tous les moyens pour créer des atmosphères glauques qui enchaînent les sursauts à toutes les secondes. On préférait changer d'atmosphère d'une scène à l'autre. Ainsi, une séquence drôle était candide, puis suivait une scène bizarre, puis une scène dramatique, etc. Intéressant et très agréable. (16/9/2017)

The Valley of Gwangi (O'Connolly, 1969). Moins spectaculaire que Sinbad, le film est suffisamment entraînant jusqu'au dernier acte qui copie sans retenue King Kong. Décevant. (24/11/2017)

The Witches (Roeg,1990). Ce film a été bafoué par le jugement d'un groupe de prévisionnement, présentant une fin plus heureuse qu'elle n'aurait dû l'être. Comme on sous-estime les enfants ! Ce n'est pas aussi intellectuel que Labyrinth, ou ambitieux comme The Dark Crystal, mais ce projet ultime de Jim Henson n'est pas inintéressant. Les trucages sont étonnant, et le scénario présente quelques amusantes situations. Un bon petit film pour célébrer l'Halloween en famille ! (29/10/2017)

Toni Erdmann (Ade, 2016). Certains gags sont quelques peu douteux, mais la progression dramatique est réussie, bien que laborieuse, et la résolution est très satisfaisante. (15/2/2017)

Traffic (Soderbergh, 2000). Un bon Soderbergh qui traite adroitement de la question de la drogue à la frontière É.-U./Mexique. On aurait pu facilement tomber dans un ton moralisateur, mais le film parvient à éviter le piège. Bonne synthèse des différentes méthodes stylistiques du cinéma mondial depuis les années 60. (16/2/2017)

Tricked (Verhoeven, 2012). Une hilarante comédie au scénario tordu à souhait. Un bon petit film pour bien rigoler ! (27/4/2017)

Une femme est une femme (Godard, 1961). Premier essai pour Godard d'un film basé sur un fait anodin (une femme désire un enfant), et d'où découle une sorte d'exploration ludique et formelle. Les bonnes idées de mise en scène se succèdent et le produit fini est très attachant. Une réussite ! (20/4/2017)

War for the Planet of the Apes (Reeves, 2017). Une méga-production aux références diverses (In the Heart of Darkness, The Bridge on the River Kwai, la Bible - évidemment...) qui passe à deux doigts d'un banal « revenge movie ». Cependant, on évacue les clichés les plus fallacieux avec aisance et on se concentre sur quelque autre, une certaine vision utopique de cette « planète des singes ». (22/11/2017)

Waterloo (Bondarchuk, 1970). Quand on parle de drame historique à grand déploiement, ce film bat des records. Mais ce n'est pas qu'un film spectaculaire : l'interprétation est solide et si on se fit à History Buffs (https://www.youtube.com/watch?v=sWKk5Sy0JT8), la recherche historique est plus qu'impeccable. (10/1/2017)

Willow (Howard, 1988). Lucas utilise une recette qu'il connait bien (elle a donné la trilogie originale de Star Wars) et le résultat est un immense hommage aux contes de fée et à la mythologie européenne. Charmant. (12/1/2017)

Wonder Woman (Jenkins, 2017). Bon, on ne réinvente pas la roue, mais on évite la trop grande facilité de confronter des archétypes faciles, une spécialité de Marvel Inc. L'humanité est tordue, tout comme les dieux, et le sacrifice est fatal mais noble. Un intéressant film de super héros alors que la mode est en train de vraiment devenir dépassée... (4-5/7/2017)

Wreck-It Ralph (Moore, 2012). C'est toujours la même chose, les films d'animations américains contemporains. Toujours. Ce film est ordinaire au mieux. Deux plus : la musique et l'interprétation du personnage de Vanellope. (9/3/2017)

Wrong Move (Wenders, 1975). Un excellent road movie qui appelle le cinéma de Wong Kar-Wai par moment, et par d'autre, rappelle Tarkovski ou Bergman. Une exploration du désespoir non pas d'un point de vue nihiliste, mais plutôt humaniste. Étrange mais tendre. (10/8/2017)

Your Name. (Shinkai, 2016). Shinkai a fait de très bons films courts : 5 Centimeters per Second et Garden of Words étaient excellents. Ici, on étire la sauce, on tombe dans un kitsch qui tue l'intérêt, et malgré quelques séquences agréables, on ne parvient jamais à décoller. Dommage... (11/4/2017)

Zodiac (Fincher, 2007). Je prends ce film comme film, peu importe qu'il soit basé sur des faits réels. Il s'agit d'un excellent film policier avec une distribution qui assure et un style qui rappelle la «nouvelle vague» américaine. Le film met en scène des personnages, plus que des péripéties. J'adore ce genre de film. (23/3/2017)

[maevewalkerorchestre]

Considérations sur le vide

Par Éric Gagnon

Revenir à l’origine est un geste périlleux, qui peut nous perdre autant que nous éclairer. Soit cette définition : « La pataphysique est la science des solutions imaginaires, qui accorde symboliquement aux linéaments les propriétés des objets décrits par leur virtualité.[1] » En inversant les propositions, on trouve un certain éclairage sur cette définition plutôt obscure : les propriétés des objets décrits par leur virtualité sont accordées symboliquement aux linéaments. La virtualité ainsi appliquée, symboliquement, ne l’oublions pas, à définir les caractéristiques même d’un artefact ouvre de non moins grandes possibilités qui permettent au docteur Faustroll de créer, à partir de son lit, une embarcation qui naviguera sur roue et à la rame la mer d’Habundes où baigne un Paris sauvage qui se dévoile comme chez Homère ou chez Jean de Patmos.

Reste le cas du vide. Que faire, donc, d’un objet dépourvu de linéaments comme se voudrait le vide ontologique ? Nous atteignons ainsi rien de moins qu’une virtualisation totale du monde. Virtualiser, écrit Pierre Lévy, c’est problématiser. On n’entre pas dans un monde des possibles, car le possible s’oppose au réel alors que le virtuel s’oppose à l’actuel.[2] La graine donne naissance non pas à l’essence d’arbre, mais à un arbre particulier. Et le particulier c’est ce que recherche le pataphysicien dont la science est celle des exceptions.

Considérer un monde virtualisé nous met dans la situation du Dieu de Leibniz. Ce n’est cependant plus la bonté d’un être nécessaire qui actualisera les linéaments virtualisés, mais la pensée. Le vide s’oppose à une pensée essentialiste : « [Q]u’entend-on par l’absence d’essence des caractéristiques des phénomènes ? Leur caractéristique purement imaginaire. »[3] Le vide fait concevoir les objets en tant qu’états virtuels d’existants,  considérant que les linéaments de ces existants s’articulent dans l’esprit, et sont donc au moins d’ordre métaphysique.

Mais en allant plus loin, en creusant ce monde virtuel et en s’aventurant au-delà, le vide ontologique s’avère le contraire de la pensée. La ‘pataphysique se trouvant au dessus de la métaphysique, on la considère comme le dernier voile derrière lequel se trouve ce néant primaire. Le pataphysicien, face au vide primaire, génère de la pensée, créée des problèmes qui s’actualisent en solutions imaginaires. Le pataphysicien devient alors un rempart contre l’approche du vide métaphysique en manipulant la virtualité des objets qu’on accorde, suivant la formule, à leurs linéaments.

[1] Jarry, Alfred. 2004. « Gestes et opinions du docteur Faustroll », dans Alfred Jarry : œuvres, Paris : Robert Laffont. P. 492.

[2] Lévy, Pierre. 1995. Qu’est-ce que le virtuel ? Paris : Éditions La découverte.

[3] Vient du Soutra du dévoilement du sens profond. (2005). Paris : Fayard. P.67, cité dans Nef, Frédéric. 2011. La Force du vide. Paris : Éditions du Seuil. p.83.

[maevewalkerorchestre]

Critiques cinéma de 2016

25th Hour (Lee, 2002). Un film à propos des 24 dernières heures de liberté d'un condamné à 7 ans de prison. Beaucoup de bien dans ce film. D'abord la distribution est incroyable, à part, et ça m'attriste de le dire, M. Pepper qui a de la difficulté à se démarquer entouré comme il l'est. La finale, qui suit la narration de Brian Cox, est géniale. Il y a quelques longueurs, cependant, qui viennent gâcher ce qui aurait pu être un grand film. Autre point d'intérêt, on film NY comme un personnage, un personnage blessé par les attentats du 11 septembre. Des âmes brisées dans une cité brisée, ce n'est peut-être pas nouveau, mais ici, la formule est bien utilisée. (22/9/2016)

2046 (Wong, 2004). Intéressant, mais il s'agit d'un des films qui me touche le moins de Wong Kar Wai. Le héros interprété par Tony Leung, est trop macho ! Il n'a pas le don de soi de son personnage dans Happy Together, ni la pudeur de celui de Chungking Express, ou la discrétion de celui d'In the Mood for Love. (6/7/2016)

A Better Tomorrow (Woo, 1986). J'ai une relation difficile avec les films de John Woo. Je trouve ses films américains mièvres et trop stylisés, et je n'ai pas trop aimé son classique « Hard Boiled ». Ce film-ci a au moins la vertu de ne pas être que de l'artifice, et d'avoir un récit solide, malgré la marque des années 80 qui rend plusieurs passages plutôt kitsch. Scènes d'actions inventives et bien rythmées. (21/6/2016)

A Midsummer Night's Dream (Dieterle, Reinhardt, 1935). Adaptation somptueuse à la mise en scène inventive et l'interprétation travaillée. Son principal défaut, cependant, est dans la scène du « théâtre dans le théâtre », vers la fin. La mise en scène y devient cabotine et franchement, on s'ennuie. (29/12/2016)

American Graffiti (Lucas, 1973). La vie d'adolescents en 1962, articulée par le prisme du mythe de l'automobile. Approche documentarisante qui rehausse la chronique au rang d'oeuvre d'art. Magnifique. (13/12/2016).

A Fish Called Wanda (Crichton, Cleese, 1988). Hilarante comédie. La distribution est superbe. La première fois que je l'ai vu, il a fallu que je pause le visionnement à la scène, vers la fin, entre Michael Palin et John Cleese, pour me laisser le temps de rire ! (8/3/2016)

A Scene at the Sea (Kitano, 1991). Le premier film tranches de vie/poétique de Kitano, à propos d'un couple sourd et muet dont l'un devient un enthousiaste du surf. Un beau film qui annonce bien le génial Kikujiro. (1/8/2016)

American Buffalo (Corrente, 1996). Du « théâtre filmé ». Très verbeux, mais jamais lourd. Dustin Hoffman brille, et les deux autres de la distribution sont amplement capables de lui tenir tête. Vraiment bon. (7/10/2016)

Anne Trister (Pool, 1986). Un film formidable, vraiment, avec beaucoup de cœur. Il faut passer par dessus la trame sonore qui crie les années 80, et est, dans l'ensemble peu inspirée. Mais vraiment, quel film... (6/5/2016)

Arrival (Villeneuve, 2016). Ça commençait bien mal : Villeneuve commence son film avec son manque typique de sensibilité et de subtilité. Les choses ne s'annonçaient donc pas très bien. Et puis, à partir du milieu du film, les pièces du puzzle tombent en place et ça commence à faire sens. La finale est émouvante et amorce même une certaine forme de discours sur la condition humaine. Et Amy Adams est extraordinaire ! (17/11/2016)

Batman (Burton, 1989). Probablement la meilleure adaptation d'un « comic book » jamais produite (c'est faux, Batman Returns, la suite, est meilleure). La folie meurtrière (Jack Nicholson, parfait en Joker) rencontre la folie salvatrice (Michael Keaton qui joue un millionnaire excentrique et hanté de façon magistrale). (8/5/2016)

Batman Returns (Burton, 1992). Après son chef-d'oeuvre Edward Scissorhands, Burton présente son magistral Batman Returns. Une exploration des côtés les plus sombres de l'enfance, car qu'est-ce qu'un monstre, sinon un enfant terrible qui refuse de vieillir ? (12/5/2016)

Battle Beyond the Stars (Murakami, Corman, 1980). Un space opera nanar à souhait. Ça a sa niche et se regarde bien, si dans le bon état d'esprit. (11/5/2016)

Battles Without Honor and Humanity (Fukasaku, 1973). Un film de yakuza qui retrace l'histoire des gangs de 1945 à 1956. Les gangsters sont, comme le titre l'indique, loin des héros-folkloriques honorables, la violence n'est pas cathartique. Filmé de manière, je dirais, « journalistique » (en anglais je dirais « matter-of-factly »), il y a beaucoup de personnages, et on s'y perd, ne serait-ce de la présence de Shozo Hirono, qui est en quelque sorte le personnage central. Excellent. (15/9/2016)

Battles Without Honor and Humanity: Final Episode (Fukasaku, 1974). Dernier épisode de la pentalogie «Battles Without Honor and Humanity». Malgré un nouveau scénariste, le film demeure aussi intéressant que les quatre autres, et la «finale» termine bien l'une des œuvres les plus intéressantes jamais filmées sur le crime organisé. (25/10/2016)

Belladonna of Sadness (Yamamoto, 1973). Une histoire de pacte avec le diable qui lie la sexualité féminine avec la sorcellerie, on avait déjà vu. Par contre, que cela résulte en une petite histoire des fantasmes et des perversions d'une société entière, c'était tout-à-fait inattendu. En plus, et cela est vraiment remarquable, on traite le sujet avec style et une poésie décadente à propos de personnages abandonnés de Dieu et littéralement donnés en pâture au diable (comme dans le livre de Job, finalement, à bien y penser), cela en fait un excellent film et une œuvre d'art magistrale. (23/8/2016)

Berberian Sound Studio (Strickland, 2012). Faire un long métrage expérimental est tout un pari. Si Strickland semble être un maître dans la conception d'ambiances malsaines, je trouve que l'ensemble tombe à plat. (28/1/2016)

Beyond the Valley of the Dolls (Meyer, 1970). Ce film est génial. Technique extrêmement bien maîtrisé, joue plus qu'habilement avec les clichés du mélodrame, un peu à la manière des animes, une pointe d'horreur et une trame sonore incroyable. Je ne pense pas qu'on puisse faire mieux dans la «sex comedy». (12/11/2016)

Big Trouble in Little China (Carpenter, 1986). Un film d'action/aventure, à forte saveur de série B, dans lequel Carpenter manie les clichés de manière astucieuse pour un résultat franchement hilarant. Bravo ! (10/2/2016)

Birdman (Iñárritu, 2014). Un film fait pour les cinéphiles qui se veut, en quelque sorte, une prise de conscience d'Hollywood. Auto-réflexivité, critique sociale, malaises à souhait. Pas pour tout le monde, mais ça demeure un excellent film. (17/5/2016)

Blood Simple. (Coen, 1984). Un néo-noir jamais trop stylisé, aux atmosphères qui préfigurent celles des films que David Lynch réalisera plus tard. Réalisation habile, peut-être un peu trop lente pendant le climax. Un bon film, dans l'ensemble. (5/11/2016)

Bone Tomahawk (Zahler, 2015). Le «build-up» est intéressant, mais le punch ne m'a pas affecté, je l'ai même trouvé un peu faible. Pas mon genre, j'imagine. (31/10/2016)

Born to Be Blue (Budreau, 2015). Un portrait de Chet Baker, où s'entremêle réalité et fiction. Ethan Hawke campe son personnage avec conviction, et c'est la simplicité de la mise en scène qui fait le charme du film. (28/7/2016)

Bullitt (Yates, 1968). Pas mal, mais comprend quelques longueurs. (18/2/2016)

Bunker Palace Hôtel (Bilal, 1989). Un film magnifique, contemplatif. Parfois dur à suivre, mais le message, l'incapacité à se soustraire au « pouvoir » dans une société qui risque toujours de tomber dans le totalitarisme, reste d'actualité. Direction artistique superbe, trucages étonnants considérant un budget qui n'a pas dû être très gros. (30/4/2016)

Bunny Lake Is Missing (Preminger, 1965). Hmm, c'est pas médiocre, mais on dirait une fade imitation d'Hitchcock. (5/5/2016)

Capricorn One (Hyams, 1978). Pas mal, mais contient plusieurs longueurs. Peut-être aurait-on pu couper une demi-heure pour accélérer la cadence. (26/1/2016)

Captain America: Civil War (Russo, Russo, 2016). Des super-héros qui veulent rester super-héros à l'ancienne, se battent contre des super-héros modernes qui doivent tenir compte de la politique. C'est à peu près ça. Quand on n'est pas Alan Moore, ça donne quelque chose de peu intéressant, un problème théorique qu'on essaie d'articuler dans un récit. Ça crée des interférences... (27/9/2016)

Chungking Express (Wong, 1994). La première histoire est pas mal, mais la seconde vole la vedette. Un excellent film, et mon histoire de Wong Kar-Wai préférée ! (4/8/2016)

Crocodile Dundee (Faiman, 1986). Qui l'eût cru ? Une comédie « contemplative ». Assez intéressant comme film. Une curieuse bête... (3/3/2016

Crouching Tiger, Hidden Dragon (Lee, 2000). Grandiose ! Une épopée intimiste, si cela est possible. Très réussi ! (24/3/2016)

Day of Anger (Valerii, 1967). Un western spaghetti ordinaire. My Name Is Nobody, du même réalisateur, est meilleur. (7/5/2016)

Dead Ringers (Cronenberg, 1988). Avec ce film, Cronenberg semble enfin comprendre que l'horreur (et même le «body horror» qu'il affectionne particulièrement) a comme base la psyché humaine, elle est dans la tête. La déscente dans la folie des deux personnages principaux est particulièrement prenante. (15/11/2016)

Deadpool (Miller, 2016). Malgré quelques gags dépassés, ce film reste fort sympathique dans le genre « film de superhéros pour adulte ». Pas aussi génial que Kickass, mais quand même ! (2/6/2016)

Death Race 2000 (Bartel, 1975). Dans un futur dystopique, les humains sont amateurs d'un jeu de course ridiculement violent et dangereux... Un canevas qui a souvent été utilisé... On se permet ici une petite critique sociale, surtout en ce qui concerne les médias sensationnalistes... Enfin, c'est Roger Corman, ça dit tout... (20/12/2016)

Django (Corbucci, 1966). Un western italien bien singulier, assez loin des clichés moraux de la société « bien-pensante ». Un vrai film culte (bien qu'il parait qu'il a été fort populaire en dehors de l'Amérique du nord). (24/5/2016)

Dogtooth (Lanthimos, 2009). Un genre de cinéma d'anticipation sociétale qui pousse à l'extrême divers «symptômes» des maux de la société moderne. Réussi. (13/12/2016)

Dracula (Browning, 1931). Un classique qui ne fonctionne pas tout le temps, mais qui possède plusieurs bons éléments: Lugosi est splendide en vampire, bien qu'on souffre d'un trop grand nombre de gros plans de son visage (ce n'est donc pas sa faute !), et Helen Chandler fait une Mina très efficace. Les décors (qu'ils soient peints en trompe-l’œil ou bien réels) sont vraiment superbes. Il y a de bonnes idées de mise-en-scène, on n'en montre pas trop (probablement par soucis techniques), et on se sert habilement de la suggestion. (19/11/2016)

Dreams (Kurosawa, Honda, 1990). Ne serait-ce du segment « Mont Fuji en rouge », un peu faible, ce film serait un chef-d’œuvre. Il demeure tout de même un très grand film. (21/1/2016)

Drunken Master II (Liu, 1994).De l'action, du vaudeville, et encore de l'action ! Un très bon Jackie Chan. (26/5/2016)

Duck, You Sucker (Leone, 1971). Ce projet ambitieux s'avère malheureusement un échec. James Coburn et Rod Steiger, bien que d'habiles acteurs, ne peuvent porter à bout de bras ce revers. Leone se perd dans ses propres clichés... (4/8/2016)

Duel (Spielberg, 1971). Un bon thriller/road movie, assez inventif pour ne pas tomber à plat. Petit problème : le jeu un peu gros de Dennis Weaver, mais ça ne gâche rien. Efficace. (16/8/2016)

Edward Scissorhands (Burton, 1990). Le chef-d’œuvre de Tim Burton, qui offre l'une des plus belles métaphores de la figure de l' « artiste » au cinéma. (6/2/2016)

Embrasse-moi comme tu m'aimes (Forcier, 2016). Excellent, mais pas assez long. On nous présente des personnages secondaires très attachants, certains dérangeants, qu'on aimerait voir plus, tout en gardant une fin ouverte. Ça se peut ! Oui oui ! À bas la règle scénaristique d'un seul arc narratif principal ! (28/9/2016)

Enemy Mine (Petersen, 1985). Le film commence très bien, mais le troisième acte est plutôt naïf et cabotin. C'est typique des space operas des années 80. (6/12/2016).

Enter the Dragon (Clouse, 1973). Lent à partir, mais les séquences d'action de la finale tiennent la route malgré l'évolution du film d'arts martiaux depuis 40 ans (toujours plus vite, toujours plus spectaculaire). (2/8/2016)

Exodus (Preminger, 1960). Récit épique extrêmement idéalisé, presque naïf, de la naissance de l'état d'Israël. Malgré un bon rythme et une interprétation juste, je n'ai pas trop accroché. (15/3/2016)

Eyes of Laura Mars (Kershner, 1978). C'est pas mauvais, mais j'ai jamais été amateur de ce genre de thriller. Beaucoup de longueurs, ce qui est dommage car la distribution est assez impressionnante. (2/8/2016)

Falstaff (Chimes at Midnight) (Welles, 1965). Je ne peux commenter le texte, car je suis loin d'être un connaisseur de Shakespeare. Cependant, visuellement, ce film est un chef-d’œuvre, et l'interprétation est formidable. (1/10/2016)

Female Prisoner Scorpion #701 (Ito, 1972). La première moitié est un sexploitation de prison féminine. On est au Japon, la molestation, les «panty shots» et les protestations des prisonnières s'enchaînent, et ce n'est vraiment pas ma tasse de thé. La seconde moitié devient un «revenge movie» et là, c'est beaucoup plus intéressant. Il est à noté que le réalisateur, pour l'ensemble du film, ne cesse les essais esthétiques et formalistes, et on a souvent droit à de belles séquences, bien qu'en fin de compte, plutôt sinistres. Un paradoxe. (6/9/2016)

Flash Point (Yip, 2007). Un film d'action avec Donnie Yen, toujours aussi charismatique. Si le film prend un peu de temps à décoller, chaque scène d'action est incroyablement bien chorégraphié, réalisé et interprété. L'attente vaut le coup. (22/12/2016)

Foxcatcher (Miller, 2014). Un triomphe pour Steve Carell, Channing Tatum et Mark Ruffalo. Le film, dans l'ensemble, est magnifique. (31/1/2016)

Freaks (Browning, 1932). Très bon film, bien que le montage original soit perdu. Personnages engageants, histoire simple mais efficace. Bravo ! (24/11/2016)

Frida (Taymor, 2002). Un biopic qui, s'il offre une vision biaisé de la vie de Kahlo (je ne suis pas historien), réussi assez bien dans sa représentation de l'Amérique latine. Bien dirigé, mais il manque quelque chose pour que ce soit un grand film. (16/10/2016)

Fritz the Cat (Bakshi, 1972). Difficile de savoir s'il s'agit d'une critique ou d'un hommage aux années 60 et la culture « de gauche ». Je crois que je devrai le revoir après quelques recherches... (31/1/2016)

Ghostbusters (Feig, 2016). Scénario ridicule, réalisation approximative, quatre bonnes actrices dont on a gaspillé temps et talent. (16/10/2016)

Gosford Park (Altman, 2001). Une comédie policière à la Altman : on prend son temps, on s'intéresse à un ensemble de personnages, on tombe dans la satire et l'humour décapant, mais au sein de tout cela se trouve un drame véritable que l'on découvre presqu'à la dernière seconde. (25/10/2016)

Halloween (Carpenter, 1978). Le mal que personne ne peut arrêter. On part d'un fait divers sinistre (l'enfant qui tue sa soeur) pour se rendre à un meurtrier sans aucune touche d'empathie. Un film efficace et juste assez subtil pour devenir, et ce l'est devenu, un classique ! (26/11/2016)

Hamlet (Doran, 2009). Franchement, une bonne adaptation. David Tennant fait un formidable Hamlet, mais c'est Patrick Stewart qui vole le show avec un Claudius torturé à point ! (22/7/2016)

Hard-boiled (Woo, 1992). Il y a vraiment d'excellentes scènes d'actions, et des idées de mises en scène de la violence vraiment brillantes, mais Woo finit par en mettre trop et ça devient redondant. Mais pour les bonnes passes, les amateurs de films d'action vont être servis ! (28/6/2016)

Haywire (Soderbergh, 2011). Encore un petit bijou de Soderbergh qui réussit même à faire d'une athlète une bonne actrice ! Un Hollywood bien usiné ! (1/11/2016)

Heat (Mann, 1995). Qu'on s'entende, c'est un excellent film. Mais il ne me touche pas. Je ne suis peut-être pas amateur de grandes sagas policières. Je trouve qu'il manque quelque chose au film, mais je n'arrive pas à comprendre quoi... (21/7/2016)

Hero (Yimou, 2002). Excellent film d'arts martiaux avec une morale qui peut animer plusieurs débats ! (4/5/2016)

Hired to Kill (Mastorakis, Rader, 1990). Tout, dans ce film est douteux. Un film d'action comme on en faisait beaucoup dans les années 80, avec la panoplie de clichés et de jolies filles peu habillées. La scène d'amour qui se joue comme un pseudo-viol est de mauvais goût... (1/12/2016)

Hiroshima Death Match (Fukasaku, 1973). La suite de Battle Without Honor and Humanity. Fukasaku raffine sa réalisation en la rendant l'action encore plus chaotique (une sorte de paradoxe stylistique !) et imprévisible. Toujours aussi complexe vu le nombre important de personnages mis en scène. (21/9/2016)

Hot Shots! (Abrahams, 1991) et Hot Shots! Part Deux (Abrahams, 1993), le tout en version française. Parodies efficaces et bien construites. Films cultes de ma jeunesse... (24/2/2016)

Hour of the Wolf (Bergman, 1968). Malgré un début peut-être un peu trop lent, le voyage dans la folie qui forme la seconde moitié du film est à la fois fascinant et effrayant. (3/9/2016)

I'm No Angel (Ruggles, 1933). Un film écrit et interprété par Mae West. Un étrange film qui montre une femme forte et autonome, sexuellement active et qui s'en tire bien, c'est tout un exploit pour l'époque ! Mae West est toute une présence à l'écran ! (5/7/2016)

In the Mood for Love (Wong, 2000). Un film génial, proche du chef-d’œuvre, si ce n'en est pas un, avec son style qui, bien que très maniériste, n'interfère jamais avec l'authenticité du sujet. (5/7/2016)

Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull (Spielberg, 2008). La première fois que je l'avais regardé, j'avais détesté, mais en le revisionnant, je me suis demandé pourquoi. Y faire jouer la période de la guerre froide et inclure un extra-terrestre (un « extra-dimension » en fait, pour les puristes) sont de bonnes idées, tout comme l'idée du fils et le retour de Marion. De plus, certaines scènes sont hilarantes !! (9/7/2016)

Indiana Jones and the Last Crusade (Spielberg, 1989). Le dernier des trois Indy originaux, plus léger en ton, mais tout de même fort intéressant et amusant. Peut-être aurait-on dû s'arrêter à trois... (14/7/2016)

Infernal Affairs (Lau, Mak, 2002). Excellent drame policier, très intense, une intensité que le scénario impose et avec laquelle les réalisateurs jouent adroitement. Interprétation convaincue des acteurs. (30/6/2016)

Ip Man 3 (Yip, 2015). Après deux films sur la vie romancée d'Ip Man, la finale du second laissant vraiment à désirer, le troisième est une heureuse surprise. Un bon film d'arts martiaux. Donnie Yen y joue avec sincérité et doigté. (17/5/2016)

It's a Mad, Mad, Mad, Mad World (Kramer, 1963). Une comédie épique. La réalisation est incroyable : aucun temps mort en 3h17 d'enchaînement de situations comiques. Nous demeurons cependant tout le long dans le « troisième âge » du burlesque, comme dirait Deleuze, ce qui peut épuiser un spectateur d'aujourd'hui, mais il fallait le faire. Et un plus pour des effets spéciaux étonnants ! (13/9/2016)

It's Such a Beautiful Day (Hertzfeldt, 2012). Pas mal du tout. Une odyssée dans la folie, mais sans apitoiement ou pathos inutile. Étrange, mais beau. (19/5/2016)

JCVD (El Mechri, 2008). Un drôle de film où JC Van Damme est mêlé à un vol à la poste. Jean-Claude s'en sort bien comme acteur, et la réalisation est inventive, malgré quelques problèmes de rythme. (7/7/2016)

Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles (Akerman, 1975). Une curieuse expérience cinématographique que ce film, comment la monotonie de la vie d'une veuve peut la tuer, à petit feu, Le film dure 3h20 et comprend peut-être 3 ou 4 moments de transition pour l'héroïne, mais dilués dans une monotonie abject, et c'est cette monotonie qui donne à la final son effet coup de poing. Comme l'a dit le critique sur le site dvdtalk, ce film est peut-être féministe, mais il est surtout humaniste : on ne peut que ressentir de l'empathie pour la veuve désabusée. (11/10/2016)

Jem and the Holograms (Chu, 2015). Voilà, je l'ai fais : j'ai regardé ce film. Rien à voir avec la série télé des années 80 (dont je suis fan avoué, eh oui...), on a plutôt droit à un genre d'hommage qui démarre trop lentement, avant de se terminer en « feel good movie » pour enfants. Surprenant ! (1/2/2016)

John Wick (Stahelski, Leitch, 2014). Je ne suis pas comfortable devant la violence et le machisme éhonté, mais je dois avouer que ce film est extrêmement bien réalisé et que les scènes de combat sont de petits bijoux. L'humour de bandes-dessinée pour adulte n'est pas suffisante pour faire passer la violence comme carnavalesque (comme dans Kick-Ass, par exemple), mais ça fonctionne, d’une certaine façon... (17/9/2016)

Kafka (Soderbergh, 1991). Excellent. Un superbe film. En plus d'être un hommage à l'homme de lettre, il s'agit d'une fine exploration de la psyché de l'être urbain dans la modernité. Et la distribution, qui compte de nombreux acteurs tout simplement géniaux, rendent le scénario avec assurance et brio. (20/10/2016)

King Lear (Godard, 1987). Trop travaillé pour n'être qu'une supercherie, ce film nous offre une ambiance étrange qui fonctionne la plupart du temps, sans pour autant dévoiler de sens facile. Godard semble obsédé par le silence de Cordelia et sa mort. Énigmatique. (30/8/2016)

Knight of Cups (Malick, 2015). La « technique Malick » commence à devenir artificielle. Elle fonctionne avec des narrations inspirés, comme par exemple celle de la strip-teaseuse, et celle du prêtre dans ce film, mais sinon, je la trouve difficile à renouveler. J'étais déjà ennuyé dans « To the Wonder », mais en plus, dans « Knight of Cups » on sombre dans la misère des riches et on s'y complait vraiment trop. (14/5/2016)

Kwaidan (Kobayashi, 1964). Poétique, théâtral, magistral. Un visionnement qui peut être ardu, mais en fin de compte, ça en vaut le coût. (28/4/2016)

L.A. Confidential (Hanson, 1997). Un excellent neo-noir, vraiment excellent. Je ne trouve pas d'autres mots pour exprimer mon enthousiasme. (16/6/2016)

La Guerre du feu (Annaud, 1981). Peut-être anthropologiquement biaisé, ce film n'en demeure pas moins très réussi. (1/10/2016)

La Planète sauvage (Laloux, 1973). Quel éventail d'idées originales et poétiques ! Ce n'est pas un film pour tout le monde, mais si on lui donne un/e chance, il nous amène loin... (7/7/2016)

La Vénus à la fourrure (Polanski, 2013). Un tour de force de mise en scène. Excellente étude des rapports de force dans l'imaginaire de l'amour. (17/1/2016)

Le Déclin de l'empire américain (Arcand, 1986). Un grand film, mais d'une tristesse infinie, avec une scène de salon de massage totalement hilarante ! (27/6/2016)

Le Roi et l'oiseau (Grimault, 1980). Chef-d'œuvre du cinéma d'animation qui, de manière candide, explore la vanité d'un monarque, comment l'état ne peut que s'autodétruire, et que malgré tout, l'amour subsiste. (28/12/2016)

Les Carabiniers (Godard, 1963). Une fable sur l'absurdité de la guerre. Godard frappe fort et juste : la guerre comme conceptualisation, virtualisation, qui ne s'actualise jamais en réel. Manipulation de l'innocent jusqu'à la fin de sa vie. Et bien sûr, un petit commentaire sur le cinéma ! (29/8/2016)

Les garçons et Guillaume, à table! (Gallienne, 2013). Bien étrange comédie jouant sur les clichés associés au genre et à l'orientation sexuelle. M'a laissé perplexe, mais je crois que j'ai aimé ! (16/6/2016)

Les Maîtres du temps (Laloux, 1982). Le chef-d'oeuvre de Laloux, et ce avec des moyens fort limités. Le résultat est épatant, et franchement touchant. (8/7/2016)

Life of Brian (Jones, 1979). Ce film est génial. La réalisation de Terry Jones est franchement belle et l'interprétation est incroyable. Est-ce le meilleur Python ? (4/3/2016)

Little Ceasar (LeRoy, 1931). L’un des premiers films de gangsters parlant. Edward G. Robinson donne une performance incroyable et créé littéralement un archétype du chef de bande au grand écran. Comme classique, on ne peut faire mieux ! (25/6/2016)

Lone Wolf and Cub: Sword of Vengeance (Misumi, 1972). Pas mauvais, peut-être un peu trop verbeux. Un film sanglant, adaptation d'un manga légendaire. (18/2/2016)

Lone Wolf and Cub: Baby Cart at the River Styx (Misumi, 1972). Le deuxième film de la série est formidablement meilleur que le premier. On fait plus confiance à l'image, et la parole est utilisée de manière plus judicieuse. Même les amateurs de « gore » y trouveront leur compte ! (23/2/2016)

Malpertuis (Kümel, 1971). Ce film est un voyage psychédélique dans les échos d'une tragédie grecque. Excellent. (9/8/2016)

Man from Reno (Boyle, 2014). Un petit film noir avec quelques prétentions, mais qui n'est pas mal fait. Intrigue bien menée malgré quelques anicroches. (21/4/2016)

Man Hunt (Lang, 1941). Ça parait, un maître à la réalisation. Un excellent film, dont la seule faiblesse est la fin, un peu farfelu, mais compréhensible vu le contexte. (5/5/2016)

Man on the Moon (Forman, 1999). Plus un hommage qu'un drame biographique, très bien fait. Je suis désolé de dire que je n'ai pas vraiment apprécié la composition de Jim Carrey. Il n'émane pas de son personnage la sensibilité qui semblait habiter le vrai Kaufman. Ses efforts, cependant, sont louables. (5/11/2016)

Manhunter (Mann, 1986). Un autre film policier contemplatif du maître. Peut-être un certain problème de rythme au climax, mais rien de dramatique. (26/5/2016).

Marathon Man (Schlesinger, 1976). Film à suspense extrêmement efficace. Petit problème de rythme au climax. Peut-être que la fin original du matériel adapté aurait été meilleure. (7/5/2016)

Marie Uguay (Labrecque, 1982). Documentaire extrêmement touchant sur une poétesse que je ne connaissais pas, décédée du cancer à 26 ans. À suivre... (30/1/23016)

Marked Woman (Bacon, Curtiz, 1937). Excellent « crime drama » (imdb le classe comme film noir, mais cela serait un très excentrique film noir...) où la femme est, pour une fois, maitresse de la situation, même si c'est l'homme (Humphrey Bogart, en grande forme) qui termine le combat dans l'arène de la cour de justice. (24/6/2016)

McCabe & Mrs. Miller (Altman, 1971). J'ai profondément adoré ce film. C'est le premier film d'Altman que je regarde où les deux personnages principaux sont filmés de manière à ce qu'on ressente de l'empathie pour eux. Le film fonctionne sur bien d'autres plans mais c’est la fonction empathique qui domine. (27/10/2016)

Mean Streets (Scorsese, 1973). Astucieusement réalisé, ce film est une suite de bonnes idées stylistiques aidant un scénario ambitieux, filmé tout en simplicité. Bien qu'il y ait quelques longueurs, ce film n'en est pas moins excellent. (30/7/2016)

Miami Vice (Mann, 2006). Drame policier fort intéressant où l'intime est confronté à un politique (le mot désigne la politique underground des gangs et du trafic de drogue) qui ne pardonne pas. Un défaut majeur, cependant, les deux personnages principaux n'ont pas suffisamment de scènes ensemble pour développer une véritable chimie, mais il semblerait que ce fut un tournage difficile... (14/6/2016)

Midnight Special (Nichols, 2016). Monsieur Nichols est un maître du rythme. Peu de temps mort, les acteurs en grande forme, intrigue poignante. Si la réalisation est un peu trop sobre à mon goût, ce film demeure, comme beaucoup l'on écrit sur le net, un très bel hommage aux films de sci-fi des années 70s-80s. (19/4/2016)

Miles Ahead (Cheadle, 2015). Une autre fiction mettant en scène un personnage de l'Histoire, cette fois Miles Davis. Un trip formel plutôt réussi, qui présente un Miles Davis torturé et imprévisible. Très bon ! (28/7/2016)

Millenium Actress (Kon, 2001). Le chef-d'oeuvre de Satoshi Kon. (23/5/2016)

Miss Hokusai (Hara, 2015). C'est une déception. La narration épisodique est une bonne méthode pour un film biographique, mais ici, elle tombe à plat. Le film manque de focus, malgré quelques bonnes idées. (30/3/2016)

Monty Python and the Holy Grail (Gilliam, Jones, 1975). Si la réalisation manque de fini (et de budget, chose qu'on ne cache absolument pas), le texte est, en général, pas moins que génial et l'interprétation, vraiment excellente ! (1/3/2016)

Monty Pythons's The Meaning of Life (Jones, Gilliam, 1983). Eh bien après ce visionnement, je dois confirmer qu'il s'agit de mon film de Python préféré. Les garçons sont en grande forme et même s'il s'agit d'un film à sketches, il n'y a pas de temps morts ou de séquences forcées. (5/3/2016)

Mr. Holmes (Condon, 2015). Excellent ! Franchement touchant. Ian McKellen est vraiment un grand acteur. (12/6/2016)

Nashville (Altman,1975). Portrait critique de la nation américaine, magnifiquement réalisé. Très dense, les thèmes couverts sont larges et prennent de la place, souvent présentés en simultanés, ce qui rend le visionnement une affaire très complexe. (4/10/2016)

National Lampoon's Christmas Vacation (Chechik, 1989). Comédie culte de Noël que beaucoup apprécient encore. J'en ai été déçu, malheureusement. Aucun personnage n'est venu me chercher malgré une interprétation plus que correcte, et le rythme est inégale, les quelques gags vraiment drôles n'arrivant pas à sauver les meubles... (29/12/2016)

Nineteen Eighty-Four (Radford, 1984). Je n'ai pas encore lu le livre, donc ma perspective est fraîche. J'ai trouvé ça excellent. La réalisation rappelle souvent Tarkovski : de longs plans poétiques, une désaturation des couleurs, un respect total des acteurs. En fait, le jeu de Richard Burton et de John Hurt est vraiment incroyable. (5/4/2016)

No Country for Old Men (Coen & Coen, 2007). Excellent. (7/4/2016)

On the Silver Globe (Zulawski, 1988). Comme je l'ai déjà écrit, une progression narrative classique, ce n'est pas mal en soi. Ce film de Zulawski en aurait beaucoup bénéficié, tout en gardant ses longs monologues philosophico-viscéraux. Les idées sont bonnes, la forme ne l'est pas du tout. (6/8/2016)

Only Yesterday (Takahata, 1991). En tout cas, c'est un grand film. Jamais des personnages animés n'ont aussi bien « joué ». Chacun possède ses propres tics et caractéristiques comportementales. Et au niveau visuel, le film est presque en avance sur son temps. Les images rappellent les trois maîtres nippons de l'après-guerre (Kurosawa, Mizoguchi, et surtout Ozu). Bref, comme le dirait mon compagnon cinéphilique Éric, « c'est un putain de chef-d’œuvre » !! (19/3/2016)

Out of Sight (Soderbergh, 1998). Une comédie policière comme Hollywood devrait en produire plus souvent, ces jours-ci (tant qu'à demeurer dans l'entertainment). Jouées avec convictions, les scènes absurdes s'enchaînent les unes après les autres comme si elles tentaient de supplanter la dernière en matière de ridicule. Hilarant. (20/10/2016)

Paul (Mottola, 2011). Un film d'extra-terrestre écrit et interprété par Simon Pegg et Nick Frost, avec une distribution comprenant la crème de la comédie américaine. Un heureux mélange ! (20/4/2016)

Pierrot le fou (Godard, 1965). Un film qui s'apparente au jazz : une construction solide laissant libre cours à des envolées lyriques ou des soubresauts expérimentaux. Magnifiquement photographié, je ne peux pas dire que j'ai adoré ce film, mais il m'a profondément inspiré. (11/10/2016)

Podium (Moix, 2004). Une comédie absurde sur un ex-sosie de Claude François qui reprend du service ! Absurde, c'est le mot, et c'est plutôt réussi ! (14/6/2016)

Police Tactics (Fukasaku, 1973). Le quatrième «Battle Without Honor and Humanity». Toujours aussi bon. (16/10/2016)

Predestination (Spierig & Spierig, 2014). Un très bon film sur le voyage dans le temps. Peut-être un peu faible au niveau du style, mais ça ne gâche rien. (5/4/2016)

 Primer (Carruth, 2004). Ok, c'est extrêmement compliqué. Je n'ai pas tout compris, même après une lecture du synopsis. Mais pour les courageux, ce film ne peut qu'être l'un des meilleurs films de science-fiction jamais produit. Je suis vraiment renversé... (2/2/2016)

 Proxy War (Fukasaku, 1973). Le troisième de la série « Battles Without Honor and Humanity ». À ce stade-ci je m'abstiendrai de vanter la réalisation et l'interprétation. Ce film mène vers quelque chose qui, j'espère, fleurira dans l'épisode suivant. Notre antihéros Hirono devient de plus en plus vicieux et la violence est tout ce qui peut ressortir du monde des Yakuzas. (7/10/2016)

 Pygmalion (Asquith, Howard, 1938). Pas mal. Jeu génial de Leslie Howard. Je ne suis pas aussi certain de la performance de Wendy Hiller, bien qu'elle brille dans le dernier acte. (26/1/2016)

 Queen of the Desert (Herzog, 2015). Qui eut cru qu'Herzog était un romantique (au sens usuel) dans l'âme ? Ce film est une ode romantique à une héroïne que le réalisateur, visiblement, admire. C'est mélodramatique, romantique, c'est beau ! (1/3/2016)

Quintet (Altman, 1979). Un «art house sci-fi», le plus anti-hollywood qui soit, jusqu'à dans la trame sonore ! Un bon film qui rappelle les étranges atmosphères de Zardoz. (12/11/2016)

 Raiders of the Lost Ark (Spielberg, 1981). C'est gros, c'est colonialiste, mais c'est fort divertissant, de la même manière qu'un bon Tintin. (28/5/2016)

 Road to Perdition (Mendes, 2002). Une variation intéressante sur le film de gangster. Ruptures de tons surprenantes vers le milieu du film avant de replonger dans le tragique. Très intéressant. (19/11/2016)

 Rocky (Avildsen, 1976). L'ultime « underdog story », extrêmement efficace. Sans prétention, réalisation superbe. (23/1/2016)

 Romeo and Juliet (Zeffirelli, 1968). Géniale adaptation de la pièce de Shakespeare. Comme dirait mon ami Éric, c'est un « putain de chef-d’œuvre !! » (7/6/2016)

Rogue One: A Star Wars Story (Edwards, 2016). Ce film est une bonne idée sur papier, et se débrouille plutôt bien à l'écran, mis à part ce froid intense qui caractérise le jeu des acteurs. J. J. Abrams est de loin un meilleur directeur d'acteur qu'Edwards, mais le film tient tout de même la route. (18/12/2016)

 Run Lola Run (Tykwer, 1998). Un exercice de style qui ne remet rien en cause. Quelques bons moments, mais plutôt décevant. (4/5/2016)

Scarface (Hawks, Rosson, 1932). Un excellent film de gangsters présentant un anti-héros vraiment intrigant, charmant malgré la violence qu'il sème. Je ne serais pas surpris qu'il s'agisse d'une oeuvre fondatrice pour le film de gangsters parlant. (21/6/2016)

Shin Godzilla (Anno, Higuchi, 2016). Excellent. On passe d'une critique de la politique et de la bureaucratie, à l'acharnement de la race humaine face à un danger cataclysmique. Le thème de l'évolution est très présent dans le film, rappelant la précarité du genre humain. La réalisation est splendide, bien qu'on se réfère beaucoup aux œuvres passées d'Anno. Je le répète, excellent ! (19/10/2016)

Shivers (Cronenberg, 1975). Nanar suprême sur le thème de la sexualité réprimée à l'intérieur du tissu social. Bien que souvent maladroit, quelques intrigantes séquences montrant une certaine réflexion originale. (14/3/2016)

Short Term 12 (Cretton, 2013). Un film chaleureux possédant beaucoup de coeur, bien réalisé et bien interprété. Cependant, si ce film montre bien la réalité américaine, eh bien je suis scandalisé ! On ne peut pas laisser des préposés aussi jeunes et vulnérables avec des cas aussi lourds ! C'est indécent. Ce film m'a profondément choqué. (5/7/2016)

Sicario (Villeneuve, 2015). Avec Villeneuve, on se retrouve devant un beau contenu, mais peu de contenant. Y a-t-il une problématique mise de l'avant dans ce film ? La guerre au trafic de drogue ? Alors la réalité diégétique est beaucoup trop stylisée pour créer un attachement au thème, si cela est véritablement un thème. Je suis loin d'être impressionné. (9/1/2016)

Some Like It Hot (Wilder, 1959). Une comédie qui a mal vieillit, malgré le jeu assumé de l'ensemble de la distribution. Marilyn en fait bien peu pour la cause féminine en incarnant à merveille la dumb blonde qui connait et avoue à plusieurs reprises son vilain défaut ! Cependant, le troisième acte, qui met en scène la convention de mafiosi, est hilarante et sauve un peu les meubles. Passable... (23/8/2016)

Spartacus (Kubrick, 1960). Un film façonné, pour sa plus grande partie, selon le code classique hollywoodien de l'époque. Ce genre de film qu'on aime ou pas, et dans mon cas, mon verdict est mitigé. Je trouve certaines séquences très réussies (tout ce qui a rapport à l'intrigue politique, en fait, mais j'aime bien les intrigues politique !), mais dans l'ensemble, ça souffre un peu trop de son classicisme pour mon goût. (9/2/2016)

Stagecoach (Ford, 1939). Excellent western, un film génial, en fait, incluant l'une des plus spectaculaires séquences de poursuite de l'histoire du cinéma. (6/2/2016)

Starman (Carpenter, 1984). Un film de science-fiction tout en simplicité. Beaucoup de cœur. Très bonnes performances. Un E.T. pour adulte, peut-être ? (9/1/2016)

Star Trek Beyond (Lin, 2016). D'habitude j'essaie d'utiliser un français plus ou moins correct dans mes critiques, mais vous me permettrez cette exception : Ahem... J'ai trippé tout croche, c'était super bon, ça a touché mon coeur d'enfant de 10 ans amateur de sci-fi devant un bon film du genre des années 80. Bon ce n'est pas parfait, mais j'ai sourit aux 140 milles références faites aux 180 millions de séries de Star Trek du passé ! Ouf !! C'est probablement le plus proche que Star Trek n'a jamais été de ce que Paramount voulait à l'origine : un western dans l'espace. (1/11/2016)

Star Trek: The Motion Picture (Director's Edition, Wise, 1979/2000). Magnifique film de science-fiction. Intrigue astucieuse et bien développée. Le concept de Star Trek est efficacement mis au service d'une histoire engageante. Beaucoup de style (sauf pour les costumes, on ne s'en sort pas). (7/5/2016)

Super 8 (Abrams, 2011). Un hommage aux films de Spielberg, produit par Spielberg lui-même. Rien de neuf au tableau, mais Abrams est un metteur en scène incroyablement habile avec ses acteurs, les rendant capables de moments hilarants, ou touchants à l'extrême. Il n'a pas besoin de toutes les artifices d'images de synthèse qu'il utilise, peut-être pour se rassurer ? (7/7/2016)

Sweet Smell of Success (Mackendrick, 1957). Un film sur les manigances des chroniqueurs mondains. C'est plutôt réussi, mais le cynisme qui se dégage du récit m'a désensibilisé : à la fin, le sort des personnages m'importait peu. (20/9/2016)

Synecdoche New York (Kaufman, 2008). La vie est un théâtre, le théâtre est la vie. C'est le cas pour le protagoniste que le théâtre emporte vers une multitude de couches de sens et d'univers parallèles. Complexe mais très intéressant. (13/12/2016)

Tangerine (Baker, 2015). Intéressant et engageant, ce film dépeint une réalité que je ne connais pas vraiment (le milieu des prostituées transgenre à L.A.). Je ne me sens pas outillé pour juger le film dans ce qu'il souhaite raconter à ce sujet. En tant que film, on ne pourrait demander mieux d'une caméra iphone montée sur une steadycam ! Les acteurs non-professionnels sont bien dirigés et font un travail admirable. Un visionnement intéressant. (26/11/2016)

The Addams Family (Sonnenfeld, 1991). Un bel hommage à la bd et la série des années 60s. Le récit est un peu faible, les gags souvent meilleurs que l'intrigue, mais l'interprétation est sans faille. (26/11/2016)

The Adventures of Buckaroo Banzai Across the 8th Dimension (Richter, 1984). Si les années 80 ont vraiment existées, c'était pour produire ce film. Tout droit sorti des comic books les plus étrange, dans n'importe quelle autre décennie, on aurait eu droit à un film de série Z. En 1984, une telle histoire est parvenue à recevoir un budget décent... Nanar stéroïdé ! (3/9/2016)

The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn (Spielberg, 2011). La première heure est vraiment parfaite ! Ensuite, on a tendance à vouloir trop en mettre, mais ça demeure une excellente adaptation de l'oeuvre d'Hergé ! (29/5/2016)

The American Friend (Wenders, 1977). Un thriller/film de gangsters qui ne suit pas vraiment les règles du genre. Le rythme est lent, l'interprétation est tout en subtilité. Ça peut en décourager certains, mais moi j'adore ! La scène du double meurtre dans le train est particulièrement saisissante. (20/9/2016)

The Assassin (Hou, 2015). Superbe film, lent, somptueux, mais jamais ennuyant. L'intrigue est un peu difficile à suivre, cependant. Je devrai re-visionner. (23/4/2016)

The Best Intentions (August, 1992). Drame racontant la vie tumultueuse des parents d'Ingmar Bergman, scénarisé par lui. Des personnages aux multiples facettes s'affrontent sur des questions de principes et de morale, présentés sans manichéisme. Bravo ! (10/11/2016)

The Blood of Heroes (Salute of the Jugger, (Peoples, 1989). Dans un monde post-apocalyptique, les humains s'adonnent à un jeu violent et dangereux. Un canevas qui a souvent été utilisé. Ce film n'amène rien de neuf, mais le monde diégétique est plutôt intéressant. (20/12/2016)

The Bourne Identity (Liman, 2002). Je suis loin d'être un expert en thriller et film d'espionnage, mais je dois avouer que j'ai trouvé celui-ci franchement efficace. On n'essaie pas de se la jouer trop grop, les personnages sont plutôt nuancés malgré les probables clichés du genre. C'est du moins l’impression que ça a donné au néophyte que je suis ! (19/8/2016)

The Bourne Supremacy (Greengrass, 2004). C'est rare qu'une suite parvient à être aussi intéressant que le premier de la série. C'est le cas ici. Intense, avec une excellente scène de poursuite en clôture. (25/8/2016)

The Bourne Ultimatum (Greengrass, 2007). On aurait pu penser qu'un troisième épisode des aventures de J. Bourne allait être répétitif, et ce l'est un peu, mais les nuances apportées en font un film surprenant, où le héros est toujours en contrôle, et ça ne me déplait pas. Je ne suis pas de ceux qui pense que l'adversaire doit toujours être le plus fort, jusqu'à un moment-clé de vulnérabilité vers la fin, que le héros utilise pour gagner. Étrangement cathartique. (30/8/2016)

The Breakfast Club (Hughes, 1985). Ce n'est possiblement pas le plus amusant film de John Hughes, mais c'est son plus accompli, son chef-d’œuvre. (12/8/2016)

The Bride of Frankenstein (Whale, 1935). Un classique de l'horreur qui tombe souvent dans le burlesque. Certaines séquences ont vraiment mal vieillis. Comment ne pas tomber en amour avec Elsa Lanchester (Mary Shelley) ? (19/11/2016)

The Bridge on the River Kwai (Lean, 1957). Si le récit est parfois tortueusement mené, la finale en vaut la peine. Quelle finale ! Wow ! (21/4/2016)

The Curious Case of Benjamin Button (Fincher, 2008). Un excellent film, peut-être un peu trop long pour son propre bien, mais qui a le cœur à la bonne place. (24/5/2016)

The Danish Girl (Hooper, 2015). J'ai lu qu'on est loin de ce qui s'est passé en réalité aux protagonistes de « l'histoire vraie» sur laquelle est basé ce film. Cependant, en prenant le film seul, il tient bien la route. Une histoire touchante d'amour inébranlable. Peut-être un peu factice par endroit, mais je trouve ça réussi quand même. (7/3/2016)

The Duke of Burgundy (Strickland, 2014). Je suis incapable de dire de quelle nature s'avère le regard dans ce film. A-t-il pour but de titiller le voyeurisme masculin ? Si c'est le cas, ça n'a pas fonctionné avec moi. Est-ce un drame érotique pour femme ? Est-ce réussi ? Dans tous les cas, le film se lit comme un poème, c'est un piège à coeur qui se termine en boucle, laissant supposé plusieurs finales possibles. Fait réfléchir. (29/11/2016)

The Game (Fincher, 1997). Voir une personne se faire torturer pendant deux heures, c'est pas mon truc. Pas de mise en scène subversive ou carnavalesque vient autoriser un décalage moral. (12/4/2016)

The Garden of Words (Shinkai, 2013). J'en avais parlé l'an dernier, après l'avoir vu à Fantasia. Il m'avait paru très bon, sauf peut-être pour un climax plutôt kitsch. Je l'ai revu ce soir, et j'ai eu envie de me taper sur les doigts. Je m'en suis voulu d'avoir trouver la fin kitsch. Bon, on ne s'en sort pas, c'est mélodramatique à la puissance dix et la « p'tite toune pop » me semblait, à l’époque, un peu superflue. Vous me permettrez cette expression commune, mais aujourd'hui, je dis : «d'la marde !» Je suis comme Obélix, les histoires d'amour, qu'elles finissent bien ou mal, me font pleurer ! J'ai donc pleuré ma vie ce soir, sur ce film de 46 minutes qui raconte une histoire d'amour qui, pourtant, ne finit ni bien, ni mal : une fin ouverte, ou pas de fin du tout. J'ai donc bien aimé, et attend avec impatience le prochain film de Shinkai qui vient justement de sortir au Japon ! (9/12/2016)

The Girl Who Leapt Through Time (Hosoda, 2006). Un bon film qui ne tombe jamais dans le trop mélodramatique, sauf aux bons endroits. Il y a quelques faiblesses, mais rien qui gâche le plaisir. (12/4/2016)

The Handmaiden (Park, 2016). Intrigue habilement mené, récit tortueux aux nombreux rebondissements, plusieurs provoqués par une narration non-linéaire. Réalisation somptueuse, interprétations superbes. Ceux qui aiment les intrigues bien ficelé vont adorer. Pour ma part, je trouve qu'il manque de contemplation ou de «paysages affectifs». (24/11/2016)

The Hateful Eight (Tarantino, 2015). Tarantino a du front, c'est le moins qu'on puisse dire. Selon imdb, il aurait déclaré que ses deux sources d'inspirations principales pour ce film furent The Thing et... Reservoir Dogs. Je n'ai pas grand amour pour les films de Tarantino, je n'aime pas sa manie d'émuler des films à répétitions, mais pour un western, son style s'y prête drôlement bien. C'est peut-être que le western est un peu comme le jazz : on se base sur des standards et on improvise... Un bon « who dunnit » avec d'excellentes performances d'une distribution solide. (25/6/2016)

The House on 92nd Street (Hathaway, 1945). Glorifiant les efforts du FBI pendant la seconde guerre mondial, ce film est ni plus ni moins un film de propagande dont l'agenda est tellement évidente que ça en devient lourd. Bonne finale, cependant. (11/12/2016)

The Last of the Mohicans (Mann, 1992). Quand on parle de romantisme et de dramaturgie bien employés, ce film bat des records. Grandiose et tragique. (9/6/2016)

The Lobster (Lanthimos, 2015). Excellente comédie noire, satire de la domination du couple dans la culture contemporaine occidentale. Collin Farrell, qui me laisse plutôt froid, d'habitude, offre une performance sans faille. (21/1/2016)

The Magnificent Seven (Sturges, 1960). Un très bon western américain. Bien qu'il ne soit pas aussi bon que Seven Samurai, dont il est l'adaptation, il est peut-être plus accessible, du moins pour le public nord-américain. (2/2/2016)

The Maltese Falcon (Huston, 1941). Ce serait le premier film noir majeur. Le résultat est étonnant, la prestation de Bogart est iconique, et le reste de la distribution n'est que personnages étranges, mystérieux, singuliers. (12/7/2016)

The Man Who Fell to Earth (Roeg, 1976). C'est sensé être un chef-d’œuvre, mais j'ai trouvé que tout se perd dans une confusion qui noie le propos. (17/1/2016)

The Manchurian Candidate (Frankenheimer, 1962). Un drame d'espionnage qui utilise le dispositif cinématographique de manière ingénieuse. L'ultime film sur la guerre froide ? (30/3/2016)

The Mermaid (Chow, 2016). Ce film semble étirer la sauce d'une recette qui a donné certes de bon résultats par le passé, mais qui se trouve en grande panne d'inspiration. Décevant. (29/11/2016)

The Name of the Rose (Annaud, 1986). Je n'ai pas lu le livre duquel on a tiré ce film. Je ne peux donc que commenter ce dernier. Il s'agit d'un film d'époque montrant une période très sombre de l'humanité, d'une manière extrêmement efficace, tout en nous invitant dans une espèce de polar médiéval. L'un des meilleurs rôles de Sean Connery. (23/2/2016)

The Neon Demon (Refn, 2016). Vraiment, ce pseudo-post-féminisme ne vient me toucher aucunement. Les ambiances sont de très pâles copies de l'oeuvre de David Lynch, et le symbolisme prend beaucoup trop de place alors que c'est l'affect de type moral qui devrait être mis en relief. La distribution se débrouille très bien malgré tout. (11/12/2016)

The New World (Malick, 2005). Idéaliste, presque romantique, Malick film des « primitifs » probablement plus noble qu'ils ne le furent, des européens moins barbares qu'ils ne le furent, reste que ce film est une excellente histoire d'amours impossibles. Colin Farrell semble fait pour être dirigé par Malick, et Q'orianka Kilcher s'en sort très bien également. (29/9/2016)

The Peanuts Movie (Martino, 2015). C'est pas mal du tout, mais je dois signaler deux choses que j'ai trouvées agaçantes. Premièrement, la musique, qui en soit n'est pas mauvaise, mais quel est le producteur qui a décidé de ne pas mettre du jazz !? Charlie Brown, c'est aussi les thèmes de Vince Guaraldi. On entend celui de Linus et Lucie quelques fois, mais c'est tout. Même les chansons pops fonctionnent mieux que la musique orchestrale standard utilisée. Deuxièmement, est-ce pour faire « moins violent » qu'on évite les sons de mitrailleuses et de balles sifflantes dans les séquences avec le baron rouge ? Enfin, malgré tout, ça demeure un bon film. (14/2/2016)

The Prestige (Nolan, 2006). Commence très bien, offre de bonnes performances. Mais je suis incertain de la pertinence des éléments fantastiques qu'on dévoile vers la fin... (12/1/2016)

The Public Enemy (Wellman, 1931). Film de gangsters dans lequel James Cagney pose les bases du parfait psychopathe, que le cinéma américain reprendra encore et encore. (30/6/2016)

The Quiet Earth (Murphy, 1985). Un film de science-fiction à l'intrigue d'une moralité plutôt simpliste, mais efficace (un genre d'histoire de karma...). C'est quand même une belle découverte. (20/12/2016)

The Roaring Twenties (Walsh, 1939). Un très bon film de gangster qui commence plutôt discrètement. James Cagney joue à merveille un gangster vulnérable et tragique. (9/8/2016)

The Squid and the Whale (Baumbach, 2005). M. Baumbach a le don de présenter des personnages haïssables. Dans la plupart de ses films, ça vient me chercher et ça me dérange. J'ignore pourquoi, mais celui-ci, je l'ai trouvé bon. Mon préféré après son excellent Frances Ha ! (16/2/2016)

The Straight Story (Lynch, 1999). Un chef-d'œuvre pour David Lynch, présentant un personnage à la sagesse infinie qui traverse le meilleur de ce que les États-Unis représentent, sans les ténèbres que Lynch met souvent en scène dans ses films. Même le cosmique est du côté du protagoniste. Grandiose. (25/12/2016)

The Stranger (Welles, 1946). Le film que Welles aime le moins dans sa filmographie, semble-t-il. Pourtant, c'est plutôt réussi, et je trouve que c'est le film qu'il fait avec la meilleure musique, rehaussant grandement les atmosphères de suspense. Le maître a toujours eu de la difficulté avec les trames sonores de ses films. Sauf cette fois ! (6/12/2016)

The Talented Mister Ripley (Minghella, 1999). Un très bon film, bonne montée dramatique, personnages nuancés. Ça en fait une bonne étude de caractères. (11/5/2016)

The Thing (Carpenter, 1982). Comme film de monstre, c'est extrêmement bien réussi. Les acteurs sont parfaits et les ambiances, bien menées. Malgré leurs quelques défauts, les animatroniques et les effets mécaniques seront toujours plus inquiétants que l'image de synthèse. (10/2/2016)

The Towering Inferno (Guillermin, 1974). Dire que c'était ça, les blockbusters de l'époque... On s'occupait des personnages au lieu de tomber dans un manichéisme humain/éléments ou bon/méchant... (19/5/2016)

The Tree of Life (Malick, 2011). Dans l'ensemble, c'est un très bon film contemplatif, dans la lignée de ce que Malick avait fait jusque-là, mais avec une certaine économie. Cela n'empêche pas le projet d'être très ambitieux intellectuellement. On compare la jeunesse d'un homme à la naissance du cosmos et celle de la vie émotionnelle sur terre ! Force est d'admettre que la rupture de ton entre ces deux pôles narratifs est un peu forcée. (22/11/2016)

The Virgin Suicides (Sofia Coppola, 1999). C'est vraiment excellent. Ça passe à deux doigts de manquer de profondeur, mais ça tient le coup jusqu'à une finale très efficace. (9/6/2016)

The Wild Bunch (Peckinpah, 1969). Déconstruction du western, destruction du mythe, initiateur du «western crépusculaire», un grand film qui montre à quel point le mythe états-unien trempe ses racines dans le sang. (8/11/2016)

The X-Files (Bowman, 1998). Quand j'ai vu ce film pour la première fois, je n'avais jamais regardé d'épisodes de la série télé. C'est ce film qui m'a fait aimer la série. Une bonne histoire de complot aux accents de science-fiction. Bravo ! (16/2/2016)

Throne of Blood (Kurosawa, 1957). Une adaptation de MacBeth. Je peux affirmer que ce film est mon préféré des films d'époque de Kurosawa. Chef-d’œuvre. (30/4/2016)

Tideland (Gilliam, 2005). Il s'agit véritablement d'un conte de fée pour adulte. La mort est toute puissante, une mort non pas spirituelle, mais très matérielle. J'avais oublié que la caméra de Gilliam pouvait être aussi poétique. (24/3/2016)

Timecode (Figgis, 2000). Plus une expérience qu'un film au sens classique du terme. Quatre caméras filmant en même temps les actions des mêmes personnages. Cela ne pouvait se faire sans une certaine confusion. Bonne idée, mais étourdissant. (16/8/2016)

Timecrimes (Vigalondo, 2007). Un très bon film de science-fiction très intimiste, presque minimaliste du point de vue narratif, mais extrêmement efficace. (28/1/2016)

Titan A.E. (Bluth, Goldman, Vitello, 2000). Un bon film de science-fiction, non pas sans défauts, mais agréable. (6/2/2016)

To Live and Die in L.A. (Friedkin, 1985). Un excellent film policier où ne pas jouer selon les règles ne paie pas nécessairement. (30/4/2016)

Topkapi (Dassin, 1964). Un très bon « heist movie » qui a inspiré Mission Impossible, la série et puis le premier film. Peter Ustinov à son meilleur ! (14/5/2016)

Tora! Tora! Tora! (Fleischer, Fukasaku, Masuda, 1970). Bon drame de guerre qui se garde de tomber dans le manichéisme du moi et l'Autre. (4/3/2016)

Touch of Evil (Restored Edition, Welles, 1958). Ce film marque clairement un passage du film noir traditionnel vers quelque chose de plus tordus, encore. Welles était un visionnaire, et ce film en est la preuve. (12/7/2016)

Tracks (Curran, 2013). Tout un film, qui remet une vie en perspective, et ce, en environ 1h45. Puissant. (28/6/2016)

True Romance (Scott, 1993). C'est un bon film, bien réalisé, bien joué, bien écrit, mais il me laisse froid. Je ne suis clairement pas le bon public pour ce film. (12/1/2016)

Twelve Monkeys (Gilliam, 1995). Un excellent Gilliam, regorgeant d'images fortes et présentant des performances d'acteurs surprenantes. (8/3/2016)

Une corde... un colt... (Hossein, 1969). Mon préféré de tous les euro-westerns (le terme vient d'un critique du site dvdtalk.com) qui ne sont pas réalisés par Sergio Leone que j’ai vu. Le rythme est lent et introspectif, et les personnages sont tous ambigus moralement, même les « méchants ». (28/5/2016)

Valérie (Héroux, 1969). Premier film érotique québécois. Exploration timide des fantasmes de la période. «L'Initiation», qui suivra, est meilleur. (10/3/2016)

Wake Up and Kill (Lizzani, 1966). Un étrange film qui semble marquer le début de l'âge d'or du polar italien. Photographie soignée, mise-en scène efficace, une pincée de kitsch dans les dialogues et le jeu des acteurs. Réussi. (16/4/2016)

Warcraft (Jones, 2016). Entendons-nous, ce film est une fantaisie juvénile. Cependant, brisant la tradition hollywoodienne de sur-simplification morale, «Warcraft» ne prend pas son public pour des attardés. Nous sommes plus près de ce que les animes industrielles du Japon ont à offrir, ce qui est loin d'être une mauvaise chose. (25/12/2016)

Wasabi (Krawczyk, 2001). C'est tout ce qu'on peut attendre d'une comédie policière à la sauce Luc Besson ! Quelques maladresses, mais dans l'ensemble, « c'est très regardable ». (3/3/2016)

Wayne's World 2 (Surjik, 1993). Meilleurs que le premier. Gags surprenants et assez recherchés. Je l'aime ! (23/1/2016)

Werckmeister Harmonies (Tarr, 2000). Film révolutionnaire sur l'histoire de l'europe de l'est face à l'influence soviétique. Poétique, colérique, les ambiances bien montées, se veut une réflexion terrible sur l'histoire de la Hongrie. (1/9/2016)

What We Do in the Shadows (Clement, Waititi, 2014). Malgré un sujet plutôt usé, ce film est une leçon de comédie. Les personnages sont agilement construits et l'interprétation est hilarante, et parfois même surprenante ! (17/9/2016)

When Eight Bells Toll (Périer, 1971). Un film d'espionnage qui « joue » à James Bond, mais ne réussit jamais vraiment. Loin d'être inintéressant, cependant, surtout la distribution qui est fort sympathique. (23/4/2016)

Wolf Children (Hosoda, 2012). Avec Miyazaki et Takahata qui avance en âge, il fallait se tourner ailleurs pour se faire offrir des fantaisies intelligentes. Mamoru Hosoda semble dans la bonne voie. Wolf Children est une réflexion sensible et pertinente sur la parentalité. (20/1/2016)

World on a Wire (Fassbinder, 1973). C'est mon premier Fassbinder. La première partie est extrêmement efficace, mais ensuite, la monotonie s'installe jusqu'au dénouement où ça redevient brièvement intéressant. Tournée rapidement en 16mm, le film aurait profité d'une plus courte durée et d'un traitement visuel plus «moderne». Pas inintéressant. (15/12/2016)

X-Men: Apocalypse (Singer, 2016). Le syndrome du méchant tout-puissant est très limitatif pour un auteur. Frank Herbert s'en tire magistralement dans son roman God-Emperor of Dune, mais Hollywood est loin d'être prêt pour l'adaptation d'un tel chef-d’œuvre. Singer s'en tire plutôt bien dans ce film, malgré un adversaire qui est, à la base, peu intéressant. (31/5/2016)

Zhongkui: Snow Girl and the Dark Crystal (Pau, Zhao, 2015). Un film ambitieux côté intrigue, mais on se perd dans ses propres artifices. C'est l'équivalent d'un blockbuster hollywoodien sans cervelle, sauf qu'il vient de Chine. (2/6/2016)

Zulu (Endfield, 1964). Drame historique qui, et c'est une agréable surprise, ne glorifie pas trop l'occidental face à l'africain. Ce n'est pas parfait, mais des opposants qui ne sont pas démonisés sont toujours plus intéressants dans ce genre de films. (8/9/2016)

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[maevewalkerorchestre]

La musique de Final Fantasy VI et de Secret of Mana

Force est de constater, après maints écoutes des musiques des jeux vidéo Final Fantasy VI (Nobuo Uematsu, un de ses chefs-d’oeuvre) et Secret of Mana (Hiroki Kikuta, très inspiré), que les deux sont diamétralement opposés en terme d’ouverture. La musique d’Uematsu mène toujours vers un «dehors». Elle veut sortir du jeu, elle prend vie d’elle-même, sans avoir besoin du jeu pour exister. La musique de Kikuta est hermétique. Elle rappelle constamment le jeu, nous enferme avec lui, même si on ne joue pas. Cela peut devenir fort angoissant, et le jeu ne peut se passer de sa musique. Kikuta est fusionnel, Uematsu est un rêveur. Cela transparait même dans les arrangements orchestraux des pièces.

À écouter : 

Pour Uematsu : La séquence complète de l’opéra Maria et Draco arrangé pour ochestre sur l’Orchestral Game Music Concert 4.

Pour Kikuta : Le très bel arrangement d’Angèle Dubeau de certains des thèmes de Secret of Mana sur son album Musique de jeux vidéo. C’est le plus bel arrangement de la musique de ce jeu que j’ai entendu jusqu’à maintenant.

[maevewalkerorchestre]

Still Life, by Van der Graaf Generator

Still Life is the best album of the post-1975 albums of the group. Pilgrim is simply gorgeous and Still Life, the song, is a masterpiece. Its hard-rock riffs following the quite long but never superfluous intro presents a side of the band which is very much attached to its live incarnation, and not to its studio outings. La Rossa, which was recorded during the Godbluff session, is incredible and passionate. My Room is perfect as a restrained offering, while Childlike Faith is the ultimate hymn that the band offers its fan before its demise following World Record. A great album !

[maevewalkerorchestre]

Radical Action, New King Crimson Release

"The Power to Believe" showed the furthest the band could go in their "interlocking guitars" sound. What was to come afterwards would lead to wild suppositions. Dropping singer/songwriter Adrian Belew was an interesting choice, though not the path I would have chosen. But I am not in the band and Mr Fripp thought it would benefit it somehow. Unfortunately, his choice for the new incarnation of Crimson did nothing to move the band forward.

The new versions of the old songs sometimes work (The first part of The Talking Drum, Pictures of a City, Easy Money, Sailor's Tale, The Court of the Crimson King), sometimes don't (Larks' Tongue Part I, the ridiculously slow Larks Tongue Part II, Vrooom, Red, wasted by too much drumming, as is the case of most of disc III).

Though there are some spark of genius in the new stuff (Radical Action, The Light of Day, Suitable Grounds for the Blues, Interlude), it quickly falls into known territory and sounds as old as the older stuff, or even older (Meltdown, The Hell Hounds of Krim, Banshee Legs Bell Hassle A Scarcity of Miracles, Devil Dogs of Tesselation Row) !

Three drums is a fantastic ideas, but what truly original material can come out of it ? Level Five's drums breaks seems superfluous to an otherwise very nice rendition of the piece. Many other pieces struggle with too much drums, which befalls, as said earlier, disc III. The flute and sax often seems out of place (Larks' Tongue Part I, The ConstruKction of Light, Red). Jakszyk's voice is too "popish" for Crimson's repertoire, and even for their newer songs. Suitable Grounds for the Blues is not bad, but Jakszyk cannot make the song soars as high as Crimson's other singers.

There are nice touches, as for the sax during The ConstruKction of Light, but all in all, some stuff seams to be unashamedly ripped-off from their own catalogue, such as Banshee Legs Bell Hassle and Devil Dogs of Tesselation Row.

As the older stuff of a band like Van der Graaf Generator functioned as a lens for the future, Crimson was always a band looking ahead. This time, it has become a "best-of band", and it unfortunately doesn't suit them at all.