C est une démarche qui a débutée en 2019 de proposer à nos clients des designers, des artisans d’art et des fabricants français pour permettre le partage du savoir faire et permettre une consommation raisonnée dans l’architecture d intérieure.
Voici le 1 er épisode :
Avec un collectif de créatif Superlipopette
Design : Antoine Coubronne, Damien Dubourg, Perrine Jugé, Les Ombelles.
Crédits photos : Édouard Richard / Maif , Antoine
Souces : https://vimeo.com/329995351?fbclid=IwAR1bDhs9V3QTu1-DTFcEESfCdt611vGaIL5ipKAnMC1gk77Vq3KZyn-EUKI https://superlipopette.net/
Où l’on découvre que 400 francs suffisent à acheter un chef-d’œuvre.
source: ARTIPS.FR
https://artips.fr/?f=3ac408d57b&uiad=3ac408d57b
En ce matin de janvier 1889, Vincent Van Gogh se rend au Salon des Vingt, à Bruxelles.
Il a été invité à y présenter son travail. Enfin une opportunité de montrer son art ! Et même de vendre...
Depuis quelque temps, Vincent cherche désespérément à être reconnu. Il a foi en son travail, mais semble bien être le seul. Ce salon, c'est son dernier espoir. Il a envoyé six œuvres dont deux de la série des Tournesols
ainsi que cette vigne rouge
Vincent van Gogh, La vigne rouge, Huile sur toile, 75 cm × 93 cm, Musée des beaux-arts Pouchkine, Moscou
Comme souvent, sa présence n’a pas fait l’unanimité parmi les artistes. Le peintre Henry de Groux a, par exemple, préféré annuler sa venue plutôt que de voir ses toiles à côté de "l'exécrable pot de soleils de M. Vincent".
Parmi les 6 œuvres envoyées, Van Gogh n’aurait pas parié sur La vigne rouge, cette petite scène de vendanges de la campagne arlésienne qu’il a peinte quelques temps plus tôt. Pourtant, en associant le jaune et le violet, son exécution chromatique est exceptionnelle, annonçant presque le fauvisme.
Et en ce jour de Salon, elle attire même une acheteuse ! Anna Boch, peintre et amie de Van Gogh, l’acquiert pour la modique somme de 400 francs (environ 800 euros). Enfin sa première vente !
Mais cette toile demeurera la seule jamais vendue publiquement
par Van Gogh de son vivant. Six mois plus tard, il met fin à ses jours. Maudit jusqu’au bout, il ne saura jamais que cette toile est aujourd’hui inestimable.
Si elle était mise en vente, elle serait une des œuvres les plus chères du monde, au même titre que La Joconde !
C'est en 1989 dans l'ouest parisien que Georges Bouey, alias MAD 325 débute sa carrière d'artiste. C'est sous le pseudo de MAD, du graffiti des premières heures, des expéditions nocturnes et des premières fresques couleurs le long des voies ferrées, qu'il fait ses premières armes.
En 2000, il crée le collectif « Full Color » sur Bordeaux. Cela donnera lieu jusqu'en 2007 à de nombreuses collaborations (Dran, Seth, Kern, MAC, Lek, SAC, Reso…) au travers de fresques « monumentales » dans toute l'Europe.
En 2004, édition d'un ouvrage dédié aux réalisations du collectif, remarqué par la marque « Tribal Gear ». Toutefois, après plusieurs années de réalisations importantes, entre la gestion des ego et le début d'une remise en question, l'amène à prendre ses distances avec le milieu de ses débuts.
L'insouciance et l'esprit n'y est plus. Les années ont passé. Il ne le sait pas encore, mais il est déjà taraudé d'un besoin plus profond.
Il finit par couper définitivement les ponts avec son milieu artistique « naturel » et entre en « atelier », comme d'autres en « religion ». Bien décidé à ne rien renier, mais sans avoir encore trouvé la voie.
Entre expérience de vie et drame personnel, il trace son sillon. (C'est à cette période qu'il accole 325 à son pseudo en hommage à son grand père Georges Enel, évadé et déporté en 1943 à Rawa-Ruska au Stalag 325).
Aujourd'hui, Georges Bouey, n'est pas loin de trouver la « grâce ».
Certes, les outils ne sont plus les mêmes, les supports eux aussi ont changé. Et c'est tant mieux. Non seulement, il n'a rien sacrifié à l'immédiateté du geste de l'esprit des débuts, mais il a réussi à sublimer son approche de l'art. Il est devenu un artiste au sens premier du terme, avant d'être un artiste de… Et ce chemin pour s'accoucher de lui-même, n'est pas complaisant.
Ses œuvres peuvent sembler abruptes, voire empruntes d'une certaine violence. La facture de son style, ce trait, ces lacérations laissent certes apparaitre la crudité de la nature humaine, mais sans faire abstraction des émotions du désir humain et de leurs élans fugaces de douceur et de sensibilité. Quoi que l'on puisse en ressentir, les œuvres de Georges Bouey ont une présence, une charge émotionnelle qui est bien réelle.
Des œuvres puissantes, dont la neutralité photographique, ne peut malheureusement pas rendre compte.
Mais après tout, n'est-ce pas cela l'art ? Cette chose qui nous échappe et qui pourtant nous est si étrangement familière.
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