Sacred Spaces

Delphine Dora Constellations

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I must stand by the side of the mountain I must be where I know I must be When you stand and face the gas masks and truncheons You must know what it all really means It is the time of the last persecution And Caesar shall be raised He will ask for his feet to be kissed by your sister And your children will fear at his name Do not avenge these deaths do not avenge them You must know what it all really means It is the time of the Anti-Christ know what I say Make for your own secret place And others will join you there And you wait for the ships in the air And you wait for a sign like a trumpet sounding And you go out and walk to the Christ And you go out and walk to the Christ

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An impression of time Honored moments of mine Whilst the tide is turning Before the tune has ended After the day has died Turn away if you dare not show your face Turn silently away All the colours of darkness are there, are there (See the fool lead your soul in a restless kind of way) The darkness of your feelings, the colour of you The colour of you, the colours of all of you The colours of all of you, the colours of all of you... See the fool lead your soul in a restless kind of way... The darkness of your feelings, the colour of you... All the colours of darkness, all the colours of darkness Expression, the same The meaning, the rhyme Of the seaman who shot his soul from the sky [?] he needs must be Who could see theirs? Angels saw the wild wheel still turn Spilling questions as it spins Sliding slowly away All the colours of darkness are there, are there

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L’une des 4 pièces pour violoncelle et électronique par Judith Hamann produite en confinement au printemps 2020 sur l'île de Suomenlinna en Finlande. 

"Depuis que j'ai commencé le projet, j'ai beaucoup réfléchi à l'idée de l'effondrement, et c'est devenu une façon de réfléchir avec et à travers certaines idées et expériences. L'effondrement dans le sens de cet album fait référence à un flambage de la structure, de multiples couches soudainement sans division, et indique l'expérience globale de reconfiguration des espaces public/privé/social intérieur/extérieur et de la perception du temps en réponse à la pandémie COVID-19. Je suis peut-être trop utopique, mais je pense que l'effondrement n'est pas synonyme de catastrophe, il peut au contraire être générateur, créatif, une façon de créer une nouvelle histoire ou expérience, une façon de révéler ou de redire notre perception du monde". (Judith Hamann)

Interview de Judith Hamann à propos du “days collapse” project  : http://anothertimbre.com/judithhamann.html

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"Au Maroc, comme dans la plupart des autres pays du Maghreb, la musique est considérée comme porteuse d’un message de paix et de partage, elle a pour but de diffuser son amour et sa dévotion à Dieu sans le moindre voile. Les Maîtres musiciens de Jajouka font la même musique depuis plus de 1 000 ans, leurs rites paniques proviennent directement des Lupercales romaines [fêtes annuelles célébrées par les luperques – les prêtres de la Rome antique –près d'une grotte nommée le Lupercal], et leur principal effort est de ne surtout pas pervertir cette musique en la modernisant. Leur musique contient une force extraordinaire qui provient de son ancienneté, et de mystères mélodiques et rythmiques enfouis dans le secret de la transmission et de l’apprentissage, réservé à la seule famille Attar depuis toujours.

La relation au sacré dans la plupart des musiques actuelles n’existe plus, les artistes ne s’intéressent plus à ces sujets car la relation à l’universel ou à l’intemporel est en grande contradiction avec la volonté de maîtrise d’une technologie en constante évolution, et surtout à celle de remplir son compte en banque le plus rapidement possible. Certains artistes gardent cette relation au sacré ancrée très profondément dans leurs œuvres, mais dans la musique occidentale, le nom de Dieu n’est quasiment jamais cité, et très peu se permettent de faire une musique avec une inspiration mystique dévoilée au public sans camoufler cela derrière des attitudes de provocations ou d’ironie. Or, si le rapport au sacré doit rester mystérieux pour survivre, sa forme d’expression publique doit être directe, sans aucun intermédiaire ou artifice. Alors qu’en Occident, on fait tout pour cacher ce rapport au sacré – sauf bien sûr dans les musiques dites religieuses –, les musiques d’Afrique du Nord sont en totale opposition avec cette idée d’un camouflage : tout doit être dévoilé afin d’entrer directement, par la voie de la transe hypnotique, dans l’impact mystique de ces musiques.”

(Marc Hurtado)

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Entretien avec Marc Hurtado de Etant Donnés

Art. Etant donnés, c’est le nom d’une œuvre de Marcel Duchamp, mais aussi – depuis 1977 et surtout avec l’album La Vue en 1979 – un maelström artistique animé Entretien avec Marc Hurtado de Etant Donnés

“Mon travail est autant spirituel que matérialiste, je ne connais pas de différence entre la matière et l’esprit, toute matière est spirituelle, tout est atome, tout est rêve.“ (Marc Hurtado)

“Il n’y a pas d’autre dépassement en dehors de celui-là, la réalisation d’états supra-humains, dont l’art et la poésie offrent, dans des illuminations symboliques, la représentation des degrés, fixant en formules de lumières le rythme de l’ascèse, taillant des marches dans la glace vive des parois vertigineuses le long desquelles le pied est ailé, l’aile de Mercure, le guide divin, père et inspirateur des poètes auquel il montre les mondes infinis de la création de l’esprit dans l’esprit.”

G. de Giorgio (”Mercuriales Viri”, l’Instant et l’Eternité)

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« Warraw » est le deuxième disque de Greenpot Bluepot / Natalie Rose Lebrecht. Natalie Rose Lebrecht joue sur ce disque une multitude d’instruments (synthétiseur, guitare, percussions, harpe automatique, orgue, accordéon, mélodica et piano) et chante avec sa voix multiple et schizophrène qui se transforme en différentes personnalités dans chaque chanson. C’est un véritable chef d’oeuvre musical, à la fois viscéral, libre et inclassable :

« J'ai reçu une éducation formelle en art et en avant-garde occidentale, donc j'ai ce langage (et le langage de la catégorisation) intégré dans mon système.  Cependant, lorsque j'étais à l'école, je me souviens que beaucoup d'étudiants et de professeurs disaient d'un ton déprimé que l'on apprend l'art et qu'il faut ensuite le désapprendre.  L'idée étant qu'apprendre l'art étouffe votre créativité intérieure (parce que votre créativité s'institutionnalise).  Ce n'est pas que je l'ai "désappris", mais j'ai cessé depuis longtemps de me préoccuper des "dialogues" institutionnels, des "discours", des attentes, des catégories et des structures de l'art. En ce moment, je m'intéresse davantage à la beauté, aux résultats viscéraux et créatifs qui frappent au niveau primaire. J'aime entendre un esprit intellectuel s'exprimer tant qu'il est libre de toute connerie (...) Le problème est que, selon moi, l'école d'art vous apprend jusqu'à ce que vous ne sachiez même plus que ce que vous faites, et vous n'êtes qu'un automate avec une formule gravissant l'échelle de la Créativité.  En ce moment, je ne suis pas très intéressé par les jeux de la Tour d'Ivoire - ils ne mettent pas fin à la souffrance, ils soulagent temporairement l'ennui. ».

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Greenpot Bluepot est l’entité musicale et sonore de la musicienne à la trajectoire unique Natalie LeBrecht. Lebrecht crée des chansons-univers sonores surréalistes et psychédéliques, essentiellement électroniques, dans lesquels ses diverses incarnations psychologiquement complexes s’expriment  inhabituelle, comme des mini courts-métrages avec leur logique propre et leur atmosphère de menace et d’étrangeté. Son premier album « Daymares and Nightdreams » (avec son titre en jeu de mots qui renverse les lois du jour et de la nuit) est un véritable labyrinthe sensoriel et tourbillonnant, émotionnellement troublant et troublé -- qui reflète des états de conscience altérés de son auteur, proche d'états oniriques ou cauchemardesques. Un univers totalement unique qu’on a pu rapprocher parfois de Jandek, 1ers albums de Smog, Annette Peacock, Marianne Nowottny :

« J'aime rêver !  Souvent, je préfère rêver que d'être éveillé.  Depuis que je suis bébé, j'ai toujours voulu dormir beaucoup et j'ai trouvé passionnant de rêver.  Je me souviens de nombreux rêves d'il y a des années, tout comme je me souviens d'expériences de la vie éveillée.  J'ai beaucoup de sortes de rêves différents.  Certains d'entre eux sont l'ego personnel, des rêves freudiens qui ne concernent évidemment que mon moi extérieur, mon ego, mes expériences et ma vie quotidienne.  Mais d'autres rêves dépassent vraiment le cadre de l'ego, et c'est là que j'aime vraiment - même si c'est effrayant – et que j'ai l'impression de capter des informations que je ne recevrais pas en étant éveillé.  Les rêves parlent le langage des archétypes, et j'adore ça.  Je pense que ce genre de langage symbolique influence la nouvelle orientation de mes paroles.  Je suis très intéressé par les rêves et j'aime généralement entendre parler des rêves des autres - surtout quand ils sont surréalistes et sauvages. »

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“Depuis mes débuts et la fondation d’Étant Donnés en 1977 avec mon frère Eric, je pratique un art qui touche au sacré. Mais il m’a fallu de très nombreuses années avant de me rendre compte que mes spectacles, mes films, mes poèmes, ma musique ou mes peintures détenaient cette relation intime au mysticisme. Cette relation n’a jamais été recherchée, elle est le fruit de la poésie qui possède en elle cette force illuminatrice. À travers les mots l’esprit dévoile l’âme libérée de toute contrainte et relation avec le temps, l’espace et le corps. Toute mes œuvres sont guidées par la poésie, la force giratoire du verbe donne ce tournis qui pulvérise la réflexion et ne laisse présent que la trace d’une parole universelle, magique, de l’invisible. Seul importe ce qui sort de moi, et non ce qui est en moi ; ainsi que la puissance du partage qui s’effectue avec le public et la sensation de rupture du temps et de pulvérisation dans l’espace que la représentation peut amener.

La relation qu’entretient Alan Vega avec le sacré est très subtile. Il utilise depuis toujours des objets récupérés dans la rue pour construire ses sculptures lumineuse afin de redonner une deuxième vie, grâce à la lumière, à des objets rejetés par l’homme, des objets « morts » pour la société : cette forme de résurrection est déjà une première évocation au sacré. Le fait de construire toutes ses sculptures en forme de croix en est une deuxième, encore plus évidente. Devant une sculpture d’Alan Vega, l’impression est double : on se sent remplis d’un sentiment de paix et de grâce comme devant un autel illuminé par les lumières kaléidoscopique de vitraux, et en même temps on est traversé par la violence de ce désordre « organisé », du chaos de ces déchets de fortunes cloués ou attachés par des fils électriques. Que ce soit dans ses peintures de boxeurs, ses sculptures, sa musique ou ses textes, Alan Vega manipule constamment un esprit de rédemption qui semble hanter toutes ses œuvres.”

(Marc Hurtado)

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Strings in the earth and the air  Make music sweet Strings by the river Where the willows meet There's music along the river For love wanders there Pale flowers on his mantle Dark leaves on his hair All softly straying With head to the music bent And fingers playing Upon an instrument Twilight turns from amethyst To deep and deeper blue Lamps light with a pale green glow The trees of the avenue The old piano plays an air Sedate and slow and gay She bends upon the yellow keys Her head inclines this way Shy thoughts and grave wide eyes And hands that wander as they list Twilight turns a darker blue With lights of amethyst.

(James Joyce)

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Maybe love Your eyes are sweet And glimmer in the light I don't doubt in my mind That you know that deep down inside We have chemistry I like seeing you notice me When I'm feeling better about who I am

[Chorus] Baby love, take my hand We are friends till the end Darling, my dear, my heart strings bend You'll be my friend till the end

[Verse 2] Darling, how sweet We can talk of anything How I love to hide how much I think of you In the night, I can be true to good meaning Friendship is healing, lust isn't true

[Chorus] Baby love, take my hand We are friends till the end Darling, my dear, my heart strings bend You'll be my friend till the end You got a lot of women under your spell I can see that You got a lot of history with pretty ladies And dreams that won't ring your bell

[Chorus] Maybe love, baby love I can't have you But it don't bother me now We can share friendship, lonesome friendship I think you know just how special I am

[Post-Chorus] Baby, baby, I'll give you everything

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Mandarava Rose est le dernier album de Natalie Rose Lebrecht sorti en 2019 après quelques années de silence (7 ans après Ascend At the Dead End) ; ce nouvel album peut être considéré comme l'aboutissement d'une décennie consacrée à la méditation et à l'exploration d’états intérieurs et c’est aussi son disque le plus cosmique et intergalactique, nous propulsant dans un espace de l’infini. En 2016, elle a commencé à étudier l'hypnose et à voyager mentalement vers ce qu'elle appelle "d'extraordinaires sphères interdimensionnelles". Sur le plan spirituel, elle avait travaillé et étudié pendant quelques années auprès de La Monte Young.

LeBrecht qui chante et déploie un piano et un orgue fait appel ici à deux collaborateurs qui viennent enrichir la palette instrumentale : David Lackner, qui a co-créé les arrangements (flûte, saxophones, cloches et synthétiseur) et a participé au processus de mixage ; et Martin Bisi qui a co-produit, et mixé l'album.

Mandarava Rose est un album de chansons dévotionnelles en hommage à Alice Coltrane. Le premier morceau d'ouverture, "Rishi Stars", est dédié à Turiyasangitananda, le nom spirituel de Coltrane.

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Sorti en 1973, le disque intitulé Magdalith puis, lors de rééditions, Improvisations, montre à son sommet l’originalité de l’artiste. Sur fond instrumental, elle se lance spontanément dans des sauts d’octave ou des gémissements gutturaux pour le moins étranges, imitant des oiseaux parfois ou d’autres sons de la nature, expressions vocales et acrobaties (dans les titres des morceaux : « Oiseaux fous », « La naissance », « Caucaserie », etc).

Eddy Marnay, dans la présentation du disque, dit que Magdalith porte en elle « toutes les voix du monde » : « c’est le chant de toute l’Humanité de son berceau à la mort ». « Son chant est un langage intégral qui se dispense de paroles. En se présentant ainsi elle-même, Magdalith ne cherche pas à décourager toute analyse. Elle barre simplement la route aux poseurs d'étiquettes, aux faiseurs de définitions, parce qu'il y a des gens qui se surprennent eux-mêmes, et Magdalith est de ceux-là. Sa voix, pleine de géographies inconnues et pourtant familières, est comme la révélation de nous-mêmes, d'un passé enfoui dans les sables morts d'un désert, d'un futur qui gravit les première marches de l'espace et dont la musique si l'on devait l'espace en musique ne saurait être que celle de Magdalith. "Je suis une danseuse sur cordes vocales," dit-elle encore. Mais cette boutade, pas plus que qu'une photo sous-exposée, ne saurait montrer quelle est la "performance" Magdalith. Défi à toutes les clefs de sol, alpiniste de la double croche, toboggan sur trois octave… Tout cela est vrai aussi. Mais le vrai phénomène Magdalith n'est pas là. Le vrai phénomène c'est que le moment de surprise passé la prouesse s'efface devant ce qui est la réalité profonde : Magdalith, c'est une âme, c'est le chant de l'Humanité de son berceau à sa mort. Et lorsque Henri Sauguet dit d'elle qu'elle est cataloguée hors-catalogue, c'est vrai : Elle a l'air de ne ressembler à personne. Mais est-ce vraiment ne ressembler à personne que de porter en soir toutes les voix du monde ? Mais le vrai phénomène Magdalith n'est pas là. Le vrai phénomène c'est que le moment de surprise passé la prouesse s'efface devant ce qui est la réalité profonde : Magdalith, c'est une âme, c'est le chant de l'Humanité de son berceau à sa mort. Et lorsque Henri Sauguet dit d'elle qu'elle est cataloguée hors-catalogue, c'est vrai : Elle a l'air de ne ressembler à personne. Mais est-ce vraiment ne ressembler à personne que de porter en soir toutes les voix du monde ? » (Eddy Marnay)

« Le phénomène « Magdalith » : que peut-on en dire ? Il faut l’entendre. J’imagine qu’à la cour du Roi Salomon, elle était déjà là… Son chant est plutôt une Invocation. Il y a chez elle un mystère qu’elle nous livre et que nous ne comprenons pas, mais son envoûtement joue sur les plus indifférents. C’est un cas unique. » (Jean Renoir)

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Au-delà est un disque réalisé en collaboration entre les labels La Scie Dorée et Meakusma. Il comprend huit morceaux de musique des affiliés de La Scie Dorée (Michael Ranta, Circae, Raymond Dijktrae, Nurse With Wound, Jac Berrocal, etc…).

Timo Van Luijk a fondé La Scie Dorée en 2000 pour publier son travail en solo sous le nom d'Af Ursin et les différents projets de collaboration auxquels il participe (Elodie, Frederic de Croene, etc). Convoquant un imaginaire visuel ésotérique et cinématographique et dépeignant des atmosphères nocturnes et hypnagogiques, Au-delà se concentre sur un territoire musical mystérieux et abstrait qui va du drone, à l’ambient en passant par l’improvisation libre ou l’avant-garde.

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David Begley est un artiste pluridisciplinaire à la technique impressionnante : graveur irlandais dont les œuvres récentes sont des monotypes ; il s'est aussi bâti une réputation grâce à ses dessins au fusain -- obsédants et surréalistes. Son travail comprend en outre dessins d’animations, peintures, art sonore et écriture d’un roman « Bone Black ».

Ses paysages anthropomorphiques et ses œuvres figuratives allégoriques utilisent des techniques d’inspiration classiques. La mer, la rêverie, la métamorphose, les mythes, les mythologies inventées et ses écrits de fiction informent son travail visuel. Certains thèmes reviennent aussi : la naissance, la mort, et surtout la régénération. Nous sommes immédiatement happés dans un monde imaginaire à la fois mystérieux et intriguant peuplé de figures allusives, de paysages sombres et élégiaques. 

Le travail de Begley repose sur l’imaginaire et le travail des symbolistes de la fin du XIXe siècle, à travers l'accent mis sur l'intensification de la perception imaginative – afin d'engager les émotions, l'intellect et l'inconscient du spectateur, l’insistance sur la suggestion – plutôt que sur une approche explicite, et la création d'une ambiance. A l’instar des symbolistes, Begley s'oppose à la simple description du monde naturel, préférant transmettre le mystère de ce monde. Son travail fait également écho à cette volonté d'embrasser le hasard pour créer des significations et des interprétations multiples :

« En tant qu'artiste, je suis continuellement ouvert au hasard, à la façon dont un mot ou un motif mène au suivant, et un par un, les idées sont poursuivies dans le médium qui convient. Je ne planifie pas les images à l'avance. Les images déclenchent des textes et vice versa. Cette interaction de l'image et du texte est cruciale pour mon processus d'écriture. Afin de visualiser une scène, je peux d'abord la dessiner. Plusieurs des apparitions des personnages de ce roman sont basées sur des portraits / modèles de vie avec lesquels j'ai travaillé». (David Begley)

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« La physique quantique a récemment confirmé ce que les chamans et les mystiques, les poètes et les musiciens savent depuis longtemps : l'univers ressemble plus à la musique qu'à la matière. Il se pourrait bien que notre relation la plus fondamentale avec les grands mystères soit celle de l'écoute. Grâce à une attention soutenue et concentrée sur la plénitude du moment présent, nous écoutons le battement de l'être, la voix de Dieu.

Clouds of Forgetting, Clouds of Unknowing est une œuvre de contemplation musicale, une tentative de consacrer un petit temps et un petit espace à une écoute extraordinaire. L'œuvre s'intitule The Cloud of Unknowing, qui fait référence à un texte mystique du XIVe siècle qui a beaucoup en commun avec les enseignements des traditions contemplatives du monde entier, qu'elles soient chrétiennes, juives, bouddhistes, soufies, amérindiennes ou autres.

Ma musique est depuis longtemps ancrée dans un fort sentiment d'appartenance à un lieu et une réponse profonde aux paysages du Grand Nord, en explorant un territoire que j'appelle "géographie sonore". Mais les paysages de Clouds sont plus essentiellement de nature sonore que géographique. Mon espoir n'a pas tant été de composer un morceau de musique que de créer - en termes essentiellement musicaux, sans références extérieures - une totalité de musique, une présence sonore en quelque sorte équivalente à celle d'un vaste paysage. Cependant, (peut-être inévitablement pour moi), le son de cette musique a une certaine froideur, clarté, aridité et obscurité, rappelant la lumière, l'atmosphère et les reliefs de l’Arctique."

(John Luther Adams)

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James Blackshaw est un guitariste anglais fortement inspiré par les guitaristes du label Takoma des années 60 (John Fahey, Robbie Basho). Il a ensuite incorporé dans sa musique des influences de la musique minimaliste et de la musique classique européenne ; Blackshaw utilise des techniques de fingerpicking pour créer des bourdons, des harmoniques et des motifs répétitifs, afin de créer une musique instrumentale à la fois complexe, mélodique et hypnotique.

Il a intitulé son album The Cloud of Unknowing (Le Nuage de L’inconnaissance) en référence au texte anonyme du XIVe siècle qui articulait une vision mystique du christianisme affirmant que Dieu peut être rencontré par la voie de l’amour, cet élan direct du coeur vers Dieu et vers Dieu seul. L’âme ainsi libérée, vidée de tout volontarisme, peut alors consentir à l’appel divin, et être tout entière occupée à l’amour de Dieu. Le nuage d'inconnaissance est une invitation à abandonner toute forme de savoir et toute quête positive de Dieu. L’inconnaissance (et le silence qu’elle présuppose) est spirituelle, elle ne s’obtient que par la traversée du silence, qui constitue la voie ascétique et mystique, qui est nommée « hésychasme »:

« celui qui espère entrer en silence sur Dieu, mais qui n’est pas entré en silence sur Dieu, mais qui n’est pas entré en silence sur sa propre âme, n’est pas encore mort au monde et n’a donc pu ressusciter dans l’Esprit. Le bavardage de l’âme éteint la flamme de l’Esprit. Le bruit du monde assourdit l’âme qui l’écoute et la rend inapte au silence. »

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I'm a little city-crazy It is getting out of hand I need to change my rhythm For the rhythms of the land

Living in the city's grip I feel I lose control As she reaches for my body She is hoping for my soul

There's a wilderness of buildings That are swallowing the ground They tie us to their chaos And they try to drag us down