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Storia Di Musica # 313 - AA.VV. - She Rocks Volume 1, 2017

Un giovane chitarrista di origini italiane (i nonni arrivarono negli Stati Uniti dalla Lomellina) nel 1978, quando ha appena 18 anni, manda una cassetta e una trascrizione del leggendario pezzo The Black Page al suo creatore, Frank Zappa. Il brano si chiama così perchè lo spartito è così pieno di segni musicali (punti, segni, note) ed è famoso perchè di una complessità mostruosa. Zappa impressionato dal talento del giovane chitarrista lo contatta e dopo che il nostro giovane eroe finisce la scuola, lo invita a Los Angeles, gli fa un provino e lo stipendia prima come trascrittore ufficiale e poi, dal 1980 fino al 1985, lo porta sul palco e in studio a registrare, presentandolo come il suo "little Italian virtuoso" e gli assegna spettacolari assolo definiti "impossible guitar parts". Quel giovane chitarrista è Steve Vai, unanimemente considerato uno dei più grandi chitarristi di tutti i tempi. Oltre ai dischi, ai concerti, ai premi, al ruolo di innovatore dello strumento (leggendarie le chitarre Ibanez Jem con lui sviluppate) il suo è sempre stato un lavoro di ricerca sia strumentale sia umano: cacciatore di talenti prima, e poi produttore ed editore musicale. Nel 1999 infatti fonda insieme a Ray Scherr, il fondatore di Guitar Center, la più grande catena di negozi di strumenti musicali di tutte le Americhe (con oltre 300 negozi) una etichetta discografica, Favored Nations, con il preciso obiettivo di sviluppare la musica chitarristica, di scovare nuovi artisti e di produrre quelli già affermati. Il primo disco prodotto è del 2000, Coming To Your Senses del chitarrista jazz fusion Frank Gambale, di lì in poi è un susseguirsi di grandi nomi. A metà del decennio successivo, Vai sente la necessità di rispondere, con un disco, ad una domanda: Who says the ladies can’t rock?.

Per questo in collaborazione con l'associazione Women’s International Music Network mette su una compilation, insieme con Brad Tolinski, direttore di una delle bibbie dei chitarristi e chitarriste, Guitar World, di strepitose chitarriste, a cui dà il titolo di She Rocks Vol.1, sottotitolo: A Collection of Kick-Ass Guitar Goddesses, che esce nel gennaio del 2017. In scaletta 11 brani di 11 chitarriste che comprendono diversi generi, dal jazz rock al blues, ma che spingono forte verso l'hard rock e l'heavy metal, per un assortimento niente male. C'è una delle scoperte di Vai, la tedesca Yasi Hofer (qui presente con una torrida sua composizione, Cosmic Star), c'è la leggenda del rock femminile Lita Ford, delle Runwayas, che si unisce alle Lez Zeppelin, una tribute band femminile dei mitici Led Zeppelin, cantando The Lemon Song (uno dei testi più maliziosi ed erotici del catalogo di Plant e soci, nello slang "lemon" è una metafora del pene) accompagnata da Steph Paynes, che nella compilation regala una meravigliosa The Sun At Her Eastern Gate (Payne è stata anche scrittrice e giornalista del rock per riviste come il New Music Express e Rolling Stone). C'è il blues di U Know What I Like di Kat Dyson (che è stata più volte la lead guitar dei tour internazionali di Zucchero), il trascinante heavy metal di Transmogrify, brano scritto da Orianthi, chitarrista e polistrumentista australiana che accompagnò Micheal Jackson nel suo ultimo tour This Is It. Jackson era un grande estimatore di chitarriste, tanto che nella compilation c'è pure il contributo di un'altra sua storica sessionista, Jennifer Batten, che lo ha accompagnato nei tour di Bad, Dangerous e History: qui è presente la sua In The Aftermath. Si passa dal jazz rock di Sarah Longfield (The Taxi Time Travel Task Force) alle sonorità sofisticate di Yvette Young, uno dei talenti più puri in circolazione (Hydra), alle super prove di nomi più famosi come Nita Strauss (la chitarrista di Alice Cooper), che contribuisce con Pandemonium e Gretchen Menn con Scrap Metal. Da ricordare anche il brano di Nili Brosh, A Matter Of Perception, la chitarrista è stata per anni star degli spettacoli musicali del Cirque Du Soleil e insieme ad altre protagoniste di questa compilation suonerà in una tribute band, The Iron Maidens, che omaggia al femminile la musica degli inglesi Iron Maiden. In copertina c'è un disegno di Laura B. Whitmore, musicista, produttrice e ex manager di importantissime etichette discografiche, che nel 2012 fondò la WiMN per fornire supporto, informazioni e un senso di comunità alle donne in tutti gli aspetti del settore musicale, compresi artisti, addetti ai lavori, educatori e studenti.

La dicitura Vol.1 mi ha fatto sempre sperare in un Vol.2 che al momento non è ancora arrivato. Tuttavia questo disco è prova viva che " A Lady Can Surely Rocks".

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Storia Di Musica #277 - AA.VV., Romeo + Juliet (music from the motion picture), 1996

La serie maggiaiola di dischi colonna sonora volge al termine. Per mia scelta iniziale, non ho considerato i classici opere di quei grandiosi giganti che hanno fatto delle colonne sonore quasi un nuovo ramo artistico (penso a Morricone, Zimmer, Williams, Rota, Badalamenti per dire i primi che mi vengono in mente), ho considerato alcuni lavori dove l’uso del brano rock fosse alquanto innovativo, direi di costruzione delle scene e non di semplice accompagnamento, e che furono anche motore di successo sia per il film che per le canzoni che compongono la colonna sonora. La scelta di oggi è caduta sul film di Buz Luhrmann, Romeo + Juliet, del 1996, una ripresa quasi del tutto integrale del classico dramma di William Shakespeare: il regista utilizza in maniera quasi identica trama e dialoghi, cambiando solo l’ambientazione, spostando le vicende dalla splendida Verona italica a Verona Beach, sobborgo di Los Angeles, negli anni ‘90 del ‘900, dove Montecchi e Capuleti sono due potenti famiglie dedite al malaffare che si combattono non a colpi di spada ma di armi da fuoco. Luhramm affida i temi orchestrali a Nellee Hooper, Craig Armstrong e Marius De Vries e ad una serie di canzoni rock, che compongono il primo volume della colonna sonora. Infatti ne furono pubblicati due: il primo è il riferimento alla storia di oggi, il secondo uscì dopo il successo del primo, racchiudendo i temi orchestrali principali e alcune canzoni secondarie. Il disco racchiudi molteplici artisti e molteplici generi: la canzone principale, il tema d’amore, è la ballata pianistica, toccante, Kissing You di Des’ree, che in quei mesi aveva scalato le classifiche di mezzo mondo con il sound accattivante del suo singolo You Gotta Be. Hooper e De Vries remixano una b-side del primo singolo dei Garbage, #1 Crush, che inizia con i gemiti sensuali di Shirley Manson. I Butthole Surfers perdono buona parte della furia iconoclasta della loro musica, ma regalano un brano eccellente in Whatever (I Had a Dream), scritto per l’occasione. C’è molta musica indie: dagli Everclear con Local God, il duo degli One Inch Punch con Pretty Piece Of Flesh, una delle canzoni più famose di Gavin Friday, Angel, che verrà usata anche in molte pubblicità. C’è una parte che recupera due canzoni del passato: Young Hearts Run Free è una canzone scritta da David Crawford, che fu portata al successo nel 1976 da Candi Station, fino al numero 1, e che qui è ripresa da Kym Gazelle; Everybody's Free (To Feel Good) fu il brano più utilizzato nei club di Ibiza nel 1991, ed è il maggior successo di Rozalla, una artista dance dello Zimbabwe, ed è ripresa qui da Quindon Tarver, che ha pure un cameo nel film. C’è anche un trittico di canzoni di gruppi svedesi: la delicata Little Star di Stina Nordenstam, il più grande successo del gruppo The Wannadies, You And Me Song (del 1994), ma soprattutto Lovefool dei Cardigans di Nina Perssons, uscito poche settimane prima come singolo e che divenne un successo strepitoso anche per via del clamore del film. Rimangono una bellissima ballata di Mundy, un cantautore irlandese che diventerà un produttore discografico fondando una sua propria etichetta, con To You I Bestow, e una canzone dei Radiohead, Talk Show Host, una b-side del singolo Street Spirit (Fade Out), che faceva parte del disco dello stesso anno, 1996, The Bends. Thom Yorke scrisse però per il film una canzone speciale, ispirata, secondo tutte le interviste che in seguito concesse, ad un’altra famosa trasposizione del dramma del Bardo Romeo e Giulietta, quella del 1968 diretta da Franco Zeffirelli. Exit Music (For a Film) fu usata per i titoli di coda del film di Luhrmann, ma non nella colonna sonora per precisa scelta di Yorke: la canzone diventerà poi leggendaria poichè è nella scaletta di Ok Computer, lo storico capolavoro dell’anno successivo, 1997. Luhrmman userà in tutti i suoi lavori brani rock in modo particolare, e massima testimonianza di ciò sono il musical Moulin Rouge del 2001 e Elvis del 2022, dove in entrambi i casi porta a casa una nomination all’ Oscar per la miglior regia. Il film sarà un successo al botteghino, e lo fu anche la colonna sonora: arriverà al numero 2 della classifica di Billboard, e venderà solo negli USA 3 milioni di copie, fu il trampolino di lancio per gli attori (Di Caprio l’anno successivo, nel 1997, era in Titanic), per alcuni dei protagonisti di questa colonna sonora (soprattutto i Cardigans) e per lo stesso Luhrmann.

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Storia Di Musica #274 - AA.VV., Easy Rider (O.s.t.), 1969

Le storie di musica di Maggio le ho scelte pescando da un oceano immenso: le colonne sonore. Sono comparse già in passato in questa rubrica, ma non in senso organico. Nemmeno stavolta sarà possibile essere esaustivi, occorrerebbero centinaia di domeniche, ma ne ho scelte 4, particolari, dove il rapporto con la canzone rock è decisivo, anche e soprattutto come genesi dell’intero accompagnamento musicale al film. Easy Rider era uno slang un po’ sboccato per definire un playboy, ma dopo che Dennis Hopper decise di usarlo per il titolo del suo primo film, è divenuto sinonimo di motociclista, che vive la vita in libertà da antieroe. Hopper insieme a Peter Fonda firma la sceneggiatura di uno dei più grandi film degli anni ‘60, manifesto della stagione hippie americana, e nel 1969 esce nelle sale Easy Rider (che in italiano ha un sottotitolo Libertà E Paura): Wyatt e Bill, dopo avere trasportato un carico di cocaina dal Messico agli Stati Uniti, investono parte del guadagno in due motociclette nuove con l'intenzione di attraversare il paese, dalla California a New Orleans, per andare a vedere il carnevale. Le due moto, Captain America che aveva la bandiere a stelle e strisce sul serbatoio, e Billy Bike, che aveva il motivo a fiamme, sono i due nuovi carri della frontiera, in un viaggio dove i nostri sono visti sempre di cattivo occhio, vengono arrestati, incontrano altri personaggi bizzarri (come George Hanson, interpretato da un leggendario Jack Nicholson), sperimentano le droghe, un finale tragico (che lascio a chi non ha visto il film di scoprire). Hopper si dice che volesse in un primo momento usare come commento sonoro le canzoni che passava la radio mentre era in lavorazione in film. In un secondo momento, vennero contattati Crosby, Stills, Nash & Young, ma non si fece più nulla. Peter Fonda chiese al suo amico Bob Dylan di usare It’s Alright Ma (I’m Only Bleeding) per una delle scene decisive, ma Dylan declinò (per poi cedere all’utilizzo in un secondo momento), e leggenda vuole che scrisse su un foglietto questi versi: ”The river flows, it flows to the sea/Wherever that river goes, that's where I want to be/Flow, river, flow” con questo consiglio “Portalo a Roger McGuinn”. Fonda così fece e McGuinn scrisse Ballad Of Easy Rider, partendo da quel verso, che divenne la canzone colonna portante del disco. Hopper, che in verità all’inizio aveva problemi di bugdet, cerco di limitare le canzoni. Ma il film, che ebbe successo incredibile fin da subito, spinse la ABC Dunhill a pubblicare la colonna sonora. Dato l’alone mitico della pellicola, finì che le canzoni in essa contenuta diventeranno altrettanto mitiche: caso emblematico furono i due brani scelti degli Steppenwolf, The Punisher ma soprattutto Born To Be Wild, una delle prima canzoni proto metal, uscita un anno prima (1968) nell’album d’esordio della band e che è associata ormai a qualsiasi viaggio su una autostrada un po’ libera. Hopper scelse la magia di Hendrix, nella suggestiva If 6 Was 9, da Axis: Bold As Love del 1967, dove la chitarra di Jimi sembra un uccello magico spaziale nel finale, e poi altre chicche della stagione psichedelica musicale: il folk psichedelico dei The Holy Modal Rounders con If You Want To Be A Bird (Bird Song), l’ode all’erba di Don’t Bogart That Joint dei Fraternity Of Men (che fu il nucleo primitivo da cui poi nacquero gli stupefacenti Little Feat), la musica da carnevale di Kyrie Eleison/Mardi Gras (When The Saints) degli Electric Prunes che inizia come il kyrie delle messe preconciliari. Chiudono il tutto la ripresa di McGuinn di It’s Allright Ma (I’m Only Bleeding), i Byrds, che rifaranno come singolo di successo Ballad Of Easy Rider, che riprendono con garbo Wasn't Born To Follow (del magico duo Carole King/Gerry Goffin) e uno dei brani simbolo degli anni ‘60 della stagione americana, The Weight de The Band, che nel film è nella versione originale della mitica band canadese, nel disco è cantata da un gruppo che si chiama Smith, perchè la Capitol Records che aveva i diritti non li cedette per la colonna sonora su disco. Il disco fu anch’esso un successo, arrivando al numero 6 della classifica di Billboard e diventando disco d’oro nel gennaio 1970. Il film, che vincerà due premi Oscar a Nicholson come attore non protagonista e per la sceneggiatura originale, finirà per creare due archetipi: uno dal punto di vista visivo, l’altro sullo stesso uso della musica per i film, contribuendo anche all’idea stessa di una certa America, che continua ancora oggi a suggestionare, a confondere, ad affascinare ed impaurire.

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Storia Di Musica #276 - AA.VV., Pretty In Pink (o.s.t.), 1986

John Hughes non suona famosissimo oggi, ma per 15 anni, dal 1980 al 1995 è stato una sorta di gallina dalle uova d’oro per un genere cinematografico, i film per i ragazzi, collezionando successi che ancora oggi ricordiamo: basta dire che è lo sceneggiatore di Mamma Ho Perso L’Aereo e Beethoven. Ma prima ancora fu anche regista, a metà degli anni ‘80, di una serie di film sugli adolescenti che hanno segnato un certo tipo di immaginario, come Una Pazza Giornata Di Vacanza del 1986 (che la Biblioteca del Congresso USA ha deciso di inserire nella lista dei film da preservare per i valore artistico, culturale o estetico del lavoro) e una serie di film con protagonista una giovane attrice, Molly Ringwald, che con i suoi capelli rossi e il broncio naturale fece innamorare una generazione intera di ragazzi. Tra i film, Sixteen Candles - Un compleanno da ricordare del 1984, The Breakfast Club del 1985 (un culto, anch’esso nel Registro di conservazione della Biblioteca del Congresso) e il film di oggi, Pretty In Pink (in italiano Bella in Rosa) del 1986. La trama è semplice:, Andie Walsh (la Ringwald) è una studentessa che lavora part-time in un negozio di dischi, gira su una macchina rosa e vive con il padre disoccupato non ancora ripresosi dall'abbandono della moglie. Grazie a una borsa di studio, ha l'occasione di frequentare una facoltosa scuola frequentata da ricchi e snob figli di papà: sentendosi inadeguata all’ambiente e per l’astio degli altri studenti viene presa in giro dai suoi compagni ed è costretta a cucirsi gli abiti per apparire sempre diversa. L'amico d'infanzia Duckie (Jon Cryer, con lei anche in The Breakfast Club) è da sempre innamorato di lei e la corteggia, ma Andie si innamora di Blane (Andrew McCarthy) , ragazzo di buona famiglia che la ricambia, invitandola al ballo scolastico, tirandosi però indietro dopo le pressioni di amici e genitori, che per lui sognano un futuro promettente al fianco di una ragazza di ben altro ceto sociale. Nonostante il rifiuto di Blane, Andie non si scoraggia e, confezionato un bellissimo abito rosa, chiede all'amico Duckie di accompagnarla al ballo, dove Blane, senza tenere in conto dei pareri contrari di coloro che lo circondano, dichiara il suo amore ad Andie. Duckie rendendosi conto di fare la cosa giusta si mette da parte, permettendo l'amore tra Andie e Blane. Il film fu un successo al botteghino, decuplicando i costi di produzione, e tra i meriti c’era anche una favolosa colonna sonora, che racchiude il meglio della new wave del tempo, con canzoni quasi tutte scritte appositamente per il film. Tra l’altro, Pretty In Pink prende spunto da una canzone degli Psychedelic Furs del 1981, Pretty In Pink appunto, dall’album Talk Talk Talk. Hughes, che aveva una certa passione per la musica, riuscì a farsi scrivere dei pezzi clamorosi: Orchestral Manoeuvres In The Dark per la prima versione della scena finale, dove Duckie bacia Andie che non va più da Blane, offrirono Goddess Of Love, ma una visione privata del film fece decidere il cambio del finale, e la band scrisse per questo momento If You Leave che divenne una hit internazionale. Suzanne Vega è accompagnata al piano da Joe Jackson nell’altrettanto famosa Left Of The Center. Hughes pesca Jesse Johnson, che fu uno dei co-protagonisti di Purple Rain di Prince, e gli fa cantare in pieno stile folletto di Minneapolis Get To Know Ya. Michael Hutchens scrisse il testo di Do Wot You Do (che per un errore di stampa non era il corretto What) su un foglietto di carta di un bar, e gli INXS non la pubblicarono che su una raccolta di rarità solo molti anni dopo. I New Order scrissero Shellshock, che addirittura comparirà prima nella colonna sonora che come singolo ufficiale (nel film verrà usata anche la b-side del singolo, Thievies Like Us che però non compare nella compilation), altro brano che arriverà nelle posizioni di classifica alte in mezzo mondo. Gli Echo And Bunnymen ri-registrarono per il film una nuova versione di una loro canzone, Bring On the Dancing Horses, che appariva in una loro compilation del 1985, Songs To Learn & Sing. Nel film appaiono anche tre canzoni simbolo del decennio: Round, Round di Belouis Some, anch’essa scritta apposta, e poi due miti degli anni ‘80, Wouldn't It Be Good di Nik Kershaw, dall’album Human Racing del 1984 (che aveva copertina e videoclip curati da Storm Thorgerson) e soprattutto quel capolavoro in meno di due minuti che è Please, Please, Please, Let Me Get What I Want dei The Smiths, dove Morrisey e Johnny Marr racchiudono la grazia e la potenza della liberazione da un dolore in meno di due minuti, con finale affidato al mandolino suonato dal produttore John Porter. Per il successo del film e dei brani, per la riuscita amalgama dei brani con le scene del film e per il fatto che molte canzoni divennero famosissime, la colonna sonora è considerata una delle migliori di tutti i tempi. Nel film un cameo lo ebbe pure Dweezil Zappa, che all’epoca era un volto famoso di MTV America, che ebbe anche una storia d’amore con Molly Ringwald, divenendo invidiatissimo da un’intera generazione di ragazzi innamorati di quella rossa dal broncio irresistibile.

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Storia Di Musica #254 - AA.VV., The 30th Anniversary Concert Celebration, 1993

Celebrare la grandezza di Bob Dylan è operazione periodica, vista la statura del personaggio. Anche perchè Dylan, nonostante la fama di eccentrico (esempio noto le ritrosie e le controversie sull’assegnazione fisica del premio Nobel, che fecero sghignazzare i più) ha avuto un rapporto favoloso con altri musicisti, non solo artistico. È chiaro quindi che alle chiamate per festeggiarlo si presentino in molti. Nell’oceano musicale vastissimo di tributi a Dylan, questo ha un posto particolare per la qualità dell’omaggio, e per i suoi partecipanti. L’occasione che ho scelto è un concerto organizzato dalla sua casa discografica, la Columbia, al Madison Square Garden di New York, nel 1992, per celebrare i 30 anni dall’esordio di Dylan come cantante. Il 16 Ottobre del 1992 una squadra formidabile di artisti si presenta al Garden e in una serata magica esplora il catalogo del Maestro sia nei suoi più luminosi episodi, sia in qualche perla meno conosciuta. Si scelse come resident band della serata i superstiti della formidabile band di Booker T. & the M.G.'s: Booker T. Jones, Donald "Duck" Dunn e Steve Cropper, rispettivamente organo, basso e chitarra, poi alla batteria Anton Fig che si alterna con Jim Keltner, G. E. Smith, che visionerà tutti gli aspetti musicali dell’evento, è stato il chitarrista della band del Saturday Night Live e sarà al fianco dello stesso Dylan all’inizio del suo Never Ending Tour, il suo tour finale che è iniziato nel il 7 Luglio del 1988 e che ad oggi, con nuove date previste per il 2023, è arrivato a quasi 3000 concerti. Coriste di lusso Sheryl Crow e Sue Medley tra le altre, e un cast stellare: John Cougar Mellencamp, Kris Kristofferson, Stevie Wonder, Lou Reed, Eddie Vedder e Mike McCready dei Pearl Jam, Tracy Chapman, June Carter Cash e Johnny Cash, Willie Nelson, Johnny Winter, Ronnie Wood, Eric Clapton, Neil Young, Chrissie Hynde dei Pretenders, The O’Jays, George Harrison, Tom Petty & The Heartbreakers e l’immancabile The Band. Voglio subito specificare una cosa: il disco dell’evento The 30th Anniversary Concert Celebration uscì nel 1993 ed ebbe anche ottimo successo, sia di critica che di pubblico, divenendo disco d’oro negli USA, nel 2014 uscì una rimasterizzata Deluxe Edition con due brani aggiunti e uno spettacolare libretto fotografico, questa edizione è quella che posseggo io e che mi fà da indice artistico. Questa volta non manca nessuna canzone mito: Like A Rolling Stone e Leopard Skin-Box Hat nell’esecuzione sentita di John Cougar Mellencamp, Stevie Wonder che dà la spinta soul, interessantissima, a Blowin’ In The Wind, la delicatezza con cui Tracy Chapman canta The Times They Are A-Changin’, le riprese bellissime di Just Like a Woman di Ritchie Havens. La voce di Vedder, accompagnato da McCready con la chitarra acustica per Masters Of War è emozionante. Johnny Winter dà una scarica rock blues alla sua Highway 61 Revisited. Neil Young sceglie due classici, che spessissimo compaiono anche durante i suoi concerti: Just Like Tom Thumb's Blues e All Along The Watchtower. Ci sono poi delle piccole perle tra le scelte di brani minori: è un Lou Reed quasi recitativo in Foot Of Pride, una outtake dal leggendario The Bootleg Series Vol.1-3, che aprì per la prima volta gli archivi dylaniani. Il brano ispirato al Salmo 36 termina così: Non rimane più niente qui, socio, solo la polvere di una pestilenza \che ha lasciato tutta la città nella paura\D'ora in poi questo sarà il posto da cui tu provieni\Che i morti seppelliscano i morti. Verrà il tuo momento.\Lascia che l'acciaio rovente soffi mentre si solleva la sua ombra\Già, non c'e' modo di tornare indietro quando si abbatte il piede del superbo\Non c'e' modo di tornare indietro. Willie Nelson canta What Was It You Wanted, canzone dal suo capolavoro del 1989 Oh Mercy!, dal significato misterioso: è una riflessione profondissima sul concetto di curiosità che ruota intorno alla celebrità, emozione che ha sempre un po’ interrogato Dylan. The Clancy Brothers, Robbie O'Connell e Tommy Makem spruzzano di ritmi folk irlandesi le meravigliose When the Ship Comes In e una canzone, You Ain't Going Nowhere, scritta durante la convalescenza post incidente, cantata per la prima volta nel 1971 in un disco antologia, Bob Dylan's Greatest Hits Vol. II. È emozionante la versione da ”superstiti” di My Back Pages (da Another Side Of Bob Dylan, 1964) cantano Roger McGuinn, Tom Petty, Neil Young, Eric Clapton e George Harrison a cui si aggiunge anche Dylan, che canta da solo It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding), Girl From the North Country e insieme a tutti una corale Knockin’ On the Heaven’s Door. Quello che più di altre volte si sente è l’impegno e la sentita emozione nel cantare dei brani che, chi più chi meno, ha sentito, usato e pensato per la propria arte, facendo in questo l’influenza musicale di Dylan sconfinata, sia storicamente che materialmente.

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Storia Di Musica #255 - AA.VV., Dylan In Jazz. A Jazz Tribute To Bob Dylan, 2018

Wagram è un sobborgo austriaco, appena fuori Vienna, e fu teatro di una delle più grandiose battaglie napoleoniche: il Generale Bonaparte conseguì una delle sue più grandiose vittorie, in una sanguinosa battaglia contro l’esercito degli austriaci comandati dall'Arciduca Carlo. È anche il nome di una stazione della metropolitana parigina, ed è lì che nacque ai suoi fondatori l’idea di fare una etichetta discografica indipendente, nel 1999. Fautrice di numerosi progetti interessanti, nel 2018 quelli della Wagram hanno pescato nel mare magnum delle cover di canzoni di Bob Dylan (sebbene il calcolo è per forza di cosa approssimativo, si contano accreditate cover su 300 canzoni con autore o co-autore Dylan da parte di oltre 1500 artisti) delle riedizioni particolari dei classici del menestrello di Duluth. Ne è uscita fuori una compilation dal grande gusto e dalle scelte niente affatto scontate, che è il piccolo regalo di Natale di questa rubrica. Il titolo, Dylan In Jazz, spiega solo in parte le scelte e gli artisti, in una selezione che nasconde delle storie niente affatto male. Tutte le registrazioni erano presenti in dischi precedenti, ma insieme mostrano una amalgama sfiziosa e logica. Si parte con la riedizioni blues di Master Of Wars di Eric Bibb, grandissimo nome della chitarra acustica blues, che con la sua voce cavernosa e i tocchi “tristi” alla sei corde racconta dei signori della guerra, classico di Dylan sfortunatamente sempre di attualità. Il secondo brano è la prima perla: Jack DeJohnette, formidabile batterista jazz, con il bassista Larry Grenadier, John Medeski alle tastiere (il quale collaborerà spesso con lo stesso Dylan nella sua carriera) e la chitarra di John Scofield, pioniere del jazz rock con Miles Davis, nel 2017 scrivono un disco a nome Hudson, in omaggio al fiume che attraversa New York, bellissimo e in cui fanno una cover strumentale, e riuscitissima, di Lay Lady Lay, classico da Nashville Skyline (1969). Ben Sidran, tastierista, produttore, ingegnere del suono, dedicò un intero disco a cover di Dylan, Dylan Different del 2009, da cui sono tratte le sue interpretazioni smooth jazz di Knockin’ On Heaven’s Door e Gotta Serve Somebody, una delle gemme meno conosciute di Bob Dylan, dal suo album “gospel” Slow Train Coming del 1979, canzone tra l’altro che vinse il Grammy come migliore canzone rock maschile nel 1980. Abbey Lincoln, cantante e compositrice jazz, attivista dei diritti civili e femminili, moglie di Max Roach, rilegge con passione Mr. Tambourine Man, dall’ arrangiamento con spiccato groove della batteria. Joshua Redman, sensazionale sassofonista della ultima generazione, insieme all’altrettanto grandioso piano di Brad Meldhau, suona una deliziosa The Times They Are A-Changin’, uno dei pezzi più belli della carrellata. C’è una bella parentesi di black music: la versione R&B/soul/funk dei Neville Brothers di The Ballad Of Hollis Brown, due artisti dimenticati come Stanley Turrentine con una versione, piuttosto modificata, di Blowin’ In the Wind, Girl From The North Country del compianto Howard Tate, fenomenale cantante soul la cui carriere non decollò mai del tutto per i suoi problemi di alcool e eroina. Il jazz ritorna nella scelta della storica cover che Keith Jarrett fece di My Back Pages, dal suo album Somewhere Before del1968, il mandolino elettrico di Bill Frisell in una versione strumentale struggente di Just Like A Woman, la ripresa di Ballad Of Thin Man di Jef Lee Johnson con Charlie Patierno e Yohannes Tona. Molto belle le cover cantate di Like A Rolling Stone, dalla cantante jazz danese Cæcilie Norby con un arrangiamento dolcemente caraibico, e una cover sentita di Everything Is Broken, singolo di Oh Mercy! del 1989, un disco che rilanciò nel mondo musicale Dylan, della cantante francese Louisa Bey. Personalmente è bellissima la cover di Don’t Think Twice, It’s Alright (che è una delle canzoni con più cover in assoluto) del duo franco-italiano composto dalla band el pianista Olivier Hutman e dalla voce, meravigliosa, di Alice Ricciardi. L’ultimo verso di uno dei testi più belli e dolorosi del Dylan giovanile (il brano è da The Freewheelin’ Bob Dylan del 1963) dice:

Arrivederci, dolcezza Dove sono diretto non posso dirlo Ma ciao è una parola troppo bella, babe Così dirò solamente addio Non sto dicendo che mi hai trattato male Avresti potuto fare di meglio ma non mi interessa Hai solamente sprecato il mio tempo prezioso Ma non pensarci, va tutto bene.

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Storia Di Musica #253 . AA.VV. - I’M Not There (O.S.T.), 2007

Bob Dylan, che è stato anche attore (14 film come attore protagonista o co-protagonista), non concesse mai la sua autorizzazione per un film biografico su di lui. Con una unica, spettacolare eccezione: Todd Haynes, creativo cineasta canadese, che ha grande passione per la musica nei suoi film (cito per esempio Velvet Goldmine sul mondo glam, o un documentario sui Velvet Underground uscito nel 2021), ha il suo placet per un film su di lui, I’M Not There, che esce nel 2007. Dove per tutta la pellicola non viene mai citato Bob Dylan per nome, ma dove è rappresentato da 6 storie potenti e profonde da 6 personaggi diversi, ognuno a raccontare un aspetto del Dylan leggenda: il Poeta Arthur Rimbaud, il Profeta Jack Rollins / Padre John, il fuorilegge Billy McCarty, il falso Woody Guthrie, il "martire del rock and roll " Jude Quinn e la "stella elettrica" Robbie Clark. Il cast è stellare: Marcus Carl Franklin, 11 anni, in una prova magistrale per Guthrie, ossessione adolescenziale di Dylan; Christian Bale come Jack Rollins\Padre John, per il primo Dylan acustico e folksinger; Cate Blanchett come Jude Quinn, che rappresenta il Dylan della svolta elettrica ‘65-’66, accusato di tradire lo spirito della musica folk, per questo “martire”; Richard Gere è il Dylan che interpreta Billy The Kid nello storico film di Sam Peckinpah Pat Garrett E Billy Kid, e del ritorno alla musica country e folk; Heath Ledger è il Dylan febbrile e martoriato dalla fine del suo matrimonio con Sara di Blood On The Tracks; Ben Whishaw è un Rimbaud decadente e immaginifico, e Dylan non ha mai nascosto il suo amore per la poesia del grande francese. Il film ebbe grande eco, e vinse a Venezia il Premio Speciale della Giuria (presieduta dal regista cinese Zhang Yimou) e la Coppa Volpi per la miglior interpretazione femminile andata a Cate Blanchett (il quale premio fu ritirato, data l'assenza dell'attrice, da Heath Ledger, in una delle sue ultime apparizioni pubbliche prima della morte avvenuta il 22 gennaio 2008). Haynes pensa ad una colonna sonora degna di tale progetto, chiamando una serie di artisti a reinterpretare il catalogo dylaniano, pescando in alcuni dei momenti non solo più classici, ma anche minori della sua lunghissima carriera. Il materiale è così tanto che viene utilizzato solo in parte per il film e viene raccolto in una colonna sonora da 2 cd, che esce con lo stesso titolo del film. I’m Not There è infatti un’altra perla di quel tesoro infinito che furono i Basement Tapes e qui è presentata in due versioni: la prima dei Sonic Youth, quella di Dylan chiude il secondo disco quasi a dire che beffardamente che “lui non sta davvero là”. In mezzo altri 32 brani, dove amici ed estimatori prendono e reinterpretano, la maggior parte in modo interessante, il catalogo di capolavori. Parto subito dal dire che si poteva fare meglio sulla versione che Charlotte Gainsbourg fa di Just Like A Woman (uno dei massimi di Dylan), per il resto il disco è pieno di gioiellini, soprattutto quelli che riscoprono brani del Dylan minore: tra questi, emozionante sono le riprese di Goin' To Acapulco di Jim James e i fantastici Calexico (da The Basement Tapes,1975), che con il loro tocco psichedelico-tex-mex sono favolosi, anche in Dark Eyes con gli Iron & Wine (brano dal disco Empire Burlesque,1985). Molti dei brani sono suonati dalla Million Dollar Bashers, supergruppo che prende il nome dal titolo di una canzone di Dylan - The Million Dollar Bash - composto da Lee Ranaldo e Steve Shelley degli Sonic Youth, il chitarrista Nels Cline degli Wilco, la chitarra magica di Tom Verlaine, Tony Garnier, bassista di fiducia di Dylan, il chitarrista Smokey Hormel e il tastierista John Medeski. Ci sono prove di classe di grandi vecchi: One More Cup Of Coffee di Roger McGuinn con i Calexico, Tombstone Blues cantata da Richie Havens, Just Like Tom Thumb's Blues reinterpretata dal grande Ramblin' Jack Elliott, Senor (Tales of Yankee Power) da Willie Nelson (da Street Legal, del 1978, uno dei primi dischi del Dylan convertitosi al cristianesimo). Caratteristiche sono le riletture mariachi dei Los Lobos di Billy 1, dalla colonna sonora di Pat Garret, I Wanna Be Your Lover dei Yo La Tengo (questa presa da Biograph, disco del 1985). Non mancano i super classici: All Along The Watchtower cantata da Eddie Vedder con i Millon Dollar Bashes, The Times They Are a Changin' da Mason Jennings, Highway 61 Revisited cantata da Karen O degli Yeah Yeah Yeahs con i Million Dollar Bashers, Simple Twist Of Fate cantata da Jeff Tweedy. Da ricordare una tenebrosa Man In The Long Black Coat di Mark Lanegan, brano tratto da Oh Mercy! del 1989 e la bella ripresa di The Wicked Messenger dei The Black Keys. Vennero scelti anche due brani particolari all’epoca: Can't Leave Her Behind, registrato incompleto su nastro e in video nel maggio 1966 in una stanza di hotel durante la mitica tournée nel Regno Unito di quell’anno, riarrangiata in parte e cantata da Stephen Malkmus & The Million Dollar Bashers ; Mama, You've Been on My Mind / A Fraction of Last Thoughts on Woody Guthrie, qui uniti insieme da Jack Johnson, erano usciti separatamente nel primo volume della Bootleg Series (1991), Vale l’ascolto anche You Ain't Goin' Nowhere di Glen Hansard & Markéta Irglová, che in due si chiamano The Swell Season, i quali nel 2008 vinceranno l’Oscar per la miglior canzone originale, Falling Slowly tratta dal film Once. Rimane un tentativo unico e davvero interessante di carpire l’essenza di Dylan, da sempre misteriosa e sfuggente, il quale nel brano omonimo dice: Sì, credo che sia giusto, oh, nell’animo lo credo\mi hanno detto, come ho detto io, quando prima portavo io il peso del delitto\quando lei è tutto quello che le hai detto, come ho detto, tira dritto\vorrei essere lì ad aiutarla ma non ci sono, me ne sono andato.

#aa.vv.#i'm not there (ost)#2007 #recensione

Storia Di Musica #214 - AA.VV. Sweet Relief: A Benefit For Victoria Williams, 1993

Uno dei live più belli che possiedo è un cofanetto di 7 cd dal titolo Live At The Gorge 05/06. Raccoglie le esibizioni tenute dai Pearl Jam il primo settembre del 2005 e il 22 e 23 Luglio del 2006 al Gorge Amphitheatre, un meraviglioso anfiteatro naturale che sta a George, non lontano da Seattle. Eddie Vedder prima di iniziare a cantare un brano dice: Questa è una canzone scritta da una donna chiamata Victoria Williams. E attacca una ballata malinconica che parla di una signora dagli occhi selvaggi e della vita della periferia americana, che parla dei sogni e delle premonizioni di morte, che esplode verso le fine in un clamoroso duello tra la chitarra di Mike McCready e l’organo Hammond di Boom Gaspar. La mia curiosità mi ha spinto a cercare chi fosse Victoria Williams. E ho scoperto una storia molto particolare, anche drammatica, che intreccia la musica con altro. Victoria Williams è una delle più promettenti cantautrici americane della fine degli anni’80. Meno arrabbiata di Ani di Franco e meno lunatica di Fiona Apple, inizia autoproducendo un disco di base folk, Happy Come Home, accompagnato da un mini documentario di una 30na di minuti. Non vende granché, ma la Geffen le offre la possibilità di un secondo disco: nel 1990 esce Swing The Statue, un folk rock di carattere che la mette sulla rampa di lancio, ed è ormai considerata una delle voci più interessanti della scena alternativa rock americana. Recita persino nel film epocale, di Gus Van Sant, Even Cowgirls Get the Blues (in italiano Cowgirl: il nuovo sesso) nel ruolo di Debbie, insieme a Uma Thurman e River Phoenix. Sembra essere pronta per il successo vero, ma all’inizio del 1993 le viene diagnosticata una sclerosi multipla. E la Williams scopre che la sua assicurazione sanitaria non copre le cure. Nasce così una gara di solidarietà tra colleghi, che fondano un’associazione, Sweet Relief, per aiutare lei e tutti i musicisti professionisti sprovvisti di copertura sanitaria, e nel 1993 incisero un disco, Sweet Relief: A Benefit For Victoria Williams, che raccoglie le sue canzoni interpretate da altri. Il risultato, musicalmente, è meraviglioso. Si riuniscono al capezzale della causa i nomi più interessanti dell’alternative rock dell’epoca. Il repertorio Williams, per lo più acustico, viene stravolto, elettrificato, con risultati notevolissimi. Si inizia con la meravigliosa Summer Of Drugs dei Soul Asylum, per passare ai Waterboys di Mike Scott con la divertente Why Look At The Moon, o i Giant Sand di Howe Gelb, che per un po’ di tempo ebbero la Williams in formazione, con Big Fish. E poi Lucinda Williams (Main Road), o Evan Dando, dei superbi Lemonheads (quelli della cover punk di Mrs Robinson) con Frying Pan. Ci sono anche Michael Penn, fratello di Sean, famoso compositore di jingle e colonne sonore che canta Weeds e i Jayhawks, il cui leader, Mark Olson, diventerà marito della Williams (e si ritirerà dalle scene per starle vicine quando le condizioni della cantante peggioreranno) che cantano Lights. Ci sono tre perle nell’album: il brano cantato da Lou Reed, Tarbelly And Featherfoot, rockeggiante e ritmico, Maria McKee, leader di quel meraviglioso gruppo cowpunk che furono i Lone Justice, che riprende in chiave struggente Opelousas (Sweet Relief) e quella canzone ripresa dai Pearl Jam, Crazy Mary, qui in versione low-fi, ma che diverrà un must dei loro live, dove solitamente termina in cavalcate sonore che spesso arrivano ai 10 minuti; la stessa versione di questo disco verrà poi aggiunta come bonus track nelle ristampe di Vs., il loro grande album dello stesso anno, 1993. L’album raccoglie un po’ di fondi, e verrà ripetuto la stessa cosa nel 1996 con Sweet Relief II: Gravity Of the Situation, con cover di Vic Chessnut, cantante folk-country paraplegico, aiutato dalla Williams in persona, e che vede la partecipazione dei R.E.M., i Garbage, Madonna in un cameo con Joe Henry e gli Smashing Pumpkins. La Williams nel 1994 scrisse il suo capolavoro, Loose (dove riprende Crazy Mary) e intraprese un bellissimo Tour, che culmina con la pubblicazione di un live da Toronto nel 1995. Ma le condizioni iniziano a peggiorare e progressivamente, nonostante alcuni lavori fino agli inizi degli anni 2000, la Williams non pubblica più nulla, limitandosi a sporadiche esibizioni dal vivo fino a quando un attacco epilettico nel 2015 non la debilita ulteriormente. Uno dei versi più belli di Crazy Mary dice: Quello che ti impaurisce di più, lo puoi trovare a metà strada. La sua metà è stata davvero breve. Il disco si trova sulle piattaforme più comuni, mentre non so se fisicamente è ancora disponibile: ne vale la pena cercare.

#AA.VV.#sweet relief: a benefit for victoria williams #1993 #recensione