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Think More About Me / Ntombi & Survival

Eleanor Ntombikayise Ndaba ou Ntombi Ndaba est une chanteuse sud-africaine de disco de la période « bubblegum » qui désigne la musique au groove spécifique enregistrée dans les années 80, alors que le pays est encore en plein Apartheid. Comme des millions d’autres sud-africains, elle endure la ségrégation dans un township de la région du Zuzuland.

Inspirée par Letta Mbulu – un autre grand groupe de la période – elle devient l’une des chanteuses les plus populaires du pays en 1985 en sortant son breakthrough hit « Think More About Me » avec son groupe Ntombi & Survival. En 1988, elle démarre une carrière solo et crée le label indépendant Anneko avec son producteur A.T. « Rubber » Khoza.

Ntombi Ndaba et Khoza ont produit certains des plus beaux morceaux de cette période tels que « Sweet Love » ou « Tomorrow », dont la plupart des disques originaux s’arrachent à prix d’or sur Discogs.

À la mort de Khoza en 1990, Ndaba arrête d’enregistrer et disparaît des radars. Ce n’est que bien plus tard que son nom refait surface, grâce au travail du digger DJ Okapi qui cherche absolument à la retrouver. En parallèle, la musique sud-africaine a été redécouverte par toute une génération de mélomanes et se voit (re)jouée dans les plus grands festivals par des artistes tels que Palms Trax ou Antal.

DJ Okapi parvient à retrouver Ndaba et la persuade de re-sortir sa musique, ce qui débouche sur la compilation splendide « Tomorrow » qui rassemble ses morceaux principaux, sortie en 2018 sur son label Afrosynth, avec le soutien de Rush Hour.

En ce 13 juillet, Ntombi Ndaba se produit à nouveau sur scène au Sucre, avec le live-band de Esa, après 30 ans d’absence… inutile donc de dire que cette date est immanquable.

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Death And Vanilla reveal new single ‘Looking Glass’ from upcoming album ‘Flicker’

Presenting their unique pop music that defies categorization, Death And Vanilla today release new single ‘Looking Glass’ from their new album Flicker set for release on 17th March on Fire Records.

New track ‘Looking Glass’ unzips with a slow paced intro, it’s organic, a grower that goes modal and multi-layered behind Marleen Nilsson’s evocative vocals; like a fevered Fleetwood Mac dream, lingering in the sub conscious with luscious melodies from the post-future.

Housed in a beautifully austere post-ironic de-constructed sleeve, ‘Flicker’ is a modern reflection on these difficult times. World crises and lockdowns notwithstanding, Death And Vanilla return reborn, re-arranged and revitalised after assimilating dub reggae, the motorik spirals of Can, the modal meander of Philip Glass and The Cure’s dreamier pop sounds; plus the twice removed symphonic ambience of Spiritualized and Talking Heads under heavy manners from Brian Eno. By osmosis their period of transition since 2019’s much darker ‘Are You A Dreamer?’ has hatched new eclectic electronica anthems riddled with melody lines, and layered for lush love.

It’s been ten years since Death And Vanilla formed in Malmö, Sweden, Marleen Nilsson, Anders Hansson and Magnus Bodin – fashioned by the city’s austere

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BIG THIEF RÉAPPARAIT AVEC UN NOUVEAU SINGLE, ‘VAMPIRE EMPIRE’

Au printemps dernier, Big Thief réapparaissait sur le plateau télévisé de Stephen Colbert avec l’inédit Vampire Empire. Le groupe l’a désormais immortalisé en studio, plus précisément en Espagne au fil d’une tournée européenne, pour lui offrir une sortie officielle avant qu’il atterrisse au tracklisting d’un nouveau 45t attendu le 20 octobre. Adrianne Lenker s’explique au sujet de ce nouveau titre : ‘Pour moi, il s’agit de sortir des schémas internes toxiques, d’apprendre ce que sont les limites saines et de trouver le pouvoir de les mettre en oeuvre pour avoir la possibilité de donner et de recevoir un Amour ininterrompu et infini‘. En écoute ci-dessous.

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Lauren Duffus’ music is a lesson in exploding gracefully

Lauren attributes her musical inspiration to two principal sources: American trio Salem, and her old Yamaha keyboard’s classical build-ins.

Listening to her productions, it’s clear that the uncanniness of these inspirations is right on brand. Tangible are the bad-dream atmospherics, chopped ‘n’ screwed beats and irreverent tone which paint the witch house genre (grey); as well as the cinematic drill instrumentals typified by Chicago rapper, Chief Keef. But far from the codeine’d quality of Salem’s quasi-noise productions, the antagonism in Duffus’ music is often appeased with blithe glimmers, sometimes even choral singing. Her music’s equal proclivity for both caustic indignation and moments of tenderness justify previous comparisons to the likes of aya and Loraine James, both of which extend to her fusion of prismatic club beats and soft melodics.

‘From a very young age I was always drawn to sad or scary music’, Lauren reflects. ‘I remember loving the soundtrack for the fairytale, Peter and the Wolf. I love all genres though from black metal to pop but I will almost always only enjoy the songs that have a moving element. That’s why I love Chief Keef, his instrumentals almost always feel really sad to me’.

For Lauren, making music is a form of therapy, and satisfaction only comes with a production process informed by hardship. Her self-proclaimed inflexibility when it comes to making music solely informed by her own selfish inclinations doesn’t stop her hoping that people will share in the emotion she pours into its creation. Nonetheless, she finds less comfort in doing so herself. ‘After making something and putting it out I very rarely listen to it. Either I really don’t enjoy it and it tends to upset me’.

Pain is palpable in Duffus’ music. After boredom led her to download a free trial of Logic in the height of 2020’s lockdown, tracks quietly began to surface on her Soundcloud page, such as ‘Stir Fry’ which would later resemble one third of her debut EP ‘SULK’. The snideness of SULK’s title matches its tone. Unequivocal though it may be – this is an expression of pain – it is resolutely not an attempt at self-indulgence. Despite its melancholy (‘Soho Road’ is subtitled ‘Crying Song’ and is mainly composed of gut-wrenching sobs), Lauren’s music almost seems to laugh at itself, deftly conveying the coexistence of both devastation and self deprecation in depressive episodes.

Whilst Stir Fry’s choral singing, chipmunk vocals and dancehall-indebted rhythms bare stark resemblance to Sinjin Hawke’s symphonic ‘First Opus’ LP, the self-released ‘Anxiety‘ is distinctly cold, with brittle percussion and a playtime 173 seconds, as if not meriting anything more.

‘I’m still on the journey of learning how to deal with my emotions in a way that’s not destructive’, she responds when I ask about the description written underneath her AD 93 release ‘Dubplate 07’. ‘Exploding gracefully just means pouring that energy outwards as opposed to bottling it up and destroying myself’.

She admits the difficulty she’s found in compromising her own release schedules in favour of working with labels. ‘I want to share as soon as I finish a skeleton of a song because there’s so much pent up energy Ive just put into it and I feel like it’s squirming in my laptop needing to be let out’.

Lauren also struggles with attempts to categorise her music, admitting she sometimes gives into labelling tracks such as ‘Permanence‘ as ‘ambient’ given their pulselessness, despite the term not resonating fully. Her dual inspiration of both drill and classical music reaches its most prominent form on her third most listened-to SoundCloud upload: a monasterial remix of ‘Inner City Pressure’ – the experimental grime track by London producer, Cold.

When I asked whether she detected a sense of place in her own music – whether she considered London to be its natural home – she reflected that, despite the dancehall sounds she grew up surrounded by, that actually ‘the fact that I exclusively create in my childhood home which holds a lot of painful memories is more of a factor than the city I’m in. I can be a bit crap socially so I really don’t feel like any immediate community influences my sound’.

When we discuss her fusion of hard-hitting, industrial electronics with ornate choral arrangements, she meditates on classical music’s liberating tendencies. ‘It inspires me to not be rigid and have no rules – that probably sounds stupid because its seen as such a rigid, traditional genre filled with rules – but I like the constant tempo changes, the expression, and the movement within the songs that tell a story. It’s so fluid. I enjoy challenging myself to turn off the metronome and just play stuff expressively’.

Lauren’s penchant for story-telling translates into a desire to take up film scoring, so much so that she recently partook in an online course. ‘I just love the freedom it gives you in terms of structure and the challenge of not sticking to a tempo or traditional structure’, she tells me. ‘It was so much fun writing music with a visual prompt and hit points etc it was the most creative I’ve felt’.

Having only been producing for a matter of months when she created ‘Stir Fry’ – now her most notable release – it’s clear that world-building is something innate in Lauren’s musical inclination. It’s rare to find an artist whose music engulfs you in such a way as hers, and warrants comparisons to the enchanting immersion of Björk or the cinematic allure of Enya. At once appearing to bare all yet be fiercely guarded, it’s a deeply complex treatise on life’s hard times.

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Thylacine et la tubesque B.O d'OVNI(S)

Et si nous voyagions dans le temps ? Direction la France sous Giscard ! On y porte la moustache et le costumes en nylon. C’est à cette époque que se situe la nouvelle série de Canal + « OVNI(S) » et sa bande son signée du musicien électro Thylacine.

Nous sommes en 1978 et le « Gepan », Groupe d’Etude des Phénomènes Aérospatiaux Non-identifiés, existe bel et bien.  

Melvil Poupaud alias Didier Mathure, brillant scientifique, et son équipe paranormale, sont chargés de trouver des explications rationnelles aux apparitions de soucoupes volantes.  

Pour la partition originale de cette BO Thylacine s’est enfermé avec des synthétiseurs et des machines de 1978, comme s’il y était ! Résultat des musiques d’aujourd’hui qui se fondent parfaitement avec les trésors d’hier. 

La BO d’« OVNI(S) » regorge de trouvailles comme cet excellent Jean-Michel Jarre et Tangerine Dream qui donne envie de faire sa gym ! 

Quelque chose de moins cardio peut-être ?  Du sexe ! C’est tout aussi efficace et moins violent…

Parmi les musiques vintage choisies pour accompagner les compo originales ce « Love in C Minor » signé du patron de la disco française, Cerrone, donne une petite touche « science-fiction de charme ». Quant au « Sifflet du baron » de Bernard Estardy c’est tout de suite la parenthèse enchantée ! 

A la fois pop et ironique, la BO épouse parfaitement l’esprit de la série et enrichit son pantone de couleurs.

Pour mélanger "Shaft" et "Le gendarme et les extraterrestres", le vrai 70’s et le simili 70’s, il fallait le talent d’explorateur temporel de Thylacine. Après avoir revisité Mozart ou Satie sur son dernier album "Timeless", il se glisse dans la roue de Bernard Hinault...

EXTRAIT 1978 avec Yann Wagner 

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Conduit / Coby Sey (AD 93, 2023)

Coby Sey might be familiar as a crucial collaborator to Mica Levi and Tirzah, but his full-length debut reveals an entirely singular character. Conduit is a sonic outlier that sits on the fringes of grime, dub and jazz, wherein darkness and claustrophobia are often placed alongside moments of transcendence by a wunderkind producer. It is a bold contortion of its constituent parts, diverse and fresh from the very first confrontational vocal loop to the album’s piano-laden anti-ending. 

Sey’s vocals – free-flowing passages of spoken word – guide his compositions, but the focus here is very much on the textural passages that envelop them. An imperious producer, the Lewisham native has constructed eight singular passages across the record, ranging from deconstructed grime and nocturnal ambient cityscapes to sprawling eldritch jazz. ‘Night Ride’ is a bioluminescent adventure in dub-techno, all TV static and 404 error codes, whilst opener ‘Etym’ begins with brazen bars – isolated vocals – before Sey’s voice is engulfed by a technicolour wall of glitching sound. 

The best moment comes on ‘Response’, a ten-minute sprawl at the back end of the album. The unheimlich squalls of maltreated saxophones create an atmosphere of eeriness, which only builds as reverb-laden beats and distant strings bleed into the fray. “Active… active… ACTIVE,” Sey growls at the track’s peak, which is like Twin Peaks S3E8 made audio. This darkness, however, is quickly alleviated by the next track, misty-eyed closer ‘Eve (Anwummerɛ)’, a sparse, infinite piano meditation, coloured with the calming sensations of rainfall. Perhaps, these two pieces are ‘Conduit’ in microcosm – claustrophobia bubbles away throughout, but beauty and transcendence is never far away.

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Young Fathers annonce Heavy Heavy, leur quatrième album, pour février 2023

Heavy Heavy, la suite de l’album Cocoa Sugar paru en 2018, verra le jour le 3 février prochain via Ninja Tune. Pour en donner un avant-goût, le trio présente l’extrait I Saw.

Ce nouveau long format de 10 pièces paraît quatre ans après le dernier album de Young Fathers, Cocoa Sugar, lancé en 2018. Pour ce nouvel album, le trio a décidé de revenir à leurs racines, soit les trois musiciens dans leur studio au sous-sol, avec des instruments et des micros. « En parlant du titre, le groupe écrit que Heavy Heavy pourrait être une humeur, ou pourrait décrire le granit lissé de la basse qui soutient le son… ou pourrait être un clin d’œil à la progression naturelle des garçons vers les hommes adultes et le tribut inévitable de la vie, un fardeau joyeux, les relations, la famille, l’élan naturel d’un groupe qui existe depuis assez longtemps pour être témoin de changements massifs », indique le communiqué de presse.   

L’extrait I Saw fait suite à Geronimo paru en juillet dernier. On y retrouve « tout ce que les fans ont appris à aimer d’un groupe connu pour sa polyvalence multigenre – rythmes cinétiques, chaos contrôlé et âme débridée », apprend-on par voie de communiqué. L’extrait est accompagné par un clip réalisé par David Uzochukwu, un artiste et cinéaste autrichien / nigérien de 23 ans.  

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Surprise, Metronomy s’offre une nouvelle version de “Love Factory” avec Katy J. Pearson

Le morceau figure sur une réédition de “Small World”, le septième disque de la bande de Joseph Mount sorti en février dernier. Un nouveau disque prévu pour le 29 novembre prochain.

Huit mois après l’arrivée de Small World, un septième album lumineux sur lequel ne figure qu’un seul feat, Hold Me Tonight, avec Porridge Radio, Metronomy prend son disque à revers et prépare une réédition uniquement composée de collaborations. Pour amorcer les festivités, Joseph Mount et sa bande revisitent  Love Factory aux côtés de Katy J. Pearson, révélée avec le très beau Return, son premier album sorti en 2020. 

Dans un communiqué, Katy J. Pearson confie :“Je suis une grande fan de Metronomy depuis longtemps, leur musique a eu une grande influence sur la mienne. J’allais à Bristol pour les voir jouer lorsque j’étais adolescente, leurs concerts étaient si joyeux. De la musique pop, brillamment intelligente. J’ai d’ailleurs rencontré Joe après l’un de leurs concerts à Bristol et nous avons discuté. Après cette rencontre, on m’a demandé de retravailler Love Factory pour l’édition spéciale de leur album Small World. J’en étais très heureuse car il s’agissait de ma chanson préférée sur le nouvel album. Elle esttellement belle !”. Elle poursuit :“Je suis très flattée et honorée d’avoir la chance d’y apporter ma propre touche. Je voulais la réduire à l’essentiel et en faire un duo sensible. J’écoutais beaucoup de Nancy Lee et Lee Hazlewood à l’époque, alors en faire un duo pop m’a semblé très amusant”.

Préparez-vous car, chez Metronomy, l’heure est aux duos. Sébastien Tellier, Bolis Pupul, Jessica Winter ou encore PPJ font partie du casting de luxe réuni sur la réédition de Small World. Des surprises paveront donc peu à peu le chemin jusqu’à fin novembre. On a hâte !