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S.O.S. Cosplay: Come evitare le molestie

Le molestie alle cosplayer non si limitano alle richieste più o meno assurde o volgari che vengono rivolte loro. Anche il contatto fisico non richiesto, di qualunque tipo, rientra nella categoria. La prossemica è lo spazio che mettiamo tra noi e gli altri e che cambia da persona a persona e in base alla confidenza con l’altro. Cosa abbastanza fastidiosa, quanto frequente in fiera, è il contatto non gradito con i visitatori della fiera durante le foto. Può capitare che, per educazione, ci sentiamo a disagio sia in questo contatto forzato sia a rifiutarlo, per paura di essere etichettate come “frigide, bacchettone, problematiche, maleducate” e altri epiteti più volgari.

Non sempre siamo dell’umore giusto per farci toccare anche dai nostri amici. Figurarsi con emeriti sconosciuti.

Come comportarsi?

Se siamo a disagio è bene evitare un contatto sgradito, che siano mani sulle spalle o sulla vita. Possibilmente senza offendere il fan di turno. Cosa assai complicata se non si è abituati: si rischia di subire in silenzio, rovinandosi il divertimento (e forse anche il costume), o di scadere in un atteggiamento troppo aggressivo. Ecco quindi qualche suggerimento per svicolare con astuzia ed eleganza. Sta poi a voi scoprire quale stratagemma si adatta meglio alle vostre esigenze e quale funziona meglio. Se vedete che l’altro proprio non capisce il vostro disagio e i vostri continui tentativi di svicolare, con garbo, comunicate semplicemente il vostro non gradimento. Non vi forzate in qualcosa che non sentite né sentitevi in colpa per questo.

Cosa evitare

Evitate le pose statiche, da fotomodella, che attirano il contatto fisico. Quelle pose facili, insomma, dove state in piedi, mostrate il vostro costume, il vostro fisico… e basta. Entrate nel personaggio: anche il più neutro dei personaggi vi offre spunti per evadere dalla classica posa da manichino in vetrina. Non importa se risulterete mancine o se il costume non si vedrà bene. Quando notate la mano che parte all’attacco non rimanete ferme impalate. Spiazzate e costringete l’altro a imitarvi, di riflesso. Inoltre, evitate di avvolgervi nel mantello o di avvitarvi su voi stesse anche se il personaggio lo prevede: lasciate queste pose per le foto in solitaria coi fotografi o per quelle di gruppo con gli amici.

Una carrellata di pose che ben si adatta a un gruppo di amiche e che mostra la confidenza che non può esserci in una singola ragazza intrappolata tra gli ammiratori

Schiena a schiena o faccia a faccia

Giratevi con nonchalance, porgete la schiena o il volto (come andate meglio) e stendete in avanti un braccio mentre portate l’altro al volto. Che sia un microfono, un arma o che stiate evocando un potere.

Abbassate il baricentro

Che siate una studentessa che saluta, una vamp che manda un bacio o una cantante agguerrita, flettere o divaricare appena le gambe e appoggiarsi alle ginocchia prenderà di sorpresa chiunque: con un espediente innocente vi sarete sottratte alla loro presa.

Usate gli accessori

Drappi, armi, fruste e bastoni possono essere poggiati sulle spalle o essere mostrati con orgoglio a chi scatta, allontanando le braccia dal corpo.

Guadagnatevi spazio

Stendete le braccia parallelamente al terreno: evocate il vostro potere, spiegate il mantello, accogliete qualcosa che arriva dal cielo. Siete potenti e in questo momento nessuno può avvicinarvi.

Mostrate la vostra forza

Non serve necessariamente mostrare i muscoli come un culturista. Poggiate le mani sui fianchi e puntate i gomiti verso l’esterno. Questa posa di per sé non è sufficiente a scoraggiare gli audaci, che potrebbero scambiarla per una delle pose da Miss che vogliamo evitare: pancia in dentro e petto in fuori, gambe divaricate, il peso scaricato tutto su una gamba, il busto un pò in avanti in segno di sfida. E’ un chiaro segnale che, entro un certo limite, nessuno può avvicinarsi. In questo modo, inoltre, occupate già voi il posto su cui altri vorrebbero poggiare le mani.

Buttatevi a terra

Che siate una ninja o una guerriera, che siate disperate per la perdita di qualcuno/qualcosa, che siate una ragazza sbarazzina e irriverente, che siate spaventate, che stiate meditando: se potete inginocchiarvi o sedetevi per terra e sarete al sicuro.

Questione di equilibrio

Una ballerina, una divinità hindù, come molte delle eroine dei picchiaduro, spesso poggiano tutto il peso solo su una gamba. Nessuno oserà toccarvi per paura di farvi cadere. Approfittatene.

A mali estremi…

Se il vostro personaggio è pratico di arti marziali, non esitate a mostrare tutte le vostre carte. Calci volanti, spade sguainate… qualunque cosa parli del vostro non gradire il contatto fisico.

…estremi rimedi

Potete sempre optare per una soluzione meno drastica e più accattivante. Coinvolgete i visitatori che vi chiedono una foto e interagite con loro. Un po’ di polso e prendete il controllo della situazione, dando a ciascuno dei ruoli come se fossero altri cosplayer.

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Il ruolo del costumista: Costume Designer VS Fashion Designer (parte 2) published on Cosplay Hub

Il ruolo del costumista: Costume Designer VS Fashion Designer (parte 2)

Quanti Outfit!

Il costume designer deve preparare un numero adeguato di capi per rispondere alle diverse esigenze e che siano: – identici in base alle diverse scene, in modo da avere sempre un completo pulito pronto all’uso, – identici a quello di base ma con i dovuti segni di sporcizia/usura/macchie/strappi etc… ovviamente organizzati in ordine cronologico. Anche in questo caso bisogna sempre prevedere almeno un cambio. Strappati o sporcati di proposito, i capi devono comunque essere puliti dopo una giornata di riprese. – outfit simili/identici agli originali per gli stuntman. Ovviamente deve trattarsi di un numero adeguato di capi integri come di capi usurati, per averne sempre uno pulito pronto all’uso.

Il costumista, inoltre, deve provvedere a vestire tutte le comparse che non si vestono con le cose di casa come se fosse una festa a tema. Sono pochi i casi in cui un attore tiene qualcosa di suo sul set. Chiunque compaia nel film deve rispecchiare l’idea che il costumista ha di una classe sociale, di un periodo storico o di un trend.

Robert D.J. ha imposto alla costumista i suoi Von Zipper a scacchi rossi e neri in Iron Man 2

Costumista VS Stilista

Uno stilista, abituato a tutt’un altro genere di ritmo e scaletta, non può seguire di punto in bianco tutto questo processo. Un fashion designer alle prese con i costumi deve continuare, nel contempo, a produrre le sue quattro collezioni annuali. Se segue più di una linea, le collezioni si moltiplicano. Può, però, collaborare. Talvolta capita che il suo nome eclissi quello già inspiegabilmente invisibile, del costumista (vedi il caso del Cigno Nero).

Alexander McQueen, Nicholas K, Tex Saverio, Juun J. Sono solo alcuni dei nomi dei fashion designer i cui guardaroba sono stati saccheggiati per realizzare i costumi della saga

Per vestire tutto il cast, il costumista procede in 3 modi diversi a seconda della necessità: – i capi vengono confezionati appositamente. Questo vale per i personaggi principali e sicuramente per i film i cui capi sono molto particolari (film supereroistici, fantascientifici, fantasy o in costume). Il motivo è ovvio: certe cose non si trovano in negozio; – i capi vengono comprati per rendere il film il più attuale possibile e rispecchiare la realtà odierna (e non quella di 10 anni fa). In realtà, la moda è già sorpassata quando arriva in negozio, visto che viene consumata con gli occhi nel passaggio sfilata-magazine-vetrina che dura un intero anno. È ancora più vecchia se si tiene conto anche del tempo passato dall’idea alla progettazione alla realizzazione. A questo aggiungete i tempi di realizzazione di una pellicola…

Esempio pratico di riuso di accessori. Da America Ferrera in Ugly Betty (2006-2010) a Natalie Portman ne L’altra donna del re (The Other Boleyn Girl, 2008).

– i capi preesistenti vengono manipolati. Ci sono, sparsi per il mondo, magazzini pieni zeppi di costumi pronti a essere adattati, allargati/ristretti, allungati/accorciati, tinti, smontati etc. Generalmente vengono semplicemente riutilizzati anche se hanno una foggia fuori moda, magari sulle comparse che devono solo riempire la scena in lontananza. Quelli più caratteristici e famosi, facilmente riconoscibili anche dalla persona più digiuna di cinema, sono considerati pezzi da museo.

A destra una scena del film Brazil. A sinistra l’italianissima Elsa Schiaparelli, rivale di una più famosa Chanel e amica di avanguardisti come Dalì e Duchamp. Lady Gaga, coi suoi telefoni in testa, non si è inventata nulla…

L’elenco di questo tipo di operazioni è lungo e affonda nell’alba della cinematografia. Tra i casi più noti di collaborazione possiamo ricordare Paco Rabanne per Barbarella (1968). Tra quelli di riuso, il più iconico resta l’uso del cappello-scarpa di Schiap nel film Brazil.  Dal 1937 a l 1985. E’ quindi del tutto inutile scandalizzarsi per l’uso di materiale preesistente da parte dei costumisti. Inoltre, nel già citato film di Harry Potter l’abito del designer McQueen non è l’unico imprestito dalla moda. Un esempio emblematico è rappresentato dalla “pluricamicia” di Viktor&Rolf che, uscita sulle passerelle l’autunno 2003, venne riproposta nel film, uscito nell’autunno del 2010. Passano gli anni ed esce Hunger Games, in buona parte sviluppato anch’esso con gli abiti appartenenti a diverse collezioni di Alexander Mc Queen oltre che di numerosi altri designer emergenti.

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Le tecniche per ottenere i cartamodelli: la modellistica sartoriale published on Cosplay Hub

Le tecniche per ottenere i cartamodelli: la modellistica sartoriale

Alcuni cosplayer si fanno fare i costumi e le armature, molti invece riescono ad arrangiarsi, combinando tecniche diverse. Punto focale di tutto sono i cartamodelli, questi sconosciuti. I pezzi del cartamodello sono fondamentali per assemblare qualunque cosa. Su di essi si possono segnare ogni tipo di informazione utile: i pezzi combacianti, il colore (nel caso delle fantasie, dove cade il disegno), l’alto, il dritto filo, il nome del committente, etc. Ma come si ottengono questi pezzi di carta che, assemblati assieme, ripropongono in 3D l’oggetto finale da realizzare? Che si tratti di accessori, prop o abiti, i metodi sono sempre gli stessi.

Attenzione. Le tre tecniche che vi illustreremo in questa rubrica possono anche essere usate simultaneamente: tutto dipende da cosa dovete realizzare.

Introduzione

Da sempre l’uomo ha cercato di trovare un sistema sicuro e universale per misurare tutto il corpo partendo da pochi elementi. Come dicevamo in precedenza, però, proporzioni e forme cambiano nel tempo e da persona a persona, rendendolo un compito arduo. Pensate a come è cambiata la moda negli ultimi anni con il cambiare dello stereotipo della bellezza o del mercato. Negli anni 90/00, quando sulle passerelle imperversavano modelle nordiche, i pantaloni erano ricamati sul fondo che spesso andava tagliato perché, a fronte di una uguale vestibilità orizzontale (fianchi e seno) la verticalità era insufficiente. Ora la moda guarda alla Cina, la cui popolazione ha fisici meno delineati. Ciò comporta che, a parità di lunghezza, i pantaloni saranno più larghi in vita.

Modellistica classica

La sua natura rigida, schematica e bidimensionale, è indispensabile per capi che devono avere una vestibilità precisa e non si presta a tagli stravaganti e a volumi diversi da quelli classici, già collaudati.

Cos’è?

Esistono diverse scuole, diversi manuali che spiegano come costruire i capi più semplici. La modellistica classica, sia quella delle squadrette con forme incise all’interno sia quella di costruzione geometrico/matematico, parte dalla misurazione di pochi elementi e da una correzione successiva del cartamodello finale che ha una resa approssimativa adeguata a ciò che è considerato il canone estetico (che, come dicevamo, non esiste).

Quando si usa?

Quando ci serve assoluto rigore. Se non lo costruiamo col cartamodello, un certo colletto non saremo mai in grado di farlo con l’adeguata precisione. Se non seguiamo correttamente il drittofilo (difficile da trovare con altre tecniche) segnato nel cartamodello, avremo pantaloni e maniche il cui tubolare gira su se stesso. Borse, scarpe, oggetti geometrici si basano sulla modellistica classica.

L’unico problema dei cartamodelli delle riviste è la confusione di linee presenti: in poco spazio vanno collocati i diversi pezzi di molteplici capi, ciascuno segnato con colori diversi

Problemi e soluzioni

Per saper costruire un cartamodello bisogna studiare e bisogna saper ragionare in modo astratto. Per quanti non sanno da quale parte cominciare, esistono diverse riviste con cartamodelli già pronti da modificare successivamente con comodità, disponibili in diverse taglie. Basta prendere della carta velina da cartamodello e ricalcare i pezzi desiderati e, solo successivamente, tagliarli per appuntarli sul tessuto. I pezzi del cartamodello non sono comprensivi dei margini di cucitura. Tra i più noti, perché facilmente reperibili in qualsiasi edicola, e con le migliori vestibilità ricordiamo Burda, La mia Boutique, Moda Marfy e Modellina.

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Le dimensioni contano. Le proporzioni di più published on Cosplay Hub

Le dimensioni contano. Le proporzioni di più

Quando si parla di fedeltà di un cosplayer al personaggio scelto, della sua abilità nel portare un immagine 2D nella realtà, spesso ne nasce una sciocca diatriba che vede contrapposte stazza e altezza. Ciò che conta, infatti, sono le proporzioni.

Bello e impossibile

Cominciamo col dire che non esiste un ideale di corpo umano. Questo cambia a seconda delle epoche storiche e dalla posizione geografica. E l’essere umano ha sempre cercato di raggiungerlo con i più astuti e spesso dolorosi stratagemmi. Non esiste, inoltre, un corpo al naturale: davanti a un corpo nudo siamo sempre e comunque al cospetto di un organismo che subisce l’influsso del suo tempo. Cibo, attività, tipo di abiti e accessori modificano costantemente lo stesso corpo.

Per capire che la Barbie umana ha proporzioni innaturali non serve confrontarla con la cosplayer di Barbie (Toy Story 3)

La normalità

L’anoressica normalità della Yazawa non è rappresenta il corpo del giapponese medio, figurarsi del mondo occidentale. Allo stesso modo, le supertettone americane non sono la normalità nel panorama statunitense. L’altezza e la prosperità sono solo gli indicatori di ciò che un popolo predilige a livello estetico anche se, trasposti nella realtà creerebbero figure grottesche. Se la Yazawa rappresenta tutti personaggi alti e magri è ovvio che è come se vedesse la realtà attraverso una lente distorta. Ciò non toglie che l’altissima Yukari/Caroline (bassa per gli standard occidentali ma inarrivabile per i connazionali) avrà sempre il complesso del seno piccolo specie se paragonata alla piccola Miwako.

Se il singolo può sembrare alto e slanciato o basso e tracagnotto a seconda del contesto, in gruppo ogni cosa viene smascherata e bisogna quindi ingannare l’occhio con piccoli accorgimenti al momento dello scatto.

Proporzioni delle opere di partenza

Precisato l’ovvio, nell’affrontare un personaggio lo si deve, quindi, raffrontare con gli altri della stessa serie. Spesso, l’ideale di cui abbiamo accennato all’inizio, viene estremizzato a livelli anatomicamente impossibili. Se presi per reali, i personaggi di Oda o della Yazawa sono ben oltre l’anoressia e le super eroine dei comic americani sembrano essere più delle culturiste che delle normali adolescenti. Quelli disegnati da Craig McCracken (Superchicche e Dexter), invece, totalmente aliene. Il parallelismo e la polemica tra stazza e altezza sono pressoché fini a se stesse per un semplice motivo: le proporzioni. Se una persona è ben proporzionata e ha l’intelligenza di attagliarsi outfit e prop (come allungare o accorciare il fondo dei capi), il fattore altezza si manifesta SOLO nel caso in cui ci sia il raffronto diretto con oggetti o persone che ne svelino la reale altezza.

Il Maestro Yoda di Alessia Diri è il più credibile mai visto (altezza permettendo). Se non lo vedessimo in fiera, dell’altezza di una persona normale, senza oggetti con cui stabilirne le dimensioni, penseremmo sia il vero, piccolo Yoda. La sua altezza lo rende un cosplay meno riuscito? No! Perché con l’altezza non si puà fare nulla se non giocare con le proporzioni

Da 2D a 3D: ragionare per comparazione

A meno che non stiate inseriti in un gruppo e dobbiate quindi forzatamente rispecchiare una data gerarchia o omogeneità tra di voi, nulla vieta che una persona non proprio alta interpreti una persona che svetta nella folla e viceversa. Solo il confronto, infatti, è indicativo della statura e nel confronto con un’altra persona si può comunque imbrogliare lo sguardo con delle piccole alzatine o con la messa in prospettiva (l’abilità è tutta del fotografo). A differenza dell’altezza (quante famose cosplayer siano in realtà sono delle nanerottole) la stazza è indipendente dal confronto visivo. Non parliamo di normali, morbidi, accoglienti chiletti in più (per i quali molti cosplayer si sentono in difetto) ma di vero e proprio grasso.

Tabella che illustra le persone sovrappeso, le normopeso e le sottopeso. I personaggi di Oda e Yazawa sembrerebbero rientrare tra i sottopeso: impossibile per un sovrappeso spacciarsi per tali. I normopeso possono giocarsi meglio le fasce subito al di là e per essere sovrappeso devono ricorrere a protesi: il contrario non è possibile

Altezza e larghezza: diversa percezione dell’eccesso

Il salvagente in vita, il volto più che paffuto, il doppio mento o le dita a salsicciotto sono dettagli palesi di per sé: non c’è bisogno di comparare un addome piatto e scolpito, un volto fin troppo magro e scavato o dita affusolate da pianista per definirli tali. L’eccesso è difficile da nascondere mentre è facile aggiungere ciò che non c’è (tette, gobbe, capelli,rughe etc). La fisicità di Johnny Bravo è ovviamente stereotipata e non rappresenta certo l’uomo medio e anche un uomo ben messo non riuscirà a rispettarne in toto le caratteristiche fisiche, pur avvicinandosi moltissimo. Ecco quindi che l’uomo ‘normale’ non potrà portarne adeguatamente i panni: i muscoli, confronto o meno, si vedono.

Leon Chiro (a sx) ha un fisico invidiato un pò da tutti. Eppure, in questa foto di Matteo PainAlzak, la sua fisicità sembra scomparire al confronto con Paolo Spartano

Altre proporzioni: nani e giganti

Ben diverso è il discorso legato a gigantismo o di nanismo: i due fenomeni contrapposti, hanno particolari proporzioni, difficilmente camuffabili, e non basta (cercare di) essere semplicemente più/meno alti degli altri. Pertanto, impegnatevi al massimo: il vostro lavoro, se fatto con cura, sarà comunque apprezzato. Aver scelto di divertirsi e di indossare i panni di un personaggio che semplicemente vi piace nonostante non siate propriamente identici è una cosa. Divertitevi e non badate ai commenti dei super fan: troveranno difetti in chiunque. Tuttavia, pretendere di essere la miglior versione esistente del personaggio che avete scelto è un atteggiamento estremamente arrogante, tanto più se non siete più che perfetti: se è atletico o rotondo, muscoloso o rachitico, un buon cosplay deve tendere a rispecchiarlo quanto più possibile.

Le proporzioni di un adulto e di un bambino, dal vero (a sx) se fossero alti uguali (a dx)

Poco importa che i chili in eccesso siano dovuti a scompensi ormonali, malattie o che siate semplicemente pigri che mangiano in modo disordinato. Nel primo caso, probabilmente soffrite già abbastanza per contro vostro per la vostra condizione. Ma soprattutto voi, e chi vi conosce, sapete che la non aderenza al personaggio che tanto amate non è dovuto a negligenza. Ed è la cosa più importante. Nel secondo dovreste prendere spunto dalle critiche per condurre una vita più sana. Non perché dovete rispettare chissà quale canone estetico ma per la vostra salute. Se non ve ne frega nulla né della vostra salute né del personaggio, allora siate anche pronti a ricevere le critiche di chi quel personaggio, invece, lo ama da impazzire: la vostra sciatteria muoverà le peggiori critiche, tanto quanto un costume assemblato con i materiali sbagliati.

A sinistra, Giacomo Giorgi, interpreta Tyrion Lannister (Games of Thrones). Se osservate le sue proporzioni e quelle di Peter Dinklage noterete che sono ben diverse da quelle del cosplayer sulla destra.

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The Last of Us 2 è realtà published on Cosplay Hub

The Last of Us 2 è realtà

Finalmente, il sequel di uno dei capolavori targati Naughty Dog è stato annunciato. L’evento del Playstation Experience 2016 è divenuto il palco della rivelazione del nuovo trailer e della conferma del titolo.

Dopo l’ultimo indiscutibile masterpiece Uncharted 4: Fine di un ladro, sembra che Naughty Dog abbia cominciato a lavorare a The Last of Us 2 (TLOU2) o più precisamente a The Last of Us: Part II nel quale rivedremo gli stessi protagonisti del precedente capitolo, Ellie e Joel. 

Nel trailer possiamo notare uno scenario naturale post apocalisse estremamente particolareggiato e suggestivo, ciò fa intendere anche ai meno esperti, la maestria degli artisti di Naughty Dog nel ricreare ambientazioni credibili e minuziose. Il trailer prosegue con il dettaglio di una mano dalle nocche insanguinate e tremolante per via di un probabile recente combattimento. A seguire vediamo che la sagoma umana corrisponde a quella di Ellie che si appresta a suonare una chitarra dopo averla accordata. Per chi ama soffermarsi nei particolari è da notare che gli sviluppatori hanno voluto sorprenderci nella cura dei dettagli sin dal trailer: Nel momento in cui la mano finisce di accordare e si sposta dal piolo della chitarra, rimane un’impronta del dito insanguinata sullo stesso. Tocco di classe lo è anche la polvere liberatasi dalla vibrazione delle corde dello strumento.

Poco dopo fa la sua comparsa un uomo, Joel che entrando scorge i cadaveri delle persone lasciati sul pavimento. C’è uno scambio di parole fra i due ed Ellie chiude il trailer dicendo che “troverà e ucciderà anche l’ultimo di loro”.

Un salto nel passato…

In TLOF Part II il tema principale affrontato sarà l’odio, l’esatto contrario di quello affrontato nel primo capitolo. TLOF  è un horror/survivor in stile adventure. Nel mondo un virus stravolge l’intera civiltà rendendo gli esseri umani infetti fuori controllo e i sopravvissuti, che fanno di tutto per non morire, si uccidono a vicenda per reperire cibo, armi o, nei casi più estremi, ricorrere al cannibalismo. Joel, che vent’anni prima aveva assistito alla morte della sua unica figlia Sarah, è ora uno spietato sopravvissuto a cui viene dato il compito di portare la quattordicenne Ellie fuori da una zona di quarantena controllata da un regime militare. Ciò si trasforma in un arduo viaggio attraverso gli Stati Uniti. Il primo capitolo di TLOF si incentra sulla storia di Joel e su quella dell’incontro con Ellie, una ragazzina nata e cresciuta nella zona di quarantena di Boston dopo che la pandemia aveva già preso una totale espansione. Joel, spietato per poter sopravvivere in questo mondo decivilizzato in cui vale legge del più forte, riscopre il suo lato tenero sviluppando un’affetto paterno verso Ellie e questo lo porterà a far di tutto per proteggerla.

The Last of Us Part II sarà un altro capolavoro? non ci resta che aspettare per scoprirlo. Stay tuned!

Cosplay corner

  Nel trailer, che si apre con una canzone suggestiva, c’è lei: volto inconfondibile, lentiggini sul viso, occhi grandi ed espressivi e i suoi capelli rossicci. Ellie appare ai nostri occhi cresciuta e matura.

Sarà un cosplay che si vedrà rinnovare nel tempo. Avremo bisogno di capelli più lunghi e tratti quasi da donna, indirizzato ora verso un nuovo target.

Dovremmo procurarci una camicia e jeans da strappare e rendere logori. La parte più difficoltosa starà nel make up. Oltre alle ferite davvero suggestive, avremo bisogno delle lentiggini. Se non le avete naturalmente non sarà un problema perché con un po’ di pazienza e seguendo alcune istruzioni, riuscirete attraverso punti luce e trucchi a ricostruire i tratti salienti.

Vi lasciamo un tutorial sul make-up della protagonista. Sarà d’obbligo prendere ciò che ritenete indispensabile e metterci del vostro, sia dal punto di vista estetico che a livello interpretativo.

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5 cosplay da realizzare con meno di 50 euro published on Cosplay Hub

5 cosplay da realizzare con meno di 50 euro

Che il cosplay sia un hobby costoso lo avete già capito in tanti: abbiamo ormai perso il conto di quanti dei costumi presenti in una qualsiasi fiera odierna richiedano visibilmente budget superiori al migliaio di euro, specie se si tratta di armature e props complessi come ali articolate o parti in movimento o motorizzate… ma anche taluni lavori sartoriali richiedono l’esborso di parecchio denaro anche solo per l’acquisto dei tessuti, sempre più ricercati e difficili da reperire. Accessori come gioielli, parrucche e make-up professionali e riproduzioni di armi fanno levitare il budget per un cosplay appena più complesso della media a cifre che non sono alla portata delle tasche di tutti: è innegabile. Ma se non si dispone di grosse somme, o, addirittura, il budget è davvero risicato bisogna rinunciare a esibirsi in un cosplay d’impatto? La nostra risposta è: assolutamente no. Una volta di più, la parola chiave è: creatività. E, non ci stancheremo mai di ripeterlo, voglia di entrare nel personaggio e renderlo credibile anche senza ricorrere a costumi costosissimi. Qualche idea se nel portafoglio avete una cifra inferiore a cinquanta euro? Ve ne diamo ben cinque.

1) Clark Kent, alias Superman

Tutti i supereroi non campano esclusivamente inguainati nei loro sgargianti costumi. Conducono anche una parte della loro esistenza in abiti civili, almeno finché non è richiesto il loro intervento, e allora, beh lo sapete, mollano tutto e vanno a salvare il mondo. Superman è un personaggio talmente iconico da essere perfettamente riconoscibile anche come il suo alter ego Clark Kent, il mite giornalista del Daily Planet. Come faccia Clark Kent a indossare il costume di Superman sempre sotto i vestiti è una cosa che ignoriamo, ma ormai ci siamo abituati a vederlo strapparseli letteralmente di dosso per entrare in azione, ed è un’immagine popolare quanto Superman stesso.

Di cosa avete bisogno: un completo scuro, nero o grigio. Vostro padre o vostro fratello maggiore di certo ne avrà uno nell’armadio, e non dovrete spendere un centesimo. Vi servirà anche una camicia, bianca o azzurra, e una cravatta a righe (se non ne avete una in casa, potete acquistarne una ai grandi magazzini per pochi euro). Fondamentale, una maglietta col logo di Superman da indossare sotto la camicia. Ne trovate a bizzeffe per pochi euro. Procuratevi anche un paio di occhiali dalla montatura spessa: in farmacia se ne vendono per circa dieci euro. Un altro elemento che non dovrebbe mancare, è il borsalino nero che indossa Clark: visto che avete risparmiato fino a ora, dovrebbe esservi rimasto abbastanza per acquistarne uno a buon mercato, e vi darà il tocco mancante. Infilatevi sotto il braccio una copia di un quotidiano (magari americano) e siete pronti a spaccare il mondo.

Per chi è adatto: per chi ama il supereroe più potente del mondo, ma non ha, forse, il fisico adatto per fare una degna figura in un’attillata tutina azzurra, o – comunque – non può permettersi una moderna (e costosa) muscle suit.

2) Pepper Potts da Iron Man 3

Siamo sicuri che avete già sentito il detto: dietro ogni grande uomo, c’è una grande donna. Ebbene, questo modo di dire può adattarsi alla perfezione a Tony Stark, uno dei supereroi più popolari del “pacchetto” Marvel Cinematic Universe, e alla sua segretaria/compagna Pepper Potts. Pepper, nel corso della sua vita editoriale ha subito una notevole evoluzione fino a diventare a sua volta una donna d’affari nonché la supereroina in armatura chiamata Rescue, ed anche nei tre film finora dedicati al Vendicatore rosso e oro il personaggio (interpretato da  Gwyneth Paltrow) passa da essere l’assistente di Tony a salvargli la pellaccia nella sequenza finale di Iron Man 3.

Di cosa avete bisogno: le due cose più importanti sono il braccio (ma è sufficiente anche un guanto) meccanico di Iron Man: se ricordate, in Iron Man 3 ad un certo punto Tony Stark fa indossare a Pepper la sua armatura Mark IX per proteggerla da un attacco sferrato dal Mandarino. Investite il vostro budget per costruirne uno (o fatevene costruire uno) in foam e dipingetelo di rosso e oro: un tocco di classe sarebbero dei LED bianchi nel guanto azionati da una batteria. QUI potete trovare un videotutorial (in inglese), ma ce ne sono parecchi altri. Il secondo elemento che vi farà riconoscere all’istante come Pepper è la parrucca rossa: trovatene una della giusta gradazione (il classico pel di carota) e avrete quasi finito. Tutto quello che vi serve per completare l’outfit sono un top e un paio di leggins neri.

Per chi è adatto: per chi è rimasta affascinata dall’armatura di Iron Man ma non ha voglia di girare per tutto il tempo in fiera inscatolata in una scomoda armor (e non ha tutti quei soldi per permettersene una intera). Visto che il personaggio ha la pancia scoperta, avere un filo di addominali aiuta.

3) Men in Black

Avviato nel lontano 1997 dall’omonima serie a fumetti di Lowell Cunningham, Men in Black è arrivato al terzo episodio cinematografico del suo fortunato franchise. Il primo film divenne la commedia fantascientifica di maggiore successo commerciale negli Stati Uniti, posizione che detenne fino al 2015 prima di essere superata dai suoi stessi seguiti. I personaggi di Tommy Lee Jones (l’Agente K), Will Smith (l’Agente J) e Linda Fiorentino (l’Agente L) sono ormai entrati nell’immaginario comune, e possono risultare molto efficaci investendo relativamente poco.

Di cosa avete bisogno: come per Superman/Clark Kent, è fondamentale un completo giacca-pantalone, che potrebbe provenire dall’armadio di vostro padre, di vostro fratello o del vostro ragazzo. L’essenziale è che sia nero, indossato su una camicia rigorosamente bianca e con una cravatta nera. Vi serviranno necessariamente degli occhiali da sole neri: potete fare riferimento a quelli indossati dagli attori nel film, ma se ne avete già un vostro paio, potranno andare comunque bene. L’accessorio finale irrinunciabile è una delle pistole o dei fucili futuristici impiegati dai Men in Black: nei film se ne vedono di ogni forma e dimensioni, quindi potrete benissimo acquistare un’arma Nerf (su Amazon se ne trovano parecchie e pochissimo care, come QUESTA) e dipingerla completamente con uno spray argentato. Se volete esagerare, aggiungete dei LED azzurri.

Per chi è adatto: è un cosplay che funziona bene anche da singoli, ma se siete in coppia sarà persino meglio. Non avete bisogno di un fisico particolare o di parrucche o make-up, quindi massima libertà.

4) Peter Parker, alias Spiderman

Valgano le considerazioni fatte per Clark Kent/Superman: anche Peter Parker, nella sua identità “borghese”, indossa una tenuta facilmente riconoscibile, e se non volete o non potete investire centinaia di euro in una delle tute in lycra stampata che riproducono (più o meno fedelmente) il costume blu e rosso di Spiderman, potrete tranquillamente girarvi la fiera come Peter Parker, e fare lo stesso un’ottima figura.

Di cosa avete bisogno: Spiderman è uno dei supereroi più giovani sulla piazza, e l’ultima incarnazione dei Marvel Studios affidata all’appena ventenne Tom Holland lo ha ulteriormente “svecchiato”. Fondamentale, quindi, un look da giovane nerd, col classico occhialino dalla montatura spessa (li trovate per pochi euro), zainetto in spalla (di certo ne avrete già uno vostro) e, soprattutto, una macchina fotografica appesa al collo, la più grossa e vistosa che riuscite a rimediare, non importa se vecchia o nuova, funzionante o rotta: Peter è un reporter ed è la sua fotocamera a qualificarlo. Se non ne avete una in casa e nessuno che può prestarvela, acquistate una vecchia reflex in uno dei mercatini dell’usato: dovreste trovarne una non funzionante per poche decine di euro. Se poi volete aggiungere un tocco personale, stampatevi un cartellino di riconoscimento del Daily Bugle (il giornale per cui lavora Peter) e appendetevelo al taschino: QUI potete vedere com’è fatto.

Per chi è adatto: se siete giovanissimi e smilzi come Peter, siete già perfetti, e la trasformazione in Peter Parker sarà rapida e indolore, non solo per il portafoglio.

5) Winry Rockbell di Fullmetal Alchemist

Winry Rockbell è un personaggi più amati della serie anime e manga Fullmetal Alchemist, scritto e disegnato dalla mangaka Hiromu Arakawa. Winry è una maniaca della meccanica, tanto che quando si trova di fronte ad un oggetto meccanico non resiste alla tentazione di aprirlo e smontarlo per scoprirne i segreti, che si tratti di un trattore o anche solo dell’orologio d’argento di Ed (il protagonista della serie e il genio dell’alchimia). La sua tenuta tipica da operaia è facile e poco costosa da realizzare: basta stare attenti a qualche dettaglio.

Di cosa avete bisogno: quando è in borghese, Winry sfoggia una minigonna, degli stivaletti in pelle, una giacca nera e una maglietta chiara, ma noi ci occuperemo della sua versione più popolare, cioè quella da lavoro: vi servirà un top nero e una normalissima tuta da operaio, molto larga e con la parte superiore legata in vita, in modo da lasciare la pancia scoperta. Winry ha dei capelli biondi lunghi e lisci, quindi, se è il caso, considerate l’acquisto di una parrucca: vi costerà poco, e non dovrete preoccuparvi troppo della qualità, perché sarà parzialmente coperta da una bandana rossa, che terrete annodata sulla nuca. Vi serviranno inoltre dei guanti da lavoro (che potete acquistare dal ferramenta) e una chiave inglese, la più grossa che riuscite a trovare nella cassetta degli attrezzi di casa. Ai piedi, Winry indossa dei semplici sandali, e anche qui non dovreste avere problemi.

Per chi è adatto: se siete già bionde di vostro e coi capelli lunghi, non dovrete neanche preoccuparvi della parrucca. E se siete una di quelle fortunate col ventre piatto, questo cosplay ve lo valorizzerà. Inoltre, potrete girare la fiera ciabattando alla faccia di tutte quelle poverette costrette in scomodi stivaletti.

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5 Trucchi per un selfie cosplay perfetto published on Cosplay Hub

5 Trucchi per un selfie cosplay perfetto

Cosplay e fotografia vanno, da sempre, di pari passo. Un cosplayer senza nessuno che lo fotografa è un cosplayer destinato a venire dimenticato e a scivolare nell’oblio ok, stiamo esagerando, ma era per far passare il concetto). Il problema è che, a volte, non c’è proprio nessuno in giro, disponibile e con la fotocamera pronta, a immortalarvi nel costume che avete sudato sangue a mettere assieme, e tutto quello che avete a disposizione siete voi stessi e il vostro smartphone. Capita spesso quando siete ancora in casa, il costume è praticamente finito e il make-up è quello definitivo e volete disperatamente dare un’anteprima a qualche selezionato amico via Messenger o WhatsApp oppure divulgarla universalmente sulla vostra bacheca. La risposta, praticamente ovvia, è: un selfie, e via.

SI FA PRESTO A DIRE SELFIE!

Ma si fa presto a dire selfie: come regolare bene la distanza? Le braccia in alto o piegate? Meglio mettersi di lato o inquadrarci dal basso? E la luce dove la puntiamo? I social non perdonano: una volta postata, la foto è esposta ai commenti di tutti. Fermo restando che, una volta di più, la regola principe è provare più scatti possibile e sceglierne uno solo un paio, eccovi cinque semplici trucchi da prendere in considerazione per migliorare i vostri selfie in cosplay:

1) Decidete, per iniziare, qual è il vostro profilo migliore: destro o sinistro? (lasciate stare il frontale, è raro venire bene presi di fronte dalla camera di uno smartphone). Fate qualche prova davanti uno specchio, sceglietene uno e lavorate su quello, quindi posizionate il vostro smartphone a 45 gradi dal viso. Da quella prospettiva la vostra testa sembrerà più piccola, il mento più acuto e gli occhi più grandi. Tenete il telefono un po’ più in alto rispetto il vostro viso: lo sguardo risulterà più interessante, gli zigomi più pronunciati, il viso più magro e il naso più piccolo. Naturalmente, si tratta di una posizione innaturale, quindi non esagerate tendendo troppo il braccio… pochi centimetri saranno più che sufficienti.

2) Catturate la luce giusta. Anche qui è tutto un gioco di angoli e prospettive: se azzeccate quell’illuminazione che vi stende quel leggero bagliore che ammorbidisce i difetti del volto, o, al contrario, quella lama di luce che aggiunge un tratto emotivo forte all’immagine, tenetela stretta e scattate a raffica. Evitate solo i controluce (tutti gli smartphone si comportano malissimo in questa circostanza) e la luce troppo forte del giorno (brucerebbe ogni dettaglio del vostro costume o del vostro make-up).

3) Se il vostro cosplay ha degli accessori importanti (elmetti, armi, gioielli) metteteli in evidenza: se avete una pistola o una spada, puntatela verso l’obiettivo, se indossate dei bracciali alzateli all’altezza del viso, e così via. In altre parole, aggiungete un focus d’attenzione nella foto.

4) Non dovete necessariamente guardare nell’obiettivo. Non è una fototessera: fate delle prove e spostate lo sguardo, dirigetelo con più o meno intensità verso un oggetto non visibile nell’inquadratura, esterno all’immagine. Fingetevi assorti in chissà quali pensieri profondi. Cosa potrebbe pensare il personaggio che state interpretando? Trattenete il respiro, e scattate.

5) Prestate attenzione allo sfondo: non dev’essere troppo ricco di dettagli che distrarrebbero da voi e dal vostro cosplay. Evitate come la peste i selfie in bagno, con contorno di mattonelle, lavandini e sciacquoni. Ma allontanatevi anche dal salotto di casa, con quel quadro sullo sfondo che era già vecchio quando è stato dipinto. Se non avete una parete libera, usate una porta. Più in generale, scegliete qualcosa di neutro: sarà la fantasia di chi guarda a “riempirlo”. Non c’è niente di meno evocativo dell’autoscatto di un Batman davanti la cucina finto rustico di casa.

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Countdown per Final Fantasy XV

I fan della storica saga fantasy targata Square Enix non sono più nella pelle e non vedono l’ora di mettere le mani sulla quindicesima ‘fantasia’. Ormai manca davvero poco. Un’attesa infinita è quella per Final Fantasy XV, la cui uscita è fissata per il 29 novembre prossimo. Le notizie, gli eventi e i contenuti pubblicati ed organizzati dalla software house sono numerosi ed importanti.

Final Fantasy XV Demo: Judgement Disk

  https://youtu.be/epMvOkd-jIs

Durante il periodo, durato anni, in cui Final Fantasy veniva sviluppato sono state pubblicate varie demo e rese disponibili a tutto il mondo tranne l’ultima, Judgement Disk, la quale una volta completata mostrerebbe il filmato introduttivo del gioco in computer grafica di Final Fantasy 15. La demo, essendo stata pubblicata solo in Giappone, non è disponibile in altre lingue al di fuori di quella di pubblicazione.

https://www.youtube.com/watch?v=ccAowOp1ElE&feature=youtu.be

Una demo può servire a far capire al giocatore come sarà l’opera finale o comunque a darne un assaggio. A quanto pare la demo “Judgement Disk” sembra essere affetta da numerosi bug che la rendono impossibile da giocare, ma sembra che Square Enix si stia approntando con una patch di correzione che sarà in grado di sistemare tutti gli errori presenti nella demo. Il direttore di Final Fantasy XV, Hajime Tabata ha affermato, tranquillizzando il pubblico, che la versione finale del gioco non soffrirà di simili problematiche e che lo slittamento della data di uscita al 29 novembre sia servito per ottimizzare il prodotto ulteriormente così da poter dare il gioco nelle mani dei fan in condizioni perfette.

Possedete già una PS4 Pro o state pensando di prenderne una?

https://youtu.be/C59uuNwzJTQ

Nel video possiamo farci un’idea delle differenze grafiche delle due console. Le versioni del gioco messe a confronto sono quella con risoluzione a 4K e quella a 1080p (Full HD) della demo Judgement Disk. Le differenze possiamo notarle con un buon occhio e giocando alle diverse risoluzioni. Ovviamente, trattandosi della demo e non del prodotto finale, la qualità grafica delle varie versioni potrebbe cambiare completamente.

Un dato ormai abbastanza comune, ma comunque di rilievo se non vogliamo ritrovarci senza spazio di archiviazione sulle nostre console, è il peso che avrà il software di Final Fantasy XV in termini di Gigabytes. Su Xbox One occuperà 46,7 GB. Per la versione PS4 dovrebbe essere simile o giù di li. Stando agli standard dei videogame di “tripla A” della nuova generazione 46,7 GB sembrano essere nella norma.

Elementi di Gameplay e pubblicità

Di seguito vi linkiamo uno spot televisivo dedicato a Final Fantasy XV pubblicato da Square Enix e Sony che mostra per la prima volta le evocazioni di Ramuh, Leviathan e Titan che conquisteremo nel gioco e che utilizzeremo per sbaragliare i nemici nella versione completa. Nello spot possiamo inoltre vedere la Playstation 4 Slim – Lunar Edition, la versione della PS4 Slim a tema Final Fantasy 15 dedicata al personaggio femminile principale del gioco, Lunafreya.

https://youtu.be/uLqecgCGr7E

Negli scorsi giorni sono state pubblicate nuove interessanti notizie riguardanti in particolare il sistema del Gameplay. Square Enix afferma che i personaggi che faranno compagnia a Noctis durante il lungo viaggio (Prompto, Ignis e Gladiolus) godranno di un equipaggiamento alternativo secondario oltre alla loro arma principale: Gladiolus utilizzerà degli scudi, Ignis potrà usufruire di lance e Prompto avrà la facoltà di utilizzare macchinari.

Il sistema di evoluzione si baserà sull’acquisizione di Punti Abilità che poi potranno essere spesi nell’Ability Call, un sistema di skill a rami che ci darà la possibilità di decidere in quale arte il personaggio dovrà specializzarsi. Grazie a ciò, ogni giocatore potrà avere un suo party diversificato e unico. Square afferma che Shiva sarà l’evocazione di Noctis e che, una volta evocata, lo scenario subirà dei cambiamenti al livello grafico venendo avvolto dalle nevi e i nemici saranno aggrediti da cloni dell’evocazione.

Insomma, non stiamo più nella pelle all’idea di mettere le mani sul quindicesimo capitolo della saga di Final Fantasy e, come se non bastasse, la software house nipponica annuncia Final Fantasy XV: Road to Release, un evento organizzato in collaborazione con Sony Pictures Entertainment e a UCI Cinemas. L’evento offrirà ai fan l’opportunità unica di guardare sul grande schermo nei cinema selezionati di Roma e Milano, uno streaming in diretta dedicato a Final Fantasy XV. Durante l’evento potremo vedere la première IGN di Londra, nuovi filmati di Final Fantasy e le interviste con gli sviluppatori. Inoltre, ci sarà la possibilità di assistere alla proiezione di Kingslaive: FINAL FANTASY XV, il lungometraggio in computer grafica che racconta le vicende precedenti a quello che sarà il videogioco di Final Fantasy XV. Gli spettatori che parteciperanno al Final Fantasy: Road To Release riceveranno borse promozionali e avranno l’opportunità di vincere alcuni premi.

L’evento si terrà Martedì 22 presso l’UCI CInemas di Porta di Roma e all’UCI Cinemas Bicocca di Milano.

  Cosplay corner

Dal nostro canto, in Italia possiamo vantare di un gruppo di cosplayers che ha realizzato una versione molto accurata di alcuni personaggi principali: Gladiolus realizzato da Leon Chiro, Miss Hatred Jessica come Prompto e Mish.Axel nei panni del protagonista Noctis. Insieme hanno potuto incontrare gli sviluppatori del gioco e avuto il piacere di parlare con il team Square Enix.