#criticodarte

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SCRITTORE E CRITICO D'ARTE. COME SI CONIUGANO QUESTE DUE ATTIVITÀ?

SCRITTORE E CRITICO D’ARTE. COME SI CONIUGANO QUESTE DUE ATTIVITÀ?

Scrittore e critico d’arte. Come si coniugano queste due attività? Cominciato quasi per caso, questo è il quinto anno che percorro il cammino nel mondo dell’arte e della scrittura. Lo scorso anno, ho pubblicato due libri: I Veri Artisti Contemporanei 1, un volume dedicato a una trentina di artisti contemporanei veri, cioè di quelli che non possono pagare migliaia di euro per comprare pagine sui…

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[mbmarabraidotti]

#philippedaverio Ecco la brutta notizia. Ci ha lasciati il più grande #criticodarte italiano. Philippe Daverio 🥺☹️ (presso Genova, Italy) https://www.instagram.com/p/CEocNffgan3/?igshid=6zqqt2irxfj9

[eventiarmonici]

PHILIPPE DAVERIO, STORICO PER COMPETENZA

Quando si parla di merito e di competenze, Philippe Daverio è il personaggio che viene subito in mente. Un uomo la cui cultura trascendeva i titoli e i pezzi di carta, in un mondo alla deriva in cui l’immagine e gli attestati valgono più della reale capacità.

PHILIPPE DAVERIO, STORICO PER COMPETENZA Quando si parla di merito e di competenze, Philippe Daverio è il personaggio che viene subito in mente. Un uomo la cui cultura trascendeva i titoli e i pezzi di carta, in un mondo alla deriva in cui l’immagine e gli attestati valgono più della reale capacità.

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[eventiarmonici]

L’ARTE SIA CULTURA E NARRAZIONE DEL PRESENTE

Ci siamo risvegliati in una primavera inoltrata, regolata da imposizioni e dispotismi avallati dall’intolleranza figlia della discultura e dell’ignoranza in merito all’essere umano. Mai come oggi, urge il bisogno di cultura, laddove l’arte ne è l’esercito più potente, per abbattere il tentativo manifesto di riproporre regole e norme di un fascismo che era meglio lasciare nel dimenticatoio.

di Pasquale Di Matteo

L’Italia si è scoperta profondamente fascista, nei modi e nei termini più perniciosamente beceri e vomitevoli: dal nauseante comportamento da spie da balcone, fino alla fagocitazione acritica di ogni editto del potere.

E l’arte? E gli artisti?

L’arte viene messa da parte, come tutte le visioni che si riconducono alla cultura, perché il potere non ha argomenti contro il sapere.

Non a caso, il potere ha scelto di nominare ben 450 tecnici per delegare le decisioni, manifestando miseramente la propria totale inutilità, che non deriva dai ruoli, ma dalla mancanza di cultura e, di conseguenza, di capacità decisionale.

Pasquale DI Matteo con artista giapponese in Chie Art Gallery

Pasquale Di Matteo inaugura la mostra personale di Debora Di Lucca presso Art Luxury Gallery di Milano

Pasquale Di Matteo a Sanremo, con gli occhi di chi è andato a letto quando agli altri suona la sveglia

Il Critico d’Arte Pasquale Di Matteo con l’opera di Marco Idile

È vero, il virus è un problema mondiale, ma soltanto in Italia la politica ha abdicato, lasciando altri a decidere. In Spagna, per esempio, il governo ha nominato una sola task force, composta da 15 personalità politiche per affiancare il Premier.

L’arte, allora, in questo periodo di ritorno all’anomalia fascista, che pensavamo sepolta quasi un secolo fa, non può esimersi dal farsi arte degenerata, arte che racconta e che sviscera le falsità della propaganda, le idiozie della discultura e le nefandezze della sottrazione delle libertà, perché anche i più deboli di attività sinaptiche hanno ormai colto la singolarità di un virus che sembra racchiudere in sé tutte le più alte aspettative di Hitler, di Mussolini, di Pinochet…

Inutile dire che l’incompetenza di chi era preposto a governare in Italia ha disintegrato il settore artistico, in ogni sua forma, almeno per tutto il 2020, perché è impensabile riaprire ora, con la spada di Damocle sulla testa di immediate richiusure se il virus dovesse riproporsi, visto che, ancora oggi, il governo non può garantire dispositivi di protezione per tutti e trasporti adeguati per gli spostamenti delle persone.

Il Critico d’Arte con Chie Yoshioka, Issei Hidaka e Syusui Shimazaki

Il Critico Pasquale Di Matteo durante il suo intervento all’inaugurazione dello studio della Prof.ssa Muroni, docente dell’Università Cattolica di Milano.

Anna Maria Brazzò, Pasquale Di Matteo e Mauro Tasca.

Pasquale DI Matteo durante un suo intervento in Campidoglio, Roma

Pasquale Di Matteo davanti alla platea della Sala Protomoteca del Campidoglio

Dopo aver ignorato gli allarmi dell’OMS, lanciati da mesi, dopo aver criticato aspramente i governatori del Nord, che chiedevano di isolare chiunque transitasse nel nostro Paese, il governo si è trovato impreparato al primo focolaio e ha spento il motore dell’Economia, provocando un disastro finanziario e sociale mai visto prima nella storia d’Italia.

Perciò, fare arte diventa impossibile, almeno per tutto quest’anno, ma, al di là delle mostre e degli eventi da spostare al prossimo anno, se non fatti nel 2020 alla carlona, per rubare qualche soldo agli artisti, questi ultimi, tuttavia, possono e devono produrre.

Non tanto per provare a vendere, piuttosto sulla falsariga dei grandi maestri del passato, a cominciare da Van Gogh, morto senza nulla, ma capace di raccontare i più deboli e quella parte della società dimenticata da molti.

E sono tanti gli artisti che hanno voluto principalmente raccontare le controindicazioni del loro tempo, dai Surrealisti ai Dadaisti, fino agli Espressionisti, concordi e fortemente contrari alla follia nazifascista.

Fino ad arrivare, in epoche successive, all’attenzione per la solitudine di Hopper e ai disagi creati dal progresso, sviscerati da Basquiat, da Dix, da Immendorf…

Leggere, acculturarsi, rifarsi ai grandi filosofi e ai grandi artisti del passato diventa fondamentale, per riprenderne gli argomenti e per avere la capacità di leggere oltre l’immagine e oltre il confezionamento delle notizie ottriate dai media, spesso compiacenti, come in ogni dispotismo della storia.

Pasquale Di Matteo in Campidoglio

Pasquale Di Matteo in Campidoglio

Delegazione libica con Pasquale Di Matteo

Pasquale Di Matteo con il Prof. Vittorio Sgarbi

Pasquale Di Matteo durante una Critica

Pasquale Di Matteo durante una conferenza a Napoli

Momenti della consegna delle opere

Pasquale Di Matteo a Villa Amoretti, Torino

Pasquale Di Matteo inaugura mostra presso Sallustiana Art Today Gallery di Roma.

Per esempio, perché non evidenziare come siano state fatte passare per vere scene di capannoni bergamaschi pieni di bare, quando le foto, in realtà, si riferivano ai migranti morti in mare anni fa a Lampedusa?

L’arte, d’altronde, non può essere rinchiusa in un contenitore di regole, perché, se è vera, si regge sulla cultura e questa non è mai elemento rigido, bensì liquido, multiforme e adattabile a ogni forma di sopruso e di imposizione.

Siate liberi, Siate artisti. Affidatevi alla cultura e denunciate.

Ovviamente, preparatevi! Proprio come i grandi della storia, non sarete accolti con favore da tutti, almeno non nell’immediato, (e forse mai in vita), ma si sa, la più pericolosa pandemia al mondo è da sempre l’ignoranza.

Ma non tiratevi indietro!

Questo Paese ha un bisogno esasperato, viscerale, patologico, quanto urgente, di cultura; e l’arte è da sempre uno dei suoi eserciti più potenti e coraggiosi.

Ci siamo risvegliati in una primavera inoltrata, regolata da imposizioni e dispotismi avallati dall’intolleranza figlia della discultura e dell’ignoranza in merito all’essere umano. Mai come oggi, urge il bisogno di cultura, laddove l’arte ne è l’esercito più potente, per abbattere il tentativo manifesto di riproporre regole e norme di un fascismo che era meglio lasciare nel dimenticatoio. L'ARTE SIA CULTURA E NARRAZIONE DEL PRESENTE Ci siamo risvegliati in una primavera inoltrata, regolata da imposizioni e dispotismi avallati dall’intolleranza figlia della discultura e dell’ignoranza in merito all’essere umano.

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Arshile Gorky

Un artista enigmatico, quanto viscerale, capace di andare controcorrente attingendo dall’antichità e dai ricordi della sua infanzia triste, sperimentando con i colori un’arte in grado di trascendere i confini degli Stati Uniti, partendo dal flusso della coscienza.

di Pasquale Di Matteo

ARSHILE GORKY: CENNI BIOGRAFICI

Conosciuto per anni come il cugino dello scrittore Maxim Gorky (che peraltro era un nome d’arte), Vosdanig Adoian nacque a Khorkom, un piccolo villaggio sito nei pressi del lago di Van, nell’allora Turchia ottomana, il 15 aprile del 1904 da una famiglia povera.

Per sfuggire al genocidio commesso dall’esercito ottomano, nel 1915, Gorky scappò a piedi in Armenia, con le sorelle e la madre, dove quest’ultima morirà per fame nel 1919.

Il padre era già scappato in America nel 1908, per sfuggire al servizio militare.

Nel 1920, all’età di 16 anni, emigrò negli Stati Uniti, dove cambiò legalmente nome in Arshile Gorky, in omaggio allo scrittore russo Maksim Gor’kij, che come lui ebbe una vita errante e dolorosa, e del quale l’artista racconterà per tutto l’arco della vita di essere il cugino.

Morì suicida, in seguito ai risvolti negativi di un cancro e dopo aver scoperto la relazione della moglie con l’amico Roberto Matta, quella stessa moglie che scoprì la vera biografia di Gorky soltanto dieci anni dopo la sua morte.

ARSHILE GORKY: LA SUA ARTE

ARSHILE GORKY Opere – Immagini di Proprietà del Web

ARSHILE GORKY Opere – Immagini di Proprietà del Web

ARSHILE GORKY Opere – Immagini di Proprietà del Web

L’arte di Gorky è un viaggio in mondi chimerici, in quelli che lo stesso artista indicava come il frutto della miscela tra ricordi della sua difficile infanzia, fatta di stenti e di forti privazioni, e i racconti della madre, quelli che alleviavano le sue sofferenze di bambino, quando si rifugiava tra le sue braccia per piangere.

Fortemente influenzato dal Cubismo, le sue figure rivelano tuttavia una morbidezza che smussa angoli e spigoli presenti invece in Picasso.

Arshile Gorky declina sulle tele il suo essere fuori le righe, contrario a vincoli e forme, e sperimenta, facendo propri e rielaborando percorsi dei maestri più famosi.

Nelle sue opere si ritrovano la logica deformata di Picasso, la vivacità delle forme di Mirò, i paesaggi di Cézanne, ma tutto assume una struttura che nasce dall’anima, attraverso procedimenti attinti dall’antichità e dall’Oriente, sviluppati con gli stili moderni.

Tuttavia, la sua arte non è soltanto una manifestazione astratta dei suoi mondi onirici, in cui sintetizza il Cubismo, ammorbidendone la struttura e miscelandolo con tecniche e schemi surrealisti, ma anche espressione figurativa, con la quale l’artista riporta alla luce la famiglia perduta e analizza il suo tempo.

Anche il disegno ha un ruolo fondamentale nella pratica di Gorky, perché funge da studio per gran parte delle sue opere pittoriche.

ARSHILE GORKY Opere – Immagini di Proprietà del Web

ARSHILE GORKY Opere – Immagini di Proprietà del Web

ARSHILE GORKY Opere – Immagini di Proprietà del Web

Le sue amicizie e le sue frequentazioni lo vedono in contatto con André Breton, Wifredo Lam, Max Ernst e Roberto Matta, dai cui confronti si sviluppa la percezione dell’inconscio nei suoi lavori, così come i suoi viaggi nella vastità delle terre statunitensi lo legano alla natura.

La sua arte è caratterizzata dalla maturazione del tocco deciso e fisico, unitamente al tormento, che traspare nella pesantezza del colore, che nell’ultimo periodo si alleggerirà.

Come già peculiarità di Paolo Uccello, Gorky appare più interessato alle cose poste nello spazio, piuttosto che agli oggetti in sé, elemento che accentua trasmettendo alle sue opere una suggestiva atemporalità attraverso un uso particolare del colore, in cui lo spazio abbraccia gli elementi e li manifesta.

ARSHILE GORKY Opere – Immagini di Proprietà del Web

ARSHILE GORKY Opere – Immagini di Proprietà del Web

ARSHILE GORKY Opere – Immagini di Proprietà del Web

La pittura di Gorky è un’arte che nasce dall’idea e dal ricordo e non da tecniche, scuole e stili, perciò risulta una sperimentazione continua volta ad assecondare il suo nomadismo dell’anima, prim’ancora che fisico, quella condizione di profugo che in gran parte dei suoi lavori rivive nell’alternanza dell’uso del colore massivo e intenso, mentre altre volte è essenziale, così come i tratti stilizzati che sfumano nell’astrattismo surrealista, con quelle forme oniriche, quanto inconsce, che in Gorky celano qualunque gesto e minimizzano le linee dei tratti figurativi.

In Gorky, il ricordo è manifesto, ma con pudore, nell’accezione estetica che ne fa Hegel, ovvero dell’inizio dell’ira contro qualcosa che non deve essere.

La pittura di Gorky si è sviluppata negli anni in cui New York scippava lo scettro di capitale dell’arte mondiale a Parigi, e l’artista si può certamente definire un pioniere di ciò che si sarebbe affermato successivamente con il nome di Espressionismo Astratto.

Un artista enigmatico, quanto viscerale, capace di andare controcorrente attingendo dall’antichità e dai ricordi della sua infanzia triste, sperimentando con i colori un’arte in grado di trascendere i confini degli Stati Uniti, partendo dal flusso della coscienza. Arshile Gorky Un artista enigmatico, quanto viscerale, capace di andare controcorrente attingendo dall’antichità e dai ricordi della sua infanzia triste, sperimentando con i colori un’arte in grado di trascendere i confini degli Stati Uniti, partendo dal flusso della coscienza.

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ANTEPRIMA DEL PARLAMENTO EUROPERO: FRANCESCA GHIDINI

FRANCESCA GHIDINI È UNA DELLE ARTISTE CHE IL PROSSIMO 6 MARZO SARÀ PROTAGONISTA ALL’EVENTO “LA FORZA DELLE DONNE”, CHE SI TERRÀ PRESSO LA SEDE ITALIANA DEL PARLAMENTO EUROPEO, IN ROMA, CON GLI INTERVENTI DELL’EUROPARLAMENTARE, ON. LUISA REGIMENTI, E DELLA DOTT.SSA ANTONELLA SAMBRUNI, RESPONSABILE DELLA RETE EUROPEA DELLE DONNE.

di Pasquale Di Matteo

Francesca Ghidini è un’artista vera: genuina e prepotente nella per la poetica e i temi trattati, così come attiva e moderna nell’investire su di sé.

Non a caso, il suo curriculum vanta già esposizioni importanti in contesti di primo piano, che le hanno permesso di essere notata e selezionata per eventi esclusivi, non ultima la partecipazione a COLORI DI PACE, scambio interculturale tra Sri Lanka e Italia, che si è tenuto lo scorso mese di ottobre presso la prestigiosa Sala Protomoteca del Campidoglio, a Roma.

Francesca Ghidini & Pasquale Di Matteo

Pasquale Di Matteo & Francesca Ghidini

Taglio del Nastro

Benedizione del Monaco Buddista

Shalimar Nur e le sue danze

Pasquale DI Matteo durante il suo intervento

La Ghidini è un’artista che esalta la relazione umana, non solo nell’ambito comunicativo tra persone, ma con uno sguardo sociale più ampio.

I suoi colori danno vita a opere che trasportano in altri mondi, con un chiaro riferimento ai sentimenti e ai legami affettivi, nonché alle difficoltà di essere ascoltati, dimostrando tutto il disagio provato per il nostro tempo, vittima del futuro che si fa presente, calpestando valori importanti.

Opera di Francesca Ghidini

La tecnologia e le regole del progresso, infatti, stanno spingendo l’uomo verso un transumanesimo sempre più esasperato e preoccupante, delegando molte attività umane alle macchine.

E il benessere profuso con tali prassi è infinitesimale rispetto alle crisi economiche prodotte per le masse che si ritrovano senza più un lavoro, né di che vivere.

Inoltre, la tecnologia, mediante i dispositivi elettronici che avrebbero dovuto facilitare le connessioni sul Pianeta, è riuscita, al contrario, a dividere le persone, persino nella stessa stanza, con complicazioni in ambito sociale che sono una piaga preoccupante, così com’è preoccupante il fatto che l’utilizzo di particolari applicazioni si ripercuota negativamente persino sulla grammatica e sulla sintassi dell’Italiano.

Per di più, viviamo in una società in cui l’egoismo è idolatrato, in quanto i nuovi eroi proposti dai media sono persone di successo, ricche e perfette, e, nel nostro tempo, ciascuno sembra animato dal bisogno di avere successo.

Perciò, mancano l’empatia e la voglia di ascoltare l’altro, fino a scivolare in vere e proprie crisi relazionali.

Più in grande, il ricco non ascolta più le lamentele di chi sta peggio, in una degenerazione dell’umanità che genera conflitti e dispotismi anche in luoghi in cui tradizionalmente si parlava di democrazia.

La Ghidini assimila tutto ciò attraverso il vivere quotidiano, per poi farne colori, prevalentemente, blu, bianchi e sfumature d’oro, a testimoniare come l’artista auspichi un cambiamento e un maggior peso per gli ambiti dello spirito e della meditazione.

L’artista è particolarmente attenta all’essere umano nella sua completezza, come individuo e persona, e non per i ruoli di ciascuno, che, invece, sono l’unica cosa che conta nella società del progresso.

Francesca Ghidini è un’artista che fa della Filosofia e del messaggio la sua espressione più ampia.

  FRANCESCA GHIDINI È UNA DELLE ARTISTE CHE IL PROSSIMO 6 MARZO SARÀ PROTAGONISTA ALL’EVENTO "LA FORZA DELLE DONNE", CHE SI TERRÀ PRESSO LA SEDE ITALIANA DEL PARLAMENTO EUROPEO, IN ROMA, CON GLI INTERVENTI DELL’EUROPARLAMENTARE, ON. LUISA REGIMENTI, E DELLA DOTT.SSA ANTONELLA SAMBRUNI, RESPONSABILE DELLA RETE EUROPEA DELLE DONNE. ANTEPRIMA DEL PARLAMENTO EUROPERO: FRANCESCA GHIDINI FRANCESCA GHIDINI È UNA DELLE ARTISTE CHE IL PROSSIMO 6 MARZO SARÀ PROTAGONISTA ALL’EVENTO "LA FORZA DELLE DONNE", CHE SI TERRÀ PRESSO LA SEDE ITALIANA DEL PARLAMENTO EUROPEO, IN ROMA, CON GLI INTERVENTI DELL’EUROPARLAMENTARE, ON.

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PARTITO IL 70° FESTIVAL DI SANREMO

«Chiedetevi come erano vestite le donne a Sanremo, ma non chiedete mai più come era vestita chi è stata stuprata» è senza dubbio l’apice della prima serata del Festival, in cui spiccano il monologo di Rula Jebreal, la classe e il pezzo di Diodato e il feeling impressionante di Amadeus con il palco dell’Ariston.

di Pasquale Di Matteo

«Chiedetevi come erano vestite le donne a Sanremo, ma non chiedete mai più come era vestita chi è stata stuprata»

L’ultima frase dell’intenso monologo di Rula Jebreal è stato senza dubbio il momento più elevato della prima serata del Festival della Canzone Italiana, aperto dall’istrionico Fiorello, da far suo, vestito “come uno dei pochi Matteo che funziona in Italia”, per poi allertare Amadeus “sugli istanti che precedono la fine della sua carriera…”

Una serata che ha registrato uno share medio superiore al 50%, a dimostrazione del fatto che, malgrado le tante polemiche, quelli che iononguardosanremo e altri protagonisti del disfattismo, come ogni anno, anche quest’anno il Festival lascia ai mille altri canali soltanto le briciole.

Commovente l’emozione di un grande Tiziano Ferro, capace di ammettere anche l’errore, in un Paese in cui vincono sempre tutti e non sbaglia mai nessuno.

Forse fuori luogo il monologo di Diletta Leotta, che è sembrato più un togliersi dei sassolini dalle scarpe, ma credo che quando si affrontino temi riconducibili al mondo delle donne, ai loro diritti e all’emancipazione, non si sbagli mai.

AAMADEUS – Immagine di Proprietà del Web

LE VIBRAZIONI – Immagine di Proprietà del Web

RULA JEBREAL – Immagine di Proprietà del Web

Sostanzialmente inutile l’intervento di Al Bano e Romina, se non inquadrato nella speranza di incollare al video qualche nonnino annoiato dal Rap, sebbene vada tributato loro il rispetto che merita chi ha saputo portare un pezzo d’Italia nel mondo.

Bravo Amadeus, che ha saputo muoversi senza impaccio e con professionalità, malgrado l’emozione alle stelle.

Quanto ai brani ascoltati, quello de LE VIBRAZIONI, sembra il pezzo meglio costruito per vincere, con un giro armonico orecchiabile quanto basta per entrarti dentro e farti dire: “Però..!”

Poi, vorresti anche un testo apprezzabile, che resta un vorrei ma non posso.

Testo che, invece, c’è nel brano di ANASTASIO, bella metafora che coinvolge chi, oltre a qualche neurone, ha anche un cervello pensante nel cranio.

La classe e lo stile di DIODATO sono di un livello superiore a tutti, come la sua canzone, superiori anche a una bravissima IRENE GRANDI, con un brano targato Vasco Rossi, e a RITA PAVONE, che non avrà un pezzo degno di nota, ma, a 74 anni, è capace di dimostrare a tanti giovani nati già vecchi che nella vita ci vuole anche grinta.

ELODIE dimostra ancora una volta la sua raffinatezza, con un brano che avrà fatto sentire la bile in gola ai nostalgici di Al Bano e Romina, me che ci ricorda che siamo pur sempre nel 2020.

DIODATO – Immagine di Proprietà del Web

TIZIANO FERRO – Immagine di Proprietà del Web

ACHILLE LAURO – Immagine di Proprietà del Web

ELODIE – Immagine di Proprietà del Web

DILETTA LEOTTA – Immagine di Proprietà del Web

Degna di nota la geniale trovata di spogliarsi degli oggetti materiali di ACHILLE LAURO, anche se il brano è meno incisivo del messaggio di valore che vuole trasmettere.

MARCO MASINI ha una buona melodia e una bella idea, ma non ti fa disegnare una O con le labbra, figuriamoci urlare al miracolo.

RAPHAEL GUALAZZI… Beh, era meglio solo al pianoforte.

BUGO e MORGAN da riascoltare…

Tra le Nuove proposte, bella sfida tra il gruppo EUGENIO IN VIA DI GIOIA, con un pezzo allegro e dal testo biografia della generazione di cui sono figli, e TECLA, cantante minorenne, di belle speranze, ma a cui è stato assegnato un brano troppo importante per le poche primavere che porta sulle spalle.

8 MARZO, ha un testo importante e  ambizioso, ma anche un abito che sarebbe calzato meglio a una del calibro di Fiorela Mannoia, che auguriamo a TECLA di raggiungere in futuro, quanto a intensità e spessore artistico.

TECLA è passata in semifinale, così come LEO GASSMANN, autore di VAI BENE COSÌ, con un cognome che pesa come un macigno sulla schiena, ma che riesce a prevalere su FADI e la sua esibizione quasi tragica di DUE NOI.

Stasera la seconda serata sentiremo di meglio?

PARTITO IL 70° FESTIVAL DI SANREMO PARTITO IL 70° FESTIVAL DI SANREMO «Chiedetevi come erano vestite le donne a Sanremo, ma non chiedete mai più come era vestita chi è stata stuprata» è senza dubbio l’apice della prima serata del Festival, in cui spiccano il monologo di Rula Jebreal, la classe e il pezzo di Diodato e il feeling impressionante di Amadeus con il palco dell’Ariston.

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CARLOS FEDERICO SÁEZ, raccontato da Pasquale Di Matteo.

Carlos Federico Sáez è stato un talentuoso pittore, scomparso a soli ventidue anni, prima di potersi affermare nel mondo dell’arte come il suo immenso talento prospettava; lo racconta Pasquale Di Matteo.

di Pasquale Di Matteo

Quando Carlos Federico Sáez giunge in Italia, grazie a una borsa di studio assegnatagli dal governo del suo Paese, è un adolescente animato da grandi speranze e supportato da un talento straordinario per il disegno, tanto che i maestri presso i quali aveva studiato in precedenza, in Uruguay, gli avevano consigliato di affinarsi proprio nelle accademie italiane.

Sáez era nato nel novembre 1878, in una famiglia dell’alta società; a soli quattordici anni, in virtù della sua destrezza nell’arte, inizia a studiare in Italia, sotto la protezione dell’ambasciatore uruguaiano a Roma.

Tuttavia, il giovane abbandona gli studi accademici, per inseguire le nuove frontiere dell’arte che si affacciavano con l’avvento del nuovo secolo.

D’altro canto, la macchina fotografica aveva sottratto il ruolo principale del pittore classico, ovvero quello legato al ricordo, perciò i maestri sperimentavano nuove forme d’espressione, non più vincolati alle commissioni e al dominio della tecnica.

Appena diciottenne, apre uno studio in via Margutta, a Roma, dove dipinge indefessamente, riuscendo a piazzare alcune opere prevalentemente ai ricchi turisti sudamericani.

Influenzato dai Macchiaioli, la sua è una pittura caratterizzata da pennellate brevi e costanti, che alimentano figure solitarie con un colore assiduo, che si sviluppa a macchie, uomini e donne che sembrano abbandonare i supporti, sradicandosi da fondi materici e intensi che regalano una sopraffina tridimensionalità alle opere.

CARLOS FEDERICO SÁEZ – Immagine di Proprietà del Web

CARLOS FEDERICO SÁEZ – Immagine di Proprietà del Web

CARLOS FEDERICO SÁEZ – Immagine di Proprietà del Web

Si tratta di amici, parenti e conoscenti che si prestano a fargli da modelli e che Carlos Federico Sáez raffigura con uno stile raffinato, fatto di pennellate brevi con cui unisce macchie di colore, generando figure che seguono quasi sempre una formazione piramidale.

Il tema della solitudine, che si respira in gran parte della sua produzione artistica, si sviluppa attraverso i soggetti ritratti, quasi sempre soli, con espressioni assorte, a tratti tristi, forse catarsi nata dal suo stato d’animo di ragazzo, lontano dagli affetti.

CARLOS FEDERICO SÁEZ – Immagine di Proprietà del Web

CARLOS FEDERICO SÁEZ – Immagine di Proprietà del Web

CARLOS FEDERICO SÁEZ – Immagine di Proprietà del Web

Purtroppo, nel 1900 ritornerà in patria, afflitto da una grave malattia, che lo debiliterà a tal punto da vederlo morire a soli ventidue anni, il 4 gennaio 1901.

Tuttavia, l’arte di Carlos Federico Sáez parla ancora, attraverso la produzione lasciata ai posteri, sebbene egli sia stato sottratto alla vita troppo presto perché il suo nome potesse affermarsi come gli albori della sua carriera facevano supporre e come la sua classe meritava.

Oggi, l’intensità delle sue figurazioni solitarie sembra essere stata ereditata da diversi artisti; tra gli altri: Daniel Enkaoua, pittore figurativo francese, che porta avanti un discorso poetico simile, con una tecnica che ripercorre la strada tracciata dai Macchiaioli, sebbene attraverso una suggestiva sperimentazione; da Michael Carson, suggestivo artista del momento, dell’esaltazione dell’ozio e dell’individualismo, uno dei nomi più interessanti dell’arte contemporanea statunitense.

Nonostante la carriera lampo, Carlos Federico Sáez è riuscito a ritagliarsi uno spazio nella storia del suo Paese, dove è considerato uno dei più grandi pittori uruguaiani di sempre.

Carlos Federico Sáez è stato un talentuoso pittore, scomparso a soli ventidue anni, prima di potersi affermare nel mondo dell’arte come il suo immenso talento prospettava; lo racconta Pasquale Di Matteo. CARLOS FEDERICO SÁEZ, raccontato da Pasquale Di Matteo. Carlos Federico Sáez è stato un talentuoso pittore, scomparso a soli ventidue anni, prima di potersi affermare nel mondo dell’arte come il suo immenso talento prospettava; lo racconta Pasquale Di Matteo.