Té verde con aceitunas

Blog con reflexiones sobre el mundo. Arte. Filosofía. Tecnología. Música.

[awakeningthevioletswithin]

Please somebody rescue me!!!!!!!

With the help of many, I cured the demand!!!!

Now February so I don't get another demand.

I'm going to get evicted if I can't cure immediately. Getting this housing was a miracle. I won't be able to get housing again. I'll be unhoused in winter. I need my housing to survive.

Venmo-Kate-Havekost

[email protected]

February $400/ $4425

[tevedeconaceitunas]

Contratamos el stream de películas "curadas", al momento hemos visto:

*Pepi, Lucy y Bom y otras chicas del montón

*Queer

*Planta permanente

*Punto de quiebra

*In the mood for love

*Aftersun

*The dreamers

*Lick the star

*Errasehead

Escribiré de alguna de ellas, no lo sé, pero gracias a quienes siguen por acá.

[tevedeconaceitunas]

No habría llegado a los 250 «Me gusta» sin vuestra ayuda. ¡Gracias por este sueño!

(lo comparto porque está cute)

[tevedeconaceitunas]

La Ballena

La última película de Darren Aronofsky, estelarizada por Brendan Fraser (nominado al Oscar por su interpretación en esta obra), sigue las preocupaciones del director por las adicciones, la tristeza, la dependencia, la depresión. Tiene un final paralelo al de El Cisne Negro (basada en Perfect Blue (1997), de Satoshi Kon), en la que el personaje principal parece lograr algo, obtener eso que aparentemente es el motivo por el cual ha luchado toda la película, en el caso de Nina (Natalie Portman), parece ser el reconocimiento de ser la mejor bailarina, venciendo su demonio interno que la hace sentirse insuficiente en ese mundo tan competitivo. Para Charly, el personaje de Fraser, parece ser la afirmación de que puede que haya hecho algo de valor en la vida, que su vida no careció de valor.

Mega SPOILER

Ambos mueren, quizá esa idea final les permite tener un último momento de paz.

La selección de aspecto de la película enfatiza el encierro en el que vive Charly (4:3 - por eso se ve cuadrada). Las tomas, generalmente con paletas de color más bien oscuras, están siempre saturadas (cosa que resultó incómoda de ver por los subtítulos en blanco), a veces en absoluto caos y otras de manera más ordenada, con estantes llenos de libros, con lluvia constante o neblina, con Charly, que nunca cabe totalmente en la toma. Una de las pocas escenas exteriores y con mayor contraste es cuando Liz (Hong Chau) le explica a Thomas (Ty Simpkins) -y a su vez a la audiencia- a quien perdió Charly (y ella).

Quizá no debería, pero mientras la veía, todo el tiempo pensaba en qué recursos ha ocupado Aronofsky en sus cintas anteriores, como Cisne Negro (2010) y Requiem por un sueño (2000). Aunque con soundtracks originales, me remiten constantemente a música instrumental de otros autores. En Cisne Negro es evidente que tenía que ser así. En La Ballena ocurre otro tanto, pero a la fecha no puedo saber a que me recuerda. El ambiente sonoro está construido con cuerdas que suenan al mar, a la playa, incluso tiene sonidos de aves, es pesada. Disfruto mucho que el audio sea un elemento de construcción de la escena, porque además tenemos varios momentos de silencio, de audio de ambiente, donde se nos muestra la cotidianidad de Charly, quizá de manera pornográfica, vemos su lentitud al moverse, la dificultad para dormir y bañarse, enfatizada por cuerdas de baja frecuencia que suenan a barcos, a cantos de ballenas.

Abundan las historias en las que se enfatiza lo importante de arriesgarse a ser y hacer lo que uno quiere, a soltar todo y largarse para poder vivir la felicidad. Pero nadie en esta historia parece haberse beneficiado de este salto al vacío. Claro que esto pasa en las cintas de Aronofsky, es una historia muy triste. A pesar de exponernos este patetismo, de explicarnos las fuentes de su tristeza, Charly no queda como una víctima, es un ser humano que tomó decisiones, se arrepiente de sus decisiones, se siente culpable y es esa culpa la que lo hace querer morirse, comer a atracones, buscar desesperadamente un vínculo con su hija (Ellie), a quien no ha visto en años, incluso lo hace querer autodestruirse. Charly no es el único que pierde, ese contraste redimensiona su posición. 

Recuerdo un poco After Life, de Ricky Gervais, la mayor parte de la serie, obviamente, se centra en la pérdida de Tony (Interpretado por el propio Gervais), pero en algún capítulo llegamos a la conversación con Matt, su cuñado, quien expone que desde la muerte de su hermana (esposa de Tony) se ha dedicado a cuidarlo y no ha podido vivir su propio duelo. Liz, amiga y cuidadora de Charly, está en la misma posición que Matt. Conoce a Charly, lo cuida incluso de la posibilidad de ser lastimado por Ellie (Sadie Sink), pero también expone que está cansada de cuidar a alguien que se ha abandonado hace tanto. 

Me pareció visualmente diferente a las otras dos cintas, quizá porque siempre estamos viendo a Charly desde afuera. ¿Para enfatizar su encierro? Requiem y Cisne Negro, por el contrario, siempre están enfatizando la vista de los personajes, sus ilusiones, alucinaciones, deseos y temores. Podría ser para enfatizar cómo se ve Charly, porque incluso en más de una ocasión pregunta si es repugnante, también podría ser porque Charly así se ve a sí mismo. Si no viéramos su obesidad no veríamos lo horrible que él se siente.

Recientemente leí que la comunidad XXL opina que el uso de prostéticos para aparentar obesidad en los actores es una absoluta falta de respeto. Entiendo que cuando la obesidad es un tema de burla y comedia (como suele pasar en los medios audiovisuales), el que te pongas una panza falsa es ofensivo e hiriente; pero, ¿Qué ocurre en este caso? Fraser comenta que él tuvo depresión y muchos kilos más de como lo vemos en las fotografías más recientes. ¿Eso lo pone en una situación diferente a alguien esbelto? Verdaderamente quiero aprender, leerles si tienen una opinión al respecto, no tanto si les parece una exageración o no, o inculso si es así, por qué les parece una exageración.

¿Ustedes que opinan? ¿Alguien acá se identifica con este discurso?

Yo, el zorro estelar, quizá he vuelto, quizá no.

[tevedeconaceitunas]

Siguiendo con las reflexiones del mini maratón de este (ese) fin de semana, este empezó con Los muertos no mueren(2019) de Jim Jarmusch. Una comedia absurda qué plantea que la intervención del hombre a la tierra mueve el eje de rotación de la misma y esto genera que los muertos regresen a la vida, muy divertida. Pienso qué puede entrar en ser metacine, quizá no en el nivel de Abbas Kiorostami, pero si tiene detalles como el personaje de Drive diciendo que es que "todo va acabar mal" y luego develando que lo sabe porque *SPOILER* ha leído el guion.

Otro elemento aparece desde el inicio, le pieza sonora Deaths don't die (homónima de la película), suena en los créditos, que suceden sobre una pantalla en negro, y luego todo mundo hace referencia a lo buena qué es, aparece en props, en la radio y el mismo Adam Drive le dice al personaje de Bill Murray que la canción le parece familiar porque es el tema de la película.

Yo solo conocía de Jarmusch Solo los amantes sobreviven(2016), también con Tilda Swinton, la cuál no es particularmente absurda, pero sí bien hecha con una historia romántica interesante y fresca. Leyendo un poco sobre el director me entero que el absurdo es parte de su producción cinematográfica, en ese sentido, Los muertos no mueren se enmarca más en el modo de trabajo el director que Solo los amantes sobreviven.

Últimamente tengo sentimientos encontrados con Bill Murray. En general me parece un actor interesante que tiende a participar en producciones diferentes, tienen estos papeles extraños y absurdos que en general me gustan, pero vi de él esta película donde es un productor musical y "descubre" un talento en una población de medio oriente y la película no pudo parecerme más blanca, occidental y colonialista. Tuvo momentos entretenidos pero me decepcionó, eso y su participación en los Oscars virtuales de hace un par de años. Me deja pensando en el papel de los hombres blancos en el cine y que tanto Murray representa eso al final del día.

La segunda película fue Once upon in Time in Hollywood (2019), ficción de Tarantino sobre sobre el actor Rick Dylan, quien es un popurrí de varios actores de el cine de los 1920-30, y su doble de riesgo/asistente. Es 1969 y la carrera de Dylan parece ir en picada, le preocupa ya no es ser el actor galán de moda y siente que lo están empezando a reemplazar, así que vemos la crisis del personaje de DiCaprio. En paralelo sucede la vida de Sharon Tate, esposa de Roman Polanski, quienes son vecinos de Dylon. Otros personajes son un grupo de hippies que luego se develan parte de la secta de Charles Manson.

Pero luego el asistente doble de riesgo de Dylan se involucra un poco con la secta de Manson, misma que es el responsable del asesinato de Sharon Tate. La historia es como una especie de narración paralela, pensando en que los asesinos de Tate se equivocaron de casa y se encontraron con un doble de riesgo propenso a la violencia con un perro bien entrenado, derivando en evitar el asesinato.

Hay un nivel de la película que me parece muy interesante pero del cual no sé tanto. De los 20 a los 40 la producción de los Westerns, es decir las historias de vaqueros de Estados Unidos, fueron como el producto de exportación del cine. Incluso es bien sabido que Akira Kurosawa, el director de Yojimbo, fue un gran consumidor de Westerns e incluso ha referido que algunos de sus personajes están basados en dichas historias de vaqueros americanos.

Otra referencia que me parece interesante es el Spaguetti Western, qué es esta cosa de que Italia en los 70s empezaron hacer películas vaqueras.

La vuelta de referencias me encanta, porque resulta que Quentin Tarantino es un gran admirador de Akira kurosawa. Los 8 más odiados es una película que homenaje a Los siete samuráis, de Kurosawa, entonces resulta un bucle porque la cinta del japonés está basada en un Western americano.

Cómo comentario extra, algo que me preparo para la película fue el compilado Diarios de cine de Jonas Mekas. Inicialmente Diario de Cine fue una producción de Mekas y otros cineastas neoyorkinos en el que hacían crítica al cine norteamericano, hablaban tanto del mainstream del cine, casi siempre de una manera negativa, y de lo que ellos consideraban el cine prometedor y alternativo de su época. Igual no conozco todas las referencias pero es algo.

Pero, regresando un poco a Amor y otras drogas, algo que me parece inquietante de la película es que la única red de apoyo que tiene el personaje de Hataway es el vato, es decir ella tiene una enfermedad crónica degenerativa y, okay, entiendo esto de que en Estados Unidos la gente se aleja de sus familias, en la cinta incluso hay un comentario sobre lo absorbente qué es la madre de uno de ellos, lo cual perfila cierto indicio sobre que decide alejarse. De cualquier manera, no hay otras amistades. Incluso ella le dice a Jamie que no le ha presentado a sus amigos pero luego nunca vemos esos amigos. Al único que vemos es al que sería quizá su compañero en la cafetería pero tampoco parece tener una relación tan cercana. No lo sé, justo me parece preocupante lo que esto dece eso sobre las relaciones de pareja, entiendo que ella está construcción en la que tu pareja se vuelve el todo pero yo confío más en que las redes de apoyo tendrían que ser más amplias.

¿Conocen Spagetti Westerns para ver?

Zorro estelar desde otra dimensión y entendimiento del mundo

[tevedeconaceitunas]

"Sexo, amor y otras drogas" no es lo que esperaba pero considero que tiene una clara separación capitular, es más drama romántico que comedia y estuvo palomera, aunque el tema de las enfermedades crónicas y las farmacéuticas le dan un contexto interesante. No entiendo cómo el personaje de Hatawey tiene dinero pero bueh.

Aunque medio que intentan poner sobre la mesa que tener una enfermedad crónica no es una cosa fácil con la que liderar, no me convence el tratamiento del problema.

[tevedeconaceitunas]

Cosas de Netflix

Hemos estado algo ausentes. Ha sido un año ridículamente largo, vaya, que ni siquiera se ha acabado marzo, pero bueno, así hay temporadas. Ha estado consumiendo cosas audiovisuales y no les he escrito nada al respecto, pero va un resumen de algunas de estas:

Rick y Morty

La última temporada de Rick y Morty, en mi opinión, pasa sin pena ni gloria. No quiero decir que se mala, pero son más capítulos en la discontinuidad de la serie. Rick visita algunas dimensiones en las que vuelve a aparecer el Morty fascista pero no sabemos si la gran operación de Morty ha, si acaso, avanzado. Aún podría ser que la Beth que convive con la familia sea el clon que Rick le propusiera crear. No hay un avance en la trama general, pero no por eso no la recomendaría. El humor ácido y negro de la serie regresa, así como la abierta crítica al gobierno, la política y la mofa a personajes de la vida real, pero quizá es como volver al inicio.

Perdonen, pero no tengo nada más que decir.

Stranger Things

El desarrollo de personajes más bien que mal pero considero que la trama empieza a gastarse, siendo parchada por cliches que podrían vaticinar una siguiente temporada aún más palomera. 

El desarrollo de la relación entre L y Mike, medio problemática, medio “adolescente”, con lo cual no tengo posición: bien porque son personas y porque eso implicaría que tal vez L está logrando una integración masomenos regular a la vida común que desea tener, mal porque podría suceder con en The Big Bang Theory, en la que la “inclusión” de mujeres en la trama implicó la reproducción de papeles misóginos de las mujeres, la disminución de los chistes geeks y el aumento de la violencia en la relación de todos los personajes. Por otro lado, la amistad entre Dustin y Steve crece en la adversidad, lo que agrega momentos divertidos y emotivos. Aunque es una lástima que Steve siga perdiendo en su búsqueda del amor porque Steve es el MVP for ever and ever.

Más volada y trillada al colocar como enemigos a los rusos, aunque se vuelve un gag simpático que Dustin hable de los "Evil Rusian", es quizá una señal de que la serie debe quedarse ahí aunque el mal no se haya acabado.

La secuencia del canto, aunque divertida, no es mi favorita, da forma a uno de los chistes del último capítulo pero ya era tanta la tensión del episodio como para que cantaran una canción de tres minutos, a mi gusto, porque ni siquiera es que tenga un montaje de mucha acción en la que podría haberse contrastado imagen con sonido. Sobra decir que tiene excelentes efectos especiales pero además el montaje musical me pareció brillante, no solo porque la selección musical permite el vínculo con los espectadores, sino porque van creando un ambiente envolvente. 

Me parece lamentable la muerte de Hopper no solo porque era importante para la historia y para los personajes, pero además porque no tiene un momento de reconciliación con los demás. No tiene que enfrentar sus problemas emocionales, como su constante irá a lo largo de la temporada, aunque bueno, así es la vida misma. Tal vez es un recordatorio de que si no se hacen las cosas en el momento, puede que el momento no vuelva a suceder. No me gustó nada la celotipia y la violencia con la que intenta que se desarrolle una relación con Joyce. ¿Esto deja a Joyce con un mal sabor de boca, culpas o la autoexposición de los sentimientos que quizá tenga por él? Considero que sería lamentable que ese fuera tema para la siguiente temporada.

Me gustó el giro en la situación de Bill, de villano a héroe, ya que desde la temporada anterior había sido desagradable, aunque quizá la industria está abusando en “explicar el pasado de los personajes” y expiar a los malos.

Love Death + Robots

Estoy simplemente fascinada con esta serie, que ya tiene un año de haberse estrenado pero que no me había sentado a ver. A veces olvido cuáles son las series que me gustaría ver.

Esta es una serie antológica que reúne cortometrajes de ciencia ficción producidos con diferentes medios de animación, cada uno creado por un equipo de dirección y animación. Por lo mismo el tono de las historias es diferente, algunas más lúgubres, otras más cómicas, pero cada cortometraje es intenso, durando tan solo de 10 a 18 minutos.

La serie ya fue renovada para una segunda temporada, quizá es un reto grande, pero esperemos que nuevamente nos traiga excelentes historias.

Esperen más notas sobre los contenidos de Netflix porque es posible que la cuarentena nos orille a seguir viendo streaming

Por Zorro Estelar

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“Grande es el amor”

Sé que ya vamos por el tercer mes de año, pero como primera lectura del año, decidí empezar con un libro que adquirí en una feria de editoriales independientes. Al elegirlo me dejé guiar simplemente por el título: "Grande es el amor". Sinceramente sí esperaba encontrar una historia de amor más tradicional pero grande fue mi sorpresa al leer una obra compleja sobre la vida campesina de México. Escrita por Eulalio Aguilar, la obra tiene como contexto la etapa post-revolucionaria mexicana en Rancho Florido, una población en el estado de Morelos.

Aunque la narrativa a veces toma tangentes un poco extrañas, navega entre el acontecer cotidiano de los pobladores, sus usos y costumbres, sus cambios, la política nacional y las luchas que se sucedieron a la revolución, que abarca la repartición de tierras a los campesinos, los nuevos latifundios, los abusos de poder de los políticos y su desapego a la realidad social y el propio trabajo de la tierra. Hace una crítica mordaz a la política nacional, sobre todo en temas agrarios, aunque en momentos es panfletario, apunta constantemente a la ineficacia y desconocimiento del gobierno.

El narrador es Mauro Rosales, un huérfano que es criado por Saturnina Castelán, mujer que luchó en la gesta revolucionaria para posteriormente encontrar un poblado vacío y la necesidad de migrar para hacerse una nueva vida, ahí es donde llega a Rancho Florido. No puedo decir que la obra sea feminista, pero sí hace un reconocimiento del papel que las mujeres tuvieron tanto en la revolución como en la reconstrucción del país, como guerreras, como cocineras y hasta como prostitutas. Me atrevo a decir que la mayoría de los protagonistas son mujeres, y el final es una propuesta a que los orígenes no definen la “maldad” o “bondad” de las personas.

La novela aborda la situación de los personajes para mostrar las condiciones de vida, por ejemplo, retoma una celebración anual para referir a la parafernalia propia de la fiesta religiosa; la infancia de Mauro para referir al sistema educativo mexicano; la juventud de las chicas de provincia que viajan a la ciudad para obtener el peinado de moda para referir a la relación entre lo rural y lo urbano. En general bien escrita a pesar de tener un par de pasajes confusos. La obra se ve aderezada del colorido de las festividades, del campo, de la arquitectura de las ciudades en construcción. Yo le había dado otro cuidado editorial porque la lectura corrida entre párrafos dificulta entender que se comenzó una nueva idea y que cambiamos el contexto de la narración, pero sospechamos que se debe a que es una edición independiente, y es que cada página cuenta cuando tienes recursos limitados.

Rescata algunos vocablos náhuatl y hasta explica sus etimologías, pero también de palabras latinas, quizá para demostrar al lector que el autor es un personaje estudiado, cómo se describe al final de la novela. No sería extraño la utilización de este recurso, ya que las comunidades indígenas en México se han visto menospreciadas, muchas dejaron su lengua materna por miedo a ser discriminados y otros, como el autor, ha sido a través del estudio que han luchado por su valía.

Una obra sincera y fresca sobre el pasado de un país tan complejo como lo es México.

Por Zorro Estelar

[tevedeconaceitunas]

Fé de cantar

Han de saber que consumo análisis de la imagen y la narrativa de la producción audiovisual, principalmente en Youtube. Ensayos visuales, estudios históricos y musicales. Hace un tiempo me encontré con un vídeo sobre la obra de Shinichiro Watanabe (link) y quedé con muchas ganas de ver más producciones de él, y al saber que una de estas puede verse en Netflix, no dude en aprovecharlo. Cómo bien recordarán, ya he escrito de sus dos obras emblemáticas: Samurai Champloo y Cawboy Bebop.

La más reciente creación de Shinichiro Watanabe como director es una pieza sensible y esperanzadora, en momentos cursis e infantil, pero que puede ayudarnos a recordar que la más inocente esperanza es la clave para poder imaginar otros mundos, ilusionarse por un futuro que no existe con la idea de construirlo.

Carole y Tuesday son dos chica literalmente de mundos distintos, Carole es una huérfana de la tierra refugiada en Marte y Tuesday acaba de escapar de su lujosa mansión, es nativa de Marte, su padre abandonó a la familia y su madre es una exitosa política. Ambas desean dedicar su vida a la música pero no tienen condiciones para hacerlo. Se conocen en el puente en el que Carole suele tocar su teclado electrónico y, al no tener dónde ir Tuesday, comienzan a vivir juntas.

Al principio las chicas empiezan por abrir una cuenta de Instagram y a tocar en la calle, pero la aventura comienza cuando Rudy, un técnico sonidista de un exitoso DJ, las graba una ocasión que se cuelan en una sala de conciertos a utilizar un piano. Sube el vídeo a internet y se hace viral, entonces Gus, un representante musical retirado, las escucha y confía en que triunfarán, sólo necesitan ser escuchadas.

No soy tan fan del pop, pero la producción musical es buena, se compusieron canciones para los diferentes personajes, con diferentes estilos e invitando a músicos y actores de doblaje a interpretar las obras originales. Algo que se esperaría del director de Samurai Champloo y Cawboy Bebop. Muy lindo detalle el que cada capítulo tiene el nombre de una canción.

La serie hace un comentario sobre los problemas geopolicos actuales, plagados de neonacionalismos y migraciones. Quizá no en la primera temporada, que dedica más tiempo en que las chicas encuentren un hueco en el mundo de la música, entre festivales, pequeñas salas de conciertos y concursos. Pero en la segunda el origen de ambas juega un papel importante porque paralelamente a su proceso de producción de su primer disco, los padres de ambas entra a escena, políticas antimigración, censura a las artes e ingeniería genética redimensionan el papel que juega el arte en los procesos sociales. Considero que en la segunda temporada se dejan ver los temas que a Watanabe interesan, como la búsqueda del padre de El y (nombre del personaje) de CB y SC, respectivamente. O que los problemas no se van a acabar llendonos a otro planeta, los cazadores de recompensas y las políticas de apartheid seguirán existiendo.

Por si les interesa, el soundtrack se puede escuchar en Spotify.

Por Zorro Estelar

[tevedeconaceitunas]

“Usually when people ask how i’m doing, the real answer is I’m doing shitty, but I can’t say I’m doing shitty, because I don’t have a good reason to be doing shitty.” – Bojack Horseman

Para las personas, entender y aceptar que la vida puede llegar a ser miserable es tan tremendo que lo niegan y se aferran a la felicidad como si esa fuera la única razón de existir o de vivir; lo que me gustó de Bojack Horseman es que es todo lo contrario: la vida es una mierda porque lo es y eso no tiene nada de malo.

Podría hablar de lo bien lograda que es la serie, cumple con todos los requisitos de calidad que puede tener una historia y rebasa las expectativas de lo que quisieras encontrar, pero lo que realmente quiero abordar es lo auténtico en la miseria.

Al principio cada personaje me pareció irritante, superficial y hasta cierto punto aburrido, sinceramente esperaba una serie como cualquiera con chistes bobos en donde la burla principal fuera la miseria, como casi cada serie estadounidense aborda sus problemas sociales: burlándose y haciendo de cuenta que no pasa nada; sin embargo, en el momento en el que hay una crítica directa hacia la forma en la cual divinizan la guerra, comencé a prestarle un poco más de atención. Con el tiempo pasé de la risa a la comprensión, a la empatía hasta sentirme extrañamente identificada con la miseria que veía reflejada, y no precisamente porque mi vida fuera idéntica a la que veía en pantalla, pero no creo recordar un mejor momento de desesperación que cuando tuve que enfrentarme a la realidad de tener un trastorno… Tener un trastorno es una mierda, ves todo a través de un espejo polarizado que no te permite mirar la imagen con claridad, a veces hay momentos completamente claros en los que puedes respirar, pero por lo regular el vidrio sólo se va oscureciendo más y llegar al episodio en donde podemos ver la fluctuación de los pensamientos de Bojack, claros, rancios y oscuros, para terminar con la escena donde Hollyhock le pregunta si esos pensamientos (que ella también tiene) sólo son cuestión de la adolescencia; fue un punto de quiebre para mí; yo no tuve esa conversación con alguien más, yo la tuve conmigo.

¿Cómo explicas que de pronto estás tan lleno de ira que no reconoces nada y de pronto estás aventando por la ventana el bebé de juguete de tu madre y después la ansiedad te persigue tan de cerca que necesitas un trago… o pastillas, o clonazepam (unas gotas en unos ml de agua) todo el tiempo?

Los personajes son reales, sinceros, son el producto de vidas manipuladas por sus respectivos entornos, lo básico de su construcción fue intervenido por individuos igual de afectados por circunstancias de las que no pudieron escapar y cada uno a su manera encontró la forma de sobrevivir. Puedes identificarte con ellos sin restricciones, no los ves a lo lejos, más bien ellos se acercan a ti y encajan contigo en esta forma en la que está construida la sociedad en la que vivimos.

El personaje más superficial de todos podría ser el Señor Peanutbutter, sin embargo, su superficialidad es profunda y recurrente, este ser que siempre ha sido protegido por los otros al grado de no poder ver más allá de él mismo, no tiene problemas con expresar sus sentimientos, no sufre por la variedad de las emociones que enfrenta, pero tampoco tiene idea de que alguien está a su lado experimentando cualquier otro tipo de emoción que quizá él no comprenda y volvemos al punto de que en realidad no es su culpa, pero al final sí tiene que enfrentarse a la ironía de sentirse solo, haberse adentrado tanto en él mismo cuando está con alguien más, pero no poder estar sólo; y sí, no es gratuito que esta metáfora de sentir la casa demasiado vacía sea tan recurrente.

Siguiendo con este hilo de personaje, no puedo dejar de mencionar lo maravillosos que son los personajes femeninos, incluyendo cada una de las parejas de Bojack, a quienes las conocemos, pero no realmente por él sino por su forma de interactuar con ellas, él de pronto se vuelve un ente perdido entre las ganas de amor sin estar realmente dispuesto a aceptarlo, mientras ellas enfrentan el panorama, nada diferente, de encontrarse con un ser como él; por otro lado tengo que resaltar la fuerza de la Princesa Carolyn, podría ser el único personaje que logra rescatarse a ella misma bajo sus conceptos y su percepción de la vida, que logra tener lo que quiere porque lo busca, me parece una lección particular en tanto que vivimos en el sueño de cumplir tus sueños, pero pocas veces mencionan que cumplirlos no es como una epifanía, es el recorrido y la acumulación de lo que has hecho para llegar hasta ahí y que una vez que lo logres podría pasar que no es nada comparado a lo que tenías en el ideal y puede resultar que vivir tu propio sueño resulte ser también una patada.

Finalmente, explorar a Bojack y a Diane, personalmente fue muy tremendo, mirar en la pantalla gran parte de las cosas por las que tienes que pasar o estas pasando en forma de dos personajes muy devastados, te hace pensar. Por un lado me dio miedo mirar la posibilidad de lo que podría estar siendo mi vida, negando afectos y dañando a los que sabes que no pueden escapar de ti, mirarlos así, sentir que quizá nadie tiene por qué aguantarte aunque tengas un trastorno, todo eso fue un tanto revelador, pero al mismo tiempo sentí el alivio de saber que no soy la única, aunque mi compañero inmediato sea un caballo de ficción, pero sin importar la razón, sentí alivio y me sentí acompañada, comprendida, abrazada. Con Diane, fue un poco similar, a veces intentas tanto, todo el tiempo para que las cosas funcionen solamente porque si funcionan quiere decir que absolutamente todo lo que has vivido valió la pena ¿y si no funcionan?, no hay respuesta y ese vacío y esa depresión, te estrujan fuerte.

Me encanta lo transparente de todo, me encanta que todo sea tan bello en medio del caos, quizá es el hecho de que no se tenga pudor sobre ningún tema y que de pronto te veas en lo profundo de la mente torcida de alguien, viendo una absurda realidad sin filtros y hasta lo más mugroso reluce una pureza auténtica. Quizá todo esto es lo que sirve para que al final de todo, tengas el valor para pedirte perdón frente al espejo y empezar a reparar el daño que vas causando, sin tomar de pretexto tus propios problemas.

Y miren, yo no sé si realmente lo dijo (aunque no lo dudo), pero alguna vez vi esta cita de Hayao Miyazaki en internet: "No hay personas buenas o malas. Puedes hacer cosas buenas, pero una persona que hace cosas buenas no es necesariamente una buena persona". Más allá de quién lo haya dicho, me parece que es cierto; la vida no son dos polos opuestos, la vida no es una serie de momentos mágicos conectados unos con otros, la vida no es la resolución pronta ni afortunada de cualquier conflicto, la vida es una serie de decisiones que vamos tomando y la forma en la cual afrontamos las consecuencias, me parece que esa es la premisa de la serie, con todo y absurdos, con todo y que a veces no tenemos control sobre lo que pasa en nuestra vida, y por eso es que me parece tan valiosa.

Por Nebulosa del Lobo Oscuro

[tevedeconaceitunas]

Psicosis americana

Basada en la obra de Bret Easton, en la cinta de Mary Harron, Patrick Bateman (Christian Bale) es un exitoso neoyorkino, vive en un lujoso edificio de Manhattan, hace ejercicio, cuida su piel, es hermoso y millonario. Tiene una prometida (Resse Witherspoon) para guardar las apariencias, tiene una carta de presentación para guardar las apariencias, todo el y todo su entorno es pura apariencia, critica esa condición pero a la vez reproduce los valores sociales de la misma. Él asegura que nadie lo conoce, que es tanto lo que ha cuidado su máscara que nunca se ha mostrado cual es en verdad. Al inicio de la cinta parece obsesionado con ser el “más perfecto”, fácilmente se engancha en la competencia y enseguida se muestra irritable cuando alguien que no sea él sobresale. Tampoco es un misterio su enojo y frustración cuando no logra acceder al más elegante restauran y probablemente sea mejor conocido de lo que presume.

Pareciera que esta situación lo lleva a actuar de forma violenta a escondidas. Las primeras muestras de violencia física son un hombre al que le paga por ser golpeado y un vagabundo al que asesina. Ambos con la seguridad de que su imagen no se manchará, ya que tiene comprado el silencio de su chofer, quien hasta es ajeno, ni siquiera un cómplice de Bateman. En ese primer asesinado pareciera que hay un odio por la condición de esta persona: pobre, sucio, vagabundo, negro, limosnero, pero conforme avanza la trama las pulsiones de un enfermo mental parecen florecer.

Bateman se comienza a ver acorralado cuando desaparece un compañero de trabajo (Jared Leto); a su oficina se presenta un investigador, interpretado por Willem Dafoe, que sonríe socarronamente a las infantiles respuestas de Bateman. Por momentos parece que en verdad le cree, pero es él mismo quien le construye una coartada. Otro personaje esencial es Jean, su secretaria (Chloë Sevigny), quien comienza a notar actitudes extrañas en su de por sí estrafalario jefe y . Cuando al fin parece que su propia confesión podría hundirlo, no sabemos más del investigador y sus compañeros de trabajo aseguran haber visto al supuesto desaparecido, desconcertando totalmente a Bateman.

Esta confusión me recuerda a Eyes wide shut (1999). Recuerdo que Stanley Kubrick fallece luego de hacer esta cinta y la actriz principal (Nicole Kidman) delclara que el director le había confesado que se había sentido perseguido desde la investigación para la película y durante el rodaje. La cinta presenta la facilidad con la que un hombre con cierta posición económica puede acceder a la prostitución, a mujeres que desean acostarse con él, pero también habla sobre sectas, sacrificios y otras prácticas que la élite neoyorkina supuestamente tiene acceso impunemente. ¿Podrían ser Bateman y Bill dos ingenuos que creen estar haciendo cosas terribles cuando su entorno es mucho más lúgubre y cínico de lo que ellos podrían imaginar? Tal vez los menos malvados son aquellos quienes ”actuan” en contra de las reglas, ya que si fueros capaces de concebir tales “atrocidades” es que de hechos sucede eso y más de maneras más torcidas.

La producción es buena, la fotografía tiene momentos interesantes, muy limpia, como todo en la vida ficticia de Bateman. La actuación de Christian Bale vale ser mencionada, su expresividad, sobre todo acercándose a la segunda mitad de la película, le valió algunas nominaciones.

Por Zorro Estelar

PD: hay una “segunda parte” que no planeo ver y les sugiero que no lo hagan amiguitos, si la cinta fue exitosa fue porque es una buena historia, no porque deseemos ver películas de gente loca. ¿O sí?

[tevedeconaceitunas]

Nos ofrecieron miseria y miseria nos vendieron

El cine mexicano ha tenido problemas en posicionarse incluso en su propia nación. Después del llamado cine de oro mexicano de la década de 1920, cayó en picada y 50 años después pasó de tener a grandes estrellas internacionales a tener actores más bien olvidables. Entre los 90 y el inicio del nuevo milenio se comenzó a hablar del “nuevo cine mexicano”, fresco, con propuestas, directores y actores prometedores. Entre estos se encontraban los ahora laureados Gillermo del Toro, Alfonso Cuarón y Alejandro González Iñarritu. A pesar de los galardones y el éxito que estos directores han obtenido y de la inclusión de actores mexicanos en producciones holliwoodenses, sigo percibiendo un rechazo al cine mexicano en general. Considero que se atraviesa con una suerte de “malinchismo” que tacha de muy violento un cine crítico que retoma el panorama actual nacional, pero que tacha de ingenuo o poco comprometido historias en las que no todo es sufrimiento. También es cierto que lo más publicitado del cine nacional es refrito tropicalizado, historias moralistas o misóginas y la más burda comedia de pastelazo, pero limitarse a decir que ese es Todo el cine mexicano es como creer que el cine norteamericano solo es hollywood, o peor, creer que todo el cine es norteamericano. Al respecto de los extremos que afronta el otro cine mexicano, quisiera hablar de dos cintas que vi el año pasado.

Hace algunos meses vi El sueño del Mara’akame (2016) de Federico Cecchetti, no es sorpresa para nadie que Hollywood tiene cooptado el sistema de producción y distribución del cine y las industrias locales deben competir con el cada vez más grande conglomerado, de modo que esta clase de cintas tienen poca oportunidad de ser exhibidas. Justo esta cinta, de 2016, fue exhibida en la Cineteca, espacio de exhibición de cine de arte/alternativo/bien hecho (a veces todo junto a veces por separado), tres años después. La película tiene una estructura narrativa bien común: un “elegido” no está seguro de querer seguir el camino que le está predestinado, realiza un viaje en el que debate entre perseguir lo diferente o aceptar se destino, que además lo hace responsable de algo más grande que sus propios deseos, en el viaje se descubre y se le revela el camino que debe seguir así como valores profundos para hacerlo. Bien hecha, bien contada, sencilla y sincera. Por un lado no conozco más que a una persona que la vió, por el otro, de cintas similares producidas en español no he oído más que burlas e incredulidad, no así de Frozen, que, si lo piensan un poco, tiene una trama idéntica. La película me pareció bonita, bien fotografiada, bien actuada, con una interesante resolución del conflicto y con un mensaje muy claro al final, tiene elementos místicos y algunas cosas se resuelven por la buena suerte del elegido protagonista. El punto es que me parece desafortunado que fuese ignorada solo por “ser cine mexicano”. Considero que es el mismo conflicto que con el ánime: Like television, cinema, or any other art form, anime is a medium, not a genre (2019, Frank. A and Aja Romano), cine mexicano es una clasificación, no es género.

Chicuarotes es la cinta que el año pasado estrenara el también actor Gael García Bernal. Aborda la situación de dos jóvenes marginados que habitan al sur de la ciudad de México, en una población denominada San Gregorio. Los habitantes de este lugar son conocidos como Chicuarores y no solo expresa la localidad a la que pertenecen sino un modo de ser. Son aguerridos y necios, no confían en la gente y defienden su población ante la menor provocación. Esta localidad cuenta con zonas chinamperas, islotes que los aztecas construían mucho antes de la llegada de los españoles que les permitió habitar en el ahora extinto lago del Valle de México, este espacio en tránsito entre lo rural y lo urbano es el escenario de la trama. Estos chicuarotes son casi niños que tiene condiciones de vida marginadas, el padre del personaje principal es alcohólico y la madre trabaja para mantener a una familia de 5, incluyendo las borracheras del marido. Urgidos de dinero, estos jóvenes comienzan a realizar actividades criminales para obtenerlo, incluyendo un secuestro que desencadenará una persecución en el aguerrido pueblo. Justo en el otro extremo del espectro, las condiciones de los personajes los destinan a reproducir la marginalidad.

El cine que refiere a lugares y realidades existentes no puede retratar la totalidad de las condiciones, tampoco tiene por qué hacerlo, en tanto que es ficción a pesar de tomar elementos de la realidad. El Sueño presenta a la localidad, sus ritos, sus costumbres y su relación con la ciudad, con la carretera, con otras personas en otras realidades geográficas; Chicuarotes se limita a una comunidad muy específica y, en tanto que es una población más occidentalizada, presinde de explicar cómo es un rito religioso católico pero se puede inducir porque hay una iglesia católica con un cruz en alguna de las tomas y porque al repicar de las campanas, la población se junta en la plaza principal.

Quizá el problema que tengo con Chicuarotes es que repite la fórmula de Amores Perros: personajes que huyen porque tomaron malas decisiones, marginados que repiten su marginalidad, algunos muertos, dolor de madre y machismo exacervado. El sueño no problematiza nada de lo anterior y también es una fórmula muy usada pero en definitiva considero que contiene elementos que antes no se nos habían presentado a los cinéfilos. Quizá las dos exotizan al momento de aislar la historia que cuentan, pero quizá el cine lo hace todo el tiempo. Los jóvenes de ambas cintas son personajes complejos con un pasado que los posiciona en el mundo y con deseos de futuro. Quizá mi opinión se basa en conocer que no todo en la población de San Gregorio es así de marginal, pero quizá tampoco todas las poblaciones Wixarikas lograrán la resistencia que probablemente estoy romantizando.

Por Zorro Estelar

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Bety y la deconstrucción de la telenovela latinoamericana

Gente bonita del internet, una disculpa por la ausencia, siempre digo que ya voy a volver para siempre y algo sucede. Haré el mejor esfuerzo por traerles su notita semanal sobre cosas artísticas y culturales, por el momento tenemos una participación de:

Nebulosa del Lobo Oscuro

La mayor parte de mi infancia la pasé al lado de mi abuela, a veces yo me ponía a jugar mientras ella escuchaba (porque era ciega) la televisión o dormía a la mitad de la telenovela, entonces yo terminaba siendo la espectadora. Sin embargo, a pesar de la cantidad de telenovelas que pasaron frente a mis ojos, sólo recuerdo una de aquella época: Yo soy Bety la fea, una de las telenovelas más populares del Latinoamérica de finales de los 90’s que narra la historia de Bety y su camino hacia el amor.

Recientemente Netflix la agregó a su catálogo de series y comencé a verla por mera nostalgia; sinceramente pretendía llegar al capítulo 10 y dejarla, no creí que me quedaría a ver el resto, pero hubo algo que me dejó atrapada hasta insistir en terminar de ver los 335 capítulos y es que descubrí un lado un tanto feminista, unos tintes de empoderamiento en la figura femenina, una narrativa en donde la líder de la historia es una mujer y más de la mitad de los personajes son mujeres, donde hay unos detalles de sororidad y aunque el final de Bety termina junto a su amado, no todas corren con la misma suerte, pero sí arreglan sus problemas emocionales.

Partiendo con el personaje principal, el único defecto de Bety es ser estereotípicamente fea, bueno, también ser sumisa se convierte en algo que juega en su contra, pero detrás de todo hay una mujer inteligente, fuerte y tremendamente intensa. Como antagónica está Marcela, contrario a Bety, ella es guapa y elegante, pero no menos inteligente ni fuerte, más bien, con mayor libertad sobre su vida y por ende sobre sus decisiones, Marcela viene de una familia un tanto más liberal que la de Bety, mientras que esta tiene una sobre protección abrumante por parte de sus padres.

Como personajes secundarios está “el cuartel de feas” el grupo de secretarias del área administrativa, donde se encuentra una variedad de mujeres con diferentes problemáticas de vida; una madre soltera, una mujer engañada, otra abandonada, una felizmente casada y un par de solteras; cuyos conflictos no terminan con estar emparejadas con el hombre de sus sueños y más bien, hay un crecimiento en la autoestima de cada una. En contraparte está la secretaria principal, quien es todo lo contrario a estos otros personajes, muy guapa, pero interesada y poco brillante, con problemas económicos permanentes que se niega a aceptar y cuyo fin es retar constantemente al resto de las secretarias.

El resto de los personajes femeninos, aunque secundarios, terminan siendo igual de complejos, escasamente una mujer se encuentra vacía, sin ideales, aspiraciones o con intereses estereotípicos, incluso cuando son presentadas las modelos o mujeres bellas, cada una tiene una personalidad compleja. Quizá, el factor común que une a todos los personajes es la belleza y cómo esta ha afectado la vida de cada una.

Por otro lado, los personajes masculinos lucen su machismo, encontramos esta constante objetivación de la mujer, todos miran a las mujeres bellas y se burlan de las feas, teniendo así a los responsables de esta constante lucha interna que todas sufren o viven de alguna manera; los hombres no muestran un interés en la mujer como persona, a menos que sea bella; sin embargo, existen un par de excepciones, dos hombres que desde su aparición muestran un lado humano sensible y colocan a las mujeres en un espacio igual al suyo, pero lo más destacable en este aspecto, es el personaje principal: Armando Mendoza, quien comienza siendo pareja de Marcela y termina como pareja de Bety y sufre una evolución paulatina durante la telenovela, deja de ser el hombre machista que cree que cualquier mujer está a su disposición para entender que la mujer es una persona.

Este cambio se destaca en varios aspectos, desde su decisión de terminar la relación con Marcela por el bien de ambos, hasta correr al que fuera su mejor amigo por su actitud de hablar de Bety como si fuera un simple objeto manipulable. Es verdad que hay un acoso constante hacia Bety, lo cual no es justificable; sin embargo, es relevante destacar que a pesar de eso Bety no cede a los acosos de él y él termina desistiendo, recalcando que él se ha convertido en una molestia para ella. Por otro lado, la razón del cambio de este hombre fue que conoció a “una mujer diferente” quien le enseñó otra parte de la vida, esto quizá sólo sirve como reforzamiento de la idea de que la mujer sumisa al final tendrá el paraíso del mártir, pero es importante fijarse no en el personaje de Armando, sino en el de Bety, quien a pesar de saber que el amor por él no se ha acabado, no lo deja acercarse sino hasta que Marcela le cuenta la verdad sobre la situación con él y le demuestra que él es una persona sincera.

Regresando a los personajes femeninos, me parece que Marcela es uno de los más importantes, destacables y mejor abordados de todos, a pesar del carácter fuerte y su arrogancia, no se niega a ayudar a cualquiera de las secretarias, vemos a una mujer madura ayudando a otra consiguiéndole un abogado para el divorcio y teniendo diálogos del tipo: “usted es una mujer fuerte e independiente que sola ha sacado adelante a sus hijos y que no necesita de ese hombre”, constantemente hay diálogos de empatía hacia las demás y exceptuando su relación con Bety o que en momentos enfatiza la diferencia de clase, no niega un apoyo hacia otra mujer por la simple empatía de ser mujeres.

Aunado a esto, son destacables un par de momentos, primero, la pasarela donde “el cuartel de las feas” modela, al principio la intención es humillarlas, pero Bety las va convenciendo poco a poco de salir radiantes de orgullo, lo cuál termina siendo un éxito y demostrando a cada una que la apariencia es moldeable, que la forma de vestir o de arreglarse puede ayudar un poco con la seguridad de cada una y el segundo es la transformación de Bety, de fea a bonita, donde más allá de combatir a la fealdad, combate sus inseguridades.

Considero destacable todos estos detalles en esta telenovela a pesar de algunos aspectos conservadores de la misma, porque todo lo antes mencionado me parece trasgresor en una época en la que se seguía hablando de la mujer sin complejidad, la Cenicienta perpetua, la que no será feliz sin un hombre, la ignorante o la mártir constante, que si bien Bety lo llega a ser, también sufre de un cambio, quedándose con la empresa y la presidencia de la misma, sin que el compañero a su lado trate de quitarle el puesto y por el contrario, reconozca su brillantez. También destaco la importancia del argumento que detrás de toda belleza o fealdad hay una persona igual de importante que la otra y ese esfuerzo por mostrar que la belleza es relativa y no lo es todo. Me gusta que se muestren personajes cotidianos desmitificando la idea de la mujer como relleno social, mostrando personajes complejos y en constante cambio, que si bien hay mujeres extraordinarias en posiciones fuertes luchando todos los días, las que viven en la cotidianidad también poseen lo extraordinario de su propia vida.

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Basado en hechos reales

Uno de mis prejuicios consta en evitar las historias “basadas en hechos reales”. Es que muchas veces intentan ser aleccionadoras, dar una moraleja o “enseñar algo de la vida”. En muchas hay este bonito mensaje de que hay que esforzarse y echarle ganas porque si una chica que perdió la movilidad de las piernas pudo seguir montando a caballo en competencias, ¿Por qué yo, con todas mis capacidades, no podría hacer “cosas grandes”? Omitiendo el hecho de que su familia tiene la capacidad económica de tener y mantener caballos y para que le diseñen sillas especiales. Otro de los temas es la interpretación de los personajes; se comprende que escojan al actor de moda, que muy probablemente es tremendamente atractivo cuando en la vida real la persona es bastante común, pero otras veces cambiando radicalmente sus orígenes y conflictos, lo cual, como ya lo he mencionado, puede hacer flojos los motivos de los personajes.

Lion, basada en hechos reales, es un drama que aborda la vida de un niño de la India que, tras perderse y pasar meses en la calle y luego otros más en un orfanato, es finalmente adoptado por una pareja australiana interpreta por Nicole Kidman y David Wenham. El niño indio (indio usado de manera correcta, no aplicado a las poblaciones endémicas de latinoamérica por error de un navegante que desconocía lo que había fuera de europa) cumple la norma de lograr desarrollarse por haber tenido todo lo necesario, y más, que, por mucho, no habría podido tener en su tierra natal. Pasan 20 años y es un joven estudiante que va a un curso de especialización en administración (suponemos que su grado fue en algo relacionado al tema). Ahí conoce a una bellísima compañera, interpretada por Rooney Mara, con quien parece que se quedará, SPOILER ALERT, al final no nos enteramos; además coincide con compatriotas de la India y aquí sucede unos de los puntos clave de la película: como pasa cuando inmigrantes de un mismo origen coinciden en un espacio, hacen una reunión en la que abunda la comida de su nación, olores, sabores y sonidos que los hagan sentir menos lejos de su patria son emulados. La diferencia: Saroo, interpretado por Dev Patel, no se había reencontrado con ésto desde que dejó la India a una tierna edad, implicando un gran golpe para él. Esta experiencia se suma a la incitación de sus compañeros de curso a buscar a su familia biológica, complicado porque además de haber pasado muchos años, no tiene pista alguna.

Ligada a una institución que trabaja en apoyo a los niños de la calle en India, la película fue reconocida por las actuaciones, el sonido y la fotografía. Personalmente no me gustó tanto, el tiempo es extraño, afortunadamente decidieron colocarle textos para aclararnos los periodos que suceden entre algunas secuencias. Esto me ha hecho pensar en lo que considero otra de las complicaciones de las películas “basadas en hechos reales”, la adaptación del tiempo real al tiempo cinematográfico. Cuando un creador desarrolla una historia para el cine, las cosas pueden suceder en tres días pero también en millones de años, el tiempo puede expandirse o contraerse según las necesidades narrativas.

Dependiendo que tan fiel a la realidad quiera ser el creador, éste debe hace caber en una obra de 120 a 180 minutos lo que sea que haya durado la  historia que quiere plasmar, seleccionando eventos determinantes y construyendo diálogos contundentes pero que puedan ser emitidos por personas, llamemoslas, normales. ¿Por qué hacer una película en vez de un documental?

Generalizando, el documental tiene muchos recursos para explicarnos el tiempo que sucede, las cosas que pasan entre un clip y el siguiente: textos, voces en off, entrevistas, además tiene una complicidad diferente del espectador, el documental, me parece, es un extracto de la realidad y sabemos que es algo que pasa en un contexto y que se ve afectado por cosas que no aparecen necesariamente en el documento. La ficción asume mayor claridad en su inicio-desarrollo-fin, a veces ignorando olímpicamente el contexto.

Mi otro problema es con el personaje de Lucy (Mara), parece que está para cumplirle a alguien sobre incluir actrices o tener el atractivo femenino, porque si bien tiene un par de escenas coquetas y en otro momento participa de un pleito de cena familiar, no afecta profundamente la narrativa ni la toma de decisiones de Saroo sobre ir o regresar, no lo ayuda ni le da una pista fundamental y finalmente no sabemos si la relación continúa cuando Saroo regresa de su viaje o ella lo engaña mientras está lejos y entonces todos la odiamos por ese acto de traición pero la comprendemos porque él pasó meses fuera sin dar noticias de vida en una época en la que mandar correos electrónicos ya era una realidad. Vaya, que ni siquiera vemos a un Saroo que la extrañe profundamente en cada momento de su viaje.

Aunque técnicamente bien hecha, alimenta mi prejuicio, se suma a la lista de “películas basadas en hecho reales que no me gustaron”. Y se me ocurre que tampoco logra tan bien su objetivo de concientizar sobre los alarmantes número de niños en la calle en India, a un par de semanas de haberla visto, digo con riesgo a equivocarme que la asociación se llama Lion. ¿Ustedes qué opinan de las películas basadas en hechos reales? ¿Cuál me recomiendan para tirar mis prejuicios?

Por Zorro Estelar

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Los amores cobardes no llegan

Quizá por los ecos etarios, La Boda de mi Mejor Amigo me ha resonado como nunca lo había hecho en las veces que la he visto. Estrenada hace más de 20 años (1997), por si no la ha visto, aborda el conflicto de Julianne (Julia Roberts) al enterarse que su mejor amigo Michael (Dermot Mulroney) va a contraer matrimonio; ambos han mantenido una relación que va de amistad, compañia, sexo, amor y complicidad y han prometido que si no están casados cuando hayan cumplido 28, fecha que ya está próxima, ellos se casarán. Me impresiona que contiene un problema muy vigente a pesar de las dos décadas de distancia de su estreno, pero tal vez es como la vigencia de Shakespeare.

Julianne vive en Nueva York, es una temible crítica culinaria: soltera, pelirroja de cabello alborotado, estilera e independiente, no le gusta el “romance” y a lo largo de la película vemos que verdaderamente era complicado que funcionara su relación con Michael ya que implicaba cosas que ella no quería, algunas por convicción profesional pero otras por miedo. Eso me lleva a mi tema: el miedo al amor, pero sobre todo el miedo al amor romántico que se ha construido socialmente como sacrificio constante, porque nos enseñan que amar es autodestrucción: dejar de lado sueños y esperanzas en la vida, a veces dejar lo que se ama en sentidos diferentes al amor romántico, dejar la independencia, que además es una característica importante de Julianne.

Las estadísticas dicen que la cantidad de solteros y divorciados ha aumentado de manera exponencial en los último años, denominando “crisis” a este cambio generacional, como dice Brandy Engler: Han cambiado las creencias sobre qué debemos hacer a los 20 y más años de edad. En vez de buscar un compañero para la vida, investigamos y experimentamos. Pero considero que a pesar de esa apertura a la experimentación, sigue pesando la presión social y sigue habiendo angustia en no encontrar a la “persona ideal”. Julianne y Michael tiene química y se aman, por mucho, pero sobre todo Julianne no quiere las implicaciones sociales impuestas que podría tener para una mujer independiente con carrera exitosa contra un hombre que tiene un trabajo sin plaza fija; tema sobre el que no se profundiza y que parece que no ha molestado a ninguno durante su relación pero que podría ser importante en la percepción que la gente tiene de ellos, ergo lo que implicaría una relación formalizada con la sociedad. 

Otro elemento que me parece importante es la construcción que se hace de las personas que se aman y cómo a veces pueden ser ficciones. Kim (Cameron Diaz), la prometida de Michael, le confiesa a Julianne que teme perder a su futuro marido porque él ama a Julianne como a nadie, pero remata diciendo que si bien sabe que la pelirroja “está en un pedestal, yo estoy en sus brazos”. Julianne siempre será inalcanzable para Michael, él decide tener una relación real y no con la ficción que ha construido alrededor de Julianne, Kim enlista los defectos que su prometido tiene, saben que ella está dejando de lado su carrera por pasar más tiempo a su lado, se saben humanos que toman decisiones. No hay que olvidar que en los noventas, más que ahora, era bien visto que una mujer tomara esta clase de decisiones, y a veces me cuestiono la cantidad de moralina que puede caber en decir que la abnegada se quedó con el hombre.

El filme no solo tiene a esta arrasadora mujer guapísima e independiente de protagonista, sino que no se queda con el galán prometido por los demás chick flicks; la rival de amores no resulta ser una arpía que busca quedarse con el guapo por estatus, negocios o dinero, verdaderamente se aman y derraman miel, resuelven los conflictos enseguida y toma decisiones. Han pasado 22 años de su estreno y tiene a un personaje gay (Rupert Everett) que no es en extremo amanerado y es el héroe de la protagonista, además de la estrella de una de las escenas más icónicas del cine de los noventas, ama a su amiga tanto que pretende ser su prometido ante un berenjenal de desconocidos y viaja DOS veces a rescatarla de esas sociedad que la juzgaría severamente por estar “sola” (aka: sin pareja romántica). Todos estos elementos, lamentablemente, siguen resultando diferentes para otras películas del género, ni siquiera su pseudo remake (Made of honour-2008) con inversión de los géneros pudo hacer que su personaje fuera tan vil como el de Roberts, ni hablemos del mexicano. Posiblemente sea producto del guionista Ronald Bass, quien tiene entre sus producciones algunas historias más interesantes y un tanto diferentes.

Solo un comentario en contra: la representación de la “rubia” y la “pelirroja” es algo que me conflictua. Pelirroja femme fatale que aleja a los hombres y rubia encantadora que perfila a ser la esposa perfecta. Pienso que el hecho de que Kim haya dejado su carrera profesional por Michael no necesariamente hace que fuera necesario para Julianne, se conocen hace más de una década y de haberse decidido, podrían haber construido otras formas de amor, pero hay que ser valientes para construir a contracorriente de la sociedad.

Por lo demás, creo que aún tenemos mucho que aprender de esta película, no solo por la construcción de personajes, cast y narrativa, sino del amor y del miedo a no llenar las expectativas que se tiene con la sociedad al momento de construir algo tan íntimo y personal. Toda esta es una bofetada con guante blanco a “encontrar” el amor, a “pertenecer” al otro, a “estar destinados”, a “amarse hasta la eternidad”, a que el amor romántico de una pareja con la que alguien se va a casar y van a vivir felices para toda la vida y sin conflictos en un lecho de pétalos, es el único y más importante. ¿Por qué no hablamos del amor entre George y Julianne? ¿Del amor de la familia entera de Kim y de que no tiene ningún problema en tener al amor platónico del futuro yerno en la cena? Volvamos a verla

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Titanes

Titanes es una adaptación de Netflix y Warner de los personajes de los Jóvenes Titanes, grupo que está conformado por Robin, Starfire, Chico Bestia y Raven, entre otros en sus diferentes versiones. 

La primera parte de la serie es más sobre presentarnos a los personajes, es decir, uno puede ser un ignorante total en la historia de los Jóvenes Titanes y entender a la perfección los problemas a los que se enfrentan los protagonistas. Una de las más notorias características es el tono sombrío en que la historia es presentado, teniendo momentos de violencia que, por ser un live action, pueden ser impactantes; además los personajes no se presentan con sus motes de superhéroes sino con sus nombre de civiles y son reconocidos por sus poderes y su historia, más como el Batman de Nolan. Esto responde a que narrativamente es algo que intentan dejar atrás (Dick Grayson ha dejado Gotham y a Batman con ello) o es algo a lo que apenas se están enfrentando, como Rachel, quien comienza a ser buscada por los seguidores de su padre demonio y ella desconoce su pasado y sus capacidades.

A pesar de eso, la esencia de los personajes sigue ahí, así como sus relaciones: Dick es el lider, en parte porque es policía, en parte porque es de los mayores; Kory (aka Starfire) es una alienígena que no sabe lo que hace en la tierra y pasa la serie intentando averiguar su propósito además de ayudar a su nuevo equipo; Garfield es despreocupado e intenta llevar la fiesta en paz y Rachel aleja a los demás porque intuye que acabará lastimando a todos. Sin olvidar el romance entre Starfire y Robin

La segunda parte de la serie es la saga en contra del padre de Rachel (aka Raven), quien busca liberarse y de quien intentan constantemente huír a lo largo de la temporada, misma que finaliza en un clímax que hace evidente que los productores están pensando en una segunda temporada.

Los cameos a Gotham y a personajes como Wonder Girl me parecen bien pensados ya que refieren a dos personajes de DC bien conocidos: Batman y la Mujer Maravilla, no necesitan presentación, es más, no aparecen pero la mera mención de su nombre basta para comprender con quién y cómo están relacionados los personajes, aunado las recientes adaptaciones fílmicas de ambos personajes.

Uno de los conflictos más interesantes es el de Dick, quien argumenta que su decisión de dejar atrás la vida como compañero de Batman responde a que el uso de la máscara ha desenmascarado la violencia a de la que es capaz, misma que le asusta y le desagrada. Tener miedo de sí es la base del quehacer de este Robin, tiene la certeza, así como Raven, de que su presencia sólo dañará a los que quiere, condición que los une en una relación de cuidado y responsabilidad mutua.

Confesión: cuando vi a los actores y las primeras caracterizaciones debo admitir que me generó muchas dudas, por una lado la inclusión de un actor afrodescendiente para un personaje que no lo era resulta en desconfianza cuando el mass media ha venido haciéndolo para ganarse la estrellita de “incluyente” de manera superficial, ya que habría que cambiar hasta los motivos de los personajes cuando se hacen esas cosas. Por otro lado, sobre la caracterización de los miembros más jóvenes del equipo no correspondía con la fuerza de los personajes que conocemos. No fue sino hasta que recibí buenas críticas al respecto que comencé a considerar verla, especialmente cuando leí que Piccolo (ilustrador brasileño que saltó a la fama con fanarts de Los Jóvenes Titanes) la recomendaba ampliamente: es decir, un fan de hueso colorado, cosa que para mi es garantía.

Finalmente, me hace pensar a las adaptaciones de Christopher Nolan de Batman, en la que tampoco se menciona los nombres de los superhéros, mismas que son de mis adaptaciones preferidas. Más producciones de Netflix de las que espero la nueva temporada.

Por Zorro Estelar

(PD: la semana pasada no hubo publicación porque me la tomé de vacaciones)

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La casa de la flores, posibilidades de reinvención de la novela mexicana

Personalmente me resulta extraño, pero es una realidad que las décadas pasadas fueron exitosas para la televisión mexicana por un particular producto: las telenovelas. Estos melodramas fueron un producto que México exportó internacionalmente con mucho éxito, al grado que influenciaron las producciones de otras partes del globo, como sudamérica y Asia.

Con sus excepciones a la regla, muchas de las novelas tratan de una mujer de escasos recursos que eventualmente acaba involucrada con un guapo millonario con el que terminará casada, donde además suele terminar la serie. Hay villanos, quienes no quieren esa unión debido a que quieren el corazón de alguno de los protagonistas o porque desean la herencia monetaria del joven galán. Nunca sucede al revés, ella no posee los millones, Muchas veces los padres de los protagonistas tiene un pasado oscuro, hay hijos adoptados que no lo saben, gemelos malvados, hermanos que consanguineamente no lo son y alguna persona de servicio sabe todos los secretos de la familia.

Hasta hace poco, no había podido ver ninguna telenovela completa ya que su predictibilidad me parece aburrida, la construcción de los personajes es pobre y hasta incongruente, y a estas alturas la fórmula me parece más que gastada, y eso no sólo lo digo yo, sino los productores de telenovelas alrededor del mundo. Digo hasta hace poco porque recientemente, en un maratón del que solo es posible mi clavadez, vi la primera temporada de La Casa de las Flores. ¿Por qué la vi?

1)

En un principio divertida, lo cual me atrapó, va adquiriendo complejidad conforme avanza, limitando cada vez más las risas. La serie inicia con el suicidio de la amante de uno de los personajes de la familia, la cual a la larga es El Personaje de la serie, no ella, no la pareja, la familia entera, cosa que quizá no es precisamente nueva, pero no es tan común en la historia de las telenovelas,.

La base de los personajes me parece familiar a otras novelas, familia bien con hijos bien, un nieto rubio y un negocio que, aparentemente les ha dado toda la fortuna. Un poco chocante la doble moral con la que la noticia con la que inicia la serie es recibida, ya que lo ofendidos cojean del mismo pie, pero de a pocos se puede ir entendiendo que es más bien una actitud que ha sido una constante, hasta el último episodio la matriarca de la familia no deja de defender la realización de una actividad de socialité porque su vida está sustentada en el que dirán de la sociedad. Chocante pero constante.

2)

La representación de la homosexualidad

La televisión mexicana ha insistido en hacer de la comunidad gay un chiste (no cabe LGBT… porque no pasan de hombres homosexuales), los visten de manera extravagante, los hacen vacíos, promiscuos y ridículos. La Casa de las Flores, por otro lado, tiene a un personaje gay, un bisexual y un transexual, si bien seguimos en el campo de lo que hacen los nacidos como hombres con su sexualidad, ya iba siendo tiempo de desencasillarlos. Tal vez se sube al tren del mame que tiene Netflix de hacer series incluyente, pero esta vez me parece bien bajado, son personajes contemporáneos nacidos de un guión original que problematizan la situación.

Uno de éstos sí es risible pero porque su persona es inocente, vanidosa, engreída y un tanto cobarde, no porque sea gay, tomando actitudes bobas y dando respuestas básicas a los complejos problemas que enfrenta la familia porque siempre ha sido un hijo de familia.

3)

La construcción de la familia

Ya dije que la base es una familia bien que tiene secretos familiares, pero lo que me llamó la atención es la diferente resolución de los mismos al menos de uno de los personajes que me parecieron más relevantes.

La mayor está divorciada, ha solapado la infidelidad que destapa la caja de pandora de la familia, ha interactuado con la otra familia, ha criado a un hijo sola, guardando demasiados secretos que ahora le pesan sobre los hombros, pero al final resulta ser la que tiene mayor capacidad de reflexionar sobre sus errores y pensar que la familia no está conformada por padre-madre-hijos y que es más valioso el desarrollo de las relaciones con aquellos que crían y no con los que conciben. Lo cual me lleva a mi punto, a pesar de que sabe quienes son sus padres biológicos, reconoce como personas complejas, que toman decisiones y cometen errores, a quienes le han criado, contrario a otras historias en la que se intenta recuperar el tiempo perdido con los “verdaderos padres”. Ella parece lograr zafarse de los “qué dirán” que habían determinado no solo su vida sino la de su familia. Su hijo goza de la forma que está adquiriendo su familia.

La representación de una familia homoparental me pareció más orgánica que en Sex Education, donde tenemos a este personaje con dos madres, cosa que no parece llamarle a nadie la atención, situación que me parece un tanto ficticia en un poblado pequeño en el que sí persiguen a Erick por andar en la calle travestido. Punto ahí para Manolo Caro.

A pesar de la anterior apología, también hubo cosas que no me gustaron:

1)

Lugares comunes

Si bien la hija de enmedio es en un principio encantadora, me parece que se lleva la peor parte justo porque toda ella es un lugar común. Llega siendo una mujer cosmopolita, estudiada y comprometida con un joven neoyorkino, mas enuncia comentarios como “todos mis amigos en Nueva York tienen relaciones abiertas”, porque claramente es algo que le compete únicamente al primer mundo y que TODOS los neoyorkinos lo hacen, menos ellos, o-bvi-o. Obviamente se quedó encerrada en una burbuja aunque salió a otra parte del globo.

Luego comienza a hacer lo que cualquier chica básica, le pone el cuerno al novio con uno que, como lugar común, no tiene serias intenciones con ella. Una vez quedándose sin pareja sentimental, quiere volver a encontrar su lugar en un negocio familiar, del que nunca ha sido parte de manera seria, lo cual me hace concluir que en NY no tenía ni trabajo ni seguía estudiando y que muy probablemente no tenía vida sin el prometido engañado porque nunca la vemos ni intentando resolver los problemas que podrían haber quedado en el gabacho, ni siquiera con una actitud valemadrista que podría haber tomado al abandonar una vida. Bastante lamentable el personaje.

2)

El dramatismo que va adquiriendo al final

Ya estando sobre el tren, no deje de ver los dos último episodios, más por compromiso que por interés genuino, ya que las complicaciones comenzaban a acercarse a los lugares comunes que me resultaron aburridos. 

A pesar de esto, me quedé conforme con el final, el cual es abierto y da pie a una segunda temporada, que ojalá no peque toda de los mismo.

Por Zorro Estelar