VACILANDO MUSIC

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Lage lund / Terrible Animals

ノルウェー出身のギタリスト、ラゲ・ルンドによる4年ぶりの新作『Terrible Animals』が届いた。前作『Idlewild』までのルンドはには優等生という言葉が似合っていたように思う。名門バークリー音大を卒業後、若手ジャズミュージシャンの登竜門セロニアス・モンク・コンペにて2005年に優勝。流麗で巧みなコードワークとソロからはジム・ホールからパット・メセニー、ピーター・バーンスタインやカート・ローゼンウィンケル他現代のギタリストへと脈々と受け継がれるジャズギター史そのものが鳴っているようだし(2016年にはジム・ホールのトリビュート作「Inspired」に参加)、所属レーベルであるCriss Crossだけでも14タイトルという作品に名を連ね、マリア・シュナイダーの現時点での最新作「The Thompson Fields」にベン・モンダーに変わって参加するなどリーダー作の他にも腕利きのサイドマンとしても輝かしいキャリアを誇っている。しかし最新作「Terrible Animals」では優等生的な印象を打破するかのような強烈な作品だ。

これまで作品と大きく違うのは担当楽器にギターに並んでエフェクトがクレジットされていることだろう。音色を歪曲させたり浮遊させダークな質感をもたらしスリリングさを増長されるばかりか、「Aquanaut」では旋律をループされたりとギターに効果をつける以上にバンドの１メンバーとして機能させ奥行きと広がりをもたらし音響面でも大きく作用しているように感じるし、「Octoberry」ではカリンバや打楽器的な使い方までをも披露している。

ルンドがエフェクトを大きく導入したのは現代のジャズギターの役割の変化を反映させたものといっても良いかも知れない。ギタリストのギラッド・ヘクセルマンが参加するジョン・レイモンドの「Real Feel」ではエレクトロニクスやポストプロダクションを思わせる巧みなエフェクトワークを魅せていてたし、ECMに作品を残すベン・モンダーはプリスムを通したかのようにギターの音色を乱反射させ五月雨のような音像を作り出していた。(ルンド自身もサックスのウィル・ヴィンソンとベースのオーランド・レ・フレミングとドラムレスのユニットOwl Trioへの参加している。)

とはいえルンドの優等生ぶりは健全で、全編に渡って、絶妙なアウトフレーズで小節を軽かると飛び越え、エレクトロニクスとアコースティックの狭間を行き来し破綻も隙もない流麗なソロを聴かせるスタイルは圧巻そのものだし、幽遠なバラード「Haitian Ballad」や南米の水々しさを感じさせる「Brasilia」などバリエーションの豊かさも魅力の一つだろう。

そしてこの作品を語る上で欠かせないのはサイドを飾るメンツの豪華さだろう。M-Baseや前衛的な作品へ数多く参加するドラムスのタイション・ソーリーは、リズム面でも音響面のどちらをとっても圧倒的な強度を誇るソーリーはこの作品を彩る上でこの上なく適役だといえるし、ブラッド・メルドーほか現代を代表する数多くのミュージシャンと活動を共にするラリー・グレナディアも参加も注目すべきだろう。

中でも特筆すべきはピアニストのサリヴァン・フォートナーの存在だ。アメリカ中部出身のフォートナーは自身の作品でトラッドから現行ジャズのスタイルを見事に折中しジェイソン・モランを彷彿とスタイルであるが、今作では美しく旋律を彩る一方で、硬質でエッジが効いたボイシングとタッチで瞬時に切り込んできたり、かと思えば電子音のように音を散りばめ響かせたりと、彼の発する音を追っているだけでも満足できるほど。この作品での彼のスタイルは、チリ出身のピアニストであるファビアル・アルマザンと並べて聴いても面白い。

今作でルンドが見せたみせた野心は、自身の音楽性の広さを物語るばかりか、ワールドワイドでジャンルレスに多種多様なジャズが生まれる昨今で、ジム・ホールからパット・メセニー、カート・ローゼンウィンケルを通して現代ジャズにおいてのギタリストの位置や可能性を提示する重要な作品になっているようすら感じるのだ。

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Rudy Royston / Flatbed Buggy

ジャズ・アメリカーナと聞いて思い浮かべるのはどんなアーティストだろうか。ビル・フリゼルやジュリアン・ラージといったギタリストや、マリア・シュナイダーやブライアン・ブレイドといった自身のユニットやアンサンブルを率いる人だろうか。ドラマーのアダム・ナスバウムが発表したリード・ベリーへのトリビュート作「Lead Belly Project」も記憶に新しい。

そんなジャズ・アメリカーナのシーンを牽引するアーティストたちを支える影の立役者といって過言ではないのがドラマーのルディ・ロイストンだ。彼はビル・フリゼルの「When You Wish Upon A Star」や「Big Sur」、JDアレンの「Americana」、ジャズとアメリカの歴史を再定義し続けるデイブ・ダグラス(Jazz the New Chapter 5参考)の諸作にも軒並み参加している。ダグラス主催のGreenleafからの三作目となる今作は、コンテンポラリージャズ路線だった過去作と打って変わって、フォキーかつ室内楽的な要素を感じるようなジャズアメリカーナ路線に大きく舵取りした作品となった。

メンバーも編成も前作までとは大きく違う。ニューオーリンズ・スタイルに精通し、スーザフォンを迎えたダブル・ワイドというバンドを率いるかたわら、NYで各所から引っ張りだこなクラリネットのジョン・エリス(同名のUKのピアニストとは別人)。マリア・シュナイダー・オーケストラでピアノを務め、前述のジョン・エリスのバンドにも参加しているアコーディオンはゲイリー・ヴェルサーチ。ECM時代からビル・フリゼルの多くの作品に参加、室内楽からフージョンまで幅広い活動をするチェリストのハンク・ロバーツ。ベースはカンザス出身でクリス・ポッターやアナット・コーエン、エドワード・サイモンの作品などに参加、サニーサイドやクリス・クロス、ECMなど多様なレーベル経験のあるジョー・マーティンだ。全員がアメリカーナだったりフォルクローレ的作品に精通、参加していて、メンバー選びからもこの作品への気合いの入れ方が伺える。

全12曲は全てロイストンのペンによるもの。テキサスで生まれ、その後育ったデンバーでは大学でロン・マイルスに見出されたというし、フリゼルやパット・メセニーらと同じアメリカ中部出自だから幼い頃からフォークに触れてきたというのは想像に難くない。冒頭の「Soul Train」や「Flatbed Buggy」でノスタルジックでフォキーで柔らかなアンサンブルを魅せつつも、「Bobble Head」や「The Roadside Flowers」では現代的な技術の高さとアプローチを見事に落とし込んでいる印象だ。バンドを統制し取っ散らかることないソングラインティングは、まるでブラインアン・ブレイド・フェロウシップのようにバンド全体を対等に美しく響かせている。

ロイストンのドラムはコンテンポラリーなジャズからルーツ的音楽まで幅の広い教養と見識の広さを感じるし、スウィングやジャグ、モダンからコンテンポラリーまで幅の広いスタイルを叩き分け、丁寧で暖かさを感じたと思えば、キレの良いリフを入れてバッチリ〆たりと、バンドのアンサンブルを裏方的にもリーダーしても彩っていている印象だ。アンサンブルの中核を担うゲイリー・ヴェルサーチとハンク・ロバーツも素晴らしく、全体を膨よかで柔らかに包みこつつ、入れ替わり立ち代りでウワモノとしても機能していたりとセンスの良い演奏を繰り広げる。

アメリカーナ的作品以外でもNYをはじめ勢力的な活動をするルディ・ロイストン。ファーストコール・ドラマーとして活躍する彼の作品にはこれからも期待だ。

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The Near East Quartet / Near East Quartet

お隣韓国からサックス奏者のソン・ソンジェ率いるグループThe Near East Quartetが、ドイツの老舗レーベルECMからデビューした。韓国の伝統音楽と現行ジャズをシームレスにつなぎ、まるで現代のアート・アンサンブル・オブ・シカゴと言っても過言ではないくらい見事なサウンドスケープを魅せる作品になっている。

活動は2009年からで翌年には「Chaosmos」をリリース。膨よかで時にカオスティックな音響空間の上で、しなやかかつ強固に音色を漂わせ、アブストラクトでどこか呪術的ながらも伝統音楽とジャズのつながりを確かに感じる作品になっていた。

2015年にドラムスのソ・スジンとヴォイスのキム・ユルヒが加入し「Passing of Illusion」をリリース。パンソリという韓国の伝統歌唱を大きくフーチャーし、様々な打楽器を使い細部までテクスチャーへのこだわりを見せた。そして、これまでの二作で温めてきた音楽性を発揮し、もはや満を持してのECMデビューとなったのが今作だ。

ソン・ソンジェのペンによる５曲と３曲がトラディショナルという構成だ。ギターが作るエフェクティブで音響観たっぷりで時にカオスティックな音像を、雄弁で滑らかなヤン・ガルバレク的サックスが情緒あふれる風景を描く。モダンスタイルから、ポール・モチアン的にバンドを繊細に彩り方向つけるドラミングまで様々なスタイルに精通し使い分けるドラムや、”Baram”で魅せる伝統楽器によるテクスチャーの拡張は実に見事だ。(ドラムのソ・スジンはYouTubeに色んなドラマーのソロのコピーをあげているので見てみてください。)

オリジナル曲で引用されるパンソリという韓国の伝統芸能のセリフや、フォークソングを歌うのは自身もパンソリ歌手であるキム・ユルヒ。エキゾチックな音階や、独特な歌いまわし、勇ましさすら感じるヴォイスは、韓国出身とルーツを分かりやすく的確にバンドに落とし込んでいる。

韓国という音楽性を現代的に解釈して、これほどまでにハッリリと提示したバンドは先にはいなかったはず。それだけに強烈でセンセーショナルに彼らの音楽は響いてくる。冒頭で”現代のアート・アンサンブル・オブ・シカゴ”といったのは、単に伝統と現代を並べるだけではなく、まるで色水のように溶け合い新たに色彩豊かな音楽を聞かせてくれたからだ。

ちなみにプロデューサーはバンドと同じ韓国出身のチュン・ソン。ベン・モンダーや、先日デビュー作を発表したばかりUK出身のキット・ダウンズを手がけた人物だ。レーベルオーナーのマンフレート・アイヒャーのリヴァーブ感とは違い、広くて大きなドームのような空間を思わせるサウンドデザインも聴きどころの一つだろう。

K-Popを始め韓国のミュージシャンや文化の世界進出していることはよく知られている。近年ではアメリカの名門音楽大学でるバークリーにも韓国人の留学生が多いようで彼らもその一人だ。イスラエル出身のミュージシャンの活躍が目覚ましい最近だが、次にジャズ界を賑わすのは彼らかもしれない。

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Jakob Bro & Thomas Knak | BRO/KNAK

2018年にはECMから『Returning』をリリースし、三作目にして既に同レーベルの顔となったギタリスト:ヤコブ・ブロ。ポール・モチアンの『Garden of Eden』に参加しや、ビル・フリゼル、リー・コニッツとの三部作『Balladeeing』『Time』『December Song』での提示した、テクスチャや空間に気を配り、浮遊感たっぷりに心地よく音を漂わせるさまは”水彩画”にも例えられるほど美しい。

その半面、キャリアの初期では地元デンマークのロックバンド:I Got You On Tapeへの参加や、リーダー作である『Daydreamer』や『Beautiful Day!』ではインディーロックとも呼応するようなラウドなビートを取り入れた作品だったが、そんな初期の中でも異色なのが『Sidetracked』であり、エフェクターやルーパーを駆使し、どこまでがギターで、どこまでがプログラミングなのか分からないほどで、もはやジャズギタリストの作品を逸脱しエレクトロニカやアンビエント・ミュージックのように響かせた。そしてその延長線上に位置し、大幅なアップデートを加えた大作が、Björkの『Vespertine』にも参加した電子音楽家であるトーマス・ナックとの共作である『BRO/KNAK』だ。作品は「Bro」と「Knak」に分けられ (CDは2枚、LPは3枚組で、サブスクでは別々に配信されている)、前者が所謂ブロの作品で、後者はナックによる「Bro」のリワークという二部構成となっている。

作品の基礎となる「Bro」は全篇ブロのペンによるもの。親交ある地元デンマークのミュージシャンや盟友トーマス・モーガンの他、ダヴィ・ビレージェス、ビル・フリゼル、さらには長年ECMの顔を務めるケニー・ホイラーやポール・ブレイなど他には類を見ないほど豪華なメンツが参加しているが、それぞれの個性を削ぐことなく調和させブロの作品と昇華している。しかも９曲中ブロがギターを弾くのはたった５曲で、そのうちの２曲ではヴォーカルも披露している。

「Color Sample」ではチェロとブロによるコーラスワークが美しくレイヤーを重ね、絹のように優しくハープが音色を紡ぎ、フィードバックするギターとそこからホイラーのフリューゲルホルンが立ち上る様はあまりにも感動を覚えるほどドラマチックだ。5曲目の「Izu」ではまるで揺れる水面をスケッチしたようなブロのギターワークとテルミンがゆったりと交わり、”水彩画”に例えられるギターワークの由縁が分かる曲と言える。「Bro」の中でも特筆したいのが、当代きってのインプロヴァイザーであるポール・ブレイのソロ曲「Roots Piano Variation」だ。アブストラクトなインプロや不協和音を効果的に配置することで、キャッチーで切なさをも感じるメロディが美しく響き渡り、より具体性を持って語りかけるようだ。ブロは自身のルーツはインプロにある*というからブレイの起用も頷ける。

心地よいテクスチュアのビートの上で、これらを材料をパッチワークのように繋ぎ止めたり、バラバラに配置したりして、新たな命を吹き込んだのがトーマス・ナックによる「Knak」だ。ECMの諸作がエレクトロニック・ミュージックとしても機能することが『Jazz The New Chapter 2』には記してあったし、そのECMに数多くの作品を残すエヴァン・パーカーとエレクトロ・ミュージックの関係性が『別冊ele-king カマシ・ワシントン / UKジャズの逆襲』には書いてあったが、ブロも自身の作品がエレクトロニカとしても機能することを、トーマス・ナックによるリワークを通して証明してみせたと言っても過言ではないだろう。

ECMデビューからは自身のバンドによる作品を残すブロだが、この作品ほど作曲家ヤコブ・ブロとしての類い稀な才能を垣間見るものはないだろう。チグハグになってしまいかねないメンツすらコントールし自身の作品としてプロデュースできて、音響やメロディにも気を配れる圧倒的なセンスが、彼のトリオやカルテットにも落とし込まれているので、ぜひ合わせて聴いてほしい。

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Sly & Robbie Meet Nils Petter Molvær / Nordub (Okeh)

ノルウェーのトランペッター、ニルス・ペッター・モルヴェルによる新作は、レゲエ界の重鎮リズムセクションであるスライ＆ロビーとのまさかの共作になった。モルヴェルがジャズ界の注目を一気に集める事になったのは、トライバルなリズムを大胆にサンプリングし、アンビエントやエレクトロ、ビートミュージックとも共存させたECMからの単独リーダー作「Khmer」だったと思う。北欧のアンビエント・ミュージックとアコースティックなジャズの演奏を共存をさせたフューチャージャズと呼ばれる音楽は北欧を中心に広がり、ECMでもトーマス・ストレーネンの”フード・プロジェクト”など多くの作品をリリースし、USシーンとは一味違った体温が低い空気感の作品が多く作られる様になったが、先述の「Khmer」は他のどの作品とも違った異質な存在だっととも言えるだろう。

2014年にUSの"Okeh"に移籍、まさしくフューチャー・ジャズ的な作品「Switch」をリリースし未だ界隈のリーダーである様を見せつけた。続く16年作「Buoyancy」ではトライバルなビートのプログラミングだけでなく、ギター、ペダル・ギター、シャンカール・ギターなど弦楽器を大きくフィーチャーし持ち味のトライバルな世界感とポスト・ロックや音響派のギタリスト諸作との接近も個人的には感じさせた(この二作品にはポストECM的レーベルであるノルウェーの”Hubro”周辺のアーティストが多く参加していることも注目したいところ)。そして今作で大きくフィーチャーされているのが冒頭にも書いたスライ＆ロビーだ。スライ＆ロビーはドラムのスライ・ダンバーと、ベースのロビー・シェイクスピアによるレゲエのリズムセクション。自身のレゲエバンドでの活動のほか、一言ではいい表せないほどのジャンルレスで幅広い活動を行なっている。

今作「Nordub」ではスライ＆ロビー主体のような名義になっているが、全体的なサウンドの要になっているのはモルヴェルと、ECM諸作と最近ではティグラン・ハマシアンの「Atmosphères」でフィーチャーされたアイヴィーン・オールセット、パーカッションとライブ・サンプリング、コープロディースも担うヴラディスラフ・ディレイだろう。前二作は端的にいってしまうとフューチャー・ジャズの範疇だったと言えるが、今作は「Khmer」的なトライバルな要素をレゲエの生のリズムセクションに置き換え、フューチャー・ジャズの新たな可能性を提示した作品になったと言えるだろう。

全曲に渡り延々と反復されるベースとドラムスは実にレゲエ的だが、モルヴェルはあたかも一種の素材のように扱い、ヴラディスラフ・ディレイによるライブサンプリングや、エレクトロ、強くエフェクトをかけたトランペットやギターの音のレイヤーを重ねてゆき、麻薬的でトリッピーな世界感を構築している様に感じる。②と⑥ではロビー・シェイクスピアのヴォーカルもフィーチャー、ループされたり切り貼りされたりとここでも強くエフェクトをかけており、ヴォーカルですら一つの素材として扱う様はモルヴェル的で面白い。

この"ノーダブ・プロジェクト"2015年のライブ映像がYoutubeに上がっており満を辞してのリリースと思われる。スライ＆ロビーをライブサンプリングする様子や、各人のエフェクターさばきによってレイヤーが重ねられていく様は見ていても面白ろいと思うので興味のある方はそちらも見ていただけると今作をより一層楽しめると思う。

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Shinya Fukumori Trio / For 2 Akis

 大阪府出身、全くと言っていいほど無名なドラマーである福盛進也のECMデビュー作を山本邦山の「銀界」以来の日本産フォーキー・ジャズというと大袈裟だろうか。マンフレート・アイヒャー主催のECMが掲げるテーマの一つに、「”ある地域の音楽"をアイヒャー・プロデュース、ECMというパッケージで世界に届ける」ということがあげられる(『Jazz The New Chapter 2』参照)。和ジャズの名盤：山本邦山による「銀界」、古くから続く日本の伝統音楽をジャズに昇華させた傑作だが、アイヒャーはそれを聴いてすぐに、その作品でペンを取っていた菊池雅章にコンタクトをとったという(『ECMの真実』参照)。

福盛進也は今作「For 2 Akis」で主に昭和歌謡とその時に親しまれた曲を取り上げている。アメリカでは伝統音楽やルーツを現代的な解釈で再び取り上げる”アメリカーナ”と呼ばれるムーヴメントが盛んだが、この作品も一種のアメリカーナ的と言えるだろう(日本人により日本の曲を取り上げているからジャパニズムだろうか？)。この作品で取り上げられる「荒城の月」、「星めぐりの歌」や「愛燦燦」は、今ではテレビの懐メロ特番や教科書の中でしか馴染みがない。しかしアイヒャーと福盛トリオは、これらの曲を”ある地域の音楽”として世界に届けると同時に、平成生まれの私や、リアルタイムに聴いていた人たちにも改めて届けてくれた。

メンバーはテナー・サックスのマシュー・ボーデネイヴ、澤野工房からのリリースで知られるピアノのウォルター・ラングとドラムの福盛だ。ベースレスというバンドの重心が軽くなる編成となっているが、それが浮遊感と透明感を生み、メロディーやハーモニー、曲のもつ暖かさまでもがはっきりと伝わる。

この作品のハイライト的曲「愛燦燦」では、美しいメロディをより一層美しく弾けるラングと、吹き過ぎることなく歌詞をも聴こえてくるくらい優しくゆっくりと語りかける様なボーデネイヴ、点と点を結びバンドを詩的に彩りコントロールするポール・モチアン的な包容力を感じる福盛のドラミングよるこのトリオの魅力を感動すら覚えるほど感じる。

作品で日本の昭和歌謡という”ある地域の音楽"が、ECMという世界で最も美しい封筒にいれて世界中に届けられた。日本人による新たな名盤の誕生だと思う人は、きっとわたしだけではないはず。

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Avishai Cohen / Cross My Palm With Silver

すっかりECMの顔となりつつあるイスラエル出身のトランペッター、アヴィシャイ・コーエンによる同レーベルからの二作目。前作からの大きな違いはサックスが抜けカルテット編成になったことでよりアンサンブルがより密接になり、さらに緊張感を伴う演奏になっていることだろうか。

今作がリリース後の日本語のインタビューなどはないと思うが、レーベルからの売り文句によるとアヴィシャイ自身はこのメンバーを最高のメンバーと謳っているようだ。それだけにお互いを完璧に理解し信頼しあい、全く恐ることなくたっぷりと間を取りながらも呼応し、しなやかかつ骨太に音が紡がれていく様は西洋絵画でも描かれていく様で圧巻。

まるで硝子のように繊細なアンサンブルとインプロを展開する④では、アヴィシャイの芯があるプレイは変わらずも、安易なメロディには走らず、どこからが譜面でどこからがインプロなのかわからなくなる程のメロディアスなプレイを展開。コンポーザーとして、リーダーとして、一人のプレイヤーとしても圧倒的な存在感と個性を見せつける。

ECMからのデビュー作のレビューも合わせてどうぞ。↓ http://ykkn-gt.tumblr.com/post/159229478876/avishai-cohen-into-the-silence

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Nitai Herskovits / I Asked You A Question

イスラエル出身のピアニスト、ニタイ・ハーシュコヴィッツ。彼を知ったのは、同郷のベーシストであるアヴィシャイ・コーエンの「From Darkness」だった。天才シャイ・マエストロの後釜とした同トリオに参加したニタイだが、クラシックの教養とイスラエル独特の儚さとを折衷したスタイルは、シャイに少しも聴き劣りすることなどなかった。「From Darkness」より少し前にはアヴィシャイとのデュオ作「Duende」があるが、そこでは比較的オーセンティックなスタイルを披露しながらも、現行ピアニストの必修科目と言っても過言では無い”右手と左手の分離”など潜ませ、先輩であるアヴィシャイと対等に渡り合った。

そんなニタイがイスラエルの新鋭レーベルであり、イスラエル版Brainfeederなどとも評される「Raw Tapes」からリリースしたのが衝撃的なデビュー作である、この「I Asked You A Question」だ。

プロデュースとサウンドメイクには同レーベルの主催でありビートメイカーのリジョイサーが参加。ニタイのピアノと、リジョイサーと作るビートがまるで魔法のように溶け合い、夢と現実を行き来するような、甘く淡い世界感を体現。 自身のヴォーカルも披露するほか、これまでは聴けなかったローズやシンセも多用している。

比較的ネオソウル的な曲が目立つなかでも、ピアノの和音というミニマムなところから、全体のアンサンブルという大きなところまで、随所にハーモニーの美しさを感じるのはやはりクラシックの教養あってこそなせる気配りだろう。どうしてその流れになったのか不明だが、④ではカート・ローゼンウィンケルも参加している。そして何よりも全体を支配するイスラエル独特の哀愁を感じる空気がこの作品を単なるネオソウルとして括らせない唯一無二の存在にしている理由の一つと言える。

近年イスラエルに限らず世界中の若手がワールドワイドに活躍しているが、この作品はそんな中でも圧倒的な存在感を放つ今作。天才ニタイ・ハーシュコヴィッツから目を離す隙などない。

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望月 慎一郎 / Visionary

CD屋に行ったり、ディスクガイドを読んでみたり、そういう時にまず目に飛び込んでくるのはジャケットだ。そのジャケットによって作品の世界感を想像することも少なくはないはず。下記に引用したブログの記事は、ECMのジャケットデザインについて考察したものだ。

2012年ECMの展覧会が行われた年、アイヒャーはカバーとは「隠喩的な翻訳」であると語っていたそうだ。そしてそれは「封筒」のような役割を持つとも言っている。だとすれば収録された音楽は「手紙」と言えるんじゃないだろうか。

引用元：ECMとデザインの話(http://yukimiyakawa.tumblr.com/post/140962254418/ecmとデザインの話)

この『Visionary』も幻想的なジャケットにまず目を惹かれる。そしてこのジャケットという封筒に入れられた手紙は、今作がデビュー作となる望月慎一郎による、彼の心象風景と共に、人間誰しもが抱くノスタルジーやメランコリックな感情を表現したピアノ・トリオ作だ。

1曲目「Nostalgia」から『Vsionary』(幻想の、夢のような)と名付けられたこの作品の印象と、このトリオを良さを決定づける。まさにヨーロピアンで芳醇なメロディのワルツナンバー「Lily Pond」(個人的に"Lily"と付く曲は名曲揃いだと思う)。この作品では唯一のカヴァー「Nuovo Cinema Paradiso」(映画ニュー・シネマ・パラダイス 愛のテーマ)や、同名の映画からインスピレーションを受けたであろう「Dancer in the Dark」とシネマの曲が並ぶのも面白い。

平均するとどの曲も8分程度と長めだが、作曲/編曲とアドリブの歌心、どちらの比重もしっかりしていて聴いていて飽きがくることもないだろう。一人でじっくりと望月氏が描く世界へと浸りたくなる。

ヨーロピアン・スタイルと言ってしまえばそれまでかも知れないが、ただでさえ注目されることの少ない日本人。まさに「イントロデューシング・望月慎一郎」と言えるそんな一枚、これからの活動も非常に楽しみな新人であると思う。

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Santiago Beis / 『univer-son』

先日、現代ジャズの重要人物のひとりであるカート・ローゼンウィンケルが『Caipi』をリリース。ペドロ・マルチンスやアントニオ・ロウレイロを筆頭にブラジルはミナスのミュージシャンが多数参加したこの大傑作によって、現代ジャズファンむけた南米音楽への門戸が開かれたと言っても過言ではない気がする。僕自身その門をくぐった者の一人で、そんな中で聴き始めたのがサンティアゴ・ベイスの『univer-son』だ。

ウルグアイ出身のサンティアゴ・ベイスは単独リーダー作としてカルテット作『Cidade』(2013年)とトリオ作『Ad Libitum』をリリース。今作はそんな活動のさなか、2009年から伝統楽器奏者やシンガーなど現地で活躍するミュージシャンと私家的に作られてきた曲を集めた作品だ。今作でベイスはピアノ以外にも、ビブラフォン、ギター、フルート、トランペットなどほぼ大部分を彼自身が演奏。それに加えて、自作楽器奏者としてクレジットされているミュージシャンも参加している。

「山で」、「四ツ葉のクローバー」、「海にさよならを」などといったように、どの曲もベイス自身の旅を経験や記憶から作られていて、飛び出す一音一音がまるで宝石のように美しく、水々しい。一度聴くとまるでベイスの夢の中に迷い込んでしまうかのようだ。そして、どこかメランコリックな雰囲気が漂っていることも聴いている側の気持ちを掴んで離さない。

ウルグアイが生んだ天才、サンティアゴ・ベイスの夢の中に是非足を運んでみてほしい。けっして悪い経験にはならないはずだ。

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Yaron Herman / 『Y』

ブルーノートより2作目、欧州レーベルから数えると（単独リーダー作として）通算7作目。欧州レーベル時代はイスラエル特有の哀愁と郷愁漂ういわゆるジャズの範疇の作品が目立ったが、2015年にはシャイ・マエストロトリオなどにも参加する同郷の売れっ子ドラム、ジヴ・ラヴィッツとのデュオ作でブルーノートデビュー。

ドイツのACTから2010年に発表した『Follow The White Rabbit』以来、実に7年ぶりのピアノトリオ編成で挑むが今作だが、未だのシーンの前線で活躍するレーベル、ブルーノートからの作品だけあってそれだけでは終わらない。今作ではエレクトロや多重録音、ミニマリズム、さらにはゲストを交えたポストロックなど、様々なJTNC的な要素（この表現が的確かは分からないが）を多数加え、ピアノトリオの可能性を拡張した作品になったと感じる。

ピアノの音のフィードバックが哀愁ただようメランコリックな旋律に拍車をかけ、そのままトリオ編成に突入する様が圧巻な①から始まり、短いパーカッシブなパーツをループさせ作り上げられる⑥、ソングライターのDream Koalaを交えたレディオヘッドのような憂鬱でスペイシーな曲など、いわゆるピアノトリオの範疇ではできなかった新たな可能性をみせている。

アコースティックピアノがエレキに、ドラムが打ち込みに、ベースがベースシンセへと、曲ごとどころか曲中で置き換わったりと"なまもの"な音と機械的な音の”はざま”を行き来する様が聴くものをよわせ、とても気持ちよい。

アコースティックな作品が目立つ彼の作風がここまで変わったのは、未だ無名の（少なくとも私は聴いたことがなかった）ベーシスト、Bastien Burgerによる功績が大きいのかもしれない。目立つリーダー作もなくサウンドクラウドに数曲だけエレクトロな曲を上げている（これもなかなかかっこいい）。合わせて注目してみたいアーティストの一人だ。

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Avishai Cohen / 『Into The Silence』

叙情的で美しく、そしてそれらを纏った静けさが漂う作品が近年のECMにはよく見られる。そう聴こえるにはレーベルコンセプトの一つとして、”The Most Beautiful Sound Next To Silence"（「沈黙の次に美しい音」）を掲げているECMにとって半ば必然かもしれない。しかしそんな中でも、アーティストのパーソナルな部分に目を向けると、その作品の意味がわかったり、聴こえ方が変わったりする。

題名からしてECMのコンセプトにぴったり合致しているような今作は、それまでにトランペット・トリオ（トランペット、ベース、ドラム）で３作品を作ったイスラエルのアヴィシャイ・コーエンだ。トリオ作では男らしく野生的な演奏をする彼だが、この作品は実の父の最後の日々を描き、その父との思い出に捧げることをコンセプトに、全曲オリジナルで新たな一面を見せた作品だ。

ミュート・トランペットの甘美な音色と、クラシカルなピアノの響きからこの作品は始まる。抒情に溢れ、彼の描く情景がありありと浮かぶ…まるで画作りも脚本も素晴らしい映画を見ているかのよう。マイルスの『Kind Of Blue』のように静かな中にも確固たる信念があって、強いメッセージ性も作品全体から感じる。

曲が進むにつれてバンドの熱量も上がっていき即興部分も増える。ブルージーなフレーズと美しい曲が合間って教会音楽のようにも聴こえるピアノ、ミュートを解放して本来の持ち味を発揮するアヴィシャイのセンセーショナルなソロ、ソリストへの反応が早くダイナミクスが豊かで作品を更にドラマティックなものにしているドラム。ただ"静かな作品"としては到底表せない完成度だ。

彼のとんでもない才能を見出してECMデビューさせたマンフレート・アイヒャーはさすがだ。ECM2作目も発表される。新鋭の躍進はどこまで進むのか、今から非常に楽しみだ。

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Bill Evans / 『On A Monday Evening』

ビル・エヴァンスは『Waltz For Debby』、『Portrait in Jazz』、『Bill Evans at the Montreux Jazz Festival』など生前に数多くの名盤と呼ばれる作品を世に送り出し、死後にも発掘音源でジャズ界を沸かせることも少なくない。最近だと、幻のスタジオ録音『Some Other Time』がリリースされたのが記憶に新しい。『On A Monday Evening』もその発掘音源の一つ。

メンバーはビル・エヴァンス、エディー・ゴメス、エリオット・ジグムンド。エヴァンス晩年の名作で今でも人気のある『You Must Believe in Spring』と同メンバーのライブ盤。1976年11月25日(月)のライブなので、このトリオ初のスタジオ作品『I Will Say Goodbye』の約半年後になる。ライブ・テイクを聴く機会がなかったぶん、「T.T.T. (Twelve Tone Tune)」や、エヴァンス自身が生涯演奏してきた「Someday My Prince Will Come」をこのトリオで聴けることはファンとして純粋に嬉しい。

ゴメスの勇ましく時にベースの範疇を抜け出すような演奏と、ジグムンドの艶やかで張りのあるドラム。エヴァンスも技術的にも脂が乗り切り、安定していて、時に激しいインタープレイを繰り広げたりと実にライブらしい演奏だと思う。晩年によく演奏したMinha (All Mine)などと言ったバラードもスタジオ録音に迫るクオリティで、艶やかで美しく、耽美で叙情的で、静かに紡がれていく演奏が素晴らしい。

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Camila Meza / Traces

チリ出身のシンガーソングライター、カミラ・メサ。レベッカ・マーティンやベッカ・スティーヴンス、グレッチェン・パーラートらと並んで、現在誰しもが彼女の声を欲しがるファーストコール・ヴォーカリストといっても過言ではない彼女の米サニーサイドからのデビュー作が今作だ。思い返すと彼女のデビューは、ジャズがアメリカだけの音楽ではなくワールドワイドな言語になり、世界中から様々なミュージシャンが台頭するようになった昨今のジャズシーンを物語るエポックメイキング的な出来事ですらあったように思う。

2007年に若干22歳でスタンダード作品「Skylark」で作品デビュー。オーセンティックでストレートアヘッドな演奏と、いわゆる”美女ジャケ”で往年のジャズファンにも訴求力抜群な作品だった。自らがヴォーカルに加えてギターも弾くことから、ヴォーカル＋リズム隊という既成のフォーマットではなく、各楽器が等価に扱われており、ハミングを交じりに歌心豊かで流れるようなギターソロはカート・ローゼンウィンケルを彷彿とさせ、この頃から既に現在まで続く彼女の魅力が詰まっていたと言えるだろう。

続く2009年作の”Retrato”では母国のフォークロアに加えて、Björkといったポピュラーソングをも取り上げルーツに迫った作品に。既存の曲をまるでオリジナルのようにフレッシュなアレンジを施し、アレンジャーとしての才能を魅せると同時に、英語と母国語であるスペイン語を使い分けたのもこの作品が最初だ。そして2013年にはピアニストのアーロン・ゴールドバーグと共同プロデュースでミニアルバム”Prisma”リリースし、メジャーデビューへの準備を整えた。

そして満を持してリリースされたのがこの”Traces”。 ジョシュア・レッドマンやブラッド・メルドーなど数多くの作品のプロデュースを手掛けてきた腕利きのマット・ピアソン、アヴィシャイ・コーエン・トリオで名を馳せ現行ジャズシーンでも随一の腕前とメロディセンスを持つピアニストのシャイ・マエストロや、Blue Note All-Starsにも参加しているドラマーのケンドリック・スコットら錚々たるメンツが参加し、いわば鳴り物入りでシーンに迎えられた。

この作品ではシンガーソングライターとしてのカミラが一段と生きているように感じる。まるで、ギターソロすら唄うことの延長であるかのように流暢でメロディアス。そしてジャズミュージシャンにありがちな自身を誇示するような長すぎるソロも見当たらない。さらには物怖じすることなく、自英語と自身のルーツであるスペイン語を使い分け、母国のミュージシャンも取り上げる。これらのハイライトとなっているのが”Para Volar”や”Amazon Farewell”、弾き語りと爪弾くギターで送られる”Luchín”ではないだろうか。

さらには過去作で魅せてきた音楽性をさらにブラッシュアップさせ、チェロやゲストヴォーカルも交えてもなおシームレスで見通しがよくなっている印象も受ける。メロディを大切にしていることを随所に感じ、そのおかげか色彩豊かでドラマチックに仕上がっている。ここにはシンガーソングライターはもちろんのこと、コンポーザーやアレンジャーとしてのカミラの才能が同時に生きているようにも思える。

デビュー作にしてすでにルーツをはっきりと提示し、シンガーやコンポーザーとしての才能を遺憾無く発揮した今作は、多国籍になったジャズシーンにとって待望の作品になり受け入れ、まさにファーストコールなヴォーカリストとして各所に引っ張りだこになるわけだが、キューバ出身のピアニストであるファビアン・アルマザンの「Alcanza」で大々的にフィーチャーされ更なる注目を浴びる。ヒスパニックである彼が後の世代にもメッセージを伝えるために歌詞を書き、カミラを招いた理由をこう語っている。

カミラの音楽を聴くまでは歌詞を書こうなんて思ったことなかったからね。カミラの歌が僕に歌詞を書かせてくれたんだ。 (『Jazz The New Chapter 5』Fabian Almazanのインタビューより引用)

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Oded Tzur 『Translator's Note』

イスラエルのテナー・サックス奏者、オデッド・ツールの最新作。 点と点を繋いで線にし、最後には壮大な絵にするような、そんなミニマリズム的な美学や、ある種の形式美をイスラエル産ジャズによく感じる。これはそれをさらに深化させているような1枚だ。

上記の動画は作品の1曲目。インク一滴一滴がゆっくりと水に溶けて行くように、彼から発せられる一音一音がバンドの演奏へと溶け込んで行くかのよう。

彼の書く曲には、間を恐れずにゆっくりじっくりと曲が紡ぎあげられ「侘び寂び」すら感じる一面と、人生を物語るかのようなドラマチックな一面がある。動画のイメージが強すぎるのか、決して色鮮やかでなくモノクロ、哲学的で硬派な様は、まるで壮大な屏風絵や水墨画を見ているようと言ったら大袈裟だろうか。インドの古典音楽からインスピレーションを受けているようだから、宗教的なところから我々と繋がっているのかもしれない。

国産スピリチュアル・ジャズの名盤に日本の美意識の一つである侘び寂びをうまく表した山本邦山の『銀界』があるが、今作もそれに通づるものを感じる。南米からでも、アフリカからでもない、新しいスピリチュアル・ジャズの傑作になりうる一枚だと思う。