Youpi !

Mes enthousiasmes et interrogations du moment...

[annelaurebell]

Being Religious about a "Religieuse" – part 2, the taste

Eating a Religieuse au Chocolat can be a unique experience… or not. 


First, there are several ways to eat it, depending on where you actually do it. If you go for a Religieuse “break” whilst on a hike between two museums, you could have it like a picnic: on a bench in a Parisian "square" (aka little public garden). You are likely to get a bit messy but you'll surely appreciate the childlike feeling of getting pastry cream and fondant icing all over your fingers – you might want to locate the nearest fountain before going for this approach.

You might want to go for the little top chou first. As a child, I would carefully eat the fondant icing first trying to separate it from the chou. I like when the texture of the icing is a bit sticky but and the taste of the chocolate predominates over the sugar one. The chou should be neither overcooked nor undercooked. It should have a light airy texture but still be consistent and not be too chewy nor too dry or stiff. It should be neither too thin nor too thick – now you know where the French sophistication comes from...

The chou has to be stuffed generously with cream but the cream shouldn't be stodgy. The pastry cream is actually tricky. Here again I don't like the cream to be too thick – some even have lumps in it which is a big "oh noooo" for me. A few years ago there was a tendency to replace the pastry cream by a creamy mousse – sometimes called a Chibouste cream. The thing is that theoretically this should change the name of the Religieuse, as the Religieuse is really supposed to be with stuffed with pastry cream. As far as I’m concerned, it really rather epitomizes the whole Religieuse experience. However, in the real world of the everyday Religieuse, the pastry cream is too often rather disappointing – sticky, with a somewhat eggy taste or not really tasting enough of chocolate… Last but not least, a Religieuse shouldn't be too cold.

Being this complicated cake with cream and what not, bakers sometimes keep them in very cold fridges, so when you buy them they can be too cold – and that's not the way they're supposed to be at all.


I wanted to try some French Religieuse for you (what a hardship!) and so decided to try out some international French Patisseries. Unfortunately though, international French boutiques such as La Maison du Chocolat (aka The Chocolate House) or Paul Le Boulanger (aka Paul the Baker), present in the US, all over Europe, the Middle East and some Asian countries, don't do Religieuse – they do have (rather poor) Eclairs though.

I tasted the ones they serve in Ladurée – you have Ladurée boutiques in New-York, Miami, London and Sydney. Ladurée is really famous for Macarons – attractive, sweet and delicious cakes that you can see plenty of in Sophia Coppola's film, Marie-Antoinette. Unfortunately, regarding the Religieuse, I finally understand why the French paper Figaroscope, when rating the best Religieuses in Paris, didn't even mention Ladurée at all.


Ladurée proposes Religieuses in three different flavours: Chocolate, Rose and Caramel au beurre salé  (toffee with a touch of sea salt). I went for one of the more daring ones - the Caramel. When I was served, and upon seeing it, I was at first a bit doubtful about the chou dough but thought I was probably wrong – especially as Ladurée is a fancy place and the price of a Religieuse there is really quite expensive.


Well, first the fondant icing. Even if slightly too thick, it had a nice consistency and a somewhat strong caramel taste, which made it a richer experience than the plain sugar one, which was really quite nice.

The choux were slightly understuffed and the general feeling of the pastry was that it was lacking some generosity. The buttercream icing was also nice, as was the pastry cream – good consistency, creamy enough, though too strong caramel taste. Tasting the chou, I found out my initial reaction was correct and that I was right to be doubtful about it. It had this dry, over cooked taste and was a little too stiff. Last but not least, the pastry is probably too large in the Caramel version – or perhaps the Caramel they put in it is too strong. I had this particular Religieuse as an afternoon treat and couldn't quite get rid of this strong caramel after-taste for the whole rest of the day – which wasn't really pleasant.
So, as long as you are in Paris or in France, I wouldn't recommend you to have a Religieuse in Ladurée. Now that you know how they should look like and taste, I'm sure you can spot some good ones in a nice "boulangerie-pâtisserie".


Anne-Laure BELL

[annelaurebell]

Et toi, du Bonello, t'en penses quoi ?

D'accord, d'accord, parlons-en de Saint-Laurent, dernier film de Bertrand Bonello. Jusqu'ici, ce réalisateur m'avait toujours beaucoup touché. Pas seulement grâce à L'Apollonide. Surtout en fait grâce à ses précédents – dans l'ordre de mes préférences, De la guerre, Tiresia, Le Pornographe et Quelque chose d'organique.

J'ai toujours considéré le biopic comme un drôle de genre cinématographique. Je le vois comme une sorte de docu-fiction à gros moyens, dont la seule raison d'être est de faire revivre les fantômes de figures tutélaires et de flatter les bons sentiments du commun des mortels. J'avoue avoir été étonnée à l'annonce d'un projet de film sur Yves Saint-Laurent réalisé par Bonello. Je me disais toutefois que le réalisateur ne verserait pas dans le biographique, qu'il dégagerait l'essence d'un parcours de vie pour parler d'un homme, de l'humain. Mes attentes ont été très déçues.

Bien qu'il s'en défende (dans Télérama notamment), le réalisateur fait le choix du mimétisme. Soit. Il fait ressembler physiquement ses acteurs aux personnes qu'ils interprètent : Gaspard Ulliel est Saint-Laurent et prend sa voix, Aymeline Valade est aussi blonde que Betty Catroux, Jérémie Rénier veut être un Pierre Bergé carré, en bloc, très rude et calculateur. Très beaux, ces trois acteurs optent pour une interprétation imitant ce que tout le monde connaît des personnes qu'ils jouent. Ils semblent avoir élaboré leur rôle dans une préciosité mortifère et leurs personnages ressemblent à une image figée de magazine. D'ailleurs l'amour entre Bergé et Saint-Laurent – dans la réalité, indéniable quoiqu'on en dise - n'est, dans ce film, pas incarné. A l'image, on ne comprend pas que ces deux-là s'aiment et se désirent, dans une sorte de dépendance étrange.

Heureusement qu'interviennent Léa Seydoux et Louis Garrel. La première est une Loulou de la Falaise, qui, certes, ressemble physiquement à la personne qu'elle incarne mais surtout, qui la fait vivre pleinement et avec une ampleur qui nous fait le plus grand bien. Le second incarne, au sens plein du mot, le rôle de Jacques de Bascher. Garrel, qui prouve encore une fois qu'il est un des meilleurs acteurs de sa génération, fait exister toutes les facettes de cet homme vénéneux et fragile, attiré et attirant. Du coup, on comprend que Saint-Laurent le choisisse aux dépens de Pierre Bergé qui se voit un peu caricaturé en brute calculatrice et sans cœur.

Bertrand Bonello et Thomas Bidegain, les scénaristes, ont choisi de commencer à raconter leur histoire par une interview mystérieuse qu'YSL donne à un journaliste dans les années 70. Le couturier raconte un épisode douloureux de sa jeunesse et parle de son corps de manière très triviale. Ce début de film, cet angle, me semblait excellent pour raconter la vie d'un homme qui désire des hommes et habille des femmes, d'un homme qui a fait de la parure du corps un art. Or très vite, Bonello et Bidegain passent à autre chose. On se retrouve plongé dans l'atelier de petites mains qui travaillent au service du couturier, dans des coulisses maintes fois montrées par ces documentaires sur l'univers de la couture. On entre alors dans la narration d'une histoire légendaire, légendaire aussi parce qu'elle se passe dans les années 70 période qui, en 2014, est vue comme mythique. Ainsi on est étonné de voir Bonello mettre littéralement côte à côte, dans un effet de split-screen des plus lourds, les événements politiques des seventies et les robes de Saint-Laurent. On s'attendait à plus de subtilité.

Beaucoup de critiques ont notamment loué les choix musicaux de Bonello dans ce film. Or, en 2014, je les ai trouvé bien peu originaux. Choisir de passer "I put a Spell on You" quand YSL rencontre Betty Catroux, La Cold Song du Roi Arthur de Purcell interprété par une sorte de Klaus Nomi quand Saint-Laurent et de Bascher sont ensemble ou La Passion selon Matthieu de Bach quand le couturier lui écrit une lettre d'amour n'a franchement rien d'original - pour ne citer que lui, Scorsese dans Casino l'avait déjà fait, et encore, de manière plus enlevée. Là encore j'attendais plus.

Etonnament, de nombreuses séquences manquent de puissance narrative. Elles semblent être mises là tels des passages obligés d'un biopic. Ainsi avec force flash-back, le couturier évoque son enfance sans que cela n'apporte rien. Les images de la relation amoureuse entre YSL et Bergé (notamment quand ils sont ensemble à Marrakech), celles de la mort du petit chien du couturier (limite voyeuses), celles montrant Pierre Bergé discutant autour d'un bureau avec des financiers de l'avenir de la marque YSL… sont comme posées là et, à force de fadeur, diluent l'enjeu du film. Si bien qu'on se demande bientôt pourquoi on suit ce personnage de couturier – seule l'arrivée à l'écran d'Helmut Berger en Saint-Laurent âgé nous console un peu : cet acteur parvient à donner une épaisseur à son personnage qui attire notre regard.

Puisqu'il m'avait sincèrement ému par ses précédents films, ce qui m'a le plus déçu reste la manière dont Bonello a filmé. Je trouve ici son style assez lourd et pétri de références non moins légères. Je pense notamment à ces nombreux inserts de statuaires grecques ou à ces effets d'optiques flou/net qui surlignent le sens qu'on a voulu donner à l'image. Par ailleurs, les scénaristes ont choisi de faire des sauts dans le temps, d'égrainer les années à l'écran, un effet de manche qui n'apporte pas grand chose : on passe de 1971 à 1968 à 1977 dans un défilé de date dont on se fout un peu. Certes on finit le film sur une séquence qui déclare que YSL est vivant - mais qui ne savait pas déjà que le couturier avait largement survécu à sa propre mort ?

Anne-Laure Bell

Saint-Laurent réalisé par Bertrand Bonello avec Gaspard Ulliel, Jérémie Rénier, Aymeline Valade, Léa Seydoux, Louis Garrel, Helmut Berger et Amira Casar – sortie le 24 septembre

[annelaurebell]

Un homme très recherché

Sur le papier, le dernier film d'Anton Corbijn avait tous les ingrédients pour me plaire. Signé par le réalisateur de Control, il est tiré d'un roman d'espionnage de John Le Carré, romancier dont nombre d'adaptations au cinéma m'ont déjà séduites (La Taupe, de Thomas Alfredson en 2011 ou The Constant Gardener, de Fernando Meirelles en 2005). Mis à part la blondinette Rachel McAdams, aux côtés de Philip Seymour Hoffman (dont c'est un des derniers films) on trouve plein d'excellents acteurs parmi lesquels Willem Dafoe, Robin Wright mais aussi Daniel Brühl, Nina Hoss ou Rainer Bock (vus dans Barbara de Christian Petzold en 2012).

Un homme très recherché nous plonge dans l'après 11 septembre, à Hambourg. Un service secret allemand, non homologué mais en lien les services officiels et "les américains", enquête sur un homme susceptible d'être la source de financement d'Al Qaida. Bizarrement construit le scénario commence par nous faire suivre un pauvre bougre limite autiste, qui débarque en Allemagne après avoir été torturé en Turquie et émerge de l'eau comme un monstre le ferait dans un bon vieux film de SF. Au bout de quelques séquences, je ne sais toujours pas pourquoi cet homme hirsute – et musulman – est l'objet de tant d'attention. Il y a peu, les films d'espionnages montraient souvent les méchants russes, retraduisant la vision manichéenne qu'on avait au temps de la guerre froide. Dans l'après 11 septembre, les méchants sont plutôt musulmans – et quand ils ne sont pas machiavéliques ces musulmans semblent plutôt perdus. Aucune caricature n'est ici épargnée, pas même celle de la cruche au grand cœur, prête à défendre la veuve et l'orphelin en moins de temps qu'il n'en faut pour le dire.

Pourtant… Pourtant malgré un scénario cousu au gros fil, une mise en scène manquant singulièrement d'ampleur et un montage à la truelle, on reste attaché au film.

Car tout tient dans la performance de Philip Seymour Hoffman. L'acteur, décédé d'une over-dose en février dernier, est tellement fascinant à regarder qu'il parvient à nous tenir en haleine tout au long du film, quand bien même il passe la plupart de son temps à fumer des cigarettes et à boire des cafés. A chaque plan il donne à son personnage une épaisseur intrigante, qui nous tient toujours en haleine. On le scrute, on cherche à savoir pourquoi il regarde le monde comme il le fait, on se demande ce qu'il voit et quel va être son prochain geste, sa prochaine réplique. Seymour Hoffman, Gunther dans le film, en est son vrai et son seul mystère. C'est lui l'homme très recherché.

Avec ce troisième long métrage, Anton Corbijn accumule lourdeurs et grossièretés. Ni le scénario, ni sa mise en scène ne prennent le temps de laisser exister les relations humaines. Celles-ci se nouent bien trop rapidement pour être réellement crédibles, les rencontres s'enchaînent sans que le spectateur s'en soucie. Sauf lorsqu'apparaît Philip Seymour Hoffman. A l'écran il impose son rythme. Par sa taille, par sa couleur de cheveux si singulière, il semble imposer le cadre et la lumière qui serviront au mieux son personnage : de la clope qu'il allume au gobelet de café qu'il tient entre son pouce et son index, tous ses gestes quotidiens, d'apparence anodins façonnent son personnage. Ici l'acteur nous offre une interprétation réellement hors normes. Il prouve encore que suivre et regarder respirer un très grand acteur peut sauver un mauvais film.

Anne-Laure BELL

Un homme très recherché d'Anton Corbijn avec Philip Seymour Hoffman, Willem Dafoe, Rachel McAdams, Robin Wright, Grigoriy Dobrygin, Daniel Brühl, Nina Hoss, Rainer Bock… - sortie le 17 septembre 2014

[annelaurebell]

Being Religious about a "Religieuse" – part 1, the look

Last time my Australian friend Arabella visited me, she told me that, after more than ten years away from France, one of the things she absolutely wanted to do was to eat a 'Religieuse au Chocolat' – note to English speakers: your charm rockets when you try to say 'chocolat' the way the French do. After ten years, huh… with such a extravagant desire that had waited for so long to be fulfilled, I advised her to go for a good Religieuse au Chocolat and not just pick the first one she saw in the first bakery she came across – if you're going to be gaining a few pounds because of it, you might as well do it in style.

But what is a good Religieuse au Chocolat? Tough question… here are some answers.

You can have Religieuse cakes of different flavours but the more common ones are chocolate and mocha (for the mocha one just go: 'une religieuse au café s'il vous plait'). A Religieuse is a 'pâtisserie' (aka pastry) composed of two 'choux' (aka buns) – a smaller one being 'glued' on top of a bigger one. Both of them stuffed with a flavoured pastry cream. Each 'chou' has a fondant frosting of the same flavour as the filling and is joined to the other with a collar of butter cream (btw 'chou' goes with an 'x' when plural).

A Religieuse is so called because it is supposed to refer to a nun. Therefore it has to have a certain look. The upper chou is supposed to represent the head of the nun and shouldn't be bigger than the bottom one – actually, nor should it be too small. It should be nicely proportioned, as a body of a generous, curvy nun would be.

By just looking at it you can see if the fondant frosting is “fondant” enough as it should shine a little if it is. The buttered cream should be really white and really firm – to arrive at such a result, the cream should have been whipped really well. Now the dough of the 'chou' shouldn't look, too dry nor too soft. It should be supple, not too thin but consistent enough, as it has to support the cream that's inside it and the combination of the two should upgradeone another.

Now practice. Here you can see it at once: wrong proportions and no shiny frosting. The buttered cream doesn't seem right and the dough of the chou, well… seems a bit over cooked and heavy. That Religieuse au Chocolat was bought at the bakery down where I live. It's an 'everyday' kind of Religieuse, it doesn't cost much – 2 euros – and you could have it as a fancy desert with your lunchtime sandwich – a bit like you would have a cheese cake dessert in New York.   Don’t get me wrong, I'm not shocked by it – I do give credit to this baker for the good bread he bakes, but one must admit that the know-how to bake bread and croissants is not at all the same as the one requested to do such cakes… A Religieuse is a bit difficult to do and to find a nice one is not that easy. Therefore this week I'll just devote myself to this simple goal: defining what a good Religieuse au chocolat actually is - at least to my taste… well actually taste will come in next week's post!

Anne-Laure Bell

[annelaurebell]

Hors Série

Sincèrement, qu'avez-vous de mieux à faire ce jeudi 18 septembre à 20h50 que de regarder la télé ? On vous le demande !!! Car oui, après son passage cannois en mai dernier, à la Quinzaine des réalisateurs, vient de débarquer, accessible à tous, P'tit Quinquin une série télé aussi hilarante que déjantée en quatre épisodes signée Bruno Dumont et diffusée le jeudi soir sur Arte.

Je comprends la petite réticence que provoque l'apposition de Bruno Dumont aux mots série télé déjantée. Après avoir vu L'Humanité, Flandres, Hadewijch ou Camille Claudel 1915, beaux films amples et graves, je me demandais, un peu incrédule, comment ce réalisateur pouvait avoir signé une série télé. Je ne m'attendais pas à rire à gorge déployée en regardant son P'tit Quinquin et cette bonne surprise accentua encore mon plaisir.

P'tit Quinquin se passe sur la côte Nord, une région que le réalisateur a déjà filmée et qu'il laboure encore comme un paysan qui creuse son sillon et s'émerveille de la richesse d'une terre qu'il connaît bien. Ce n'est pas parce qu'il filme pour "le petit écran" (d'ailleurs les télés de 2014 sont-elles encore petites ?) que Dumont néglige sa mise en scène. Pleine d'inventivité, elle participe pleinement du comique. Les corps gauches traversent l'écran d'un pas décidé et sûr d'eux, et dans un même plan large, expriment l'inexorabilité de l'absurdité du monde.

Dumont n'a pas changé son style, il ancre les corps de ses personnages dans les lieux où ils habitent et qu'ils connaissent par cœur. Rien qu'en choisissant ses acteurs – non professionnels comme (presque) toujours dans ses films – il ose quelque chose de singulier. Il choisit des physiques et des gueules sans que ces aspects n'aient, en soi, un sens particulier. Ainsi, ce n'est pas parce que Quinquin, le petit garçon, personnage principal, a le visage un peu déformé par un bec de lièvre ou porte un appareil auditif que ces singularités sont signifiantes, elles sont des détails qui accentuent le réalisme des personnages.

Utilisant au mieux le temps long de la série, Bruno Dumont signe des dialogues géniaux – distillés entre deux silences qui ne le sont pas moins. Ils ne font pas toujours avancer l'histoire. Et alors ? C'est comme si, loin de toute envie d'efficacité, il souhaitait davantage nous plonger au cœur d'un univers 'si loin si proche', que l'on pourrait connaître et apprécier si tant est qu'on le regardait mieux.

Ici encore, mais peut-être plus encore que précédemment, le réalisateur ose absolument tout et c'est ce qui est particulièrement jouissif : ce qui semble de prime abord absurde, important, comique ou triste, ne l'est finalement pas. Plaçant toujours ses spectateurs à contre-pied, il nous accroche à une histoire dont l'intrigue progresse de manière erratique sans que cela ne nous dérange le moins du monde. Présentée comme une série policière, P'tit Quinquin est aussi une série sur l'enfance, l'amour, les vaches, la vie quoi… à voir de toute urgence ! Elle sera disponible sur Arte VOD à partir du 18 septembre et en DVD à partir du 7 octobre.

Anne-Laure Bell

P'tit Quinquin de Bruno Dumont – série de 4x52' diffusée sur Arte les jeudis 18 et 25 septembre

[annelaurebell]

Les errements d'Hippocrate

Avec Hippocrate, le réalisateur-scénariste-médecin, Thomas Lilti, met les pieds dans le plat de l'hôpital. Son histoire, inspiré de sa propre vie, suit les premiers pas d'un jeune interne qui arrive dans le service de son père et rencontre bientôt un FFI. Non pas un rescapé de la résistance de la deuxième guerre mondiale mais un Faisant Fonction d'Interne. Un FFI version 2014 est un médecin étranger, largement qualifié dans son pays et employé comme s'il était interne. Corvéables à merci, ces docteurs sont les soutiers de l'hôpital français.

De la rencontre de ces deux personnages, nait un film populaire attachant parce qu'il dénonce des injustices, un brin énervant parce qu'il le fait de manière un peu plate. Le scénario est assez efficace : y est mêlé la lutte des classes, la question de l'euthanasie, celle de la santé de l'hôpital public en France, des rapports de pouvoirs hiérarchiques et de la liberté de chacun de faire ce qui lui semble juste. Dénonçant les manques de moyens de l'hôpital, Hippocrate verse dans certaines évidences du film à thèse. Cela ne l'empêche pas d'être également une sympathique comédie. Si elle ne fera pas de mal à ceux qui s'imaginent que tout est rose au pays de la santé, elle soulagera ceux qui savent que ce n'est pas le cas : il y a de grandes chances qu'ils se sentent bien entendus et bien compris, qu'ils apprécient qu'on porte leur parole avec une détermination aussi farouche que bienveillante. Aussi, on ne peut pas vraiment avoir quoique ce soit contre ce film qui peut faire du bien.

Les dialogues sont plutôt piquants et drôles. Ils sont interprétés par un florilège d'acteurs brillants. Outre Reda Kateb et Vincent Lacoste qui incarnent les deux personnages principaux, on retrouvera la rare Marianne Denicourt ainsi que Jacques Gamblin mais aussi Carole Franck (brillante comme à chaque fois), Philippe Rebbot, Félix Moati ou Thierry Levaret. Tous donnent à leur rôle une épaisseur qui nous amène à sentir que les personnages vivent hors champs. Ils sont d'ailleurs certains figurants sont de vraies infirmières, ce qui accentue leur réalisme. Tous se répondent avec une belle écoute, entre légèreté et gravité.

Vincent Lilti fait un film propre. Sa mise en scène est simple mais, sans effet de manche, elle fonctionne. Il suit les acteurs dans leurs mouvements. On peut regretter qu'il ne pousse pas plus loin certaines belles idées. J'aime beaucoup par exemple ces quelques plans où le personnage principal passe dans les coulisses de l'hôpital et parcourt de longs couloirs qu'empruntent des chariots de toutes sortes et croise un personnel qu'on ne voit jamais en tant que patient. Je suis moins convaincue des choix lumières assez plats. Nicolas Gaurin, directeur photo sur ce film, a fait part aux journalistes de l'AFC de la difficulté qu'il y avait à rendre la réalité d’un service hospitalier : "nous ne voulions pas que ce soit comme dans des séries télé, type Docteur House, avec des décors, une lumière et une pratique médicale donnant une impression de facilité et de glamour", dit-il. Effectivement, le film est un peu blafard et cru sans que cela n'apporte rien de plus à ce qui est dit. On est loin du glamour frénétique des séries hospitalières américaines mais cela n'enlève rien à Hippocrate qui s'avère être un bon film populaire.

Anne-Laure Bell

Hippocrate de Thomas Lilti, un film avec Reda Kated, Vincent Lacoste, Marianne Denicourt, Jacques Gamblin, Carole Franck, Philippe Rebbot, Félix Moati, Thierry Levaret... – sortie le 3 septembre 2014

[annelaurebell]

Éloge de la soixantaine adolescente

Party Girl. Un titre pareil invite à la fête et provoque la sympathie. Quand à Cannes, lors de la cérémonie de clôture du festival, on a vu les trois jeunes réalisateurs, Marie Amachoukeli, Claire Burger et Samuel Theis, aller chercher leur prix (celui du meilleur premier film) en se tenant par la main, on a tout de suite eu envie de les aimer. Ils parlaient d'une énergie commune, racontaient un film fait avec une équipe, dans un ensemble très rock n' roll où jeunes gens et sexagénaires s'étaient appris les uns des autres. Leur long-métrage est à cette image.

Party Girl déborde d'une énergie à la fois joyeuse et désespérée, parce qu'urgente. Comme la musique du film – dont on entend le fameux Party Girl de Chinawoman sur la bande-annonce – il y a une grande douceur mêlée à une âpreté aigüe. Ce film raconte l'histoire d'Angélique, une femme qui, toute sa vie, a été entraineuse de bar - fille "de cabaret", comme on le dit ici. Pas pute mais fille de joies, joyeuse de faire son métier, de travailler, joyeuse de séduire. A l'heure où elle boit plus qu'elle ne fait boire, pointe la retraite. Elle sait son visage buriné par de belles rides qu'elle assume avec une noble fierté - la lumière est signée Julien Poupard. Alors elle envisage de mener la vie tranquille et rangée que lui propose un ancien client amoureux d'elle. Comme on se dit qu'il y a un âge pour arrêter ses études, Angélique se dit qu'elle doit se ranger des voitures et cela rassure toutes ses familles : ses enfants, ses copines - et nous aussi, spectateurs. Pris d'affection pour elle, on la voit, à la fois fragile et forte de son âge, qui continue de flirter avec les dangers et on se dit qu'elle sera mieux à l'abri. Pas sûr.

Farouchement libre, cette adolescente au long passé ne comprend pas pourquoi elle devrait "dire stop à certaines choses" et arrêter sa vie d'avant. Toujours ravie d'allumer les regards, ravie de ces hommes qui lui demandent son prénom et l'invitent à faire la fête, à danser et boire des coups, elle réalise, à mesure que pointe une sage vie de couple, que rien ne l'empêche de continuer à être libre. Angélique est une reine de la nuit qui capte la lumière comme personne. Avec ses profonds yeux bleu-gris de chat, elle porte sa fierté d'être qui elle est comme un étendard : son accent lorrain, son passé, les hommes et ses enfants – en un mot, tout. Elle peut endosser son costume de séductrice, sait qu'elle pourrait bien endosser celui d'épouse ou de mère, être ce qu'on attend d'elle mais elle ne reculera devant rien pour préserver sa liberté. Même à l'âge où les risques sont plus grands, elle ose et prend le parti du mouvement contre celui de l'immobilisme : une leçon.

Il paraît que ce film est totalement autobiographique, tiré de la propre vie du réalisateur, qui joue son propre rôle face à sa propre mère dont c'est l'histoire. A vrai dire, peu m'importe. En effet, rien n'est exhibitionniste ici. Jamais le spectateur ne se retrouve dans une position de voyeur. Réaliste, le film ne triche jamais avec la réalité. Il relève ce défi de nous faire croire que les images sont documentaires et magnifie les bordels de la frontière allemande, une salle de fête de village, la cuisine et la cour d'une maison ouvrière… une belle gageure.

Anne-Laure BELL

Party Girl de Marie Amachoukeli, Claire Burger et Samuel Theis avec Angélique Litzenburger et Joseph Bour – sortie le 27 août 2014

[annelaurebell]

La faim du monde

Il n'y en a finalement pas tant que ça des films sur cette période de la vie où, sorti de l'adolescence, les études terminées, on cherche sa place dans un monde qui tourne encore sans soi. Avec Les Combattants, Thomas Cailley décide d'aborder très précisément ce sujet là. Il suit deux jeunes gens qui, depuis l'enfance, ont entendu parler d'un monde en crise dont la fin était pour demain. Jeunes adultes sans perspective, ils ravalent leurs envies de révolution et se préparent à se défendre. Pour se faire, chacun sa méthode : ne rien faire et se laisser couler dans un univers tout tracé ou bien s'armer.

Cailley aborde ses sujets frontalement – il filme d'ailleurs souvent de face. La première scène de son film montre deux frères discutant le prix du cercueil de leur père, mort récemment, avec un commercial des pompes funèbres. A ce dernier qui tente de leur vendre du pin pour du chêne massif, l'aîné ne mâchera pas ses mots pour lui expliquer ce que sont un bois de qualité et un cercueil bien fait. Même mort, leur père a le droit de pouvoir être fier de la boîte dans lequel il sera enterré : il ne faut rien lâcher, jamais. La société dans laquelle il est plus confortable de se laisser aller que de se révolter n'a qu'à bien se tenir, les combattants sont là. Ils font partie d'une génération qu'on portraiture comme perdue et sans idéal et qui a bien intégré les informations entendues au journal de 20h.

Certains, tel Arnaud (Kévin Azaïs), le plus jeune des deux frères, sont résignés, prêts à prendre le plaisir médiocre qui se présente avec la conviction qu'il n'en rencontrera pas de meilleur. D'autres, comme Madeleine (Adèle Haenel), affutent leurs corps à coups d'entraînements forcenés pour être prêts quand le jour viendra : deux faces d'une même pièce, deux pôles contraires qui forcément s'attirent. Quand le jeune homme tombe littéralement sous la jeune fille, ses convictions tranquilles s'en voient bousculées. Elle porte la conviction que le meilleur n'existe pas, que la menace est dans le confort d'une nourriture de cantine prémâchée et que tout laisser-aller conduit à la mort. Dès lors sa lutte est de chaque instant.

Il n'y a pas d'échappatoire possible pour ces personnages : seule la vérité mérite de se donner la peine d'être vécue. Ils se doivent donc d'être sincères quel que soit le prix de leur douleur. Leurs échanges sont acérés, les dialogues sont d'une franchise effrontée. Portés par la belle naïveté ces héros sont d'une touchante drôlerie. Servis par une mise en scène au cordeau, mais aussi par des décors et des costumes qu'on sent pensés au millimètre, les personnages sont magnifiquement incarnés par deux acteurs qui se portent l'un l'autre et jouent de leurs contrastes pour se valoriser. Elle est masculine, il sera féminin. Elle est forte, il sera doux. Et inversement. A mesure que le film se passe – à la vitesse d'un cheval au galop - les jeunes corps éprouvent leurs complexités. Ils se laisseront bientôt aller à irradier du bonheur de vivre, apprendront à rendre les armes pour reprendre leur souffle, respirer, enfin, magnifiques dans leur exigence traversée.

Anne-Laure BELL

Les Combattants – Thomas Cailley – avec Adèle Haenel et Kévin Azaïs – sortie le 20 août 2014

[annelaurebell]

Doux Sommeil

© Nuri Bilge Ceylan

Les films qui ont reçu la Palme d'Or, c'est un peu comme les livres récompensés du Goncourt. D'une part, ça la foutrait mal de dire qu'on ne les aime pas, d'autre part, quand on dit qu'ils nous ont touchés on peut facilement être suspectés d'insincérité poseuse. Palme et longueur ne doivent amener à avoir un regard compassé et respectueux face à Winter Sleep.

Dans ce film, dont chaque plan et chaque dialogue sont sculptés au scalpel, la franchise de conversations profondes jette les spectateurs dans un trouble et un suspense constant. A mesure que les langues se délient et que les contraires se frottent et se confrontent, l'identité de chacun des personnages s'épaissit et se teinte de couleurs plus ambigües. D'une séquence à l'autre, on se demande bientôt, sous leur douceur de miel, quelles horreurs ces jolis visages fragiles vont-ils bien pouvoir s'échanger. Le bien et le mal, la bonté et la méchanceté, la beauté et la laideur, la pauvreté et la richesse, la culture et l'ignorance, le familier et l'étranger, toutes ces qualités contraires s'incarnent et se répondent en miroir nous amenant à constater que le manichéisme n'est pas de ce monde.

Nuri Bilge et Ebru Ceylan, sa compagne et scénariste, placent Winter Sleep en Cappadoce, une région située au centre de l'Anatolie et chargée d'histoire. Une région volcanique où – comme on le voit sur l'affiche du film – les montagnes ont la douceur pesante d'un paysage lunaire. Aydin (Haluk Bilginer), est propriétaire d'un hôtel troglodyte de très bonne tenue. Bel homme d'une soixantaine d'années, il a mis fin à sa carrière d'acteur, affirmant qu'il ne voulait pas compromettre son talent dans d'indignes productions télé. Ayant hérité de sa puissance, il gouverne maintenant l'hôtel et ses alentours en grand propriétaire terrien. Au cœur de l'hiver, il héberge sa sœur (Demet Akbag) fraichement séparée d'un mari qui la maltraitait et sa compagne, la jeune Nihal (Melisa Sözen) qui a quitté la ville pour le suivre. Tous trois, dans la torpeur de l'hiver, confrontent leurs ennuis bourgeois et s'interrogent sur leurs destins, préférant accuser l'Autre de ce qu'ils n'ont pas fait ou ne peuvent faire que d'assumer leur part de responsabilité. Quelle part de sa liberté confie-t-on à ceux qui nous protègent et que l'on protège ? Quelle liberté se donne-t-on quand on veut incarner un pouvoir magnanime ? Qu'est-ce que faire le bien ?

© Nuri Bilge Ceylan

De nombreuses critiques ont convoqué Ingmar Bergman pour parler de ce film, considérant que, comme de nombreux films du réalisateur Suédois, Winter Sleep dure plus de deux heures et montre de nombreux dialogues. Pour moi la comparaison s'arrête là. Je considère ce film comme finalement assez éloigné de Bergman. Ici la mise en scène convoque davantage la référence photographique que la référence théâtrale (la matière de l'image plus que l'espace frontal). Les rapports entre les personnages reflètent un monde turc – pris entre une laïcité et une religiosité qui n'a rien de bergmanien.

Ce septième film résonne de toute la filmographie du réalisateur Turc, et ce tant sur le plan de la forme que du fond. Il juxtapose des thèmes déjà développés, et ce faisant les approfondit et leur donne une couleur plus complexe. Récompensé, en mai dernier, de la Palme d'Or, Ceylan avait déjà eu les honneurs de la croisette. En 2002, son Uzak était couronné d'un Grand Prix et deux prix d'interprétation masculine attribués à ses acteurs. Ce film suivait un photographe et son cousin dans leur quête de liberté et d'idéal, tous deux errants dans une Turquie filmée avec une beauté incomparable – Istanbul, sous la neige, déjà. Puis se furent Les Climats qui suivait les interrogations d'un couple sur leur vivre ensemble, Les Trois Singes et Il était une fois en Anatolie deux films de crimes portants sur la responsabilité et la culpabilité, trois films respectivement distingués du prix Fipresci, du prix de la meilleure mise en scène et du grand prix à Cannes l'année où ils ont été présentés. La Palme à Winter Sleep n'avait pas plu à tout le monde. Certains dénonçaient une beauté superbe (sic !), d'autres se plaignaient de la longueur de ce film de plus de trois heures (facile), se demandant qui irait voir cette Palme d'Or. Une semaine après sa sortie le film avait déjà convaincu plus de 80.000 spectateurs. Ils continuent d'affluer et les louanges pleuvent encore sur ce magnifique film, à raison.

Anne-Laure Bell

Winter Sleep de Nuri Bilge Ceylan avec Haluk Bilginer, Demet Akbag et Melisa Sözen - Sortie le 6 août 2014

[annelaurebell]

Portrait d'une enfance intranquille

Sur le papier, le projet de l'Américain Richard Linklater avait tout l'air d'une expérience plus proche de l'art vidéo que du cinéma traditionnel. En effet, pendant douze ans, le réalisateur a tourné, chaque année, quelques séquences de son long métrage en utilisant, durant toute cette période, les mêmes acteurs – Patricia Arquette et Ethan Hawke qui incarnent deux parents et Loreleï Linklater et Ellar Coltrane, leur fille et leur fils. L'ensemble de ces séquences racontent la vie d'un petit garçon américain, Mason, et de sa famille.

Ici, Linklater pousse à l'extrême l'adage selon lequel tout film est un documentaire sur ses acteurs et son propre tournage. Voir à l'écran, d'une séquence à l'autre, les acteurs-personnages changer imperceptiblement ou radicalement, nous renvoie à notre propre vie. Les formes plus ou moins épanouies de Patricia Arquette, la coupe de cheveux des enfants, les appareils dentaires… tout cela nous raconte le corps qui grandit, qui incarne à proprement parler le fait de grandir, de voir sa vie bouleversée par une rencontre…

Tout au long du film, à chaque saut temporel, le spectateur a comme le bonheur de retrouver une tête connue. Il en scrute les traits pour savoir comment, en quoi et pourquoi elle a changée. En arrière plan, dans le décor, des cadres photos retracent la vie passée et donne des points de repères en forme de mise en abyme et nous inclut : nous étions là au début du film, quand l'enfant, Mason, maintenant devenu adolescent, avait une tête poupine et nous pouvons témoigner de la réalité de cette photo aujourd'hui posée dans un cadre sur un bureau.

Sans cesse Linklater bouscule ses spectateurs. Toutes ses séquences sont émaillées de musiques pop que chacun connaît. Les entendre nous renvoie à notre propre passé et à ce que nous avons vécu.

BOYHOOD - Bande-annonce par diaphana

Entre la première et la dernière image du film un pan de vie s'est écoulé : douze ans. Certes il y a eu des divorces, des rencontres, des disputes, des bulletins scolaires, des déménagements, des bonnes et mauvaises nouvelles… mais là ne semble pas être l'essentiel de ce qui fait le lien familial. Aussi ce n'est pas l'événement qui intéresse Linklater. Il se concentre sur le quotidien vue par le prisme de Mason, personnage principal de Boyhood. Ce faisant, il dessine le portrait d'une culture américaine loin des caricatures qu'en ont fait nombre de séries et teen-movies. Il y a quelque chose de la vie ordinaire d'un pays qui transparait dans ce film - le rapport aux voisins, à la famille, à la société… - une vie ordinaire qui n'a rien de particulièrement idéale. De la campagne présidentielle pour Obama à la guerre en Irak, en arrière plan, l'histoire du pays concerne ses personnages qui, en citoyens, en sont partie prenante. Certes ils mangent des frites et burgers et célèbrent Thanksgiving mais rien de tout cela n'est un événement positif ou négatif.

Linklater prend le temps de raconter. Ce film de 2h45 propose un autre rapport au temps. Les spectateurs savent que la vie recèle moult dangers et suivent la vie Mason avec une anxiété bienveillante. Comment ce petit garçon, qui à la première scène partageait avec sa mère ses réflexions sur le vol des papillons, va-t-il grandir ? Quelles bêtises fera-t-il ? Bien sûr qu'il va désobéir et jouer avec des objets tranchants alors qu'on l'a mis en garde mais se sectionnera-t-il un doigt bêtement ? Bien sûr qu'il fera la fête et rentrera en voiture. A chaque instant, le drame peut bêtement survenir. Grandir, c'est traverser des épreuves et, à chaque instant, on est comme soulagé de réaliser tout ce à quoi Mason échappe.

D'instants en instants, comme la vie qui s'écoule, le film avance sans autre but précis que celui de montrer la vie. On suit et on partage les questionnements de l'adolescent qui se demande bientôt où il va et 'à quoi ça sert tout ça'. Alors, au détour de la séquence finale, Linklater montre l'amour qui pointe avec son grand A et on sait qu'il ne s'est agit que d'être pleinement vivant.

Anne-Laure Bell

Boyhood de Richard Linklater – sorti le 23 juillet 2014

[annelaurebell]

Werner Herzog, ce grand comique

Je fais partie de ceux qui l'ignoraient jusqu'à ce que je découvre sur Arte le film Incident au Loch Ness. Je vous conseille d'ailleurs vivement de le rattraper, via Arte +7 - il reste moins de 48h.

Comment donner envie sans trop révéler afin de ne pas déflorer le plaisir…

Disons que ce film illustre à merveille l'expression d'Andy Warhol : "Art is a dirty job but someone's got to do it…" 

Arte le décrit ainsi : "Pour les besoins du film Enigma of Loch Ness, le bouillant cinéaste allemand et son producteur et coréalisateur américain Zak Penn partent en Écosse mener une enquête sociologique approfondie sur l'influence du mythe du monstre du Loch Ness sur son environnement immédiat. Accompagnés d'une équipe de cameramen, dont certains tournent un portrait consacré à Werner Herzog, les deux acolytes se mettent en route. Des tensions surgissent rapidement entre Zak, l'homme d'Hollywood, qui passe pour la première fois derrière la caméra, et, Werner, l'aventurier cinéaste aguerri, abonné aux causes désespérées."

Ce film date de 2004 – ahah les énormes téléphones portable – et il a été diffusé le 5 septembre dernier. Il sera de nouveau diffusé le 18 septembre à 02h25.

[annelaurebell]

C'est la rentrée (encore)

Les bambinos reprennent le chemin de l'école et tous les murs de Paris ont leur affiche pour vanter les mérites d'un équipement ad hoc pour affronter cette épreuve, que seul un passage en caisse pourra aider. Pour combler l'angoisse qui étreint toute famille normalement constituée face à La Rentrée quoi de mieux que shopper ?

Les pubs qui cherchent à attirer des consommateurs bien précis dans des magasins censés leur être destinés ont fleuri aux quatre coins de Paris. Elles sont assez bien faites et fascinantes tant elles sont bien ciblées.

Ainsi à la Redoute, on vous propose d'habiller des enfants qui travaillent. Certaines affiches montrent des filles et des garçons un peu délurés mais bien à l'école - les cahiers sont là dans la version fille, pour la version garçon, la sonnerie de l'école retentit (eh oui déjà une dichotomie !).

Au BHV c'est un peu plus sérieux. Les petites filles sont des futures diplômées et ont tout l'équipement nécessaire pour être de bonnes élèves...

Je suis restée un peu étonnée devant l'affiche du Bon Marché. Vraisemblablement, les enfants dont les parents s'y rendent n'ont pas l'air de faire leur rentrée à l'école...

Les mômes de l'ultra chic grand magasin parisien ont plutôt l'air d'aller au château qu'en classe, et ce, conduits par une voiture dont le chauffeur… c'est maman. Elle tire une carriole chaussée de bottes-chics-mais-pas-pratiques, un peu comme une palfrennière classe. C'est sûr, elle n'a pas l'air d'avoir à enchaîner avec 1h de transport et 8h de bureau...

Fascinant... non ?

[annelaurebell]

Ca repousse !

Prise par d'intenses activités voilà un peu moins d'un an que j'ai délassé cet espace de liberté. Je me disais à-quoi-bon, pourquoi-faire, pourquoi émailler la toile de mots supplémentaires, pourquoi exprimer du "soi". Apparemment, je ne suis pas la seule à me poser ce genre de questions. Il semble que l'ère du 2.0 évolue.

En repensant à ce que j'avais posté, je me disais aussi que j'étais parfois tombée dans la course à la chronique. Tout ce que je voyais, lisais, pensais, pouvait faire matière à post, tout devait donc passer par ce prisme. Or, même si je suis une femme de mon temps et que le temps est à l'ex-time (le contraire de l'intime), je place la vie au-dessus de ça. Il y a des jolies choses que je n'ai pas eu envie de partager.

Ainsi, qu'ai-je fait depuis ce retour de Corée ?

Vivre sa Vie - Nana's Dance (Anna Karina) par Tushratta

Tout simplement.

Aujourd'hui l'envie revient, comme l'herbe qui pousse entre les pavés du quartier latin - ce qui m'impressionne vachement.

Porte d'Orléans par exemple, ça fait près de deux ans qu'ils font des travaux pour continuer la ligne 4 du métro. Eh bien malgré le béton armé, le ciment, les forages, les tractopelles et cætera, des arbres et des plantes bizarres ont poussé.

Etonnant non…

Anne-Laure

[annelaurebell]

Busan 2011 : Carte Postale #13

Le festival s'est terminé avec une cérémonie de remise de prix. Dans la sélection New Current c'est un film Philippin, Nino, de Loy Arcenas et un film Iranien, Mourning, de Morteza Farshbaf qui ont été primés.

J'ai vu les deux. Ils ne m'ont pas touché. Dans le premier, je n'aime pas les acteurs et le scénario me semble prévisible, bourrée de lignes de dialogue un peu lourdes. Mourning est un film étrange qui a une forme très intellectuelle : le réalisateur suit un couple de sourds-muets qui conduisent un enfant jusqu'à ses parents tout en sachant que ceux-ci viennent de mourir dans un accident de voiture. Farshbaf filme de superbes paysages, la photographie est aussi majestueuse que magnifique. La grande idée est que le couple sourd-muet échange en voix-off. Ainsi les lignes de dialogues sont sous-titrées sans qu'une parole ne figure sur la bande-son... L'impression que ce film aurait pu faire un roman m'a submergée.

Dans la catégorie Flash Forward, le film primé est l'italien Là-Bas - A Criminal Education réalisé par Guido Lombardi. Je n'ai pas pu le voir.

Remis à un film coréen, toutes sections confondues, le prix Netpac est allé au film d'animation The King of Pigs de Yeun Sang Ho.

Deux documentaires, Sea of Butterfly du coréen Park Bae-il et Shoji & Takao du japonais Yoko Ide, que je n'ai également pas vus, sont repartis avec un prix du mécénat. Pour ma part je suis partie avec une légère envie de revenir... (oh que ce n'est pas original !)

[annelaurebell]

Busan 2011 : Carte Postale #12

Retour vers le futur

Invité au festival de Busan qui lui remettait un prix honorifique couronnant sa carrière artistique, Luc Besson y a présenté The Lady. Son dernier film raconte la vie de l'opposante birmane Aung San Suu Kyi, incarnée à l'écran par Michèle Yeoh, grande actrice de films d'arts martiaux et de facto beaucoup plus célèbre et populaire en Asie qu'en Europe.

Luc Besson est également très connu ici. Après avoir reçu son prix, il a donné une master classe et laissé ses empreintes dans le béton sur la place du palais des festivals.

S'il n'a pas encore de date de sortie coréenne (en France il sort le 30 novembre), son blockbuster politique devrait logiquement être visible en salles. Face à cet événement médiatique, un film birman a provoqué moins d'attention. Projeté dans la section New Current, Return to Burma a pourtant de quoi intriguer et susciter la curiosité. Premier film de Midi Z, il raconte le retour en Birmanie d'un ouvrier qui a passé douze ans à travailler comme ouvrier à Taïwan. Parti à l'adolescence avec son ami Rong, Wong Xing-hong revient en portant les cendres de ce dernier décédé en tombant de la tour qu'ils construisaient. C'est le Nouvel an. Tel un étranger dans son propre pays, il retrouve chacun et, lors d'une conversation informelle, demande des nouvelles.

Midi Z filme très efficacement, très simplement. Il place sa caméra à un endroit stratégique, prend soin de la lumière et du cadre et laisse advenir la réalité birmane. A peine arrivé sur ses terres, dans le bus qui le ramène chez sa mère, Wong est bercé, comme assommé par les chants patriotiques caricaturaux que crachent les micros.

Réalisateur d'origine birmane Midi Z (photo) a tourné ce film sans demander aucune autorisation. A part le personnage principal, tous les autres protagonistes sont, dans la vie, ce qu'ils sont à l'écran. Pourtant j'ai l'impression que le scénario est très finement écrit : à chaque séquence Wong interroge ses proches sur la réalité birmane et, tout en étant très clairs, jamais personne ne critiquera frontalement le pays. C'est en creux qu'on comprend les choses.

Wong commence par aller voir son frère et son père. Dans une belle conversation éclairée à la bougie, ils parlent des salaires qu'ils gagnent. La différence va de 1 à 10. En Birmanie, le salaire est fixe quelque soit la somme de travail abattue. Judicieusement Midi Z enchaîne les séquences qui permettent au spectateur d'attribuer une valeur à l'argent. Un jeune ouvrier birman gagne en moyenne 3 000 kyat, un vieux 4 000, Wong annonce que son salaire taïwanais était de 30 000 voire plus s'il faisait des heures supplémentaires. Le prix d'un micro-ondes importé de Chine atteint les 15 000.

Wong rend visite au responsable d'une toute petite entreprise, il apprécie la modeste machinerie électrique et apprend que pour avoir un compteur électrique il faut en faire la demande au gouvernement et payer 1 million de Kyat…

Dans une conversation très calme et posée, informelle, debout avec en bruit de fond les petits moteurs qui tournent, Wong demande d'où viennent ces machines. Certaines sont fabriquées en Chine mais dans l'une d'elles "le filtre est fabriqué en Birmanie", précise l'interlocuteur.

La tournure des phrases employées dévoile davantage que si Midi Z dénonçait billes en tête. Ainsi quand on entend "avant l'électricité marchait très mal, maintenant c'est bien" on devine que ce n'est pas tout à fait vrai, que c'est une manière de parler qui fait partie de la propagande généralisée, pratiquée par tous et pour tous sans que personne ne soit dupe.

Après cette discussion sur les machines, Wong rencontre trois personnes qui dealent avec une femme sur le trottoir. Celle-ci prévient que les plus vieilles sont moins chères mais restent de qualité. On a encore l'impression qu'il s'agit de mécanique, en fait on s'aperçoit qu'on parle là de putes…

Midi Z construit finement et judicieusement ses plans. Il filme par exemple une conversation entre hommes qui ne trouvent pas à se marier en les montrant face à deux grandes affiches de pub où des jeunes femmes ont un sourire étincelant de promesses.

Chaque séquence de ce film ajoute à l'étonnement. On voit un groupe de jeunes gens qui, guitare à la main, s'imaginent en chanteur star et ne rêvent que d'ailleurs mais sans savoir où situer leurs envies sur une carte. Le film se clôturera sur le départ de deux d'entre eux pour la grande ville étrangère d'où ils ramèneront l'argent destiné aux proches. Visiblement la ronde continue.

Politique, ce film condamne fermement la junte au pouvoir. Si elle ne menace pas encore de tomber, ainsi grignotée, elle est en tous cas démasquée. Doucement menaçant, implacablement critique, Return to Burma doit être vu le plus possible. Je ne sais s'il a trouvé un distributeur français et s'il pourra être vu ici, je serai désolée si cela n'était pas le cas. Si vous avez des infos à ce sujet, dites-moi !

Anne-Laure Bell

[annelaurebell]

Busan 2011 : Carte Postale #11

On a retrouvé Pac-man ! Il est kidnappé dans un motel coréen !

[annelaurebell]

Busan 2011 : Carte Postale #10

Outre au nouveau "Palais", les films de ce festival sont projetés dans trois complexes qui font chacun partie d'un grand magasin. Un peu comme si au dernier étage des Quatre temps à la Défense on trouvait une douzaine de salles de ciné.

Là au dernier étage du Lotte, dans le hall d'où partent les accès aux huit salles, on peut voir d'impressionnants murs de publicité. En voilà une ici pour Always, film projeté en ouverture du festival...

Anne-Laure Bell