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Entrevue avec Stéphane Dreyfus, journaliste à La Croix

Stéphane Dreyfus est journaliste culturoweb à La Croix. Amateur et connaisseur de cinéma, avec un penchant particulier pour l'animation, il nous narre son point de vue journalistique ainsi que ses prévisions pour l'avenir...

Cette interview a été l'occasion de discuter de son parcours, son rapport au cinéma, sa visite à Annecy, l'évolution d'internet, ses idées pour contrer les clichés liés aux courts métrages d'animation, le tout dans les grands locaux de La Croix.

Bonne lecture !

06 août 2013 | Bérénice Dormann

Entrevue avec Stéphane Dreyfus, journaliste à La Croix

Vous vous définissez comme un journaliste « culturoweb », qu’est-ce que c’est précisément ? Cela englobe-t-il la rubrique nouvelles technologies, cinéma, musique, théâtre, idées cuisine, voyages et autres ?

Oui, c’est un peu tout. Je suis un journaliste web à l’origine. Depuis 6 ans je collabore régulièrement avec le service culture et la rubrique cinéma, qui est à la charge d’Arnaud Schwartz. Je suis 100% dédié à la culture pour produire des articles multimédias qui touchent à tous les champs de ce service pour le site puisque le journal est passé en bi-média depuis 1 an, ce qui veut dire que tous les journalistes sont amenés à travailler sur les deux supports. De façon un peu plus ambitieuse, je créé des vidéos et des choses « un peu plus web » que de simples articles. C’est assez fastidieux. Pour résumé, je m’occupe de la culture en général et plus particulièrement dans la rubrique nouvelles technologies, c’est-à-dire le numérique qui touche à la culture comme le cinéma. J’aime beaucoup le cinéma d’animation, depuis toujours alors je me suis spécialisé là-dedans en allant à Annecy tous les ans et en essayant de voir ce qui sort au cinéma, en long métrage.

Quelles études, quel parcours avez-vous fait pour accéder à ce poste ?

J’ai fait de longues études d’histoire, je suis allé jusqu’à la maitrise. J’ai commencé un DEA, que je n’ai pas terminé. J’ai fait une maitrise science politique et j’ai enchainé par deux années Sciences Po, à Paris. Je n’ai pas fait d’école de journalisme parce que j’avais déjà fait de longues études. Je savais ce que je voulais faire : de la presse écrite ou internet. J’ai commencé au Monde.fr il y a 12 ans. C’était enrichissant car ça m’a apprit à voir tout le potentiel du web à une époque où les sites internet n’étaient pas très ambitieux.

Vous faites des critiques aussi bien sur des bandes dessinées telles que Blacksad que sur des films Kirikou et les hommes et les femmes, avez-vous une préférence de support et pourquoi ?

Pour la bande dessinée, on a une rubrique « art », c’est-à-dire une personne qui reçoit toutes les bandes dessinées, ce qui n’est pas mon cas. Je suis tout de même ce support parce que je l’apprécie beaucoup et parce que j’ai des amis qui me donnent de bons conseils. Cependant, il m’arrive parfois de faire des articles uniquement pour le web, très rarement pour le papier. Par exemple, une fois je suis parti au Japon pour des vacances, alors j’ai fait un reportage sur le manga que j’ai publié à l’occasion d’Angoulême. C’est très occasionnel.

Ce que j’aime le plus, très sincèrement, c’est le cinéma d’animation. C’est le domaine avec lequel j’ai toujours ressenti le plus de plaisir que ça soit pour l’écriture ou pour le visionnage. Le festival d’Annecy est une bouffée d’oxygène incroyable chaque année parce que l’on voit des choses originales mais aussi bizarroïdes. C’est un foisonnement dans une ambiance absolument géniale. Du coup, c’est vraiment sur ce domaine-là que je préfère écrire.

Quel a été votre ressenti sur l’ambiance générale d’Annecy cette année ? Avez-vous un film, un réalisateur voire un moment qui vous a marqué ?

J’y vais depuis 5 ans déjà. Cette année, j’ai trouvé que la sélection de longs métrages était moyenne par rapport aux années précédentes. Ce n’est pas lié à Marcel Jean, qui est quelqu’un de compétent, que j’ai rencontré. Le marché de l’animation est un marché cyclique donc il y a des années moins bonnes que d’autres.

Cette année ce que j’ai beaucoup aimé dans les longs métrages c’est Jasmine d’Alain Ughetto. Ça m’a beaucoup touché. C’est un film très intime avec une histoire qui est la sienne – son histoire d’amour avec une iranienne qu’il a perdu de vue par la suite. Je trouve que la forme qu’il a utilisée est ambitieuse du point de vue formel, un peu expérimental aussi. C’est de la pâte à modeler simple, basique mais il montre ses mains en train de la fabriquer pour justement montrer que cette pâte à modeler est vivante, qu’elle a un cœur qui bat à travers ses mains. Il y a un rapport fort entre le charnel dans la pâte à modeler et le rapport amoureux qu’il a eu avec cette femme. J’ai trouvé cela très beau mais les autres films m’ont laissé assez indifférents.

Pour les courts métrages, j’ai eu un coup de cœur incroyable sur le cristal du court métrage. Le film du canadien, Chris Landreth qui s’appelle Le Jeu de l’inconscient. C’est un film complétement délirant et drôle qui a l’originalité de mêler plein de techniques d’animation. Là aussi la forme rejoint totalement le fond de façon admirable.

Vous avez parlé dans l’une de vos critiques du film de Sachka Unsfeld Le Parapluie bleu, en quoi est-il « visuellement stupéfiant » ?

Oui c’était assez scotchant. Ca rejoint ce sur quoi Marcel Jean a beaucoup insisté : un programme « animation off limits » pour montrer que l’animation sortait de ces frontières classiques, des dessins animés, de la pâte à modeler etc. Le Parapluie bleu est stupéfiant parce qu’on ne sait pas si l’on est dans un film en prise de vue réelle ou dans un film d’animation. C’est assez étonnant et volontaire de la part du réalisateur, que j’ai rencontré.

L’histoire est basique, simple et pas très originale mais la forme rend, pour le coup, le film vraiment touchant parce qu’on est encore plus étonnés de voir des éléments de la ville s’animer : les feux rouges, les gouttières et les parapluies. C’est l’une des choses les plus belles que j’ai vu à Annecy cette année.

D’une façon globale, le cinéma d’animation est méconnu ou plutôt mal connu, il est relié au cliché « c’est pour les enfants ». D’ailleurs Bill Plympton, qui est dessinateur de bande dessinée et réalisateur de films d’animation américains, explique qu’ « il est difficile de trouver de l’argent quand on ne fait pas des films d’animation pour enfants. » D’après vous, pourquoi ce cliché existe-t-il encore ?

D’après Jean Pierre Pagliano, historien du cinéma et critique de films d’animation, dans son livre Le Roi et l’Oiseau, voyage au cœur du chef-d’œuvre de Prévert et Grimault écrit « un nombre d’animateurs ont pris conscience que le dessin animé pouvait éveiller les consciences, marier réalisme et symbolisme et dégager une profonde émotion ». Qu’en pensez-vous ? D’après vous que faudrait-il faire pour que le public ait une autre opinion du cinéma d’animation ?

Il faut qu’il y ait des films qui touchent un public plus large. Par exemple, les cinéastes japonais s’adressent à tous les publics, du coup, tous les gens qui ont vu les films du studio Ghibli, à partir des années 90, vont voir des films d’animation par la suite parce que ce sont des films de qualité avec une esthétique sur le fond et sur la forme. Ce sont des films très riches. Il faut prendre exemple la dessus avec de jeunes réalisateurs qui fasse des films qui s’adressent à tous les publics avec des distributeurs qui aient le courage de les lancer. Il y en a en France, même si ce n’est pas évident à trouver. Folimage est le seul vrai studio en France mais ils font des films plutôt destiné à un public d’enfants. Il y a Autochenille production de Joann Sfar, Antoine Delesvaux et Clément Oubrerie qui ont fait Le Chat du rabbin qui est pour tous les publics ou encore Aya de Yopougon. Le souci c’est que la production s’adresse encore essentiellement à un public enfantin.  

On parle souvent de la violence à la télévision pour contrer cela, il faut de l’éducation par l’image dès l’école. Une appropriation des codes du cinéma d’animation qui permet aux enfants de comprendre que ce n’est pas qu’un médium comme un autre puisqu’il est difficile à réaliser et permet de créer des histoires de toutes sortes. Il y en a des films qui sortent mais ne rencontrent pas toujours leur public comme Couleur de peau miel, qui s’adressait à un public cible en particulier. C’est un film sur un enfant coréen qui a été adopté en Belgique, c’est l’adaptation d’une bande dessinée.

Pour les courts métrages, le problème c’est qu’il n’y a pas de canal de diffusion large en France. La première année où je suis allé à Annecy, cela m’a vraiment frappé : tous ces films merveilleux qu’on ne peut pas voir en salles c’est vraiment désolant. Exception faite à Pixar et Disney. La solution peut-être internet, à l’époque j’avais fait un papier la dessus car il y avait des tentatives pour montrer des courts métrages en VOD de façon gratuites et parfois payantes.

Alors, selon vous, internet va devenir le premier support de diffusion pour les films d’animation ?

La question se pose pour les films en général parce que c’est les mêmes problématiques de chronologie des médias, les mêmes problématiques de public. J’ai l’impression que ce qui marche sur internet c’est les secteurs de niches. Donc justement des films plus ambitieux, plus formel sur le fond en l’occurrence d’animation peuvent avoir une seconde vie intéressante en VOD. Le problème de ce moyen, pour le moment, c’est la qualité médiocre et le cout par rapport aux DVD. Je ne sais pas, il y a un modèle à trouver peut-être de la SVOD donc de la VOD forfaitaire, à l’abonnement comme ce que propose Canal+ pour l’animation. On en revient toujours, aux enfants, mais la chaine Gulli fonctionne très bien et passe de temps en temps de l’animation. Alors les séries ne sont pas forcément géniales mais cela prouve qu’il peut y avoir de la place pour une chaine, sur internet, qui serait uniquement dédié au cinéma d’animation et aux courts métrages. Au-delà d’internet, il y a également les téléphones portables puisque les gens consomment plus facilement les formats courts. C’est l’idée que j’avais quand j’ai fait ce papier à l’époque mais je n’ai pas l’impression que quiconque se soit lancer. Il n’y a qu’aux Etais-Unis qu’on commence à voir apparaitre des géants de la diffusion sur internet comme Netflix. Il faut un modèle économique très travaillé.

Beaucoup de films d’animation se tournent vers des plateformes de financement participatif. Chez Croq’Anime, nous avons développé un financement participatif sur le site Ulule, nous avons déjà 31%. Pourquoi le domaine qu’est le film d’animation a autant de difficultés à récolter des fonds que ce soit pour réaliser ou pour diffuser des films ?

C’est un secteur où ce n’est pas toujours facile de trouver de l’argent et tout dépend de quel film on veut produire. La fabrication en animation coute plus chère qu’un film en prise de vue réelle parce que ça demande plus de travail, plus de main d’œuvre, etc. alors ce n’est pas évident de trouver de l’argent en France d’autant qu’il n’y a pas de gros studios qui peuvent absorber la masse de travail nécessaire. De plus, les distributeurs de films d’animation on les compte sur les doigts de la main. Ça coute très cher en distribution parce que la compétition américaine est soutenue par des studios qui ont l’argent pour écraser la concurrence du point de vue marketing et publicitaire. Pour pouvoir faire face, il faut vraiment beaucoup d’argent. Par exemple, Didier Brunner des Armateurs est un producteur reconnu car il a lancé Michel Ocelot, Les Triplettes de Belleville, et a produit Ernest et Célestine. Jusque-là il travaillait avec GBK et il y a eu un moment ou GBK n’a pas pu s’aligner parce que le producteur veut réduire son risque et s’assure que le distributeur avec lequel il va travailler pour pouvoir avoir une force de marketing et publicitaire suffisante. Du coup, en France il y en a très peu qui font appel au financement participatif au niveau de la diffusion.

J’avais fait un papier sur le financement participatif cette année après Annecy ou on m’a expliqué qu'un réalisateur en compétition avait été financé en partie par Kickstarter. Ce site internet américain fonctionne parce que c’est de la niche et que le monde de l’animation est une bonne communauté. Toutes les campagnes ne marchent pas mais dès lors qu’on s’adresse à une niche ou une communauté soudée, bien animée et motivée ça fonctionne parfaitement. Je pense que c’est les mêmes problématiques que pour le cinéma en prise de vue réelle.

Est-ce un bon moyen de sensibiliser les spectateurs au film d’animation que de mélanger la prise de vue réelle et l’animation comme dans Le congrès d’Ari Folman ? Comme vous l’avez dit dans l’un de vos articles, est-ce une bonne idée pour essayer d’effacer les frontières entre ces deux genres et ainsi démontrer ou montrer que le film d’animation est aussi du cinéma ?

L’animation prend plus de liberté que les films en prise de vue réelle. Qu’en pensez-vous ?

J’ai l’impression qu’il y a une inventivité folle qu’on retrouve rarement dans le cinéma en prise de vue réelle. C’est difficile de faire des généralités parce le cinéma en prise de vue réelle et le cinéma d’animation ont tellement de choses différentes. En plus, on ne peut pas tout voir mais je trouve que dans l’animation, il y a des choses qui sont à couper le souffle du point de vue formel et du fond. C’est très intelligent, drôle et intéressant. Le court métrage de Chris Landreth est scotchant.

Cette année, pour la première fois, lors du festival, nous allons décerner un prix musique. Pensez-vous que la musique ait une place vraiment importante dans les films d’animation ?

J’y fais attention bien sûr. Dans le cinéma d’animation, je concentre mon attention sur les images, les techniques, le fond. La musique est l’un des éléments mais je n’y fais pas plus ou moins attention qu’un film en prise de vue réelle. Elle a tout de même une place importante parce que parfois il y a des films d’animation complétement muets. Par exemple, dans Paperman de Disney il y avait une musique très belle malgré le fait que le film est complètement muet. La musique est presque comme un personnage. Il y a quelques films d’animation qui sont aussi des comédies musicales, le chef d’œuvre c’est quand même L’Etrange Noël de monsieur Jack. Les musiques de Danny Elfman sont sublimes. Les Noces funèbres aussi étaient très belles. Dans Coraline il y avait aussi très belles musiques et plein de parties musicales.

J’ai eu la chance juste après Annecy d’aller chez Disney, à Los Angeles. On y était allé pour la ressortie en DVD du Livre de la Jungle et de la Petite Sirène qui vont ressortir à la rentrée. Ils ont fait venir Richard Sherman qui est compose avec son frère, un duo de compositeurs et de musiques de films. Ils ont bossé pour Disney pendant environ 15 ans et ils ont composé une quantité de musiques de film Disney comme Mary Poppins. Il nous a fait un petit récital des chansons du Livre de la Jungle – sauf « Il en faut peu pour être heureux, la seule qu’il n’a pas écrite – c’était chouette ! Mais c’est lui qui a composé cet air atroce qu’est It’s a small world after all. Il nous a chanté ça, c’est un truc qui colle à la tête toute la journée. Hormis ça, on se rend plus compte de l’importance de la musique et des chansons.

L’année dernière, vous êtes allé à la Japan Expo. Aimez-vous les mangas tels que Naruto ou encore One piece ? Quelles sont les grandes différences que vous ressentez entrer la culture nippone et la culture occidentale ?

Je ne suis pas un grand lecteur de mangas. J’avais beaucoup de préjugé sur les mangas parce que ça restait des feuilletons en série, un peu industriel, pas très intéressant. Cependant, j’y suis venu via Taniguchi, qui fait une forme de manga, de roman graphique manga. Les différences de gouts du public entre les deux pays se trouvent dans les œuvres pour lesquelles il est connu en France et au Japon : ce n’est pas les mêmes ! J’y suis venu aussi avec Miyazaki, qui fait de très beaux mangas notamment Nausicaä. Egalement par mes neveux qui m’ont prêtés One piece. J’en ai lu 2-3, je me suis assez vite lassé mais au début j’ai trouvé ça très rigolo. Je suis pas du tout convaincu par le graphisme, que je trouve, en général, assez laid sauf Taniguchi ou Miyazaki. J’ai lu par exemple, Les Gouttes de Dieu, cette série sur le vin, qui a énormément de succès au Japon et en France. C’est assez connu et c’est très marrant. Donc de cette série, j’en ai lu 3-4. Et là je suis en train de lire une série très rigolote qui s’appelle Thermae Romae qui a un succès délirant au Japon. C’est l’histoire d’un romain de l’empire romain, qui se retrouve projeter dans des faillesspatiaux temporelles, dans des bains publics du Japon moderne.

Pour les différences, ça se remarque tout de suite quand on arrive au Japon. On est sur une autre planète. La série Thermae Romae est rigolote parce que justement on voit les différences et à la fois les ressemblances. C’est uniquement sur les bains, mais c’est cette recette qui plait aux enfants parce que c’est toujours des histoires initiatiques, un adolescent qui n’est pas comme les autres, qui est un peu cancre et qui s’en sort. Là-dessous, il y a aussi des codes moraux qui sont effectivement très différents avec un refus souvent du manichéisme. Etonnement, c’est ce que j’ai découvert avec Ghibli, c’est des univers beaucoup plus ambigus que ceux en Occident. Les gentils et les méchants ce sont des affrontements de logique. Dans Princesse Mononoké de Miyazaki, ça m’avait vraiment frappé. C’est-à-dire que le méchant n’est pas vraiment méchant, il peut être aussi gentil. Ca amène à la réflexion et c’est très lié à la culture nippone avec le yin et le yang, avec ce côté qu’on en nous un peu des deux. Faut savoir être un peu moins moraliste.

En étant un journaliste « culturoweb », vous pensez que le support digital dépasse ou va dépasser le support physique ?

C’est une vaste question ! Il y a plein de théories là-dessus. De mon point de vue, je pense que les deux supports sont complémentaires et que le papier a encore de longs jours devant lui dès lors qu’on est un peu plus attentif aux attentes du lectorat et publier des choses sur le net sans avoir la volonté de faire du clic avant tout. Je pense que le papier continue à exister sous des formes différentes et que le web va se développer mais en évoluant différemment parce qu’il y a des sites qui sont trop des copies conformes de ce qu’on trouve sur le papier et qui ne sont pas passionnantes. Je pense qu’il y a une réponse adaptée pour chaque journal en fonction de son public. Nous, on a un lectorat qui est relativement aisé et donc du coup qui acceptent de payer pour nous lire en papier et maintenant de plus en plus en numérique. Il y a toujours une vigilance extrême à l’égard du gratuit chez nous comme on a un lectorat qui reste limité les revenus publicitaires ne sont pas énormes. Il faut trouver un modèle, ce qui fonctionne c’est la niche encore une fois. Dans tous les cas, le papier va continuer d’une façon ou d’une autre. J’en suis persuadé. Après peut être qu’on passera à des supports différents à des tablettes souples ou du papier à encre électronique. Je n’ai pas d’attachement viscéral au papier ni d’admiration béate pour le web même si c’est un médium génial, qui offre – tout comme l’animation – plein de possibilités, beaucoup plus qu’il ne l’est maintenant. Du coup c’est l’occasion de s’interroger sur nos pratiques journalistiques mais je n’ai pas du tout la solution !

Vous êtes également critique de cinéma, Comment avez-vous aiguisez votre sens de la critique ? Par tous les films que vous avez visionnés ou par quelqu’un qui vous a inspiré ?

J’ai toujours aimé le cinéma, c’est ma grand-mère qui m’a initié. Après j’ai lu Les Cahiers du cinéma pendant 10 ans, ça m’a appris à regarder un peu différemment les films surtout du point de vue formel. Après pendant mes études à Sciences Po, j’ai choisi tous les cours possibles et inimaginables en rapport avec le cinéma. Du coup, j’ai écrit quelques papiers pour former mon point de vue critique. C’est àLa Croix que j’ai vraiment écrit. Arnaud Schwartz, qui dirige la rubrique, m’a beaucoup guidé parce qu’écrire des critiques cinéma à La Croix c’est un peu particulier car dès qu’on touche des sujets qui s’approchent du sensible il faut savoir dire les choses en prenant toutes les précautions d’usage pour être que le lecteur ne puisse pas reprocher d’être allé voir un film qu’il trouve répréhensible du point de vue moral ou du point de vue de la violence, etc. Ce n’est pas de l’auto censure mais une façon de dire les choses différemment.

Après je lis mes collèges, les Cahiers du cinéma, parfois Positif et puis je lis la presse cinéma quotidienne. Je vais voir des films pour le journal : de l’animation, des blockbusters, des grosses productions hollywoodiennes – c’est un cinéma qui m’amuse et que je trouve intéressant.

Avez-vous un message pour Croq’Anime ?

Restez motivés comme vous êtes ! Je trouve que vous avez une sélection de films intéressante à chaque fois. C’est gratuit et donc super parce que c’est typiquement le genre d’évènements qui peut permettre au grand public de voir de l’animation qu’on ne peut voir qu’en festivals, souvent payants. En plus, ça permet de sensibiliser les gens aux courts métrages, choses que l’on voit peu d’habitude !

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Entrevue avec Francis Gavelle

Producteur d’une émission de radio dédiée aux livres, à la musique et au cinéma sur Radio Libertaire, membre de la commission “court métrage” de la Semaine de la Critique (Festival de Cannes) de 2001 à 2011, sélectionneur “court métrage” de l’édition 2009 du Festival du Film d’Animation d’Annecy et membre du comité “animation” des César…

Francis Gavelle donne le ton et s’investit pleinement dans le cinéma d’animation, mais pas seulement !

Bonne lecture !

Quels sont vos critères pour définir un bon film d’animation ? Le fond doit-il rejoindre la forme ?

Oui, le fond doit rejoindre la forme ; mais après la question est toujours difficile. Quels sont les critères pour définir un bon film ? Qu’est-ce que j’attends d’un film ? En fait, j’attends qu’il me transcende, qu’il me propose une vision transcendée de la réalité. Pourquoi va-t-on au cinéma ? Pour voir un concentré de vie, qu’elle soit quotidienne ou improbable. Je n’irai jamais dans l’espace, mais j’attends de Star Warsqu’il me rendre le monde galactique possible ! En tout cas, j’ai envie, en tant que spectateur, de quelque chose de dense, d’un film qui provoque une interrogation par rapport au monde qui nous entoure. Et cela, même dans le cadre d’un divertissement.

Pour en revenir à l’adéquation entre le fond et la forme, je crois que c’est le but que se fixe tout réalisateur, en prise de vues réelles comme en animation. L’adéquation n’est pas forcément immédiate, elle se cherche. On avance à tâtons. Parfois, il faut un moment déclencheur : trouver le titre du film par exemple, et trouver ainsi le cœur du récit et la forme que celui-ci doit prendre. Parfois, cet équilibre entre la forme et le fond peut risquer d’être remis en  cause par le manque de financement  – ou le mauvais financement – du film, par des conditions de tournage contraignantes et le réalisateur – avec le soutien de son producteur – doit veiller à la sauvegarde de l’idéal du film, quitte à l’adapter. Finalement, en prise de vues réelles comme en animation, ce qui compte, c’est de réussir à préserver la vision du monde, que l’on veut offrir, simple partage ou discussion contradictoire, au spectateur.

Voyez-vous le cinéma d’animation comme un large champ d’expérimentation, avec de nouvelles techniques à développer ?Le cinéma, comme tous les arts, est un champ d’expérimentation et le sera toujours. Après, la spécificité du cinéma, pour reprendre la phrase de Malraux, est que c’est un art et une industrie. Aujourd’hui, en long métrage, on pourrait dire que la norme industrielle, c’est l’animation 3D. C’est en tout cas la volonté affirmée par Hollywood, qui propose une production de blockbusters standardisés. Parallèlement, il existe, en court métrage, des réalisateurs qui proposent, film après film, une approche non standardisée de la 3D. Par exemple, Jérémy Clapin : si la palette chromatique de Skhizein est dans les marrons, les verts ; Palmipedarium travaille sur l’abstraction en matière de couleurs, une abstraction au blanc, serais-je tenté de dire. Même chose pour le design graphic des personnages, que chaque film élabore de manière spécifique, et non interchangeable, comme la production mainstream américaine.Même chose, dans un autre domaine, pour le cinéma abstrait. Comme c’est un cinéma non narratif et non figuratif, il reste toujours marginal. Mais le travail des expérimentateurs qu’ont pu être, dans les années 20-30, des artistes comme Hans Richter ou Oskar Fischinger, plus tard encore Len Lye ou McLaren, est à un moment ou à un autre récupéré, transformé, par l’industrie. Le grattage sur pellicule, par exemple, avec l’aspect sale qu’il vient donner à l’image, finit par devenir une marque de fabrique de nombre de films de genre, parce qu’il aide à mettre en place des univers sordides, interlopes. On ne gratte plus la pellicule, on la salit ; mais l’inspiration technique vient bien de l’influence de ces pionniers et de leurs travaux sur le support cinématographique.

Pour quelle raison avoir été à Annecy et depuis combien d’années allez-vous au Festival ?

Pour l’amour de l’animation ! Etre présent à Annecy, c’est un peu comme réaliser un fantasme ! En tant que sélectionneur à la Semaine de la Critique, j’avais commencé à découvrir de nombreux films d’animation fabuleux. En 2004, à titre d’exemple, j’avais vu, coup sur coup, Signes de vie d’Arnaud Demuynck, L’homme sans ombre de Georges Schwizgebel et Ryan de Chris Landreth... Je savais, bien sûr, qu’il existait, en France, un endroit où l’on pouvait voir plus de films encore ; mais, comme Annecy tombait peu de temps après Cannes, ce n’était pas toujours évident pour moi d’être disponible.

Finalement, en 2007, je me suis lancé. J’ai posé ma candidature pour le jury Fipresci (presse internationale), fait une demande de congés et ai débarqué, du jour au lendemain, au Festival. Et là, j’étais comme un gamin dans un magasin de jouets ! Un gamin, qui vient tout voir, tout toucher ! (Rires.) Cette profusion de films, toutes ces séances uniquement consacrées à l’animation – plus, il faut bien l’ajouter, l’attrait de la ville elle-même, le lac, les montagnes, la vieille ville – c’était un bonheur de découvertes. Ensuite, en revenant d’année en année, en participant en 2009 au comité de sélection “courts métrages”, en confrontant mon point de vue à celui d’autres festivaliers, j’ai tenté d’affiner cette approche initiale, purement cinéphage. Mais, je suis, en tout cas, toujours resté fidèle à la sélection phare du Festival : les courts métrages en compétition.

Cette année encore, vous étiez présent ; en long métrage comme en court, quel a été votre coup de cœur ? Et pourquoi ?

Mon coup de cœur pour les longs métrages, c’est le film d’Alain Ughetto, Jasmine. Je trouve passionnante cette hybridation entre film animation et film en prise de vues réelles ; tout comme je trouve sensible cette juxtaposition entre documentaire sur l’Iran, à l’époque de la Révolution islamique, et journal intime d’une histoire d’amour ancienne. Il y a ici une vraie transcendance entre la forme et le fond. Une transcendance sublimée par l’utilisation de la pâte de modeler, comme intermédiaire pour raconter cette rencontre amoureuse, cette découverte du corps de l’être aimé. La pâte à modeler, technique du toucher, du modelage de la matière, devient une nouvelle caresse, déposée sur le corps de la femme aimée, mais devenue inaccessible.  

Pour le court métrage, mon coup de cœur, c’est un film, que je connaissais déjà avant de venir au Festival et que j’étais ravi de voir programmé en compétition : Mademoiselle Kiki et les Montparnosd’Amélie Harrault. C’est un documentaire animé, qui brosse, en moins de quinze minutes, le portrait de celle qui fut l’égérie des artistes du Montparnasse des années 20. Pour moi, il s’agit là d’un film brillant et je le considère déjà comme un film qui sera date dans l’histoire de l’animation française récente, au même titre queSkhizein ou Logorama. L’avenir me dira si j’ai raison ou tort ; mais j’espère vivement ne pas me tromper.

Dans votre compte-rendu du Festival d’Annecy, on peut lire que vous avez remarqué des changements sur différents plans : d’une part sur le festival et son organisation, d‘autre part sur les films. Ces changements sont-ils bons pour accueillir un plus large public qui pourra, par la suite, être plus sensibilisé au cinéma d’animation ?

Côté organisation, c’est vrai que le Festival devait composer avec la fermeture, pour rénovation, du Centre Bonlieu, la scène nationale d’Annecy, et donc avec la perte de quelques 1.300 places. Il faut le dire, un festival existe par la capacité qu’il a à accueillir le public, professionnel ou local. La solution trouvée, avec cette salle provisoire des haras, fut donc un honnête compromis, en permettant de bénéficier d’une structure d’une capacité de 800 places. D’ailleurs, on pourrait formuler le souhait que ce lieu devienne permanent, même après la réouverture de Bonlieu en 2014, ou plus vraisemblablement en 2015. A l’identique de la salle du 60e à Cannes, qui ne devait exister que pour les soixante ans du Festival et est finalement devenue un lieu de projection supplémentaire pour les programmes de la sélection officielle. Ainsi, la salle des haras pourrait, entre autres, accueillir une programmation “Animation off-limits‌” plus conséquente et, pourquoi pas compétitive, à l’image de la compétition labo à Clermont-Ferrand. Je dois, en effet, reconnaître que cette initiative de programmation, due à l’arrivée, au poste de délégué artistique, de Marcel Jean, fut tout à fait enthousiasmante, parce qu’elle amenait à se poser : “Mais qu’est-ce qu’il reste du cinéma d’animation, quand ce n’est plus de l’animation ?” Après, est-ce que j’ai vraiment répondu à votre question, c’est un autre sujet ! (Rires.)

Dans votre article, vous parlez également d’un changement au niveau de la forme, aidé en cela, donc, par la nouvelle programmation « Animation off-limits ». Est-ce une manière de modifier cette conception très ancrée dans les esprits que le film d’animation est synonyme de spectacle réservé aux enfants ?

Peut-être… Mais la question que l’on peut se poser aussi, c’est : est-ce que c’est bénéfique pour le cinéma d’animation, quand un film connaît le succès ? Oui, bien sûr, parce que cela prouve que l’on peut réussir, gagner de l’argent, aussi bien en animation qu’en prise de vues réelles. C’est sans doute, d’ailleurs, ce qui fait qu’aujourd’hui en France, nombre de professionnels – producteurs ou distributeurs – s’intéressent de près à l’animation. Mais, dans le même temps, les succès – pour prendre des films récents – de Moi, moche et méchant 2 ou de Monstres Academyrenvoient, même avec talent, à des films standardisés et ciblés “jeune public”, ou tout du moins “tous publics”.  

Et l’idée de mélanger prise de vues réelles et animation, est-ce un moyen à développer pour séduire les adultes, le grand public ? Est-ce une bonne méthode pour intégrer le cinéma d’animation, dans le monde du long métrage dans son ensemble ?

Je ne sais pas si ce mélange peut séduire le grand public. A titre d’exemple, même chez les spectateurs privilégiés, que peuvent être les critiques de cinéma – “privilégié”, au sens où ils voient beaucoup de films, ont une culture cinéphile conséquente –, ce mélange perturbe. J’ai des souvenirs assez clairs des réticences exprimées par mes collègues du comité de sélection “courts métrages” de la Semaine de la Critique, après visionnage du film de Tibor Bànòczki et Sarolta Szabo, Les Conquérants (2011), parce que ce récit d’aventures fantastiques, sous influence de Jules Verne, mixait  tournage en prise de vues réelles en noir et blanc et animation par ordinateur.

Je pense, en fait, que, si le cinéma d’animation veut pouvoir exister, en toute légitimité, au sein de la galaxie “cinéma”, il lui faut plutôt se débarrasser de sa tendance à la puérilité. Je sais, au sujet de mon compte-rendu sur le Festival d’Annecy, publié sur le site des “Fiches du Cinéma”, que certaines personnes – certains professionnels – ont pensé que je considérais le cinéma pour enfants comme puéril, ce n’est pas le cas. Ce que je considère, c’est que le cinéma d’animation a une tendance à la puérilité et que c’est de cette tendance qu’il doit se méfier, voire se défier.

De 2001 à 2011, vous avez été sélectionneur “courts métrages” pour la Semaine de la Critique, est-ce une bonne expérience ? Ces 10 ans vous ont-ils été suffisants pour aiguiser votre sens de sélectionneur, ainsi que votre sens de la critique ?

Je ne pense pas que ces dix ans ont pu être suffisants pour aiguiser mon sens critique vis-à-vis des films ; mais ils ont, en tout cas, été un formidable accélérateur de découverte de la production cinématographique mondiale. En effet, quand on est critique de cinéma, on est amené à voir certes beaucoup de films, mais on ne voit – exception faite, parfois, dans les festivals – que des films qui sortiront finalement en salles.  Alors que, quand on est sélectionneur, courts comme longs, on a accès à toute la production, ce qui finit vite par représenter plus d’un millier de films. Et là-dedans, comment réussir à séparer le bon grain de l’ivraie ? Comment rester encore frais, quand cela fait plusieurs heures que l’on “enfile” les films et que l’épuisement se fait sentir ? En même temps et c’est ce qui est passionnant – et qui fait que l’on en redemande pendant dix ans – il y a ce moment magique où l’on se retrouve devant un film, qui vous rend muet d’admiration ou béat de bonheur. J’ai déjà évoqué quelques films d’animation ; mais, en prise de vues réelles, je citerai les déambulations intimistes de Mikhaël Hers, Charell et Primrose Hill, ou les fantaisies burlesques du Suédois Patrik Eklund, Situation Frank et Slitage. Soudain, on est là devant des films qu’on a le désir de porter à la connaissance du public, des professionnels ; des films – et des auteurs – que l’on est prêts à défendre, à imposer, même face aux esprits les plus réticents. On ne les convaincra sans doute pas, mais on aura essayé et si eux ne sont pas convaincus, d’autres le seront peut-être. Mais non, dix ans, ce n’est pas suffisant, parce que “aiguiser son esprit”, c’est un travail constant et sans fin.

En 2012, vous avez été membre du jury de la Caméra d’Or, pouvez-vous nous parlez cette expérience : en quoi cela consiste-t-il ? Quels en ont été les moments forts ? Êtes-vous d’accord sur la nomination du film de Benh Zeitlin, Les Bêtes du Sud sauvage ?

C’est une expérience exceptionnelle, tout d’abord, parce qu’elle n’arrive qu’une seule fois dans une vie. C’est aussi une manière de découvrir un certain état du cinéma : celui des premiers films. Et c’est enfin une manière glamour et protocolaire de découvrir le Festival, avec les fameuses montées des marches des séances du soir. En dix années de présence à Cannes, c’était la première fois que j’achetais un smoking ! (Rires.)

En termes d’enjeux, la Caméra d’Or se situe juste après la Palme d’Or. Pourquoi ? Parce que c’est le seul prix “transversal” du Festival de Cannes. En effet, elle peut aussi bien être attribuée à un long métrage en Compétition Officielle ou à Un Certain Regard – donc, le Festival de Cannes officiel – qu’à un film présenté en section parallèle : Quinzaine des Réalisateurs et Semaine de la Critique. L’enjeu est donc d’importance pour chacune des sections et les attentes très fortes pour les réalisateurs, d’autant plus que le prix est remis lors de la cérémonie de clôture du Festival.

Le jury, lui, est composé d’un président, qui est presque toujours un réalisateur et de cinq ou six jurés, suivant les années. Quatre d’entre eux sont nommés par des institutions professionnelles, membres du conseil d’administration du Festival de Cannes : le Syndicat Français de la Critique de Cinéma (SFCC), l’Association Française des directeurs de la photographie Cinématographique (AFC), la Société des Réalisateurs de Films (SRF) et la Fédération des Industries du Cinéma, de l’Audiovisuel et du Multimédia (FICAM). Enfin, le dernier juré est une personnalité du cinéma (réalisateur, critique, distributeur,…) nommée par Gilles Jacob, actuel Président du Festival et créateur du prix en 1978.

En 2012, le président du jury était donc le cinéaste brésilien, Carlos Diegues. Membre fondateur du Cinema Novo – un courant que j’avoue mal connaître – il a en tout cas confirmé cette réputation, qui le précédait, de curiosité envers le jeune cinéma et, tout au long de nos délibérations, il a fait montre d’un esprit d’ouverture très appréciable. Pourtant, certaines de nos pré-délibérations ont pu être houleuses et contradictoires ; mais jamais elles n’ont ressemblé à des confrontations d’egos surdimensionnés. C’étaient des discussions de cinéphiles passionnés, sans préjugés, ni interdits.

Pour le film de Benh Zeitlin, comme il existe un devoir de confidentialité, fort compréhensible, autour de la délibération finale, je pourrais juste livrer mon point de vue personnel. Je trouve que c’est un film très brillant, talentueux, mais qui affiche trop sa volonté de séduire le spectateur. Sentiments exacerbés, nature déchaînée, pauvreté solidaire et libertaire, gamine de six ans aussi philosophe qu’effrontée… C’est un peu beaucoup à mon goût pour un seul et même film ! Mais je dois reconnaître que le film a fait une belle carrière et donc séduit le public ; c’était son but, non ?!

Depuis 1998, vous animez une émission radio, sur l’antenne de Radio Libertaire, qui s’intitule “Longtemps, je me suis couché de bonne heure”. Vous y parlez de musique, de cinéma et de littérature : pourquoi ces fondamentaux ? Êtes-vous spécialisé dans un genre ou une catégorie particulière ?

Non, il n’y a pas de spécialisation. Le sous-titre de l’émission, d’ailleurs, c’est “Magazine des livres, de la musique et du cinéma”. Pourquoi “livres”, par exemple : tout simplement pour dire qu’il ne s’agit pas seulement d’évoquer la littérature ; on peut également parler de bande dessinée, d’essais, politiques ou philosophiques, de livres de photos ou de peintures.

A ses débuts, en fait, l’émission parlait seulement de cinéma et de livres. Comme c’était ma première expérience en radio, j’avais choisi de m’entourer de deux personnes, qui avaient, d’une part, une culture assez impressionnante chacune dans un domaine et, d’autre part, un carnet d’adresses fourni, notamment en ce qui concernait les attachés de presse. De mon côté, j’ai certes très cinéphile et lecteur assidu ; mais ces présences me rassuraient. Enfin, avant d’arriver à Radio Libertaire, j’avais animé une revue, qui publiait nouvelles littéraires et scénarios de courts métrages ; l’émission était donc comme un prolongement de ce choix initial.

Si l’émission s’intitule “Longtemps, je me suis couché de bonne heure”, c’est tout simplement liée à ma première participation à un atelier d’écriture du scénario : celui qui animait le stage nous avait en effet proposé, comme exercice d’introduction, l’adaptation en écriture scénaristique de la phrase d’ouverture de La Recherche du temps perdu de Proust. Cette phrase s’est donc, tout logiquement, imposée comme titre de l’émission.

La musique, enfin, c’est venu pas à pas, même si elle constitue mon premier amour artistique, puisque, au lycée, je jouais dans un groupe de rock ! (Rires.) Enfin, du rock tendance californien, Eagles, America, peu à peu mâtiné de chanson française, principalement Michel Jonasz… Au début, donc, quelques pauses musicales, parfois choisies par les invités eux-mêmes. Maintenant, c’est plus conséquent, avec des contacts réguliers avec des labels, l’invitation d’auteurs-compositeurs-interprètes à l’antenne. Mais là, pareil, pas de spécialisation, je peux aller du classique à l’électro, en passant par la world music ; comme en cinéma, il peut être question d’un blockbuster américain ou d’un premier long métrage brésilien.

Les émissions de radio consacrées au cinéma sont peu nombreuses, comment l’expliquez-vous ? Pourquoi n’en parle-t-on pas plus ? Pourquoi avoir choisi ce médium ? Que peut-il apporter de plus que la presse ou la télévision ?

J’ai choisi ce support un peu par hasard. A l’époque, j’étais employé dans une librairie et j’avais comme client le responsable du secrétariat de Radio Libertaire. Il m’a invité, une première fois, dans son émission, pour que j’évoque ma revue et, de fil en aiguille, j’ai fini par lui faire une proposition d’émission. C’est donc un choix de circonstance et de rencontre !

Certes, à la radio, il y a peu d’émissions spécifiques consacrées au cinéma ; mais il y en a quand même quelques-unes emblématiques, comme Le Masque et la plume, sur France Inter. Il y en a également, bien sûr, sur France Culture, et sans doute après sur des radios locales ou indépendantes, type Radio Aligre. A Radio Libertaire, il y a aussi une très bonne émission, où tout le cinéma français qui compte – et je le dis sans forfanterie –  vient s’exprimer, c’est Contre-bandes. Non, le vrai déficit en émissions sur le cinéma, tout du moins en tribune critique, il est à la télévision.

Tout simplement, parce que ce type d’émissions n’intéressent plus les chaînes. Elles préfèrent les émissions de flux, moins chères à produire, ou les talk-shows politiques et la téléréalité, qui font de meilleurs taux d’audimat et incitent les annonceurs publicitaires à acheter à prix d’or des passages de spots. En fait, hormis Le Cercle, sur Canal+ (mais pour combien de temps encore), il n’y a plus d’émissions sur le cinéma et les dernières tentatives dans ce domaine ne se sont pas vues reconduites au-delà d’une, parfois deux saisons.  

Enfin, je crois que ce que la radio apporte de spécifique, c’est une sensation d’intimité. On est à l’écoute d’une voix, de son  timbre, de ses hésitations, de ses emballements. On est à l’écoute de la respiration d’un être humain et finalement presque de son âme. Tout cela pour dire qu’il y a une très forte sensation de proximité, pourtant paradoxale, puisque l’on est à la fois si loin et si proche.

En 2010, vous avez également été membre du comité de sélection des courts métrages professionnels  pour le Festival National de l’AFCA (Association française du cinéma d’animation).  Il y avait également un comité de sélection des films étudiants, était-ce votre choix de participer à la sélection des films professionnels ? Avez-vous ressenti une nette frontière qualitative entre étudiants et professionnels ? Quels conseils donneriez-vous à un jeune réalisateur débutant ?

Tout d’abord, je ne peux pas donner de conseil à un réalisateur débutant, parce que je ne réalise pas moi-même ! La seule chose, très évidente, que je pourrais dire, c’est qu’il faut croire en soi et en son projet et qu’il faut tenter de préserver, le plus possible, l’authenticité de celui-ci, malgré toutes les contraintes financières et les difficultés techniques qui ne manqueront pas d’apparaître.

Pour en revenir à l’AFCA, c’est moi, en fait, qui ais sollicité l’association. J’avais envie, comme cela avait été le cas, en 2009, quand j’avais participé au comité de sélection d’Annecy, de me plonger dans un bain d’animation ! Je voulais aussi avoir une vue d’ensemble de la production française, voir si les producteurs que je connaissais mettaient en place de nouveaux univers, de nouvelles collaborations ; découvrir, par ailleurs, des sociétés de productions ou des artistes qui n’envoyaient pas leurs films à Cannes, parce qu’ils pensaient, à tort ou à raison, que ce n’était pas leur place. Enfin, j’avais fini par apprendre que Christophe Chauville et Frédéric Lavigne seraient membres du comité de sélection et, même si je les connaissais, je n’avais jamais eu l’occasion de travailler avec eux et cela me tentait.  

Après, une fois à Bruz, durant le Festival, je n’ai pas eu l’occasion de voir l’intégralité de la compétition étudiant. Je ne pourrai donc pas dire s’il y a ou pas une nette frontière qualitative. En fait, je ne crois pas qu’il y en ait vraiment une. Bien sûr, les contextes de production sont très différents et l’école peut agir comme un sas protecteur, par rapport à la réalité de la production. A l’école, vous n’êtes pas confronté aux aléas de la recherche de financements, aux problèmes de disponibilité des collaborateurs du film… Vous faites votre film durant l’année scolaire et le présentez en fin d’année. Ensuite, sur le plan artistique, je pense que l’école permet de poser les prémices d’un univers graphique et littéraire, qui viendra s’enrichir, se peaufiner, film après film, avec le soutien, en premier lieu, du producteur.

Vous avez participez au comité de sélection “courts métrages” de l’édition 2009 du Festival d’Annecy ; de septembre 2000 à février 2008, vous étiez programmateur d’une manifestation de courts métrages appelée “Le Goût du court” ; vous êtes également membre du comité “animation”  des César. Ce format est-il plus adapté à l’animation, au cinéma ? Et d’où vient cette passion pour le court ?

Je n’ai pas une passion pour le court, j’ai une passion pour le cinéma dans son ensemble ! Ensuite, ce qui fait la suprématie du long métrage, c’est que tout le système d’exploitation en salles est organisé autour de ce format. Mais si l’on remonte aux origines du cinéma, tous les films projetés en salles étaient des courts métrages. Raison technique oblige : les appareils de prise de vues avaient de petites chambres et ne pouvaient donc contenir que des bobines de courte durée. L’évolution technologique a ensuite permis d’avoir des caméras avec un magasin de plus grande capacité ; puis ensuite de coller ensemble les bobines de vingt minutes, sans que les conditions de projections en souffrent. Et ainsi de suite, jusqu’à l’arrivée du numérique et de ses capacités étendues de compression des fichiers images, qui permettent des durées d’enregistrement quasi sans limites.

Après, je ne pense pas que le court métrage soit plus adapté au cinéma, voire à l’animation. Plus inventif, plus expérimental, peut-être. Mais les trois heures de projection de La vie d’Adèle, chapitre 1 et 2 d’Abdellatif Kechiche aiguisent autant mon intérêt que les 12 minutes du Banquet de la concubine d’Hefang Wei.

En tant que sélectionneur, je dirais Madame Tutli-Putli  de Chris Lavis et Maciek Szczerbowski. Je me souviens parfaitement du moment où j’ai découvert le film. C’était un vendredi en fin de matinée ; j’étais arrivé en avance à la Semaine, pour notre séance de visionnage. J’ai vu que les films de l’ONF étaient là et j’ai commencé à les regarder, seul. Et je me souviens très bien de ce long travelling latéral qui ouvre le film : une interminable succession de bagages et soudain l’apparition d’une femme un peu frêle et même temps très élégante. Elle est sur un quai de gare, dans l’attente d’un train. Et quand le train arrive, du fond de l’image, c’est un tonnerre de bruit, de vent, qui ébouriffe et bouscule cette femme. Après un tel début, je n’espérais qu’une seule : que le film continue sur cette lancée. Ce qu’il a fait.

Sinon, en tant que spectateur, je dirais sans doute Père et Fillede Michael Dudok de Wit, parce que c’est un film très sensible sur l’attachement d’une fille à son père, dans la vie et par-delà la vie.

Voilà, en même temps, si nous refaisons l’interview dans un mois, je suis sûr que d’autres films viendront à mon esprit. Tout simplement, parce que c’est une découverte permanente !

S’il ne devait rester plus qu’un seul court métrage, quel serait votre choix ?

Tout dépend si je me place en tant que spectateur ou en tant que sélectionneur !

Un message pour l’équipe de “Croq’Anime” ?

Honnêtement, je n’ai pas de message ; ce serait trop prétentieux ! Le mieux, c’est de continuer les actions que nous menons les uns et les autres, les uns associés aux autres aussi, pour défendre le cinéma d’animation que nous aimons. Mais je serais aussi tenter de dire : le cinéma tout court.

“Croq’Anime” permet, en tout cas, au public, de croquer à pleines dents dans un cinéma d’animation, tout aussi ludique qu’exigeant, et de croquer, qui plus est, dedans gratuitement. En temps de crise, c’est un engagement militant que je trouve fort et qui demande à être soutenu, parce que défendre l’accès à la culture, c’est défendre un droit vital !

Article. 

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Critique du long métrage Aya de Yopougon de Marguerite Abouet & Clément Oubrerie

Le long métrage de notre marraine scénariste-réalisatrice Marguerite Abouet et du dessinateur Clément Oubrerie nous plonge dans une Afrique dynamique, vivante et moderne... et cela sur tous les points. L’émerveillement se trouve, entre autre, dans le texte, qui regroupe les deux premiers tomes de la bande dessinée. En effet, Marguerite Abouet dépeint avec un optimiste débordant le quotidien de la ville de Yopougon, alias « Yop City pour faire comme dans les films américains ». C’est précisément le quotidien de trois drôles jeunes filles : Bintou, qui préfère aller gazer au « Ca va chauffer », Adjoua, qui se prépare pour « une série C : Coiffure, Couture, Chasse au mari » et Aya, qui se retrouve à être l’intermédiaire pour arranger les soucis de ses deux meilleures amies et désire être médecin malgré le désaccord de son père… Elles ont 19 ans, toutes leurs dents et des caractères bien trempés comme les bananes plantins que l’on frit pour faire le claclos ! Marguerite Abouet n’approche d’aucune façon les stéréotypes de l’Afrique que l’on peut retrouver dans les médias tels que la guerre, le sida,… Au contraire, certaines répliques sont cinglantes avec un humour dévorant tout comme le vocabulaire ivoirien qui parcourt tout le film. Il faut se mettre à jour dans les expressions : « gazer », « dêh », « décaler ». Alors les parigots, commencez dès maintenant par vous appeler « go » et «môgô »…

Les dessins de Clément Oubrerie contribuent au charme de ce film. Ce dessinateur, qui fait parti du trio d’Autochenille Production avec Joann Sfar et Antoine Delescaux, connus et reconnus pour l’excellent Chat du rabbin, reste fidèle à son style de coup de crayon dans les 6 tomes de la bande dessinée. Les dessins sont fins, simples et drôles, particulièrement dans les démarches à la fois lentes et langoureuses des personnages. Plus les « tabassas » bougent, plus on rit ! L’univers de la bande dessinée est parfaitement retranscrit et cela grâce à la scénariste qui s’est inspirée de sa propre gestuelle pour donner une base aux animateurs. On ne peut parler des dessins sans nommer les couleurs. C’est un spectacle visuel, elles font pétiller les yeux. D’autant que l’histoire se déroule en 1978, année marquée par l'arrivée de la télévision. Les publicités vintages en prises réelles font partie intégrante du décor et tapissent les murs blancs des habitations de Yopougon. Il y en a tout au long du film et on apprend alors que la bière est bonne pour la santé ! A bon entendeur… Le mélange des publicités et des dessins se fond à merveille avec l’ambiance générale.

Tout en parlant d’ambiance, on ne peut passer à côté du son. La musicalité se retrouve dans les voix des personnages, interprétés par Marguerite Abouet (Fanta) elle-même mais aussi Aissa Maïga (Aya), Tella Kpomahou (Bintou) ou encore Jacky Ido (Ignasse, Hervé, Moussa,...). Même si les comédiens ne sont pas tous ivoiriens, cela n’enlève rien au charme du film mais souligne au contraire sa dimension cosmopolite. Tout comme la bande son qui rythme les nombreuses péripéties des protagonistes. Les musiques sont à la fois mélancoliques et entrainantes, se mariant très bien aux couleurs et au vocabulaire ivoirien, haut en couleur lui aussi! Elles peaufinent en beauté l’univers dans lequel nous plonge Marguerite Abouet. Nous ne pouvons alors que nous trémousser, ou encore nous « décaler » sur des sons afro-cubains, de chachacha, ou de crooners ivoiriens. La plupart des musiques du film sont des souvenirs qui ont marqué l'enfance de l'auteur, symboles d'une époque où la liberté était plus grande, plus vaste, plus accessible...

Alors, à partir du 17 juillet, venez-vous enjailler au cinéma pour ce film qui nous fait entrer dans les seventies. Si vous ne partez pas en vacances, c’est une bonne occasion de voyager durant une heure et demie. En sortant vous n’aurez qu’une envie : aller manger des allocos dans un maquis de Yopcity… Si vous voulez prolonger ce délicieux voyage, vous pouvez toujours lire les 6 tomes de bande dessinée. Pour les plus motivés, ils ont été traduits dans 15 langues différentes… A vous de voir !

Sur le site Croq’Anim.