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Gutierrez Solana, pintor español.

Solana (1886-1945) es un pintor “realista” (o positivista), que busca denunciar la realidad de una España Negra a principios de siglo, en obras como “La procesión de noche”, “El viejo profesor de anatomía” y “Los autómatas”. Lo hace aplicando tonos oscuros y pinceladas gruesas que crean frisos de personas, cada una diferente, que apenas están.

Sin embargo, me parece immensamente más interesante entender la psicología que hay por detras de esos cuadros: la razón de ser de estas obras – porque las presenta de este modo. El autor del texto, Valeriano Bozal Fernandez, describe a Solana como un “pintor excéntrico” que “destaca por su representación más o menos anecdótica de la España Negra”. Más adelante nos revela outro rasgo fundamental para entender a este pintor: Solana tiene una visión de la España Negra “a la española”. Es decir, Solana pinta lo que pinta porque es español. Además del contexto historico y social en el que se encuentra, Solana plasma en sus cuadros a una España rural cerrada desde el punto de vista de un español.

Esta perspectiva cultural implica una capacidad de gozar de las cosas independientemente del contexto en el que estamos. Y esto no significa que pinte “cuadros alegres” y llenos de color – Solana admite que las cosas no son ideales, pero defiende que “también lo podrido puede disfrutarse”. Solana representa la podredumbre del paisaje. Representa la inercia de la gente, que apenas está, que carece de futuro. Representa lo vivo como muerto y lo muerto como vivo, seguramente como crítica a la población de la época y a la vez para ensalzar lo material. Pero esta forma de representar lo muerto, junto con la preocupación que tenía por el volumen (la corporalidad, realzar las carácterísticas táctiles de los cuerpos) y con el horror al vacío, denuncia un gran interés por el materialismo – el premio terrenal, tan buscado y  disfrutado por los españoles.

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Museo Reina Sofia

              La visita al Museo Reina Sofia consistió en la visualización de dos salas: la del modernismo, donde contemplamos a grandes autores contemporaneos españoles como Anglada-Camarasa, Rusiñol y  y la sala del cubismo,  donde pudimos apreciar obras de Picasso y de Juan Gris.

              En la primera sala me impresionó mucho el trabajo de Rusiñol, que capta de forma detallada, en obras como la Faune Vell, paisajes preciosos y harmónicos con un magnífico uso del color y de la sombra, creando figuras estéticamente agradables y con un gran impacto visual. También es importante destacar la obra de Zuloaga – El Cristo de la Sangre muestra un gran domínio del lienzo para crear texturas realistas y composiciones equilibradas. La pincelada de Zuloaga me recuerda en cierta medida a Dalí, con colores puros y bien definidos.

              En las obras de la segunda sala veos al movimiento y a la perspectiva como motivos principales en una voluntad de captar varios instantes a la vez. En la Mujer con mandolina, de Picasso, vemos la abstracción de las formas geométricas a partir de un cuerpo humano, y laMujer con abanico de Laurens es un buen ejemplo del cubismo en la escultura,  mostrando varios puntos de vista a la vez.

              La obra que más me gustó fue un cuadro contemporaneo - la Manola de Julio Romero de Torres,  una ilustración de una mujer fumando que me recuerda a las obras de Riquer.

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Composition with Winged Nymph Blowing amongst reeds.1887. Painting. Tempera on Canvas. 176 x 177 cm. Museo Nacional de Art de Cataluña, Barcelona, Catalonia, Spain.

Art by Alexandre de Riquer e Ynglada.(1856-1920).

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Alexandre de Riquer (1856-1920),  Panneaux Décoratifs des Quatre Saisons - 1897.

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Cartas de Sorolla

Lo más notable de esta película fue, para mi, la pasión con la que retratan a Sorolla, cuya intensidad y deseo por pintar recuerdan a Van Gogh. Por contraste, tenemos el momento arrebatador en el que descubre que ya no puede pintar.

              Joaquín Sorolla pretende encontrar la belleza del mundo que le rodea y plasmarlo en sus cuadros: la pintura consiste captar (no copiar) el mundo con exactitud, pero siempre de modo subjetivo. Las aportaciones subjetivas de Sorolla se ven a menudo en sus cuadros, tanto como en el uso de la luz como en las pinceladas cortas. Se ve cuando pinta a su mujer, trazando una pincelada blanca en el vestido rojo, algo que la iluminación real no lo pedia. Sorolla “veia” la luz, idealizada en su mente, por lo que la añadía a sus cuadros. De esta forma le daba subjetividad a sus obras sin “quitarles” veracidad. La sinceridad es esencial para el. Me llamó mucho la atención lo que le dijo al rey – que uno sólo podía encontrar la felicidad en la pintura.

              Esta pasión con la que vivía el arte nos proporciona un doloroso momento cuando la pintura, para Sorolla, se convierte en una imposibilidad. Estamos ante un hombre que había encontrado su verdadero amor, un hombre para el que la pintura era el único modo de vivir, de ser feliz. En el momento en el que el acepta que ya no es capaz de crear, muere Sorolla, El Pintor. Esto se ve perfectamente ilustrado en la escena de la playa, donde vemos a un hombre apático, desmotivado, vacio. Vacio porque pierde aquello que le dá sentido a la vida, aquello que le “mueve”. Con este angustioso final nos damos cuenta de la importancia de vivir, de encontrar nuestra pasión. Esa diferencia abismal entre “Sorolla apasionado” y “Sorolla vacío” nos hace preguntarnos si realmente estamos aprovechando lo que tenemos, la posibilidar de encontrar y seguir aquello que nos hace sentir vivos.

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Fundación AMYC

               El museo de la fundación AMYC contiene una pequeña pero fascinante colección de pintura contemporánea. En una serie de cuadros, la mayoría de los cuales de autores españoles, apreciamos una cierta variedad dentro del estilo modernista de la época (finales de 1980-inicios de 1900).

               Estéticamente, me gustaron las obras de Cusachs y Casas, cuyos estilos me parecieron similares – la modernidad estava presente, cierta naturalidad, sobretodo en Casas, y primer plano con mucha definición mientras que la pincelada se convertía en manchas en el fondo, creando una sensación de “enfoque al primer término”. Esta última carácterística me llamó mucho la atención, dado que es algo que nunca habia considerado en mis dibujos y que de hecho ayuda a obtener más realismo y a atribuir más protagonismo aun solo elemento. Camarasa me sorprendió por la positiva, ya que pasé a conocer su trabajo en el final de su trayectoria; al contrario del color y de las manchas que utiliza en un início, estilo que no me agrada del todo, Anglada acaba por emplear colores “suaves” y crea composiciones de paisajes tranquilos, en contraste con la vida nocturna que retrataba anteriormente.

               Técnicamente, me gustó como Rusiñol capturaba la luz en los árboles de un cuadro cuyo nombre no recuerdo. Me fascinó también la pincelada de la gitana de Nonell, tanto en el uso del contorno como en la pincelada gruesa para crear la ilusión de “textura”. Me pareció algo que nunca podré hacer. Galofré me impresionó muchisimo porque, apesar de trabajar con acuarela, consigue emular el realismo de la piedra de los edificios con increible detalle. Las obras de Pruna me gustaron porque de inmediato las asocié con la pintura de Gauguin, cuya pincelada aprecio bastante.

               Sin embargo, el cuadro que más me gustó (y en el que sigo pensando constantemente) fue L’elephant giraffe, de Dalí. Las digitalizaciones de este cuadro disponibles en internet no consiguen realmente capturar la grandeza de este cuadro. El color es el justo y el adecuado y la simplificación del fondo aporta mucho a la composición. Dalí junta la tinta china con la acuarela para crear uno de los efectos visuales más increibles que he visto jamás.

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Memoria de España: El Arte Moderno

El modernismo es un movimiento artístico heterogeneo que comienza a inicios del siglo XX y que nace de la necesidad de representar el cambio de mentalidad y la evolución que se produjo en aquella época en las grandes ciudades. Al igual que en todos los movimientos, supone una ruptura con lo anterior: en el modernismo vemos una transición de la tradición a la modernidad. Podemos, además, diferenciar una serie de estilos artísticos dentro de lo que llamamos modernismo, pero todos ellos comparten dos elementos: el interés por lo nuevo (afán de modernidad) y el interés por lo social.

Memoria de España – Alfonso XIII nos proporciona un detallado contexto histórico, social, político y cultural de la época, lo que nos ayuda a explicar el arte creado en esta época. La sublevación nacionalista en Cuba, liderada por José Martí, junto con la intervención de Estados Unidos, conducieron a una guerra de guerrillas. Cánovas es asesinado y, con la explosión de Maine, EUA declara la guerra. En España, el sentimiento nacionalista se desvanece ante la pérdida de las colonias. Esto simboliza el fin del imperio español, y a la vez abre camino a la Edad de Plata. El pesimismo de la población y la crisis económica - legado de la guerra - se ven reflejados en los cuadros oscuros de los pintores españoles, cuyos pinceles creaban composiciones lúgubres y con poco movimiento, que plasmaban el lado oscuro del ser humano.

Al enfrentarse a este pesimismo que definia el panorama del arte en España, pintores españoles emigraron a Francia, donde pretendían capturar la “joie de vivre” de la pintura modernista francesa. Los artistas franceses creaban cuadros más alegres y no tenian miedo de utilizar el color; juegan con la perspectiva, el movimiento y los colores para mostrar una imagen de la Francia del siglo XX en todo su esplendor.

Podemos concluir que el contexto histórico de España está intimamente relacionado con el arte que creaban los pintores españoles, y explica a su vez la imigración de aquellos que buscaban la pintura colorida y dinamica que se hacia en Francia por aquel entonces.