Blog de Interpretación Artística y Literaria

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“Llanta con nido en movimiento” de Rafael Cauduro

La pintura “Llanta con nido en movimiento” del pintor Rafael Cauduro fue elaborada en el año 2000, en la cual la cual el autor representa una llanta con distintos materiales que se pueden observar en la pintura, en el más representativo que también es motivo de que la pintura se llame nido en movimiento son las personas desnudas que forman el centro de la llanta; y alrededor de ellos se pueden observar tablas y otros materiales para formar el efecto principal, una llanta y un nido.

El autor trata de representar el movimiento con la forma en la que están acomodado los elementos; además se puede distinguir lo que trata de representar al poner a las personas y representar el nido en movimiento con lo cual quiere decir el nacimiento y el desarrollo de las personas; moviéndose hacia adelante.

Esta pintura fue elaborada con los materiales de laca y óleo sobre fibras de vidrio que es lo que nos permite apreciar la textura de los elementos como lo que une las tablas de alrededor y los humanos. De este modo se tiene un primera impresión de que los objetos presentes resaltan en la pintura; además de que el fondo es completamente negro permite que los elementos se aprecien con mayor facilidad y se pueda comprender el mensaje que trata de comunicar.

Los colores que utiliza el autor son colores fríos y oscuros en su mayoría con los cuales representa el nido con las tablas, y utiliza colores llamativos como el color de la piel para resaltar el hecho de que el nido es formado por los seres humanos que están allí.

Esta pintura no tiene saturación de luz debido a que el movimiento de la llanta y en conjunto con los colores el autor trata de representar el misterio que tienen las personas al evolucionar y desarrollar sus cualidades; sin embargo utiliza completamente lo contrario que permite que en la pintura se aprecie una percepción sin profundidad, dejando en claro que la único existente en ella, es el nido el cuál se está moviendo.

 La pintura posee líneas muy marcadas porque no posee un fondo, la única parte donde se puede apreciar una percepción de profundidad es donde el autor trata de representar el rin de la llanta y a demás se pueden percibir las personas detrás generando un efecto de transparencia.

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La fotografía “The Golden Rock at Shwe Pyi Daw” del fotógrafo japonés Hiroji Kubota quien comenzó su carrera como fotógrafo en 1965 en el periódico “The Times” en Reino Unido, a pesar de que estudio ciencias políticas en Tokyo se dedicó a la fotografía. Ésta fotografía fue tomada en el año de 1978 en BURMA. Kyaiktiyo ubicado en el país de Birmania. Este es lugar sagrado budista a 3,000 pies de altura, donde los monjes suelen ir a meditar.

La fotografía pertenece a un tipo de movimiento religioso donde el autor representa la determinación de los monjes a través del color, donde se logra apreciar el color de “la roca dorada” que es el principal motivo de que se reúnan allí. En la fotografía se pueden encontrar una gran variedad de color, el dorado principalmente y el color anaranjado de la vestimenta de los monjes que resalta al fondo.

Es una fotografía con una gran nitidez ya que se puede apreciar con gran facilidad lo que el autor trata de representar; además de ello la imagen posee una buena iluminación que permite que la tonalidad del paisaje, de la roca y de los monjes se pueda apreciar. La fotografía contiene una textura con la roca que se encuentra allí, ya que físicamente la posee y se puede ver a simple vista la forma real de la roca, y de la montaña.

La imagen no contiene una buena distribución del peso, debido a que la roca se encuentra en su mayoría en la fotografía, del lado izquierdo no se encuentra nada y del lado derecho se encuentran los monjes que genera desproporción en los pesos. Sin embargo la profundidad del paisaje permite que se balance un poco los pesos ya que se puede ver lo que se encuentra a lo lejos de la montaña.

Se puede apreciar la instantaneidad de la fotografía, ya que los monjes realizan sus actividades cotidianas sin esperar alguna molestia o tipo de fotografía en éste caso, por lo que sus actitudes van de acuerdo a la religión a la que pertenecen.

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Crítica de “Pi, el orden del caos”

La película “Pi, el orden del caos “ del director Darren Aronofsky, protagonizada por Sean Gullette donde interpreta al personaje Maximillian Cohen, el cual es un genio matemático que reside en Nueva York, y trata de explicar la realidad mediante los números. Ésta película pertenece al género de ciencia ficción, además la película gira entorno a la constante matemática “Pi”.

El tema principal de la película es acerca de cómo Max busca una relación entre los números y la vida, donde busca series de número que afectan su vida, hasta que tuvo un trastorno mental. De éste modo Max comienza con un delirio, tiene paranoia matemática y una progresiva locura alucinatoria.

El color de la película que fue blanco y negro fue algo vital generar tensión y suspenso en ella, ya que de éste modo se logra percibir más sus alucinaciones ocasionado que sean más reales, logrando apreciar con facilidad como un hombre se obsesiona tanto con algo que termina causando daños mentales.

 Ésta no es una película sencilla de comprender por los cambios repentinos que hay en ella, pero sin duda alguna es una excelente película por los efectos y sobre todo por la originalidad de la historia que posee. No es una película común ya que introducen cierta incertidumbre en la película que provoca confusiones por lo que puedes tener distintas perspectivas acerca de la historia.

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Análisis de “No es que muera de amor” de Jaime Sabines

En el poema de “No es que muera de amor, muero de ti…”  del autor mexicano Jaime Sabines, se habla del sentimiento del amor que el autor tenía hacia una mujer al igual que lo hace en sus demás poemas como por ejemplo: “amor mío” , al máximo nivel del amor y del enamoramiento. 

El poema contiene una gran paradoja debido a que vive y sufre de amor del mismo tiempo, además de que enumera cada uno de los elementos del amor los cuales al final lo llegan a matar metafóricamente. Éste poema deja en claro al hablar en primera persona la relación que tiene el amor, la muerte y la vida para el autor con las demás personas.

Jaime Sabines utiliza un lenguaje completamente coloquial y simple con el cual nos permite tener el sensaciones de amor y pasión hacia una persona. Además nos permite ver lo frágil que puede ser un hombre al amar a una mujer. El amor y la sensualidad son dos elementos que el autor representa como imposibles de separar, ya que sus reflexiones  y versos no solo representan los sentimientos sino también la parte física de una persona.

El autor al hacer una negación como “No es que muera de amor” y posteriormente haga una afirmación como “,muero de ti” hace que la afirmación tenga un énfasis sobre la negación; de este modo el autor lo repite constantemente con el mismo propósito pero con distintos sublimes versos.

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Análisis del cortometraje “Abrazo”

El cortometraje titulado “Abrazo” es un autor anónimo de origen alemán, donde se muestra la historia de la vida cotidiana de un hombre y que a largo del transcurso se va encontrando con distintas personas con diferentes problemas en su vida, como ejemplo: al salir de su casa, éste personaje se percata de la situación de los demás, además no únicamente con seres vivos tal como su perro, sino también a las cosas inertes; y es cuando se descubre la razón del título porque comienza a darle abrazos a las personas, animales y cosas. El protagonista muestra distintos valores, sentimientos y actitudes al poder comprender las cosas que le estabas pasando a los demás, tales como un actitud de bondad, solidaridad, empatía que es lo que permite el desarrollo de la historia. Este hombre está acompañado durante toda su historia por su perro durante su travesía a travez de la metrópolis como lo muestra el video.

Este cortometraje muestra una ciudad que como muchos centros urbanos es azotada por el estrés y el fastidio. En dónde las personas son susceptibles a entrar en conflicto constantemente con otras y no se dan cuenta de como esto les afecta a ellos y su alrededor, por ejemplo, el descuido y falta de protección del ambiente que los rodea.

Los planos manejados en este cortometraje son planos generales; en casi la totalidad del cortometraje, aunque también son analizables dentro del cortometraje planos americanos y primeros planos. La tonalidad y manejo de colores en el cortometraje persuade a observar más a fondo los detalles que hay dentro de los planos. Esto se debe a que en este cortometraje se usaron colores vivos, con mucha luminosidad y atractivos a primera impresión.

El cortometraje toca un tema que es interesante y sencillo de adaptar a una representación animada; destacando que la animación del cortometraje es diferente y muy original; que hace todavía mas interesante este cortometraje. Nos trata de comunicar que una buena acción puede cambiar el día de cualquier persona y una serie de buenas acciones totalmente desinteresadas que vengan del fondo del corazón pueden cambiar al mundo.

Para mi este ha sido un cortometraje muy bien realizado tomando en cuenta la limitación de recursos que tuvo en su producción pero que con una serie acciones comunes puede comunicar de forma muy simple y entendible un mensaje que cuando termina el cortometraje te pone a reflexionar.

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La fotografía “Sin título” tomada en 1954 por Henry Cartier Brensson, autor perteneciente al modernismo,  en Moscú, Rusia muestra la codición de la gente durante el gobierno de Iósif Stalin, donde se vivía de una manera muy escaza debido a que la Unión Soviética en aquél tiempo era comunista. A lo largo de la fotogarfía podemos observar a la gente con una vestimenta común de la época formada en la “Plaza Roja” esperando para pasar al Museo de Lenin, y al fondo se puede observar la Catedral de San Basilio, construcción representativa de Rusia.

La foto fue tomada en un plano general, normal, el cuál está compuesto por dos, en éste caso en el primer plano se puede observar a las personas formadas, y en el segundo plano a la Catedral. El tipo de angulación que posee la foto grafía es nivel porque podemos observar a las personas como si nosotros estuviéramos allí. Está imagen es muy clara debido a podemos ver completamente lo que hay en ésta, esto se debe a la iluminación natural ya que se encontraban en el exterior y además a la nitidez porque la hace muy clara y transparente.

Está fotografía fue tomada en blanco y negro, ya que en aquél momento no había dispositivos capaces de captura el momento es su máximo esplendor. Se utilizó un encuadre de corte porque las personas son las que tienen el enfoque en la foto puesto que es el tema principal de la imagen, ya que al gente apreciaba las acciones que hizo Lenin durante su revolución, por lo que iban a recordarlo a su museo, además el museo se encuentra en el corazón de Moscú, que es la “Plaza Roja” donde se encuentra el “Kremlin” que es el palacio nacional de Rusia.

En mi opinión ésta fotografía logra transmitir todo lo que en aquél momento se estaba viviendo durante el mandato de Stalin, ya que fue una fotografía instantánea, porque Stalin al ser comunista impuso planes quinquenales donde la gente era afecta por los cambios paulatinos, haciendo de la fotografía, un fotografía totalmente cruda y concreta ya que la población rusa prefería a Lenin.

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En ésta pintura hay diferentes objetos que se pueden apreciar con distintos  tipos de figuras geométricas tales como los rectángulos y los círculos. Además la pintura contiene una gran variedad de colores puesto que es perteneciente al período del modernismo.

Ésta pintura representa una ciudad, y lo movimiento que tiene una ciudad normal, representando la gran actividad que hay en ellas, tales como el movimiento de las calles, las tuberías, y lo más importante la actividad que hay en los edificios representando el trabajo.

En el primer plano hay túneles que representan las calles y los caminos que tiene un ciudad. En el segundo plano se encuentran las tuberías que tiene un ciudad, y además los puentes que hay en una ciudad. El tercer plano está compuesto por un edificio que está conectado con otro representado la actividad laboral. El cuarto plano representa otro edificio más grande perteneciente a la actividad laboral. El quinto plano representa el centro de la ciudad, tal como el palacio municipal. En el sexto plano se encuentra un tipo reloj que representa el día y la noche de una día normal.

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Análisis del poema “Babel” de Fernando Valverde

El poema “Babel” de Fernando Valverde tiene una manera única de expresar lo que ocasiona una enfermedad mediante palabras concisas que representa todo aquello que involucra tener una enfermedad crónica. Además representa el amor incondicional que una persona le puede tener a otros mediante metáforas. 

Considerando que el autor le dedicó el poema a uno de sus amigos que perdió a alguien importante de su vida también nos muestra la compresión y la empatía que tuvo el autor utilizando ese tipo de palabras. El tema de la enfermedad conlleva muchas cosas, que el autor logra transmitir mediante figuras literaria y utilizando palabras y ejemplos sin tratar de ser tan explícito pero dándose a entender con claridad. 

El autor utiliza expresiones que nos deja con mucho que pensar por la paradoja que hay en éstas, y por las distintas maneras de interpretar cada una de ellas, tal como la frase “desfile de silencio que ahogan los tambores” donde el autor trata de expresar el dolor o la desesperación que una enfermedad puede llegar a provocar y saber como se pueden expresar tales sentimientos.

Si utilizamos las palabras con un lenguaje contidiano, tomando las cosas literales no se puede comprender debido a que el autor utilizó esas palabras como ejemplo trantando de representar una situación verídica.

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Análisis de “El Buitre” de Kafka

En el cuento de: “El Buitre” de Franz Kafka, un autor de origen austrohúngaro que comenzó su carrera como novelista en el año de 1912, extraído de la novela “La metamorfosis" el autor expresa mediante un narrador protagonista, siendo de éste personaje el que desarrolla la historia y el estilo trágico que éste cuento posee debido a que representa vulnerabilidad en un inicio por sentirse indefenso cuando el buitre le atormentaba picoteándole los pies hasta que un señor le ofreció ayuda para deshacerse de él.

Al final del cuento el buitre supo que se querían deshacer de él por lo que atacó al personaje principal, donde éste expresó liberación. Todo el cuento es narrado con un tiempo cronológico u objetivo debido a que se puede percibir cuando comienzan las acciones y cuando termina de realizarlas. Éstas acciones de exposición debido a que se conoce el conflicto que ha dado origen al los hechos posteriores y acciones de desenlace debido a que se resuelven mediante un desarrollo normal es decir un acontecimiento inesperado cuando el buitre lo ataca y el personaje se siente liberado ya que no sufrirá más su tormento. 

En éste cuento existen únicamente personajes secundarios que son el sujeto que ofreció su ayuda y el buitre, que ambos fueron fundamentales para el desarrollo de la trama de la historia ya que el sujeto al llamar la atención del buitre, éste le atacó. Además de las características mencionadas previamente la historia del libro “La Metamorfosis” con los antecedentes del personaje se puede apreciar que el protagonista está teniendo un gran cambio en su vida, los cuales influyeron en hecho de que no se quisiera deshacer del buitre.

Todas éstas acciones generaron un ambiente de tensión, debido a que encontraba en el exterior el buitre pudo realizar tal acción. De este modo el autor trató de representar los acosos que se tiene en la vida cotidiana de una persona y de como que a pesar de que las personas nos traten de ayudar; si no no tiene la iniciativa porque el cuento un sujeto se acercó y le mencionó que por qué no se deshacía de él; pero no le resultó de la manera adecuada el hecho de que alguien más hubiera tenido al iniciativa.