Bitácora Cultura.UNAM

Otras lecturas e imágenes de los eventos de la Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM.

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Bi Gan, Lu bian ye can (2015).

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João Nicolau, John From (2015).

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Pedro González-Rubio, Ícaros (2015).

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Paulo Rocha, Mudar de vida (1966).

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Miguel Gomes, Tabu (2012).

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Marlen Khutsiev, Vesna na Zarechnoy ulitse (1956).

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FICUNAM 2016. Del 24 de febrero al 1° de marzo. Centro Cultural Universitario y sedes alternas.

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Fotos: Verónica Rosales

Texto:  José Alfredo Valerio Luna

Transgresión desde un teatro-laboratorio

Borroso, Juan Carlos Uviedo se perdió en la memoria del mundo al grado de que ni su fecha de nacimiento sabemos con certeza: posiblemente 1940. Se sabe también que nació en Santo Tomé, provincia de Santa Fe, Argentina. Se interesó por el teatro y la relación que tiene éste con la sociedad y el cambio político.

El Museo Universitario Arte Contemporáneo reúne en la exposición Con la provocación de Juan Carlos Uviedo un conjunto de documentos misceláneos sobre la actividad teatral de este provocador, quien desarrolló una intensa actividad político-teatral en medio de la represión de la dictadura argentina.

Toda una vida dedicada a transgredir evoca una reflexión de Jerzy Grotowski que seguramente dio sentido a Uviedo: “¿Por qué nos interesa el arte? Para cruzar nuestras fronteras, sobrepasar nuestras limitaciones, colmar nuestro vacío, colmarnos a nosotros mismos. No es una condición, es un proceso en el que lo oscuro dentro de nosotros se vuelve de pronto transparente. En esta lucha con la verdad íntima de cada uno, en este esfuerzo por desenmascarar el disfraz vital, el teatro, con su perceptividad carnal, siempre me ha parecido un lugar de provocación. Es capaz de desafiarse a sí mismo y a su público, violando estereotipos de visión, juicio y sentimiento; sacando más porque es el reflejo del hálito, cuerpo e impulsos internos del organismo humano. Este desafío al tabú, esta transgresión, proporciona el choque que arranca la máscara y que nos permite ofrecernos desnudos a algo imposible de definir” (“Hacia un teatro pobre”, 1965).

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Con la provocación de Juan Carlos Uviedo se presenta en el MUAC hasta el 2 de agosto de 2015.

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Fotos: Enrique Abe

Texto: Patricia Ireta

Tadashi Endo: todos los hombres, todas las sombras

A través de la señal de audio, se percibe el sonido de una tormenta. En el escenario se encuentra un hombre acostado. Al fondo se ve reflejada la sombra de su cuerpo. El hombre comienza a mover manos y piernas; el hombre se ha transformado en un recién nacido.

El proyecto escénico One-Nine-Four-Seven revela la concepción que el bailarín y coreógrafo Tadashi Endo tiene sobre la vida y la muerte. Su nacimiento, el nacimiento de los japoneses después de 1945, marca la generación de un hombre nuevo; del hombre de la posguerra.

El hombre que el espectador observa en el escenario es ese nuevo hombre y sus sombras reflejadas, proyecciones de aquellos que murieron en la guerra. El espectáculo es una representación del ciclo de la vida. Tadashi Endo es todos los hombres a la vez. Es un bebé, es un hombre, es un muerto.

¿Qué hay después de la muerte? y Endo nos responde en One-Nine-Four-Seven que el hombre trasciende por medio de sus ideas, pensamientos, acciones, palabras y movimientos.

Con música de Kronos Quartet, Shibusa Shirazu, Osamu Goto y Tchaikovsky, el espectáculo One-Nine-Four-Seven se presentó recientemente en Museo Universitario del Chopo. 

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El mundo afterpunk de Nick Zedd

Foto: Juan Carlos González Palacios

Texto: Jorge Luis Tercero Alvizo (@GiorgioDammit)

La obra de Nick Zedd (Maryland, 1958) proviene del subterráneo y lo contracultural, esos ríos secretos joydivisianos, yacimientos de imaginación cruda, que muchas veces quedan opacados ante las olas implacables de imágenes con las que el denominado mainstream satura nuestros cerebros. Como parte de la sexta edición de la Fanzinoteca del Museo Universitario del Chopo, tenemos la oportunidad de apreciar ejemplares que, de su archivo personal, el propio artista pone a nuestro alcance.

La exhibición El Zine Invisible se construye a partir de fanzines, cómics, revistas de cine de terror, textos y pinturas, así como películas caseras (ahora de culto) que forman parte de la obra de este indefinible artista, radicado en México desde hace dos años. La expresión de Zedd comprende asimismo la reimpresión de material único y poco difundido, perteneciente a esa subtrama de la cultura pop estadounidense.

Al charlar con el artista sobre ese inquietante y tan característico tratamiento amateur de su obra y del potencial subversivo que de allí se deriva, le preguntamos sobre el significado de las prácticas de autoedición y de la figura del fanzine en la cultura punk. "¿El significado? No tiene significado, significa lo que tú quieres obtener de esto. Si te gusta tomas algo de ahí, si lo odias tal vez no. No lo sé realmente. La cultura del fanzine es una expresión del DoItYourself, que es usualmente empleado por gente externa a la cúpula de poder o que no tiene suficiente dinero", explica Zedd.

Para muchos integrantes de esa generación que creció educada por la cultura del cómic, del fanzine, de las películas autofinanciadas que se realizaban desde formato VHS; para muchos de los bolañianos moradores del antiguo mercado del Chopo y otros submundos del monstruoso DF, El Zine Invisible debe representar una nostálgica ventana al recuerdo punk, un pequeño triunfo de lo underground, un beso contestatario sin dientes ni pretensiones intelectuales que el Chopo nos regala.

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El Zine Invisible. Hasta agosto de 2014. Museo Universitario del Chopo.

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Reproducciones: Juan Carlos González Palacios

Texto: Jorge Luis Tercero Alvizo (@GiorgioDammit)

La deconstrucción del cine en The Lost                  

El cine es la máquina-Nosferatu que se alimenta de la esencia de los vivos para nunca morir, un vampiro de la mirada que nos regresa flores resucitadas y prodigiosas desde las cenizas de la nada, que nos obsequia algunos fragmentos de vida desde la muerte. Inspirado en estas ideas y otras teorías, el artista Reynold Reynolds (Alaska 1966) presenta en el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) su compleja pieza-película The Lost (2013).

The Lost no consiste exactamente en la reconstrucción de una película de los años 30, sino que más bien se encamina a re-pensar el hubiera (what if) de los filmes mudos en blanco y negro: qué hubiera sucedido si este cine no hubiera desaparecido y hubiera continuado su evolución estética al lado de la tecnología. El artista reflexiona sobre la interrupción de la cinematografía que se generó en Alemania con el arribo del régimen nazi y la llegada de la segunda guerra mundial. En esa deliciosa frontera entre la especulación y ciertos coqueteos reflexivos de tipo ciencia ficción, Reynolds se pregunta: ¿Qué hubiera pasado si no hubiera sucedido tal guerra, cómo hubiera sido el cine?

Este experimento cinematográfico se origina entre los fragmentos y stills recuperados de un filme bélicamente interrumpido por la aparición nazi en 1930. A lo largo del proceso de este trabajo, el estadounidense se ocupó, entre 2011 y 2013, de recobrar, restaurar y consumar una película que se transmuta en una meditación sobre el tiempo, las maneras de apropiación del arte, la verosimilitud y los avatares de la imagen-movimiento. 

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The Lost de Reynold Reynolds. Del 28 de junio al 7 de septiembre de 2014. Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC).

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Fotos: Monserrat Rojas 

Texto: Jorge Luis Tercero Alvizo (@GiorgioDammit)

Mirada al interior de la mente de Víctor Grippo

Transformación, del artista argentino Víctor Grippo (1936- 2002), es una muestra que presenta una visión cargada de papas (y otros materiales perecederos que forman parte de estas instalaciones momentáneas), desmaterializaciones del arte moderno y otras secuencias del pensamiento.

El recorrido que se ofrece en torno al trabajo del argentino se enfoca en su producción de los años 60 y lo que ha realizado en los últimos años. Esta mirada al interior de la mente de Grippo toma su nombre de la idea que rige toda la obra del argentino, una transformación: desde los oficios, el trabajo, la fabricación, el consumo, lo artesanal, las herramientas y la vida.

Como gran ejemplo surge la pieza “Analogía”, obsesivas papas que como circunvoluciones en un cerebro se acumulan despiadadamente; se aglutinan unas sobre otras, enredadas de cables, como una metáfora de opulencia alimentaria y hambruna; de modo que parecieran constatar el exceso y la falta de productos comestibles en el mundo moderno. Involuntariamente quizás, el trabajo de Grippo en torno al concepto de la papa evoca las andanzas de la directora francesa Agnès Varda en el documental Los cosechadores y yo (Les glaneurs et la glaneuse, 2000).

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Transformación de Víctor Grippo. Del 28 de junio al 19 de octubre de 2014. Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC).

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Fotos: Juan Carlos González Palacios y Monserrat Rojas 

Texto: Jorge Luis Tercero Alvizo (@GiorgioDammit)

La huella del mensaje sin texto

Con las piezas que conforman Los hablantes, la artista Verónica Gerber Bicecci reconstruye el lenguaje desde los pronombres, sus mapas del texto robado cubren las paredes de las terrazas del Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), desde donde nos invitan a pensar en el sentido de la comunicación. 

A través de este ensayo visual, de estas diferentes intenciones e interacciones lingüísticas, se construyen conversaciones hipotéticas que miran silenciosas hacia los cielos neblinosos que coronan el museo. Dichas interacciones del silencio operan como un campo de tensiones, mutismos, emociones latentes y secretos. “Intento lograr una especie de escritura visual, que toma elementos de varios lados: entonces tenemos aquí los pronombres personales, extraídos de la lingüística, los globos de texto y otras estructuras; también la presencia del blanco y del negro, que son opuestos, por ejemplo”, relata la artista.

La obra de Gerber Bicecci oscila entre las fronteras de las artes visuales y la literatura. Sus piezas son mapas de textos colectivos donde lo único que no está presente es el texto.

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Los hablantes de Verónica Gerber. Del 28 de junio al 21 de septiembre de 2014. Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC).

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De construcciones oníricas sin arquitectos

Foto: Juan Carlos González Palacios

Texto: Jorge Luis Tercero Alvizo (@GiorgioDammit)

A partir de una maqueta a escala real, el trazo de hilo nos guía para entender las formas que la escritura arquitectónica sin arquitecto fue tomando y, de igual modo, las que podría tomar en un futuro hipotético: “En hilo azul está marcado lo que ya se construyó y en rojo, lo que se piensa construir a futuro”, comenta Sandra Calvo, creadora de la obra.

En la exhibición Arquitectura sin arquitectos son reveladas las facetas del proceso de edificación de viviendas en asentamientos irregulares y zonas periféricas de las grandes metrópolis latinoamericanas; proceso donde los individuos se transmutan en arquitectos para culminar los proyectos de vivienda que el entorno no les ha permitido finalizar.

La visión interdisciplinaria de la muestra emerge en el punto donde se cruzan el arte, la antropología, el urbanismo y lo político. Sandra Calvo analiza a partir de la videoinstalación, el libro-objeto, la fotografía y el texto. Así, la artista, desde su propuesta de maqueta y videos, destaca los sucesos de resistencia y sabotaje y la temporalidad de los actos, mostrando la tensión interna entre lo político y lo onírico –las casas que nunca llegan a lograrse contra las que sí–, entre el evento de una construcción artesanal y la consolidación de una imaginación realizable, como es una casa, vislumbrada en sueños de prosperidad, que logra traducirse al tabique y al concreto. 

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Arquitectura sin arquitectos. Del 26 de junio a octubre de 2014. Museo Universitario del Chopo.

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Diógenes y los perros. Un ensayo sobre el ocio

Fotos: Edgar Portillo (@pilluum)

Texto: Jorge Luis Tercero Alvizo (@GiorgioDammit)

En la Sala 5 de Casa del Lago, se levanta desde el barro de la Nada y los relatos olvidados de la antigüedad, la muestra colectiva Diógenes y los perros. A partir de la noción de austeridad del filósofo griego, se ocupa un cuarto con objetos producidos por el ocio; objetos de barro, ese material tan simbólico que ha seguido a la humanidad desde sus albores.

Estamos ante una muestra que da continuidad a la reflexión que Casa del Lago llevó a cabo en 2013 sobre el trabajo y el ámbito laboral. La idea de hablar de Diógenes surgió de Víctor Palacios, curador del recinto, quien al intentar romper con la típica exposición de formato curador-artistas, propuso una colaboración bajo el tema del ocio.

En esta meditación, des-estructurada y lúdica, abundan formas caprichosas, como algunos retratos del mismo Diógenes oscilando entre el misticismo y la masturbación, dos facetas representativas del ocio en la opinión de los artistas exponentes.

Diógenes y los perros reúne el trabajo de los artistas Gabriel Santamarina, Carolina Alba, Óscar Benassini, Javier del Cueto, Helena Fernández Cavada, Fernando García Correa, Noé Martínez, Adán Paredes, Claudia Pérez Pavón y María Sosa.

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Diógenes y los perros. Hasta el 31 de agosto de 2014. Casa del Lago Juan José Arreola. Entrada libre.

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Bruce Nauman. Black Stones Under Yellow Light (1987). Colección de Arte Cotemporáneo, Fundación ''La Caixa''. Imagen, cortesía MUAC.

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La persistencia de la geometría. Del 20 de junio de 2013 al 26 de enero de 2014. Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC).

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Ronan y Erwan Bouroullec: Álbum. Apertura: 9 de marzo de 2013. Inauguración: 21 de marzo, 18:30 horas. Salas 4 y 5 del Museo Universitario Arte Contemporáneo.