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@eugenpfister
Meine kleine (naturgemäß äußerst subjektive) Liste der von mir mit mäßiger bis reger Vorfreude erwarteten Spiele der nächsten zwei Jahre (Teil III)
1. Surviving Mars
2. Tacoma
3. HellBlade
4. Perception
5. State of Mind
6. Routine
7. Desolation
8. Ghost of a Tale: “You play as a mouse!”
9. Return of the Obra Dinn
10. Cyberpunk 2077
Wer Harry Potter mag, muss Van der Bellen wählen!
Ich möchte alle meine FreundInnen, Bekannten und Familienmitglieder dazu aufrufen, ungeachtet ihrer sonstigen politischen Überzeugung, bei der Stichwahl Alexander Van der Bellen zu wählen! Das Schöne ist ja, dass Van der Bellen, ein Präsidentschaftskandidat ist, der neben den "linken Fundis" auch Bankenchefs, katholische Konservative, StudentInnen, Bäurinnen und unverbesserliche Neoliberale hinter sich vereinen kann. Es gibt nur eine politische Fraktion, die gar nicht mit ihm kann und das sind die anti-europäischen autoritären Nationalisten, sowie natürlich der grenzgeniale Andreas Laun. Zur Erinnerung: Laun ist nicht nur glühender VdB Gegner, er denkt auch: "Harry Potter öffne Jugendlichen die Türen für unreine Geister und Fantasien." (Profil 21.2.2009) Konsequenterweise bin ich der Überzeugung, dass Alexander van der Bellen in seiner Jugend ein ausgezeichneter Quidditch Seeker gewesen sein muss.
Meine kleine (naturgemäß äußerst subjektive) Liste der von mir mit mäßiger bis reger Vorfreude erwarteten PS4-Spiele der nächsten zwei Jahre (Teil II)
Adr1ft: Hier kann ich es ja sagen, ich habe Gravity geliebt. Und ich möchte lieber nicht wissen, was es tiefenpsychologisch über mich aussagt, dass sowohl Unterwasserstationen als auch Weltraumstationen so magisch anziehen, insbesondere ihre Fragilität...
Allison Road: Ich könnte gerade nicht sagen, ob das Projekt noch besteht oder schon wieder gestorben ist. Aber der spirituelle Nachfolger des P.T. sah vielversprechend aus.
Layers of Fear: Seit ich letzten Sommer in einem Artikel von Rainer Sigl davon las, hatte ich große Lust dass artsy Horrospiel auszuprobieren. Und nein, ich weiß auch nicht seit wann ich plötzlich so eine Affinität zum Horror im Spiel gefunden habe
Cyberpunk 2077: Nicht das ich bis jetzt Zeit gefunden hätte The Witcher III zu spielen. So sollte ich mir auch keine Hoffnung machen je die zeit für Cyberpunk 2077 zu finden. Aber ich mag halt CD Projekt Red und das Cyberpunk Setting.
Dead Secret: “A Love Letter To Classic Horror & Mystery Games” Und noch ein Mystery Thriller
Deus Ex: Mankind Divided: Wobei sich meine Euphorie nach dem letzten teil da doch sehr zurückhält.
Hellblade: Einfach weil es vielversprechend klingt, eine psychotische Störung als Grundlage eines Spiels zu verwenden
Persona 5: Weil ich die ersten vier nie gespielt habe.
Psychonauts 2: Ich mag Tim Schafer und ich werde alle seine Spiele kaufen. Trotzdem möchte ich die Gelegenheit nutzen um loszuwerden, dass ich Psychonauts nicht mochte. Die Geschichte fand ich toll, aber 3D Jump N’Run finde ich nach wie vor verzichtbar.
The Walking Dead: Michonne: Ich mag Telltale nach wie vor und ich hab die ersten zwei WD-Staffeln sehr gemocht.
Warhammer: Vermintide: Wieder vor allem auf Nostalgie begründet. Hätte es in den 1990er Jahren mehr Warhammer Spiele gegeben, hätte ich vielleicht mehr von meinem Taschengeld übrig gehabt und jetzt nicht eine Kiste mit Dark Elves und Bretonen Zinnfiguren, die ich versuche loszuwerden.
Agatha Christie: The ABC Murders: Ich habe mich ja früher v.a. als RPG und Strategie-Spieler verstanden, aber nach der liste muss ich eingestehen, dass mich heute v.a. existenzieller Horror und langsame Kriminalgeschichten interessieren. Warum auch immer. Das letzte Sherlock Holmes Spiel fand ich jedenfalls überraschend gut.
Meine kleine (naturgemäß äußerst subjektive) Liste der von mir mit mäßiger bis reger Vorfreude erwarteten PS4-Spiele der nächsten zwei Jahre
The Vanishing of Ethan Carter (15.7.), weil es wie viele andere Spiele in dieser Liste trotz First Person Perspektive neue Wege geht (und ausnahmsweise niemand und nichts erschossen wird), weil sowohl die Ästhetik als auch die Spielmechanik interessant wirken, und die Geschichte, wenn auch nicht atemberaubend revolutionär doch so wirkt, als ob sie mich fesseln könnte.
King’s Quest (28.7), weil King’s Quest III, das allererste Adventure war, das ich damals auf meinem IBM PS2 gespielt habe (auch wenn mich die latent anarchische Space Quest- und Quest for Glory-Reihen bei Sierra noch mehr angesprochen haben). Und weil es erfrischend anders wirkt, sowohl was die Ästhetik, als auch was die Geschichte angeht. Ausserdem wirkt Graham einfach sympathisch und Wallace Shawn (Vizzini!) spielt mit.
Everybody’s gone to Rapture (11.8.), Wie schon bei Ethan Carter reizen mich Geschichte, Ästhetik und die irritierende Atmosphäre einer intakten aber menschenleeren Stadt. (Was mich daran erinnert, dass ich mir endlich Dear Esther anschauen sollte.) Von der Spielmechanik erinnert es mich an Gone Home, und das war eine der spannendsten Spielerfahrungen der letzten Monate. “Understatement can be refreshing”
Until Dawn (25.8.), weil der B-Movie Horror Charme mich anspricht, weil es scheinbar ein wenig mehr Wert auf Horror legt als auf blutige FPS-Orgien. (The Evil Within war da ein sehr enttäuschendes Erlebnis) Und es erinnert mich an Obscure, das mir damals auf der Playstation 2 viel Spaß bereitet hat, eben gerade weil es seinen B-Movie Charme mit voller Innbrunst umarmt hat.
Nobunagas Ambition (4.9.) Weil es ein Strategiespiel auf einer Konsole ist. (Kann das überhaupt gut gehen?) und weil mich die Shogun Zeit, seit dem Brettspiel Shogun (und natürlich Shogun:Total War) interessiert hat.
Soma (22.9.) Noch mehr als Until Dawn, weil es subtileren Horror verspricht.
Adr1ft (September 2015), weil mich die Ästhetik und die Erzählung anspricht, sowie die Idee ein First Person Spiel völlig ohne Gewalt und Antagonismen zu spielen.
Risen 3 (2015) Im Grunde nur, weil ich damals die Gothic Spiele mochte.
Fallout 4 (2015), weil für mich Fallout 1 und 2 zu den grandiosesten Spielen überhaupt angehen, was Narration, Spielmechanik und Ästhetik angeht.
Wasteland 2 (2015) Siehe Fallout. Ausserdem reizt es mich zu sehen wie ein Taktik-Spiel auf die PS4 umgesetzt wird
Persona 5 (2015) Weil ich noch kein Spiel aus der Reihe gespielt habe und mich die Idee eines JRPG ohne traditioneller Fantasy und SF-Elemente reizt, sowie das Gewicht das auf persönliche und emotionale Beziehungen gelegt wird.
What remains of Edith Finch (2016)
Kingdom Come - Deliverance (2016)
Last Guardian (2016)
Deus Ex: Mankind Divided (2016)
Sartre Text Adventure
(gefunden auf CafePress)
Jacques Lacan, Caspar David Friedrich und die Zombie-Apokalypse: Eine erste Annäherung an Mythen in “The Last of Us”
Mythen des Digitalen Spiels
The Last of Us (Naughty Dog: US 2013 / PS4)
Dass von “Naughty Dog” exklusiv für die Sony Playstation 3 entwickelte Spiel (das später für die PS4 generalüberholt wurde) [1] hinterließ bei vielen - so auch bei mir - einen nachhaltigen Eindruck. Die erzählte Geschichte, die gezeichneten Bilder, die erweckten Gefühle bewegten nicht nur den Großteil der KritikerInnen sondern auch viele SpielerInnen. Entsprechend befindet es sich in so ziemlich allen “Best of” Listen des Jahres 2013 und scheint nach wie vor als Referenzwerk für gelungenes Storytelling in einschlägigen Artikeln auf. Dabei ist weder die Spielmechanik, noch das tragende Narrativ besonders originell: Dieselbe Geschichte wurde in den letzten Jahren häufig erzählt: Eine Seuche bricht aus, die einen großen Teil der Menschheit (oder zumindest der US-amerikanischen Bevölkerung) de facto in Zombies verwandelt (auch wenn sie innerhalb der Spielwelt nur als “Infizierte” bezeichnet werde). Unter dem Einfluss eines Cordyceps-Pilz der über Sporen übertragen wird, verwandeln sich die infizierten Menschen in ein willenloses Kollektiv triebgesteuerter Monster. Die Gesellschaft, wie wir sie kennen bricht zusammen und eine latent faschistoide Militärregierung herrscht mit brutaler Gewalt in den wenigen verbliebenen menschlichen Enklaven:
”[...] The Last of Us is that house, built on the skeleton of so many post-apocalyptic stories before it. At every turn, it embraces the tropes of zombie fiction—the fall of government, the refugee-camp cities, the scrawled goodbye notes, the roving bandits and the desperate survivors and the great sacrifices and on, and on. We've been down this road before, dozens of times.” [2]
“Held” der Geschichte ist ein einsilbiger, unrasierter alleinerziehender Vater, namens Joel. Von der menschlichen Gesellschaft enttäuscht, nachdem er zusehen musste, wie seine Tochter während der Evakuierung vom Militär kaltblütig erschossen wurde, ist er anfangs nur widerwillig dazu bereit Rebellen dabei zu helfen die 14-jährige Ellie aus der Quarantänezone zu schmuggeln. So weit so gewöhnlich. Doch das Spiel sticht aus vielen Gründen aus der gleichförmigen Maße an Zombiespielen hervor. Zum einen erzählt es die Vorgeschichte aus der Perspektive von Joels Tochter, was Ihren Tod - zumindest in meiner Erfahrung - noch traumatischer wirken lässt. Das Spiel überzeugt vor allem auch wegen der unerwartet überzeugenden Beziehung, die sich über Stunden langsam zwischen Joel und Ellie aufbaut.
“The Last of Us” hat außerdem - vielleicht etwas erfolgreicher als so manch anderes Zombiespiel - zeitgenössische mit jahrhundertealten Mythen vermengt. Es ist sowohl Produkt zeitgenössischer Diskurse, als auch deren Träger.
Kulturwissenschaftliche Abhandlungen über Zombies haben mit der Renaissance des Zombiegenres um die Jahrtausendwende unerwartet an Relevanz gewonnen. Selbst der Pop-Philosoph Slavoj Zizek hat sich in einer Abhandlung über “Madness and Habit in German Idealism: Discipline between the Two Freedoms“ des Themas angenommen [3]. Zombie Studies, vor wenigen Jahren noch sicheres Zeichen für einen anstehenden akademischen Selbstmord wurden zum relevanten soziologischen und geisteswissenschaftlichen Forschungsfeld. Einen schönen Überblick bietet hier Todd K. Platts von der University of Missouri in seinem Artikel “Locating Zombies in the Sociology of Popular Culture” [4] Platts Überblick zeigt aber auch, dass das Gros der soziologischen Studien vor allem auf Zombies als “symptoms of social anxiety” fokussiert. Zombies sind aber nicht nur eine popkulturelles Dispositiv für soziale Ängste und gesellschaftliche Ruinen, sie sind zu allererst - ganz plastisch - körperliche Ruinen. Sie sind verzerrte, verwesende und entstellte menschliche Körper.
Die körperliche Ruine
Abgetrennte Gliedmaßen, herabhängende Hautfetzen, Eiter, Fäulnis, alle vorstellbaren Stadien der Verwesung sind zentraler Topos des Zombiegenres - das Bild des ent-menschlichten Körpers. Hier unterscheidet sich der Zombie grundlegend von anderen mythischen Untoten. Im Gegensatz zum abstrakten Skelett, dem körperlosen Geist und dem (sehr menschlichen) erotischen Reiz der Vampire, ist hier der zentrale Moment der des Ekels. Der Zombiekörper stößt uns körperlich ab. Im Normalfall weist er Zeichen eines fortgeschrittenen Verwesungsprozess sowie Spuren von Schimmel, Fäulnis und Aasfressern auf. Er versinnbildlicht mehr noch als andere untote Körper, die Zersetzung des menschlichen Körpers. Er steht somit für unsere Angst vor dem Tod aber auch für eine ganz atavistische Angst vor dem Körperverlust. Seinen Reiz gewinnt das Zombiebild dabei durch die Ambivalenz, denn wir fühlen uns abgestoßen und angezogen zugleich von diesen verformten, zersetzten Körper. Wir können nicht aufhören ihn anzustarren. Vermutlich auch deshalb, weil er uns an die Unversehrtheit des eigenen Körpers erinnert. Eine so atavistische Emotion ist naturgemäß keine Erfindung des vergleichsweise jungen Zombiegenres, dass erst mit dem Spielfilm Anfang des 20. Jahrhunderts wirkliche Verbreitung fand. Im Gegenteil, in der Kulturgeschichte finden sich immer wieder Phasen, in welchen Bilder der Verwesung besonders weite Verbreitung fanden. Wir begegnen dem Reiz des Ekels zum Beispiel in Gemälden von Hieronymus Bosch und Lucas Cranach. Johann Huizinga erklärte im “Herbst des Mittelalters” die Popularität makabrer Darstellungen des Todes und der Verwesung mit einem aufkommenden Materialismus im späten Mittelalter.[6] Und bereits in der Antike fanden sogenannte “Denkbilder” Verbreitung, die menschliche Körper im Zustand der Verwesung oder als Skelette zeigten weite Verbreitung.[7] Die Attraktion des Gr(a)useligen hat eine lange Geschichte.
Die “Infizierten” in The Last of US funktionieren auf einer gleichen Ebene, weisen dabei aber eine interessante Abänderung auf. Die Infizierten von The Last of Us unterscheiden sich insofern vom gewöhnlichen Zombie, als Ihre Dekomposition durch einen Cordyceps-Pilz bedingt ist. Über die Zeit – und vier distinkte Entwicklungstadien – entfremdet er zusehends den menschlichen Körper, bis dieser zu guter letzt nur noch als vage humanoides Substrat für eine immobile Pilzkolonie dient. Der Reiz der Verformung wird durch das „natürliche“ Aussehen des Pilzes verstärkt. (Hier dürften ähnliche emotionale Mechanismen wirken wie bei H.R. Gigers Zeichnungen.) Der menschliche Körper zersetzt sich nicht nur, er wird von der „Natur“ erobert, von ihr ruiniert. Ein Mythos der in The Last of Us auch auf architektonischer und gesellschaftlicher Ebene funktioniert.
Die architektonische Ruine
Archetypische architektonische Symbole der amerikanischen Zivilisation - die Hochhausburg von Boston, der Universitätscampus der University of Eastern Colorado, ein Krankenhauskomplex in Salt Lake City, etc. sind als bildgewaltige Kulisse Raum der Handlung. Sie sind der langsam verfallende Körper der amerikanischen Zivilisation. Verwaiste Universitäts-Wohnheime, überflutete Unterführungen und Ubahnschächte, zerbröckelnde Büros bilden die stets gefährlichen Überreste einst vertrauter Umgebungen und drohen jeden Moment vollständig zusammenzubrechen. Suburbane Einfamilienhäuser, stereotype Symbole amerikanischer Häuslichkeit wurden von den Infizierten erobert und sind nun nicht länger kleinbürgerlicher Rückzugsort. Wolkenkratzer liegen aufeinandergestürzt im Finanzdistrikt, ein einst prächtiges Hotel in Pittsburgh liegt zur Hälfte unter Wasser, die Holzvertäfelungen ebenso modrig wie die ewig feuchte Bettwäsche der ehemaligen Hotelzimmer. Überall wuchern Kletterpflanzen, Flüsse bahnen sich neue Flussbetten, aus dem Zoo ausgebrochene Giraffen wandern ungestört durch die Stadt. Die Natur erobert sich die Erde Stück für Stück zurück. Häufig werden den SpielerInnen, insbesondere nach besonders aufreibenden Spielsequenzen kurze Ruhemomente geboten und das Spiel, bzw. der Protagonist kann für einen kurzen Augenblick inmitten der Ruinen innehalten und durchatmen um den SpielerInnen ein beeindruckendes Panorama der bezaubernden grünen Wüstungen zu bieten. Die EntwicklerInnen waren sich der Wirkungsmacht dieser Bilder wohl bewußt: So bestand eine Marketingkampagne des Spiels darin berühmte europäische Sehenswürdigkeiten in der Logik des Spiels zu verwüsten: den Berliner Hauptbahnhof, der Buckingham Palast, der Eifelturm, Fredericksberg, das mittelaterliche Avila, etc. So sähen europäische Denkmäler in der Spielwelt von “The Last of Us” aus. [5]
Auch hier gilt dasselbe wie zuvor für den ruinierten Körper: Dass Ruinenlandschaften nicht nur abstoßen, sondern auch attraktiv funktionieren ist keine neue Erfindung. Es ist zum einen - naturgemäß - zentraler Topos dystopischer Filme: Oblivion, I, Legend, Escape from New York, Flucht ins 23. Jahrhundert oder - am weitesten fortgeschritten - Planet der Affen. Unser Verlangen nach Bildern menschenleerer Großstädte, nach den Ruinen einst großer Zivilisationen scheint ungebrochen. Aufwendige Bildbände mit großformatigen Aufnahmen der Ruinen der einstigen Metropole Detroits, Fotoblogs des menschenleeren Pripyats, heimlich-öffentliche Erkundungen junger Urban Explorer in verfallenen Villen. Der Topos der romantischen Ruine lässt sich ebenso wie der Topos des verfallenden Körper weit in die europäische Kulturgeschichte zurückverfolgen. So kamen im ausgehenden 18. Jahrhundert nur wenige Schlösser ohne eine eigene eigens für den Garten komponierten Ruinenlandschaft aus, wie zum Beispiel die römischen Ruinen von Schloss Schönbrunn. Das Zusammenspiel zwischen Ruine und Natur war besonders zentral für die romantische Funktion. Das zeigt sich auch - um noch zwei Beispiel hervorzuheben - im Gemälde der Ruine Eldena von Caspar David Friedrich (1830-1834) und in Novalis’ Gedicht: “Ans Kloster in Ruinen”:
“Nie sah ich fröhlicher Ruinen
Als Deine oedes Kloster hier
Sah sie zur Eulen Wohnung dienen
In grausam drohenden Gewirr” (http://bit.ly/1Bd4ide)
Die gesellschaftliche Ruine
Nach der körperlichen und architektonischen Ruine bleibt uns noch die gesellschaftliche Ruine zu betrachten. Der Zerfall der Gesellschaftsordnung, wie wir sie kennen, ist ein Gemeinplatz des Zombiegenres. Mir fällt zumindest auf Anhieb kein Film oder Spiel ein, wo die Bedrohung durch ein funktionierendes soziales Zusammenspiel überwunden wird. Die Zombieapokalypse ist eben immer das, der endgültige Untergang der Menschheit. Sie entdeckt das wahre Ich der menschlichen Gesellschaft: homo homini lupus - der Mensch ist des Menschen Wolf. Ähnlich wie Thomas Hobbes, dürften ausnahmslos alle EntwicklerInnen von Zombiegeschichten keine hohe Meinung vom menschlichen “Naturzustand” haben. Im Gegensatz zu Hobbes setzen sie aber auch keine Hoffnung in gesellschaftliche und staatliche Strukturen. Nicht nur, dass das Militär in nahezu allen Zombienarrativen rasch faschistoide Züge entwickelt, auch die sich darauf bildende Résistance ist selten besser, wie auch in “The Last of Us”. Was bleibt sind familiäre Bindungen, denn selbst die kleinsten menschlichen Gruppierungen scheitern alsbald. Gewiss lässt sich im Zombie-Mythos auch immer ein gewisses Maß an Gesellschaftskritik feststellen. John Romeros “Dawn of the Dead” nutzt den Zombiemythos beispielsweise für eine recht amüsante Kritik an der Konsumgesellschaft. Auch diese mythische Ruine ist keine Neue. Apokalyptische Visionen begleiteten die Menschheit seit den Anfängen der Geschichte.
Die gesellschaftliche Ruine spiegelt im Grunde die architektonische und die körperliche Ruine wieder. Sie entfremdet das Gewohnte, sie bietet uns ein Zerr-Spiegelbild. Der Bildschirm funktioniert hier vielleicht wie Lacans Spiegel, er spricht eine tief empfundene Fragmentierungsangst in uns an.[8] The Last of Us ist hierfür ein besonders schönes Beispiel, weil die drei Ebenen der Ruine, hier besonders ausführlich ausgearbeitet wurden. Die Körper der Zombies sind nicht nur einfach Blaupausen der Filmzombies, sie erzählen eine eigene Geschichte und werden durch den Bezug auf den real existierenden Cordyceps-Pilz bis zu einem gewissen Maß glaubwürdig. Dasselbe gilt für die architektonischen Ruinen. Durch die Verwendung real existierender Topographien und den Verzicht auf generische Korridorgebäude wird auch hier die Entfremdungs-Funktion gesteigert.
Ich denke, dass ein Grund für den großen Erfolg des Spiels hierin liegt, dass es besser und gründlicher als andere Spiele jenes Genres die zugrundeliegenden Mythen inszeniert und konstruiert. Insofern konnte es auch besser als viele andere Zombienarrative den Bedarf nach diesen Mythen in unserer Gesellschaft befriedigen. Interessant wäre es natürlich nun der Frage nachzugehen, ob die zuletzt wahrnehmbare Renaissance des Zombiemythos Symptom eines neuen Materialismus ist, wie es Huizinga für das ausgehende Mittelalter argumentierte oder aber Ergebnis eines weit verbreiteten “Unsicherheitsgefühls” ist, wie es einige Soziologen festzustellen glauben? [9]
(1) Ich selbst habe die graphisch aufgebesserte Version für die PS4 gespielt und werde mich im Folgenden auf diese beziehen.
(2) Kirk Hamilton, “The Last of Us: The Kotaku Review” auf kotaku.co.uk (29/07/2014) <http://www.kotaku.co.uk/2014/07/29/last-us-kotaku-review>
(3) http://www.lacan.com/zizdazedandconfused.html
(4) Todd K. Platts von der University of Missouri in seinem Artikel “Locating Zombies in the Sociology of Popular Culture”
(5) http://www.gamezone.de/The-Last-of-Us-PS3-238895/News/The-Last-of-Us-So-saehe-Europa-nach-einer-Zombie-Apolaklypse-aus-1130477/
(6) Huizinga, Herbst des Mittelalters, 1992, S. 198.
(7) Günter Bandmann, Melancholie und Musik: Ikonographische Studien, S. 83
(8) http://epadie.com/spiegelstadium.html
(9) Todd K. Platts von der University of Missouri in seinem Artikel “Locating Zombies in the Sociology of Popular Culture”
Politische Kommunikation: Mythen des Digitalen Spiels
Auf dieser Seite werde ich in nächster Zukunft den Mythen des Digitalen Spiels nachspüren und zwar im Sinne von Roland Barthes Mythenbegriff: Mir geht es darum nachzuweisen, dass jedes Spiel auch etwas Politisches und Kulturelles - Essenzen der Gesellschaft, die sie hervorbringt - in sich trägt, selten offen, oft bewußt, ebenso oft unbewußt.
Computerspiele entstehen nicht im gesellschaftsleeren Raum. Sie entstehen nicht in einem politikfreien Raum, das können sie gar nicht. Selbst wenn sie mit dem Anspruch des Unpolitischen erzeugt werden sind sie ein Produkt der Gesellschaft und Kultur, in welcher sie entstanden sind. Auch vermeintlich simple und oberflächliche Computerspiele tragen etwas Politisches in sich. First Person Shooter, die ohne Anspruch auf eine politische Aussage geschaffen wurden tragen - dessen ungeachtet - ein kulturelles Verständnis von Krieg und Konflikt in sich. Den eben wieder abebbenden Hype um Untote (insbesondere Zombies) kann man nicht begreifen, wenn man sich nicht mit der Geschichte der Untoten in der Fiktion, sowie unserer Körperkultur auseinandersetzt. Hier hilft zum Beispiel Jacques Lacans Konzept des “zerstückelten Körpers” dem Verständnis. (Siehe Jacques Lacan, “The Mirror Stage as Formative of the Function of the I as Revealed in Psychoanalytic Experience”)
Sich mit diesen Mythen auseinanderzusetzen heisst nicht nur versteckte (manchmal unbewusste Motive) aufzuspüren, es hilft auch den Erfolg einzelner Spiele/Genres/Topoi zu verstehen. Computerspiele sind ein Massenmedium und als solches kommuniziere, perpetuieren und konstruieren sie zugleich unsere Gesellschaft. Sie transportieren - ungeachtet ihrer Intentionen - politische Aussagen. Schon alleine dadurch, dass die meisten Spielemechaniken auf einem Konfliktmodel basieren, müssen (teilweise natürliche ephemere) kollektive Identitäten geschaffen werden: Wer sind die Guten/Wir? Wer sind die Bösen / die Anderen? Warum investiere ich mich überhaupt in diesen Konflikt?
Alle kollektiven Identitäten müssen jeden Tag aufs Neue imaginiert werden. D.h. wir müssen uns jeden Tag aufs Neue damit identifizieren. Das können (trans-)nationale Identitäten sein, politische, religiöse, gesellschaftliche etc. Sie sind nicht ausschließlich sondern lassen auch sogenannte Patchwork-Identitäten zu. Sie sind nicht in Stein gemeißelt, sondern können ebenso wie Staaten auf einmal aufhören zu existieren. (Ein tragisches Beispiel dafür ist die jugoslawische Identität). Um weiterzubestehen müssen sie kommuniziert werden, in Familien, in der Schule, in Museen, in Zeitungen, im Film, in sozialen Medien und in Computerspielen.
Das ist an und für sich weder etwas Positives noch etwas Negatives, aber es ist ausgesprochen wichtig sich dessen bewusst zu sein.
Literatur:
* Roland Barthes, Mythen des Alltags, Suhrkamp 2012.
* Jacques Lacan, The Mirror Stage as Formative of the Function of the I as Revealed in Psychoanalytic Experience, Delivered at the 16th International Congress of Psychoanalysis, Zurich, July 17, 1949 http://www.hu.mtu.edu/~rlstrick/rsvtxt/lacan.htm
Funktioniert der Bechdel-Test bei Videospielen?
Letzte Woche habe ich mich ein zweites Mal an Alien:Isolation herangewagt in der vagen Hoffnung, diesmal meine Angst besser überwinden zu können. Meines Herzrasens ungeachtet sticht dieses aussergewöhnliche Spiel aus vielen Gründen aus dem Gros der gängigen AAA-Spiele hervor, nicht zuletzt wegen seiner Protagonistin. Starke, glaubhafte Frauenfiguren (mit einer realistischen Oberweite) sind nach wie vor eine Seltenheit in der Welt digitaler Spiele, noch seltener sind sie spielbare Charaktere.
Wenn ich aber die letzten von mir gespielten Spiele Revue passieren lasse, strotzen diese nur von starken Frauenfiguren. In umgekehrter Reihenfolge waren das: Alien:Isolation, Telltales Game of Thrones, Life is Strange und The Last of Us. Alle vier Spiele, so dachte ich mir in einem ersten Augenblick, hätten mit wehenden Fahnen den Bechdel-Test bestanden:
Es spielen mindestens zwei Frauen mit,
die sich miteinander unterhalten,
über etwas Anderes als einen Mann
Eine an sich recht niedrige Hürde - möchte man meinen - die allerdings nur die allerwenigsten produzierten Filme bestehen. Und hier haben gleich vier Spiele den Test mit wehenden Fahnen bestanden. Natürlich sollte ich hier anmerken, dass ich tendenziell eher zu Spielen greife, die etwas mehr Zeit mit der Ausarbeitung glaubhafter männlicher und weiblicher Charaktere zubringen, als die Myriade generischer FPS. Der Bechdel-Test, eigentlich als Scherz in einem Comic von Allison Bechdel entstanden, dient heute vor allem dazu auf das augenscheinliche Ungleichgewicht der Geschlechter im Film hinzuweisen. Er steht in der Tradition von Virginia Woolfs “A Room of one’s own”: “And I tried to remember any case in the course of my reading where two women are represented as friends.”
Ich fand es natürlich sehr originell, den Bechdel-Test auf Videospiele umzusetzen und naturgemäß war ich nicht der erste. Aber gleich bei der ersten Liste von Spielen die den Bechdel-Test bestanden, zeigte sich die Schwäche dieses originellen Ansatzes, wenn z.B. die Halo-Reihe gleich zwei Mal vertreten ist. Und gehe ich in der Liste meiner Spiele weiter zurück, zeigt sich auch, dass einfach zu viele Spiele problemlos den Bechdel-Test bestehen, so zum Beispiel auch Assassins Creed IV: Black Flag.
Es reicht, dass in einer Cutscene einmal zwei Frauen miteinander reden. Nun immerhin kommt das scheinbar in Spielen häufiger vor als in Filmen. Für ein ausgeglichenes Geschlechterverhältnis, das auch nur annähernd unsere Gesellschaft wiederspiegelt reicht das aber nicht aus. Doch auch dieser Gedanke ist nicht nur mir gekommen: In einem Artikel im New Statesman vom Jänner 2014 ging Helen Lewis genau diesem Gedankengang nach. Wie müsste ein Bechdel-Test für Computerspiele aussehen? Lewis zitiert zwei Vorschläge, die ihr auf Twitter untergekommen waren:
Vorschlag (A): (i)There must be a female character with whom you can interact, (ii) who doesn’t need rescuing, (iii) and isn’t a prostitute.
Vorschlag (B) : Has a female playable character. Has a female npc the player speaks to not about a man. Woman features prominently in ads.
Natürlich ist das ganze eine Gedankenspielerei. Vom Gefühl her ist mir die erste Definition zu umfassend und die zweite zu restriktiv. Vielleicht finde ich ja noch eine schöne Einschränkung die Spiele wie Alien:Isolation, Game of Thrones, Life is Strange und The Last of Us umfasst, aber Spiele wie die COD-Reihe und all seine mit künstlichem Testosteron verseuchten Klone ausschließt.
Interessant ist es aber vielleicht noch die im Titel gestellte Frage zu beantworten. Wie es sich für einen Geisteswissenschaftler gehört verweigere ich hier eine eindeutig positive oder negative Antwort.
Zum einen kann der Bechdel-Test bei digitalen Spielen nicht funktionieren, weil Liebe, Sex und Beziehungen in Spielen kaum eine Rolle spielen. In Spielen dominieren Narrative des Konflikts. Zwischenmenschliche Beziehungen spielen kaum eine Rolle. Weil es keine Tradition dafür gibt und weil es (angeblich) zu hyperkomplex wäre um dargestellt werden zu können. Hier kann der Bechdel-Test also gar nicht greifen, weil es den Topos der “Freundinnen, die über ihre Beziehungen sprechen” gar nicht gibt: Warum sollten zwei Frauen über einen Mann sprechen, wenn dieser gerade von einem haushohen Insektenmonster verspeist wird?
Zum anderen sind Computerspiele, trotz verbreiteter Machismo-Wahnvorstellungen und beängstigender Gamergate-Sümpfe vermutlich auch schon etwas weiter als das Mainstream-Kino (das Indie-Spiele ebenso wie Independent-Filme da noch weiter sind sollte auch nicht überraschen). Selbst in absurden Testosteron-Opern wie Gears of War und Halo, sind weibliche MitkämpferInnen Alltag, ebenso wie in nahezu allen Fantasy-Schinken (das Thema weiblicher Rüstungen sparen wir hier vielleicht fürs erste aus). Und wie die eingangs erwähnte Liste es zeigt, unterhalten sich auch in Halo und Max Payne weibliche Charaktere miteinander über andere Themen als Männer. Das darf man als einen ersten richtigen Schritt verstehen, der uns zugleich nicht davon ablenken kann, dass aus feministischer Sicht hier noch ein langer Weg vor uns liegt, wie es zuletzt der für mich in keiner Weise nachvollziehbare Backlash junger aggressiver weißer Männer auf Anita Sarkeesians Tropes vs Women Videoreihe gezeigt hat ebenso wie die sogenannte Gamergate-Kontroverse, die seit mehr als einem Jahr Twitter verseucht.
Der Bechdel-Test macht also unmodifiziert auf Videospiele angewandt wenig Sinn. Was aber ist mit dem Woolf-Test? Welche der genannten Spiele bestehen den Woolf Test?
Für die letztminütigen Weihnachtseinkäufe: Spieleempfehlungen für Kinder (5+)
An dieser Stelle nur ganz kurz einige Spiele, die ich mit meinem Sohn spiele und bedingungslos weiterempfehlen kann. Vielleicht nicht für alle selbstverständlich, deshalb nochmals deutlich ausgeschrieben. Computerspiele sollte man gemeinsam mit den Kindern spielen und nicht zum Ruhighalten mißbrauchen.
1. Auf dem iPad
* Blek: Wunderschönes Spiel, guter Rhythmus, vermittelt ein Gefühl für Logik. Übt Vorausdenken und Fingerfertigkeit und ist darüber hinaus einfach umwerfend ästhetische Spielrefahrung.
* Monument Valley: Sehr Ästhetische Erfahrung. Interessante Problemlösung. Dreidimensionales Denken.
* Tetris: Erklärt sich irgendwie von selbst, oder?
* Angry Birds: Endlich mal ein unprätentiöses Spiel in der Liste. Es macht Spaß. Mir gefällt auch wie es taktisches und geometrisches Denken fordert. Und es gibt ein Gefühl für Ballistik auch wenn sie nicht 100% realistisch ist. Ballistik wird nicht in vielen Berufen gefragt, aber es geht ja nicht darum unsere Kinder mit Spielen für Berufe zu schulen (auch wenn Adorno das glaubt) sondern gemeinsam intelligenten Spaß haben.
* Polymer: Ein hübsches Puzzlespiel.
* Take it Easy: Eine Adaptierung eines Brettspiels. Noch ein Puzzlespiel
2. Auf der XBOX 360 KINECT
* Kinect Party: Riesiger großteils sinnfrier Spaß von Double Fine
* Once Upon a Monster: Ein kinectspiel, dass eine Sesamsstraßen Geschichte erzählt. Hübsch und lustig (auch wenn mich die ungenaue Kinect-Steuerung oft zur Verzweiflung gebracht hat)
Battleblock Theatre (2013) vs. Dishonored (2012)
Nachdem ich vor einem Monat Max Payne 3 endlich durchgespielt hatte, stand ich vor der Frage was ich als nächstes spielen wollte und war vorerst einmal ratlos. Es gab zu dem Zeitpunkt keine Spiele, auf die ich mich wirklich gefreut hätte, nur einige an welchen ich "interessiert" war. Ich hatte dank der Aktion "Games with Gold" eine Handvoll unberührter Spiele auf meiner XBOX, aber keines auf das ich mich gefreut hätte. Halo:Reach und Dishonored interessierten mich wegen des Settings (SF und Steampunk). Aber richtig motiviert fühlte ich mich nicht. Zu guter letzt entschied ich mich für zwei sehr unterschiedliche Spiele nämlich den Arcade-Plattformer "Battleblock Theatre" von Behemoth und das AAA-Spiel "Dishonored" von Arkane.
Im direkten Vergleich meines sehr subjektiven Spielerlebnis kam ich dann - zumindest in den ersten Spielstunden - zum Schluss, dass "Battleblock Theatre" das Spiel war, das mich weitaus besser mehr gefesselt hat. Das Absurde war, dass der kleine Plattformer mit weitaus weniger Mitteln eine stimmigere Atmosphäre vermitteln konnte als das Millionen € budgetierte "Dishonored".
Fangen wir mit Dishonored an. An sich hatte es einen Startvorteil: das Steampunk-Setting, die Anklänge ans Dickenssche London haben mich ursprünglich fasziniert. Hinzu kommt noch eine mysteriöse (Ratten-)Plage. Das bot Potential für eine mysteriöse, düstere Geschichte. Nun da wurde ich gleich in den ersten Minuten bitterlich enttäuscht. Für Story und insbesondere Drehbuch und Storyboard dürfte kein Budget übrig geblieben sein. So manches Bastei-Lübbe-Heft mag vermutlich eine intelligentere und spannendere Geschichte zu bieten haben. Man spielt einen Leibwächter, der - nona- natürlich zugleich Übersoldat ist, es aber trotzdem nicht schafft ein Attentat auf seine Kaiserin zu verhindern. Er überlebt und wird von den Bösewichten als vermeintlicher Mörder verleumdet. Motiv der Aktion: Die Kaiserin war den bösen Bösewichten einfach zu gut, denn die bösen Bösewichte wollten böse sein. Warum ich das bereits nach 15 Minuten wusste: weil der Oberbösewicht es dem Protagonisten im Gefängnis kurz vor dessen Hinrichtung ganz am Anfang des Spieles genau erklärte. Irgendwann wird dann noch völlig unmotiviert ein mysteriöser Fremder auf den Protagonisten losgelassen, der ihm - deus ex machina - magische Kräfte verleiht. Ach ja und um unbekannt zu bleiben nutzt der Protagonist eine leuchtend-silberne Totenkopfmaske und sieht aus wie SIdo. Noch weniger Geld und Zeit kann man in eine Story einfach nicht investieren. Kein einziger AAA-Hollywood-Film würde sich das trauen, ja Michael Bay Filme brillieren narrativ im Vergleich zu Dishonored. Die uninspirierte Musik, die lächerlichen Dialoge, die man schon so oft gehört hat, und die leider Gottes auch sehr unspannende Architektur der Stadt halfen da nicht weiter.
Im Vergleich dazu jetzt Battleblock Theatre: Ein Plattformer in einem herzigen Comic-Stil wäre bei mir nicht das erste Spiel der Wahl, aber bereits nach der ersten Sekunde des Intros war ich hooked. Eine mitreißende leicht absurde Musik, eine theatralische, nicht minder absurde Erzählerstimme aus dem Off und eine einfach nur absurde Geschichte wurde mir da präsentiert. Ich konnte einfach nicht anders als ständig zu Grinsen. Diese Stimmung konnte auch das Spiel aufrecht erhalten. Sicher, die einzelnen Levels sind alle sehr intelligent und herausfordernd, aber wäre nicht die Musik, der Humor und die absurde Geschichte, ich hätte bei dem ersten schwierigen Level aufgehört weiterzuspielen.
Bei Dishonored hingegen musste ich mich richtiggehend überwinden. Das erste Level des Gefängnisausbruches ging mir wirklich auf die Nerven. Es war linear, was ich nur guten geschichten verzeihe, unrealistisch und vor allem langweilig. Erst beim zweiten kapitel habe ich einen ersten Eindruck dessen bekommen, was viele an dem Spiel begeistert hat. Die Spielmechanik als Stealth-Spiel macht ab dem zweiten Kapitel Spaß und ist weitaus besser umgesetzt als in vielen vergleichbaren Schleichspielen. Aber fast wäre ich nicht so weit gekommen, diese überhaupt zu spielen. Mittlerweile macht das Spiel Spass, solange ich nur jede Cutscene überspringe und statt Musik und Dialoge im Hintergrund "Blur" laufen lasse.
Zwei Wochen später...
Wie sieht es nun aber zwei Wochen später aus? Trotz meiner anfänglichen Abscheu, hat Dishonored mich langfristiger binden können, als Battleblock Theatre, auch wenn die Spielerfahrung noch immer nicht wirklich befriedigend ist. Weiterhin habe ich den Ton fast ganz abgedreht und höre Rolling Stones daneben, oder schaue mir zum xten Mal den Exorzisten daneben an. Cutscenes übrspringe ich nach Möglichkeit. Die Dialoge sind einfach zu plump. Nichtsdestotrotz macht das Spiel selbst Spaß. Wie schön wäre aber die Gesamterfahrung mit wenig Aufwand (zwei drei intelligenten SchreiberInnen) so viel besser hätte sein können.
Rezension zu Thomas Chatfields, "Fun Inc.: Why Games are the 21st Century's Most Serious Business"
Ein eher unaufregendes Buch. Es ist insgesamt nicht schlecht geschrieben, bringt aber nur wenig Neues und ist nicht zeitlos genug. Das Problem ist vielleicht auch, dass ich Jane McGonigals "Reality is broken", das später erschienen ist vorher gelesen habe. McGonigal ist zwar noch viel utopischer als Chatfields, somit aber auch mitreißender und auch um einiges ausführlicher. Chatfields hakt brav alles ab (Flow, Huizinga, etc.). Bezeichnend ist, dass Chatfield zwar einmal kurz Huizingas "Homo Ludens" zitiert, diesen aber scheinbar nicht gelesen hat, sonst wäre sein Kapitel zu Spielen als Kunstwerk ein wenig substantieller ausgefallen. Das Problem, das ich mit dem Buch hatte, ist dass ich vieles was ich McGonigal in ihrer blauäugigen Euphorie eher verziehen habe dem nüchternen Chatfields nicht verzeihe. Zum größten Teil ist seine "Analyse" viel zu euphorisch und blauäugig was Videospiele angeht. Der Großteil der revolutionären Veränderungen die Chatfield konstatierte oder wahrgenommen haben will, sind wieder versandet (Rock Band, Facebook-Spiele, etc.). Es stellt sich natürlich die Frage, was der Autor will. Wenn er ein 2010 aktuelles Buch über potentielle Entwicklungen schreiben wollte, wäre es gerechtfertigt gewesen, aber wer will so ein Buch 2011 dann noch lesen? (geschweige denn 2014). Nur die letzten zwei Kapitel über Serious Games sind wirklich interessant. Hier zeigt sich der Mehrwert des Buches. Chatfields hat sich mit dem Thema ausführlicher auseinandergesetzt als viele anderen.
Erste Beobachtungen zu Max Payne 3
Als Max Payne 3 vor zwei Jahren auf der XBOX360 (u.a.) auf den Markt kam, erweckte das in mir eine gewisse Vorfreude. Ich habe die ersten zwei Spiele Max Payne (PC 2001) und Max Payne 2 (PC 2003) wenige Jahre nach ihrer Erscheinung gespielt und erinnere mich daran, diese Erfahrung damals ziemlich genossen zu haben. Grund dafür war weniger die Spielmechanik - wobei mir die "Matrix"-artige Bullettime Funktion zumindestens damals auch ganz gut gefiel - sondern das Setting, die Ästhetik, die Charaktere, die Musik. Bevor ich auf meine persönlichen Eindrücke von Max Payne 3 zu sprechen komme, will ich aber kurz reflektieren, warum mir die ersten beiden Spiele so gut gefallen haben.
Nostalgische Immersion
Ein Grund dafür, warum mir damals Max Payne besser gefiel als vergleichbare Third-Person-Shooter ist im Grunde eine Tautologie: es gefiel mir, weil es mir mehr Vergnügen bereitet hatte. Während ich die beiden ersten Max Payne Teile durchgespielt habe reagierte mein Bewußtsein auf eine Art, die Ziel eines jeden Spieles sein sollte, aber bei mir nur selten statt findet: Immersion: das willentliche Eintauchen in die Spielwelt. Das heisst nicht, dass ich mich mit dem Hauptcharakter gänzlich identifiziert hätte (das ist wieder ein anderer Prozess), aber, dass ich bereit war für einen begrenzten Zeitraum ganz in der Spielwelt aufzugehen. Dabei habe ich zu keinem Zeitpunkt die Welt um mich vergessen, noch habe ich vergessen, dass ich in einem Spiel war. Am besten lässt es sich mit "Kinderspielen" vergleichen, es ist ein "so tun als ob". Nur dass das Erwachsenen meistens um so vieles schwerer fällt als Kindern. Damit man als Erwachsener bereit ist für einen begrenzten Zeitraum in ein Spiel einzutauchen müssen aber einige Voraussetzungen erfüllt werden. Zumindest bei mir spielt da eine "realistische Grafik" kaum eine Rolle, viel mehr dafür die Hintergrundgeschichte, die Charaktere, die grafische und musikalische Ästhetik. Das alles war (damals) bei Max Payne gegeben. Die Spiele bedienten sich einiger Versatzstücke aus den Genres Film Noir, Hardboiled dedective und Graphic Novel und vermittelten dabei einen gewollten B-Movie Charme. Die Geschichte war nicht unbedingt realistisch (davon war sie weit entfernt) aber sie war stimmig in ihrem Bekenntnis zum B-Movie und deshalb hat Max Payne bei mir funktioniert.
Und jetzt...
Ziemlich genau ein Jahrzehnt später habe ich also angefangen den dritten Teil der Reihe zu spielen. Zwar war mir der Szenenwechsel vom verregneten "New York Noir" in die Favellas von Sao Paolo ein wenig suspekt, und auch Max Paynes neue Rolle als Bodyguard hat mich nicht unbedingt begeistert, aber man muss auch liebgewonnenen Reihen die Chance geben, neue Wege auszuprobieren. Die ersten Minuten des Intros haben mir dann auch gut gefallen. Max als schwer alkoholisiertes menschliches Wrack in einem heruntergekommenen (Hotel-?) Zimmer, dazu statt der Comic-Cut-Scenes nun ein körniger Videokamerafilter mit Schlieren und eingeblendeten grafischen Wortfetzen des Dialogs (Brecht lässt zwar grüßen, wäre aber vermutlich auch nicht vom Hocker gerissen worden). Vielleicht war ich nicht ganz so hingerissen wie vom Intro von "Wolf Among Us" (XBOX360 2014), aber die Zeichen standen gut für ein immersives Spielerlebnis. Doch so bald das Spiel wirklich begann, setzte eine brutale Ernüchterung ein. Sicher, das Spiel mag ein solider Third-Person Shooter sein und Max Payne ist als Charakter noch immer interessanter als die meisten generischen facettenlosen Spezialeinheit-Supersoldaten, aber bald schon sah ich mich mit einem Problem konfrontiert: Ich war einfach nicht motiviert weiter zu spielen.
Wo ist das Motiv?
Nun hat die Figur des Max ja einigen Grund ein alkoholisches Wrack zu sein (Teil I und II !), nur erfährt man davon - zumindest in den ersten fünf Kapiteln - wenig bis gar nichts (Von beiligenden Comics halte ich wenig, da ich in diesem Fall die Download Version gekauft habe und auch finde das die gesamte Hintergrundgeschichte bis Kapitel 6 zumindest inexistent im Spiel ist). Es gibt also eigentlich keinen Grund dafür, dass der Protagonist so ein Wrack eine Menschen gleicht und insofern eigentlich nur als ein wenig unfähiger und extrem unsympathischer Misanthrop erscheint. Und dann kommt der Bruch bereits im ersten Kapitel: der Mann der noch vor Sekunden im Vollsuff aufs Gesicht gefallen ist und vermutlich den Rest der Nacht in seinem eigenen Erbrochenen geschlafen hat (Es ist zwar eine Rückblende, aber im Spiel zeigt sich bald, dass jeder Abend bei ihm so aussieht) erschießt innerhalb von nur wenigen Minuten knapp fünfzig Terroristen erschießt und entwickelt dabei übermenschliche Kräfte. Bei den früheren Spielen habe ich darüber hinweg gesehen - wobei ich den Verdacht hege, dass bei jedem Sequel die zahl der Gegner exponentiell steigen muss) bei MP3 sehe ich (und nicht nur ich) aber keinen Grund dazu. Ich spiele einen ehemaligen NY Polizisten, der für irgendwelche (eher zwielichtigen) brasilianischen Multimillionäre den Bodyguard spielt. Diese werden dann von einer Einheit Paramilitares überfallen, die sich großteils aus den Favellas rekrutiert. Nach einem ersten mißlungenen Versuch gelingt es den "Terroristen" beim zweiten Anlauf die "Trophäen-Frau" des Millionärs zu entführen und der sonst so misanthropische Max entwickelt sich zum strahlenden Ritter der die Maid retten will. Warum eigentlich? Warum soll ich das Leben von mehreren hundert von der schieren Not in die Kriminalität gezwungenen jungen Männern auf blutigste Art und Weise beenden um eine - mir unsympathische - Blondine zu retten?
Altersfrage
Ich kann in dieses Spiel einfach nicht eintauchen, da hilft auch die Grafik und das Multimillionen Budget wenig, ich kann mich einfach nicht dazubringen auch nur für kurze Zeit so zu tun, als ob die Spielewelt für mich nachvollziehbar wäre. Vielleicht ist es zum Teil eine Altersfrage - vor zehn Jahren - war ich zwanzig. Aber heute kann ich mich zu einem solchen Blockbuster-Spiel einfach nicht mehr motivieren. Wozu die vielen Toten? Warum müssen es noch mehr sein, als in den dümmsten Action-Thrillern. Das erinnert mich zu stark an eine der absurdesten Szenen aus Hot Shots 2, als die Gebrüder Zucker sich über die wachsende Anzahl der Toten in Hollywood Action Thrillern amüsierten. Der im Film eingeblendete Body Count geht nach oben bis zur maximalen Zahl von 289: "bloodiest movie ever." Selbst diese Karikatur verblasst gegenüber den Mainstream der heutigen Shooter. Bei Max Payne gibt es ein Achievement wenn den SpielerInnen 300 Kopfschüsse gelingen, d.h. die Anzahl der Abschüsse ist weitaus höher. Ich bin der Meinung, dass es eine billige Lösung ist Suspense durch die Anzahl der Gegner/Toten zu steigern, anstatt das Geld ins Script zu stecken. Es ist der einfacherer Weg, man muss sich nicht unnötig den Kopf über eine stimmige Story zerbrechen. Was ich mir von max Payne gewünscht hätte ist mehr Interaktivität abseits der blutrünstigen Missionen, neben denen sogar Michael Bay Filme verblassen. Die Geschichte hätte nicht vollkommen "realistisch" sein sollen, aber zumindest "nachvollziehbar" und "vorstellbar". Es wäre vielleciht im Sinne der Immersion interessant gewesen, einen alkoholisierten Abend nachzuspielen ohne dabei gleich knapp 100 Mafiosi erschießen zu müssen. Und eine Nacherzählung der Vorgeschichte hätte auch gut getan.
Was mich ärgert, ist das sich das Spiel, als A-Titel geriert, dabei aber weniger Geld in Story und Script investiert, als die meisten B- und C-Movies und so mancher Steven Seagal-Film aus den 1980er und 1990er Jahren. Das hat m.E. sogar bei den ersten zwei Spielen, als die Budgets noch beschränkter waren, besser funktioniert.
Abschließende Betrachtungen zu Valiant Hearts
Nachdem ich am Wochenende auch das vierte Kapitel von Valiant Hearts durchgespielt habe, finde ich, ist nun ein guter Zeitpunkt gekommen um meine Gedanken zu dem Spiel zu reflektieren:
Mein erster Impuls wäre es gewesen, kurz nach dem Spiel meine erste Einschätzung (siehe unten) zu revidieren. Valiant Hearts hat mir nämlich insgesamt sehr gut gefallen. War ich zu streng? zu voreilig? Hätte ich noch etwas Zeit verstreichen lassen bevor ich meine erste Meinung zu Valiant Hearts niederschreibe?
Ich möchte aber an diesem Gedanken insofern festhalten, als ich noch mehr als bei meinen ersten Beobachtungen getrennt festhalte, was mir gut gefallen hat und was mir nicht gefallen hat.
The Good: In vielerlei Hinsicht ist VH ein Vorreiter unter den Mainstream-Spielen. (Zugegeben es ist von Ubisoft auf das kleinere Studio Ubisoft Montpellier ausgelagert worden und "nur" ein Download-Spiel. Trotzdem ist es weit entfernt davon "Indie" zu sein und hat von einer größeren Aufmerksamkeit in den Medien profitiert die eher mit jener, die Big Budget Spielen zuteil wird vergleichbar ist). Von anderen Big Name Spielen hebt es sich erfrischend durch: 1. einen starken Fokus auf das Narrativ 2. gewagte Ästhetik und 3. eine für das Setting (Krieg) ungewohnte Puzzle-Spielmechanik ab. Alleine dadurch sticht das Spiel qualitativ aus Millionenprojekten à la "Call of Duty", "Assassin's Creed" etc. hervor. Es bricht mit den Konventionen, dass "männliche adoleszente Gamer" in Kriegsspielen testosteronüberschwappende Killermaschinen spielen wollen und eine differenzierte Sicht des Krieges nicht in Spielen kommunizierbar ist. VH geht andere Wege: Der Krieg ist kein Abenteuer, es ist nicht Ziel den Gegner zu töten sondern alleine zu überleben und dabei noch etwas Menschlichkeit zu bewahren. Darüber hinaus hat das Spiel noch zwei Vorteile: 1. Es hat eine überschaubare Länge und besteht aus kurzen abgeschlossenen Kapiteln, eignet sich also auch für erwachsene SpielerInnen. 2. Ich fand das Spiel zum größten Teil unterhaltsam. (Was nutzen schon mutige Designentscheidungen, wenn das Spiel dann keinen Spaß macht.) Zusammenfassend: VA traut sich ein ungewohntes Narrativ zu. Die Helden sind mehr oder weniger realistische Alltagscharaktere ohne herausragender Eigenschaften, die einfach überleben und ihre Familie schützen wollen (nicht unbedingt in dieser Reihenfolge). Die Vaterfigur Emil zerbricht am Krieg und wird hingerichtet weil sie gegen Ende des Spiels gegen einen blutdurstigen Offizier der stellvertretend für den Kriegsapparat steht aufbegehrt. Die Graphic Novel Ästhetik ist stimmig und unterstützt gemeinsam mit der Musik gekonnt die emotionale Regie. Die Puzzles waren tlw. interessant, wenn auch recht bald repetitiv.
The Bad: Soweit also die positiven Aspekte. Valiant Hearts hebt sich positiv vom Rest der Spiele ab. Aber reicht das auch? Ist das in sich schon ein Grund das Spiel gut zu finden, oder darf man noch mehr erwarten? Stellen wir die Frage doch anders: Wie würden wir auf den Film "Valiant Hearts" reagieren? Hier würde uns die doch recht platte Geschichte vom getrennten Paar und der absehbaren Wiedervereinigung stören. Auch würden wir den sehr linearen Ablauf kritisieren ebenso wie die oberflächlichen Charaktere. Die überzeichnete Figur des Bösewichts "Baron Dorff" würden wir ebenso belächeln wie den blutrünstigen französischen Offizier, während der dem krieg zugrunde liegende Nationalismus-Wahnsinn nicht thematisiert wird. Das Narrativ ist zwar in einer weitaus höheren Liga als nahezu alle Big Budget Spiele (einmal abgesehen von Ausnahmeerscheinungen wie Bioshock, The Wolf Among us, etc.) angesiedelt, aber mit einem guten Film/Roman kann es nicht mithalten.
Hier möchte ich noch einmal auf die "historischen Aspekt" die ich im letzten Kommentar zum Spiel hervorgehoben habe zu sprechen kommen. Wäre hier von Ubisoft Montpellier noch mehr Recherche zu verlangen gewesen? Wieder fällt meine Antwort ähnlich ambivalent aus: Wenige Spiele haben bisher so viel Wert auf einen korrekten historischen Hintergrund investiert, wie VH. Bei einem Film hätten wir die oberflächliche Darstellung aber kritisiert - wie beim vergleichbaren Film Merry Christmas geschehen.
Wo bleibe ich also stehen? Nun, das Spiel hat mir gefallen, und ich bewundere den Mut von Ubisoft Montpellier und wünsche mir, dass irgendwann der große Mainstream der Spiele ein Narrativ auf diesem Niveau zustande bringt (an Stelle der Uwe-Bollesken Scripts die den meisten Spielen zu Grund liegen). Zugleich wünsche ich mir, dass solche Projekte sich in Zukunft noch mehr zutrauen, vor allem vielschichtigere Charaktere. In diesem Fall wären ein, zwei ernstzunehmende "deutsche" Charaktere (Karl ist eigentlich mehr ein missverstandener Franzose) schön gewesen.
Total Recall 2012
Nachdem ich zuvor nur Negatives über die Neuverfilmung von P.K. Dicks Kurzgeschichte gehört habe, war ich in der glücklichen Lage mir den Film gestern Abend mit recht niedrigen Erwartungen anzuschauen. Das wiederum führte dazu, dass ich von Anfang an positiv überrascht wurde. Len Wisemans Neuinterpretation von Paul Verhoevens Schwarzenegger-Vehikel hat mir zumindest am Anfang erstaunlich gut gefallen. (Und das obwohl mir das "Original" von V. noch immer sehr zusagt.)
Ästhetisch versucht der Film die Story und Action des Schwarzenegger Films mit der Metropolis-Ästhetik von R. Scotts Blade Runner zu vermischen und das gelingt ihm auch erstaunlich gut. Colin Farell wirkt zwar, wie in jedem seiner Filme, wie ein ur-irischer Trickbetrüger, aber irgendwie stört das in dem Film gar nicht so. Die architektonischen Zukunftsvisionen fand ich hypnotisierend und sie gaben dem Film eine besondere Note. Die dystopische Aussicht auf einen latent totalitären Despoten ist zwar nicht übermässig originell, mit Bryan Cranston aber zumindest überraschend besetzt. Cranston fand ich auch gar nicht so schlecht, bevor er sich in eine übermenschliche Kampfmaschine am Ende verwandelt. Kate Beckinslae wiederum war in den ersten Momenten des Filmes eine überzeugendere Ehefrau von D. Quaid als Sharon Stone, zumindest bevor sie sich in eine übermenschliche Kampfmaschine verwandelt hat.
Das führt mich gleich zum schwerwiegenden Kritikpunkt: Ca. eine Stunde hab ich mich gut amüsiert. Der Film war schön, Die Balance zwischen Aktion und ruhigeren Momenten ausgeglichen, bis der Film kurz nach Quaids Ankunft in London kippt. Plötzlich sieht sich Wiseman gezwungen im Stile Michael Bays immer absurdere Actionsequenzen zu liefern, was in einem stupiden Schowdown zwischen dem Despoten und Douglas Quaid auf der Spitze des Falls endet. Dass ein erfolgreicher Despot mehrerer Millionen Menschen sich entscheidet sich persönlich mit einem Widersacher zu prügeln ist hier nur der Tiefpunkt einer steten Abwärtsspirale an absurden und nicht mehr nachvollziehbaren Entscheidungen der Charaktere.
Ich fand es jedenfalls schade, da mir die erste Hälfet des Films wie gesagt gut gefallen hat.
Second Thoughts on Ubisofts Valiant Hearts: The Great War. “Boese Deutsche – Gute Kolonien”:
Auf der positiven Seite: Auch nach zwei Stunden Spiel fand ich die Graphic Novel Ästhetik nach wie vor stimmig. Einen großen Pluspunkt gibt es dafür, den 1. WK überhaupt zum Thema zu machen und dafür, grundsätzlich den Krieg kritisch darzustellen. Der Grundton ist leicht bedrückend, ich musste aber feststellen, dass dieses Gefühl während des Spielens durch die Spielmechanik in den Hintergrund rückt. Zunehmend irritierend fand ich hingegen, dass die nationalistischen Stereotypen immer stärker hervortreten: 1. Die Deutschen wurden immer mehr als Bösewichte überzeichnet. Allein Sie setzen Giftgas ein und schikanieren die Kriegsgefangenen. Ihr Lager sind noch düsterer als die französische Seite und jeder einzelne Deutsche hat einen Wilhelm 2.-Schnauzer. Auch in der Spielmechanik sind sie klassische Bösewichte ohne dass ihre Ängste, Motive etc. auch nur ansatzweise hervortreten. (Der junge Deutsche Karl, Schwiegersohn des Franzosen Emil ist hier zwar Ausnahme, aber als Mann einer französischen Frau hebt er sich immer eindeutig von den anderen Deutschen ab und bestätigt eher als Ausnahme die Regel) Nicht, dass das Deutsche Militär damals Sympathieträger gewesen wäre, aber mir ist das frz., britische, russische und österreichische Militär im 1.WK mindestens ebenso suspekt. 2. Auf französisch/britischer Seite wiederum wird konsequent der kolonialistische Diskurs weitergeführt. Die mutige Leistung der nordafrikanischen Zouaves und der indischen Ghurkas wird lobend hervorgehoben. Immer hätten sie unter großen Opfern an vorderster Front gekämpft und seien dafür mit Orden, Emblemen und Statuen geehrt worden. Dass Sie dabei nicht unbedingt freiwillig an vorderster Front eingesetzt wurden (“Kanonenfutter”) geht im lobenden paternalistischen Ton unter. Zwischenfazit: Ich bin nach wie vor unentschlossen. Das Setting ist mutig und ich finde auch die Wahl des Genres: Puzzle/Adventure spannend für diesen Hintergrund. Das Spiel selbst ist unterhaltsam. Die Spieleentwickler waren auch sichtbar bemüht historisches Wissen richtig einzusetzen und es gibt historische Artefakte zu sammeln und kleine Hintergrundinformationen. Man sieht aber recht deutlich, dass die moderne kritische Historiographie hier noch keinen Eingang gefunden hat, sondern nur ältere populäre Überblickswerke. So sind Informationen dazu, dass uringetränkte Tücher als erste Hilfsmittel gegen Chlorgas improvisiert wurden interessant, man hätte aber durchaus auch darauf hinweisen können, dass die Franzosen als erste Tränengas eingesetzt hatten und sich beide Seiten hier nichts geschenkt haben. Dass die “Bösen” aus moralischer Sicht auf allen Seiten eher die eigene Militärführung und wenig der “Feind” war wäre vielleicht eine spannendere Erkenntnis gewesen, als allein die Tatsache, dass Krieg schlecht ist. Auch ein Hinweis auf die “Ambivalenz” des Kolonialtruppen wäre angebracht gewesen.
Weleda "for men"
So, jetzt gibt's endlich ein Weleda-Duschbad "for men". Ich kann gar nicht sagen, wie sehr mich das nervt. Darf ich jetzt nicht länger mit meinem Weleda Granatapfel-Duschbad duschen? Wahrscheinlich ist der Duft nicht männlich, "frisch und herb" genug. Ausserdem war die Verpackung nicht blau genug. Jetzt, mit einer blauen Dusche "for men", wird mir zum Glück die nervenraubende Entscheidung zwischen Zitrone und Granatapfel genommen... Wozu braucht es, verdammt noch einmal, eine Dusche für Männer? Spricht die mein Y-Chromosom direkt an? (Vielleicht kann ich dann den genetischen Schaden wieder gut machen, als ich doch tatsächlich einmal ein rosanes Wildrosen-Duschgel von Weleda benutzt habe. Pfuh.) Damn you, Weleda! Den ganzen esoterischen Unsinn hätte ich Dir verziehen, aber das...