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[frankath]

New York-based photographer Brea Souders:

These works came about after the death of both of my parents within the span of one year. Also influenced by my studies in hypnosis and the unconscious, I weave the objects and fuzzy memories of my childhood together with representations of my present self. Objects that I’ve culled from my parents’ home and that have influenced me from childhood to the adult I am today – an African violet terrarium, giant shell and fossil collections, art and physics books, microscopic slides of human and insect body parts, family pictures and painting sets – come together to create works about my family, loss, memory and a shifting identity. The images are illuminated with a harsh confessional light, often rendering things more mysterious. 

www.breasouders.com

[frankath]

The world's weirdest photo albums ever made

Amsterdam-based publisher Erik Kessels has produced 12 books of weird, often surreal, domestic photos, never intended for publication. Here are some of the funniest, most enigmatic and inexplicably heartwarming pictures from his collection.

(via The Guardian. Click here for the full article.)

[frankath]

Shoot the moon (2010) is still one of my favorite series by Mikael Kennedy, whom I met when I was Peter Hay Halpert's gallery assistant back in New York.

A gathering of ten years (1999-2009) of Mikael's travels, this series is still the most open and unconstraint within his work. It reflects Kennedy as a free spirit, wandering familiar and wild territories, along with friends who often ended up in front of his lens. No assignments, no clients, no galleries, only the obsessive impulse to photograph.

In his early twenties, Kennedy sold his own blood to buy polaroid film; until he run out of money, and polaroid run out of film. He stocked them in his fridge, unconcerned of expiration date, awaiting for the damage to alter the colors of emulsion. 

"We had no jobs, we had no plan.....I told David that this was to be the plan: No plan. I said we'd 'Shoot The Moon.' " Mikael Kennedy

[frankath]

The question of where Europe ends set off Italian photographer Camilla de Maffei on a journey through Hungary, Serbia, and Bulgaria, costing the Danube River until its delta in Romania. It wasn't a trip in search of geographical places; rather, de Maffei seeked for those peripheral regions that symbolically limit the boundaries of the European continent. 

"The immense landscape designed by the course of the Danube lives beyond political and economic boundaries. Along the river, the idea of 'Europe' becomes fluid and elusive, fragmented in the everyday life of people and places," says de Maffei. Her photographs have a sense of remoteness and desolation. The landscapes, natural or man-made, engulf any human presence, as much as the most powerful European countries still exert an oppressive influence on the eastern border of the continent. 

[frankath]

Tomatsu Shomei, Coca-cola, Tokyo, 1969

[frankath]

Tomatsu Shomei, Untitled, from the series Protest, Tokyo (Purotesuto Tokyo), 1969

[caille]

From Life as a Night Porter

Chris Shaw called this project, which he shot over his 10 years on the job, “the aesthetics of bad prints.”

Copyright Chris Shaw

[frankath]

Sheets (2013), Japanese photographer Rinko Kawauchi's latest book. "Cinematographic at heart, the sequences of randomly selected contact sheets offer a real-life time lapse, a resurrection of moments in the personal history of the artist and immortalized in some of her more significant publications. ... It is all here, fragment by fragment, the elements and patterns of a primal cosmogony of varied affective nuances... "

[frankath]

Fatigues é uma série de desenhos monumentais que a britânica Tacita Dean realizou para a Documenta de Kassel no ano passado. Há quase dez anos distante dessa mídia, Dean voltou a usar giz branco em quadro negro para narrar a descida caudalosa das águas do Rio Kabul pelas montanhas do Afeganistão. Na visão de Dean, a natureza é sublime, imponente e abundante. Os rastros vigorosos de giz no quadro escuro transmitem o poder exuberante da enxurrada, que, incansável, varre os obstáculos do caminho.

Em Fatigues, portanto, não há fadiga. O trabalho é uma metáfora - quase óbvia, é verdade, mas não menos energizante - das fadigas da vida, que tão comumente nos arrastam à força correnteza abaixo. No caso de Dean, o trabalho alude também a uniformes militares, que em inglês são chamados de fatigues, e à exaustão sentida após o encerramento de sua exposição no Turbine Hall da Tate Modern em 2011, em Londres.

Hoje é o último dia de Fatigues na Marian Goodman Gallery. 

[frankath]

É difícil categorizar o trabalho de Richard Artschwager que, desde os anos 60, tem criado arte que transita entre o Pop, o Minimalismo e a Arte Conceitual. Partindo de temas populares e materiais banais, como fórmica e Celotex, Artschwager transveste esculturas em mobiliário, mobiliário em pinturas, pinturas em protuberâncias de parede. O que se espera ser bidimensional, o artista faz ocupar o espaço a partir de texturas e ilusionismo. Inversamente, a tridimensionalidade é achatada em cantos e superfícies planas e improváveis do espaço.

Vista em conjunto na recente retrospectiva no Whitney Museum, a obra de Artschwager se revela astuta, espirituosa e intrigante. Entender a inutilidade desses objetos que se disfarçam de arte exige uma aproximação mais direta e mais aberta do espectador. Exclamation Point (Chartreuse), de 2008, um ponto de exclamação amarelo gigante que encerra a mostra atesta que arte, para Artschwager, não passa de uma grande interjeição, o resultado da nossa reação de supresa e maravilhamento frente à ela. 

A retrospectiva de Artschwager fica em cartaz no Whitney só até domingo, 03 de fevereiro.

[frankath]

Se eu estivesse em Nova York, e não mezzo de férias no Brasil, me descabelando pra escrever minha dissertação de mestrado, eu iria conferir a exposição da fotógrafa Julie Blackmon, na Robert Mann Gallery. Julie Blackmon: Day Tripping acaba no sábado (12/01), bem antes da minha volta, então, além de descabelada, eu tô morrendo de ciúmes do meu amigo Dulphe Pinheiro Machado, que foi, curtiu, e me passou a dica. Valeu, queridón! 

[frankath]

Cindy Sherman, Philip Glass, Kara Walker, Lucas Samaras, Laurie Anderson e Lou Reed são alguns dos artistas retratados por Chuck Close na sua mais recente mostra na Pace Gallery. Além das características pinturas monumentais, que Close compõe a partir da dissolução de imagens fotográficas em partículas únicas e abstratas, o artista exibe pela primeira vez retratos fotorrealistas também em tapeçarias e aquarelas. Na Pace Gallery da 25th Street até 22 de dezembro. 

[frankath]

Preciosidades em extinção, as impressões de Richard Misrach datam da década de 90, quando os laboratórios ainda se iluminavam de vermelho e cheiravam a químico. São paisagens monumentais e sublimes, que surpreendem os olhos especialmente pela magnífica escala de cores e pureza quase invisível de grãos. Com o foco preso no infinito, Misrach capta lugares desertos e inóspitos, porém estranhamente marcados por resquícios humanos. The Desert Cantos, em cartaz na galeria Robert Mann só até amanhã, apresenta intervenções que foram abandonadas e provavelmente esquecidas. Ao mesmo tempo em que reclamam nossa interferência danosa na natureza, também sugerem a beleza dos objetos que acabam sendo incorporados à paisagem; no entanto, a estetização formal reverbera com mais força em relação à crítica ao impacto ambiental. 

[frankath]

O diálogo entre fotografia e pintura é uma constante no trabalho de Gerhard Richter. Em Painting 2012, ele cria impressões a partir de uma pintura sua, Abstract Painting 724-4, de 1990. Em essência, Richter remove finas linhas pictóricas dessa obra, e, com a ajuda de um software, reconstrói milhares de padrões de cores através de um processo intricado de multiplicação, repetição e espelhamento de sequências. O resultado são composições coloridas e geométricas que, vistas em grupo, também funcionam como sequência, uma representando a versão alterada da outra.

A crítica do New York Times Karen Rosenberg, porém, acerta em cheio ao afirmar que o melhor da experiência é o efeito óptico que causam as linhas à medida em que nos aproximamos ou afastamos das obras. De resto, elas são surpreendentemente enfadonhas e descaracterizadas. Ao contrário do processo empregado nessa série, eu ainda prefiro Richter explorando o caminho inverso, da fotografia para a pintura.

Painting 2012 fica em cartaz na Marian Goodman Gallery só até amanhã, 13 de outubro.

[frankath]

Discovering Columbus é o projeto mais recente do artista japonês Tatzu Nishi, que dessa vez construiu uma sala de estar pra hospedar a estátua de Cristóvão Colombo numa das interseções mais movimentadas de Nova York. Elevada por uma estrutura de andaimes de cerca de 23 metros, a instalação permite ao público ficar frente a frente com o monumento criado pelo escultor italiano Gaetano Russo que, desde sua inauguração em 1892, só é visto do chão, em perspectiva, ou de prédios vizinhos, à distância.

Nishi imaginou o centenário Cristóvão um objeto de decoração pomposo e massivo, posando com grandiloquência na mesa de centro da sala, ao redor da qual as visitas assistem à televisão, lêem jornal, ou batem um papo nos sofás. Parte de uma série de trabalhos que aproximam o público de monumentos urbanos inacessíveis, Discovering Columbus pretende um contato intimista e surreal com a simbólica estátua de Cristóvão Colombo. Porém, o volume de visitantes e a falta de informação sobre as obras tanto de Nishi quanto de Russo fazem com que a experiência seja mais turística do que introspectiva. Na falta de um texto explicativo, só me restou conferir a decoração, posar pra foto e contemplar a magnífica vista da Broadway em frente ao Central Park. 

Pra descobrir o que que o Colombo tem é preciso reservar ingressos com antecedência no site da Public Art Fund. Os tickets são gratuitos, e a visitação acontece até o dia 18 de novembro. Na sequência, conservadores entrarão na sala e darão um belo trato no seu Cristóvão.

[frankath]

Fim de semana suculento pra arquitetos e curiosos que, como eu, têm fascínio por interiores de prédios históricos e casas alheias. Hoje e amanha acontece o Open House New York, um evento que celebra a arquitetura e o design da big apple abrindo as portas de residências públicas e privadas normalmente de restrito acesso. A programação é diversa e imensa, e oferece workshops, conversas e visitas guiadas com arquitetos e designers nos cinco boroughs de Nova York. Chance rara pra se visitar o loft que abriga uma coleção de móveis Eames, a casa onde cresceu o presidente Theodore Roosevelt, ou o estúdio do artista Edward Hopper. 

[frankath]

Desde 1968, ano em que abriu suas portas, o Studio Museum no Harlem oferece uma prestigiosa e concorrida residência artística a jovens artistas de afro-descendência. São três contemplados por ano, que, além de onze meses de estúdio grátis e uma bolsa de 20 mil dólares, recebem um impulso magnífico na carreira. O programa culmina com uma exposição dos trabalhos desenvolvidos durante todo o Artist in Residence. 

Nessa edição de 2011-2012, fontes primárias servem de ponto de partida para as práticas artísticas de Njideka Akunyili, Meleko Mokgosi e Xaviera Simmons. Em Primary Sources, os três exploram documentos, fotografias, objetos, recortes de jornais e revistas em diferentes mídias, como fotografia, pintura, instalação e performance. Akunyili, Mokgosi e Simmons abordam tanto histórias pessoais quanto coletivas, constantemente referenciando o passado colonial que determinou suas origens. Destaque para as colagens espetaculares de Akunyili, que corajosamente expõe a intimidade de seu casamento com um caucasiano e discute abertamente questões de identidade, diferenças culturais e aceitação social.  

Primary Sources fica em cartaz no Studio Museum em Harlem até 21 de outubro. Para a edição de 2012-2013 do Artist in Residence os artistas também já foram selecionados.