Hombres de Papel

Hombres de Papel quiere mostrar lo que nos gusta del cine, la música, la literatura y el arte en general. Un espacio para compartir nuestros gustos.

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Un monstruo viene a verme

...para decirme que mi mamá va a morir (snif)

(Juan Antonio Bayona, 2016)

Juán Antonio Bayona cierra su “trilogía” sobre la maternidad y la pérdida (ahora es cuando en 'Jurassic World 2' nos planta una trama de una madre y un hijo enfrentándose a dinosaurios y nos deja a todos con un palmo de narices). Si en 'El Orfanato' recurría a fantasmas y en 'Lo imposible' a una catástrofe natural, en este caso Bayona ha escogido la fábula para hablarnos de la pérdida y la necesidad de afrontar el dolor.

Y es que el protagonista, Connor, es un chaval introvertido de 12 años, hijo de padres divorciados, con una madre enferma de cáncer, una abuela sargento que no le ofrece una pizca de amor, un padre que no quiere encargarse de él y que, encima, sufre bullying en el colegio. Un trauma de vida. Y Bayona ha recurrido a la fantasía para contarnos algo con muchísimo sentido: el niño solo quiere que acabe todo, que termine ya tanto dolor. A Connor le han obligado a hacerse mayor con el escenario más terrible que un niño se pueda imaginar.

En este panorama aparece un monstruo amenazante que le va a contar tres historias de fantasía que encierran las claves para que Connor pueda seguir adelante con su vida y que, finalmente, acepte que su madre va a morir.

Bayona combina así realidad con fantasía, el drama más crudo con la fábula y el terror. Una combinación irregular porque, muchas veces el cuento del monstruo es una pausa narrativa, y en el que el director está a punto de rebasar el límite del dramón.

Sin embargo consigue salir airoso con un potente drama cargado de emotividad que arrancará las lágrimas de más de uno. Para eso se ha valido de una estrella emergente (como le den un papel en Marvel este director se va a convertir en un filón), una Felicity Jones más que correcta y una Sigourney Weaver inmensa. Porque si lo que vemos al principio es una abuela implacable, lo que poco a poco nos muestran es que el personaje de Weaver no es una mala persona, es una madre que está lidiando con la peor de las pesadillas: la pérdida de una hija; y simplemente no tiene tiempo para un nieto traumatizado y medio autista.

En resumen: La combinación entre el drama crudo, real y doloroso con los momentos de fantasía y fábula a veces cojean un poco, pero en conjunto 'Un monstruo viene a verme' es una intensa película cargada de emociones sobre un niño que debe aceptar la pérdida más dolorosa imaginable. Llevaos pañuelos.

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Eres fea, Lourdes. Muy fea. Tu no tienes la culpa pero yo tampoco. Es este mundo en el que vivimos el que me hace odiarte. La gente, las revistas, la televisión. ¿Cuándo has visto a alguien como tu presentando un concurso de esos de la tele? ¿Cuándo has visto a una fea montada en un Ferrari? ¿O besando a un ciclista? ¿Cuándo?

Guillermo Toledo como Rafael (’Crimen Ferpecto’, Alex de la Iglesia, 2004)

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Sully

¿Héroe nacional o inconsciente suicida? (Clint Eastwood, 2016)

Siempre hay más de un modo de hacer las cosas. Eso se aplica tanto en el caso de aterrizar un avión que se ha quedado sin sus dos motores, con 155 pasajeros a bordo y pocas opciones; como para llevar esta historia al cine. Una premisa similar tenía ‘El vuelo’ (Robert Zemeckis, 2012), que después de una portentosa escena con el aterrizaje forzoso sacaba a la luz las sombras de su “héroe” y rozaba el melodrama (eso sí, con una interpretación portentosa de Denzel Washington). Con ingredientes similares, Clint Eastwood, con sus 86 años, ha apostado por la sencillez para reivindicar la dignidad de un hombre anónimo que a la hora de la verdad recurrió a sus 40 años de experiencia de vuelo y sus instintos para salvar el día de una forma milagrosa que ya forma parte de la historia.

Al partir de un hecho real, Eastwood sabe que tiene poco con lo que trabajar más allá del amerizaje en el Hudson. Además, para el veterano director la figura que hay que resaltar es la del piloto Chesley ‘Sully’ Sullenberg, un hombre que no está acostumbrado (ni cómodo) siendo el centro de la noticia, que es un profesional de los pies a la cabeza para el cual, a bordo de un avión, su pasaje siempre es lo primero. Un hombre que, completada la hazaña, tiene que reivindicarse para defender una arriesgada maniobra, contraponiendo su experiencia y el factor humano en el momento de una crisis sobre las autoridades que ponen en cuestión el acierto en su juicio. Mientras, tiene que lidiar con el shock del accidente y las dudas sobre si ha obrado bien. Clint Eastwood considera a Sullenberg un héroe y con esta película lo ha querido dejar bien claro.

Y para ello ha recurrido a otro veterano, Tom Hanks, con una interpretación comedida pero llena de intensidad y matices. Es ese tipo de papeles que le van como un guante y se hace difícil identificar con otro actor. A su lado, Aaron Eckhart, que es otro de esos actores que da gusto contemplar, no le va a la zaga aunque poco espacio tiene para lucirse.

A la hora de contar un momento tan breve como el aterrizaje (de apenas unos segundos) y los posteriores días de investigación, Eastwood ha recurrido a los diferentes puntos de vista sobre el suceso (el pasaje, la torre de control, los equipos de rescate), reservándose el más importante para el final: el del interior de la cabina (el que explica lo que realmente pasó en esos agonizantes segundos).

Y es aquí donde el director brilla y demuestra los años que lleva tanto delante como detrás de una cámara. Porque Eastwood se vale de pequeños momentos, sencillos, cotidianos, humanos, para dotar al momento de una intensidad emotiva que desborda. Un pasajero que se ofrece a resguardar con su cuerpo un bebé ajeno, una madre y una hija que se despiden con un recuerdo de infancia, un padre y un hijo que se llaman a gritos para escuchar su voz... A los pocos pasajeros que conocemos se nos ha presentado con apenas una escena, breve, de pasada, pero con un simple gesto, el bueno de Clint nos pone a su lado, con el corazón en un puño y nos transmite las sensaciones de unas personas que piensan que van a morir.

Por descontado la espectacularidad técnica del amerizaje forzoso que no tiene nada que envidiar, incluso resalta, sobre los blockbusters que hacen del desastre y la aparatosidad su bandera. Ya lo hizo Clint Eastwood con ‘Más allá de la vida’ (2010) en la que recreó un tsunami que podía mirar cara a cara a ‘Lo imposible’ (J.A. Bayona, 2012) y decirle “anda, alégrame el día”.

En resumen: Clint Eastwood tira de oficio y veteranía para hacer grande una película pequeña. De modo sencillo y sin artificios saca adelante un film lleno de emoción con el objetivo de reivindicar a un héroe anónimo.

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La fiesta de las salchichas

‘Food Fucking Story’ o ‘Sexo, mentiras y perritos calientes’

(Conrad Vernon, Greg Tiernan, 2016)

Que Seth Rogen y Evan Goldberg están como una cabra y no se ponen ningún limite a la hora de llevar sus ocurrencias fruto del consumo de estupefacientes al cine es algo que tenemos más que comprobado ('Supersalidos', 'Superfumados', 'Juerga hasta el fin', 'Malditos vecinos' o 'The Interview' con la que cabrearon Kim Jong Un).

Así que cuando deciden hacer su versión de 'Toy Story' sabemos por donde van a ir los tiros y, sobre todo, que el resultado no va a ser apto para niños. Y es que por muy simpáticos que sean las bollitas de pan, las salchichas y los frascos de mermelada, 'La fiesta de las salchichas' es una película que da rienda suelta a un humor irreverente y descarado donde las bromas y los dobles sentidos sexuales están a la orden del día (las salchichas quieren meterse entre los panes de las bollitas).

No hay duda de que partir de la premisa de 'Toy Story' (qué pasaría si los juguetes tuvieran sentimientos) da muchísimo juego cuando lo pasas a la temática de la comida. Ya que todos sabemos el futuro que tienen los alimentos y, claro está, desde su punto de vista la gastronomía es un genocidio y la acción más gore y sádica que uno pueda imaginar.

En este sentido la película alberga momentos brillantes (convertir un choque de carritos de supermercado en el inicio de 'Salvar al soldado Ryan') e hilarantes (el drogata que comienza a ver a la comida tal y como es, y recibe los reproches de todos los alimentos) que hacen que su visionado sea un divertido entretenimiento.

Pero a parte del humor negro, los chistes soeces y los dobles sentidos, la película tiene más fondo de lo que parece. Entre broma y broma se nos está planteando una crítica al fanatismo religioso, a la fe que cierra los ojos ante la evidencia y tiraniza la vida de los creyentes, al racismo y la intolerancia tanto por motivos de raza, religión y orientación sexual. Acaba siendo, a su manera, en un alegato en favor de la libertad de pensamiento y de la tolerancia.

Claro que cuando el mensaje se está poniendo demasiado respetable, Seth Rogen y Evan Goldberg deciden pisar a fondo el acelerador de un vehículo que ya va pasado de revoluciones y nos planta un clímax ultraviolento y erotico-festivo. Y en el instante final, como ya hicieran con 'Juerga hasta el fin', se marcan un 'fuck it' y le quitan a la película el poco sentido que pudiera tener con una pirueta narrativa completamente inútil. Si en 'Juerga hasta el fin' significaba los protagonistas en el cielo bailando con Back Street Boys, pues ya os podéis hacer una idea...

En resumen: una comedia de animación, no apta para niños (a no ser que queráis traumatizarles de por vida) y que ofrece un divertido entretenimiento (si lo que te gusta es el humor bestia y políticamente incorrecto).

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Doctor Strange

Momentos mágicos

(Scott Derrickson, 2016)

Hay que reconocer a Marvel su valentía (relativa) a la hora de salir de su zona de confort y experimentar cosas nuevas conforme evoluciona su Universo Cinematográfico. Metidos en plena Fase 3 y con la necesidad de incorporar nuevos personajes, le ha tocado el turno al hechicero supremo de las artes místicas. No es que se trate de un personaje especialmente conocido para el gran público, pero si el estudio ha conseguido colarnos un mapache parlante y un árbol que dice ‘Yo soy Groot’, puede conseguir lo que quiera.

En un universo en el que hemos visto supersoldados, armaduras multiusos, dioses, hombres verdes y androides megalomaníacos, paradójicamente, el recurso de la magia es terreno tabú. Así que Marvel tenía que convencernos a la primera. Y para eso ha recurrido a un espectáculo visual que nos sorprenda mientras que la historia, aunque correcta, sufre las consecuencias de todo film de introducción: tenemos que presentar al personaje, hacerle aprender, pero, a la vez, tenemos que enfrentarle contra un villano que le coloque como salvador. Por lo tanto, dos horas se quedan cortas (y una duración mayor sería agotadora), de modo que los acontecimientos van a gran velocidad. Stephen Strange es un médico con un ego del tamaño de Australia (check), Stephen Strange es un depresivo con las manos destrozadas en busca de su destino (check), Stephen Strange se entrena torpemente para ser hechicero a la vez que conoce a los personajes relevantes de la película (check), en una rápida secuencia Stephen Strange ya es un alumno aventajado y experimentado (check), secuencia cargada de CGI y acción contra el villano, victoria y plano abierto que promete nuevas aventuras (check). Demasiados pasos para tan poco metraje y, por lo tanto, un poco forzado. Pero, como decía, un defecto asumible en una película de presentación.

Otra de las consecuencias es que la rapidez obliga a describir a todos los personajes que no sea el protagonistas con cuatro trazos de manera que cualquier cambio en su actitud resulta forzada porque su carácter no ha quedado definida con rotundidad. Pasa con el personaje Chiwetel Ejiofor que es un devoto de La Anciana para luego no serlo, pasa por el personaje de Tilda Swinton que parece perfecto para no serlo. Y pasa con el personaje de Mads Mikkelsen que no es si no un villano estándar, manipulado por un villano mayor (que ya tendrá más peso en futuras películas) y que sirve como medio para un fin (una amenaza estándar a la que enfrentar al protagonista). Ni tiene minutos como para que empaticemos con él, ni para que profundicemos en sus motivaciones, ni para que nos interese lo más mínimo. Hace las funciones de Loki en ‘Los Vengadores’ pero de manera muy impersonal.

Si a las películas de DC se le echa en cara una excesiva seriedad y oscuridad, en ‘Doctor Strange’ han decidido que relajar la solemnidad de la hechicería con bastantes momentos de alivio cómico. Funcionan. Quizá son demasiados. Pero no molestan.

Si algo destaca en la película es el apartado visual. Ya no se trata de sorprendernos con persecuciones frenéticas, explosiones grandiosas y peleas brutales. Hemos subido de nivel al apartado místico. Y eso supone meterse en terreno surrealista y psicodélico. Edificios que se retuercen, desafíos de la lógica y las leyes de la física, viajes astrales... En ocasiones recuerda a ‘Origen’ (Christopher Nolan, 2010), pero hasta arriba de esteroides y LSD. Un espectáculo visual que le da a la película ese valor añadido y diferenciador.

En resumen: Una digna película de presentación del que será un personaje clave en el futuro del Universo Cinematográfico Marvel. Un espectáculo visual y una película entretenida.

HACIA ‘VENGADORES: INFINITY WAR’ (SPOILERS)

‘Doctor Strange’ alberga dos escenas post-créditos que cumplen con la misión de adelantarnos los acontecimientos que estar por llegar.

La primera escena, a la mitad de los créditos, nos presenta a Strange hablando con Thor. Resulta que el dios del trueno está en la tierra con Loki buscando a su padre Odín. Tarea para la cual el hechicero se ofrece a ayudar. Se trata, evidentemente, de una píldora de ‘Thor Ragnarok’ y, parece ser, que la película contendrá algún cameo de Benedict Cumberbatch.

La segunda escena nos muestra a Mordo (Chiwetel Ejiofor) convertido ya en un villano cuya misión en la vida va a ser matar o desposeer de sus habilidades a todos los hechiceros de la Tierra. Una premisa de la más que segura secuela.

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Mi pajita avanza por toda la habitación. Y empieza a absorber tu batido. ¡Yo me bebo tu batido! ¡¡Me lo bebo entero!!

Daniel Day Lewis como Daniel Plainview (”Pozos de ambición”, 2007, Paul Thomas Anderson)

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ARQ

¡Estamos en un bucle temp...! (RING) ¡Estamos en un buc...! (RING) ¡Estam...! (RING)

(Tony Elliot, 2016)

Esta película es el mejor ejemplo de que una buena idea no tiene por que suponer un buen resultado. ‘ARQ’ parte de la misma premisa que ‘Atrapado en el tiempo’ y ‘Al filo del mañana’, cogiendo el ingrediente de acción de la segunda para marcarse un thriller de ciencia ficción que tiene lugar siempre en el mismo espacio: la casa/laboratorio/piso franco del protagonista. Sin embargo, la idea de la repetición del mismo día aquí resulta (valga la redundancia) repetitiva, minando progresivamente el interés del espectador hasta caer en el más soporífero aburrimiento. Un delito para una película que dura 88 minutos.

La excusa del bucle temporal sirve aquí para que los protagonistas (Robbie Amell y Rachael Taylor) vayan perfeccionando su enfrentamiento contra unos guerrilleros que asaltan su casa. Así que se nos repiten varias veces las mismas escenas que van perdiendo la tensión (si morir significa repetir el día, la sensación de amenaza no tiene razón de ser). Al ser un thriller, al film le falta el componente de comedia que había tanto en ‘Atrapado en el tiempo’ como en ‘Al filo del mañana’, que era la gran baza de ambas películas. En ‘ARQ’ la sensación de confusión del protagonista se diluye rápidamente y el resto del tiempo es ir probando cosas nuevas.

Por su parte, el guión se vale del recurso de la repetición para ir desvelando progresivamente detalles de la trama a modo de giros argumentales que buscan sorprendernos. Sin embargo, es difícil que nos importen dado que el contexto de la historia se explica muy de pasada y es, sinceramente, poco interesante (una guerra entre una macroempresa y una guerrilla de la que no se explica ni la importancia ni las consecuencias porque no se muestra). Tener que pasar por la repetición de las mismas situaciones para recibir una píldora del misterio hace que la película acabe resultando cansina. ‘ARQ’ es un cortometraje alargado.

Hay que reconocer no obstante que Tony Elliot, director debutante, resuelve con talento un largometraje que se nota que cuenta con un presupuesto muy limitado. Sabe darle ambiente y tensión a los primeros 20 minutos de la película, el problema es que los otros 66 son más de lo mismo. No lo tenía fácil ya que la historia se enmarca en un escenario que comprende tres habitaciones.

En resumen: Un thriller que arranca con garbo pero cuyo interés se echa a perder precisamente por su premisa del bucle temporal. Aburrida.

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Voy a cortarme las pelotas pero quizá lo deje para mañana. Eso es lo bueno de estar solo. Uno puede hacer las cosas cuando quiere

Diego Peretti como Javier (”No sos vos soy yo”, 2004, Juan Taratuto)

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CICLO CORTOMETRAJES PIXAR (XVII)

Piper (Alan Barillaro, 2016)

Incluido en la proyección en cines de ‘Buscando a Dory’, ‘Piper’ recupera la maestría de Pixar con una sencilla historia sin diálogos protagonizada por un pequeño polluelo que debe aprender a superar sus miedos y valerse por sí mismo para poder alimentarse.

La historia sigue a Piper, un pequeño pajarillo que sale del nido por primera vez para ir a la playa con su madre en busca de comida. El problema es que la comida está enterrada y Piper debe recogerla antes de que se le echen encima las amenazadoras olas. Tras varios chapuzones, Piper le coge terror al agua pero, gracias a su ingenio y encontrando el valor en su interior, acabará siendo el pájaro más habilidoso de la playa.

La historia del cortometraje fue inspiración de su director Alan Barillo al observar a las aves en las playas de California huir despavoridas de las olas pero volver acto seguido en busca de comida.

El origen del cortometraje fue una prueba de animación con motivo de la elaboración de nuevo software de animación. Sin embargo, el test acabó teniendo entidad propia.

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¿Carreteras? A donde vamos no necesitamos carreteras

Christopher Lloyd como Doc (”Regreso al futuro”, 1985, Robert Zemeckis)

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Los caballeros blancos

¿Salvarlos a cualquier precio?

(Joachim Lafosse, 2015)

Inspirada en el caso real de la ong ‘El Arca de Zoé’, la película plantea la cuestión de si un fin benévolo justifica unos medios dudosos. Los protagonistas de la película son cooperantes que tienen como objetivo sacar de Chad a 300 niños huérfanos menores de 5 años para darlos en adopción en Francia.

El quid de la cuestión es que la ong ya ha comprometido las adopciones con familias francesas (que han pagado) y para facilitarse el camino al consentimiento de las tribus se inventan que los niños se van a quedar en un campamento en Chad donde serán alimentados, cuidados y educados hasta los 15 años. A todo eso hay que sumar la imposibilidad para comprobar si los niños son realmente huérfanos o han sido entregados con mentiras por sus familias para darles un futuro mejor.

El director, Joachim Lafosse ha decidido no tomar partido ni reflejar las acciones de sus protagonistas como actos de bondad o maldad. Y eso es lo que juega en contra de ‘Caballeros blancos’. El discurrir del film es el día a día de la ong en su esfuerzo por encontrar niños huérfanos en el tiempo que se han fijado, las dificultades que tienen que afrontar, las reticencias de los jefes tribales, las desavenencias entre el propio equipo que se empiezan a cuestionar sus métodos. Lo hace desde la distancia de manera que, en ese esfuerzo por la objetividad, la película pierde corazón.

En quienes ‘Los caballeros blancos’ sí toma partido es en los habitantes de Chad. Personas desesperadas en un país en conflicto permanente, en constante inseguridad, marcados por la hambruna y el dolor. Dispuestos a suplicar para que se lleven a sus hijos como la única posibilidad de que sigan con vida. Nos muestra el dolor de estas personas, el sufrimiento de unos niños inocentes llegando entre gritos al campamento con horribles quemaduras por uno de tantos bombardeos. ¿Quién no haría cualquier cosa para salvar a estos niños? ¿Es legítimo mentir para darles a unos niños hambrientos y en peligro en un país desolado por la guerra un futuro mejor? ¿El sufrimiento justifica los medios? Ningunas de estas preguntas son contestadas para que sea el propio espectador el que juzgue.

En resumen: una película que, en su distancia para ser objetiva, ha perdido el corazón que le falta para ser emotiva.

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Café Society

Amores que no se olvidan

(Woody Allen, 2016)

De un tiempo a esta parte la filmografía de Woody Allen ha quedado estancada con títulos que poco aportan, son ideas repetidas hechas con desgana o simplemente son fallidas (con destellos puntuales de grandeza como, por ejemplo, ‘Midnight in Paris’). Con ‘Café Society’ pasa algo diferente. No es “una película más”, tiene una premisa realmente hermosa y en ocasiones se ve el gran director romántico que ha sido el de Brooklyn. Pero todo ello cae al vacío. Pareciera que Allen tuviera en la punta de la lengua la clave de su genialidad para al final quedarse en nada con un sensación de dejá vu.

Jesse Eisenberg encarna al “Allen” de rigor. Es un joven ingenuo e inseguro que se enamora hasta las trancas de la secretaria de su tío (Kirsten Stewart), una chica que se deja querer, con la que compartirá una intimidad y una conexión muy especial, pero que no acaba de abrir la puerta. Es un amor que marcará al protagonista a lo largo de toda su vida, que no podrá olvidar y que siempre tendrá un espacio en su corazón para bien o para mal. Esta película la hace Woody Allen hace 20 años y firma una de sus obras maestras. Pero la ha realizado ahora y esto es lo que tenemos. En ‘Café Society’ se intuye lo que podría estar ahí para hacerla una película inolvidable. Pero no está. Echo de menos al Woody Allen de antes.

El motivo central de la película, la historia de amor, se ha llenado de chistes de judíos, de filosofía y de ese humor irónico que aquí no funcionan. Woody Allen se repite a si mismo, mete sus elementos característicos pero de forma maquinal. Es más de lo mismo pero sin alma. La excéntrica familia judía del protagonista no tiene ni de lejos el encanto entrañable de la alocada prole de ‘Días de Radio’. Todos estos elementos que no aportan nada al núcleo central de la historia lo que hacen es molestar. Las subtramas del hermano mafioso, el cuñado filosofo o los padres que se desprecian son sketches polvorientos sacados del baúl que han perdido todo el lustre. Me estorban. Quiero que Allen me cuente más de ese amor imposible entre Eissenberg y Stewart, que me dedique más momentos de intimidad, de desamor o de sueños del pasado. Sin embargo se ventila la historia con pasmosa facilidad. Hay notas de romance, de desamor, de nostalgia, de oportunidades perdidas, de esperanza... Woody Allen no va a por ello y me deja soñando en ‘La Rosa Púrpura del Cairo’.

El plantel actoral cumple con solvencia, incluso Kristen Stewart en ocasiones sale de su inexpresividad “crepuscular” y nos llega a convencer (aunque en otras pone un gesto de sopor difícil de soportar). Ninguno deslumbra, todos se limitan a cumplir con lo que su papel le ofrece. Tampoco es que tuvieran oportunidades para brillar. En algunos casos, como el de Blake Lively, que sale apenas un par de escenas, poco más podía hacer.

En resumen: Una película que hace echar de menos al Woody Allen del pasado. En ‘Café Society’ se intuye el espíritu del gran cineasta que fue y que ahora no consigue ser, se puede ver la gran película que podría haber sido y que no es. Pena.

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Discúlpelo oficial. Tiene problemas desde chico. Está en tratamiento. Es como un síndrome. Es un pelotudo

Ricardo Darín como Rafael (”El hijo de la novia”, 2001, Juan José Campanela”

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Absolutamente todo

Absolutamente nada

(Terry Jones, 2015)

Una gran oportunidad perdida. Eso es ‘Absolutamente todo’. Una comedia que había generado bastantes expectativas al suponer, por un lado, un “regreso” de los Monty Python al completo (solamente en voz al encarnar a los aliens que dan pie a todo el argumento), además del regreso tras las cámaras de uno de sus miembros, Terry Jones (director de todas las películas del grupo). Es, además, la última película del fallecido Robin Williams, aquí también en forma de voz al doblas al perro del protagonistas. Así que había muchas esperanzas de que esta película fuera una gran comedia con ese toque surrealista e histriónico característico de los cómicos británicos y al que tan bien se puede adaptar Simon Pegg (ahí están los films de Edgar Wright).

Sin embargo, la película acaba siendo una comedia muy floja con situaciones muy artificiales (y sin gracia) y con una historia que no aporta absolutamente nada. La premisa es la misma que la de ‘Como Dios’ de Jim Carrey. Un pusilánime con una vida de mierda (Simon Pegg) recibe el poder de poder hacer todo lo que desee. En realidad todo es un experimento de una raza alienígena para comprobar si la humanidad ha evolucionado lo suficiente como para formar parte de la élite del espacio.

Al igual que en el film de Jim Carrey, que un desgraciado con ínfulas de grandeza tenga la capacidad de hacer sus deseos realidad da pie a una serie de momentos o sketches en los que experimenta con sus recién adquiridos poderes. Primero opta por motivos egoístas y luego busca el bien común. Tenemos situaciones graciosas en cierta medida pero que son las que están en el trailer (y ya). Entre ellos el perro de Pegg diciendo lo que tiene en mente: comer galletas y restregarse con la pierna de su amo.

Pero la película no va más allá de la premisa. En ‘Como Díos’, sin ser una gran película, su personaje recibe una cura de humildad al pedirle cuentas a Dios y comprobar la dificultad de ese trabajo. Aquí no es así. Y no lo es porque básicamente ‘Absolutamente todo’ no tiene un conflicto. El protagonista nunca es consciente de que en sus manos está el futuro de la Tierra y no asume ningún tipo de responsabilidad por ello. Simplemente se cansa de ser omnipotente. Se busca una ridícula amenaza externa (el acosador de su vecina) que en realidad no necesita porque es todopoderoso. La amenaza ES ÉL, y en ningún momento se tira por ahí.

El resto no tiene absolutamente nada (click). El cacareado regreso de los Monty Python se limita a apenas tres escenas de animación con diálogos sin gracia. Kate Beckinsale no pasa de la chica en apuros e interés amoroso que no aporta nada al film excepto la cuota “tía buena” que el estudio exige.

En resumen: Desaprovechada comedia sin gracia que tiene además el delito de ser la que cierre la filmografía de Robin Williams y convertir a los Monty Python en un grupo de personajes cargantes. Evítese.

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CICLO CORTOMETRAJES PIXAR (XVI)

Sanjay’s Super Team (Sanjay Patel, 2015)

Inspirada en la historia personal del director Sanjay Patel (animador de Pixar), este cortometraje representa el conflicto entre la tradición hindú y la modernidad que el autor experimentó de pequeño al ser la primera generación de una familia hindú nacida en Estados Unidos.

En la obra el joven Sanjay se muestra fascinado con la cultura occidental (en este caso los superhéroes) mientras su padre insiste en que el chaval no se aleje de las tradiciones y cumpla con las horas de oración. Obligado por su padre, Sanjay se evadirá a su imaginación donde, en compañía de varias deidades, combate contra varios demonios. Un viaje que le hace replantearse su rechazo a las antiguas tradiciones y encontrar un camino intermedio entre su padre y él.

No está entre los mejores cortometrajes de Pixar, sin embargo, si que es una emotiva historia que refleja una historia real y la voluntad de su autor de reflejar el conflicto de identidades con el que tuvo que lidiar de pequeño.

El cortometraje, que fue presentado el 15 de junio de 2015 en el Annecy International Animated Film Festival de Francia e incluido en la proyección de ‘El viaje de Arlo’, fue nominado al Oscar al mejor cortometraje de animación y a un premio Annie.

Como curiosidad técnica, para este cortometraje, los animadores de Pixar tuvieron que romper una de sus ‘reglas físicas’ con respecto al tratamiento de la luz. Para dar un aura luminosa a los tres dioses que luchan junto con el pequeño Sanjar, Pixar tuvo que renunciar a tratar la luz de forma realista.

Por otro lado, para capturar los movimientos de los dioses Hanaman, Durga, y Vishnu, los creadores de la obra estudiaron las danzas tradicionales de la India en las cuales estas deidades son representadas.

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Slow West

No es país para inocentes

(John Maclean, 2015)

- Festival de Sundance: Gran Premio del Jurado - (Sección World Cinema)

Muchas influencias se han detectado en este western. Desde Tarantino a los hermanos Coen y Wes Anderson. Esto se debe a su combinación de géneros y un tono que transita entre el humor negro, la violencia y los diálogos (Tarantino y los hermanos Coen) y la fábula romántica (Wes Anderson).

Y eso es porque el protagonista (Kodi Smit-McPhee, a quien hemos visto como Rondador Nocturno en ‘X-Men: Apocalypse’) es un joven adinerado, soñador, inocente hasta el extremo de la ingenuidad y bondadoso que viaja al implacable lejano oeste guiado por una fantasía personal en la que se enfrenta a los villanos para salvar a su amada. En realidad ha magnificado y maquillado con el glamour del salvaje oeste y el aura del heroísmo su grave complejo de culpa. Sin embargo, su amor (correspondido o no) es el más puro y su bondad la más genuina. Es un alma cándida que está como un pez fuera del agua en un entorno de forajidos, ladrones y mentirosos dispuestos a aprovecharse de su ingenuidad.

Sin embargo, si bien esa inocencia hace que saliven las hienas, también despierta el sentimiento de protección de un forajido de manual interpretado por Michael Fassbender. Cínico, violento, inmoral y con intenciones dudosas que, poco a poco, se deja conquistar por la visión limpia del mundo y la voluntad de hierro de nuestro soñador protagonista.

Lejos de ser un western épico o (más moderno) crepuscular, ‘Slow West’ es minimalista. Es una road movie en la que nuestros protagonistas van recorriendo el hostil terreno americano. Por un lado, el director se recrea en la naturaleza que visitan y en su magia como si de Malick se tratara. A la vez, nos reserva momentos de tensión y violencia (la escena de la tienda), diálogos rocambolescos y situaciones hilarantes (cierta experimentación con el LSD), así como momentos en los que la película es una fábula (los recuerdos del protagonista, los momentos en que mira las estrellas).

En resumen: Una combinación de géneros que lejos de quedar artificiosos le dan un carácter propio a ‘Slow West’ que si bien no lo convierte en una obra maestra del género, sí que ofrece una película que encandila.

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Anomalisa

Señala en el muñeco dónde tienes el vacío existencial

(Charlie Kaufman, Duke Johnson, 2015)

- Festival de Venecia 2015: Gran Premio del Jurado

Quien esté familiarizado con el cine de Charle Kauffman sabrá que al guionista ahora metido a director le gustan las situaciones extrañas, desborda imaginación y sus personajes siempre son un compendio de complejos, obsesiones y crisis de identidad. Así que cuando el autor de ‘Olvídate de mí’, ‘Adaptation’, ‘Cómo ser John Malkovich’ o ‘Synechdoche New York’ (su fascinante debut tras las cámaras), se pone a jugar con el stop motion y los muñequitos no lo hace al estilo Laika (’Coraline’, ‘Paranorman’, ‘Los Boxtrolls’). De hecho, va a utilizar el género que se ha autoimpuesto como herramienta para ahondar en la depresión, el hastío y la crisis de identidad.

Sin embargo, si estáis esperando un complejo ejercicio de fantasía como las que Kauffman acostumbra, esta no es vuestra película. En su segunda película como director Kauffman ha creado su obra más sencilla y (paradójicamente) real. De hecho durante la primera mitad del film todo transcurre con la mayor naturalidad: Michael Stone (con la voz de David Thewlis), un escritor especializado en charlas motivacionales, viaja a una ciudad donde impartirá una conferencia. Es una más, parte de su rutina de toda la vida: aterriza el avión, coge un taxi, va al hotel, desempaca en su habitación, se toma algo en el bar... En este momento nos preguntamos por qué el director ha optado por el stop motion para una película tan normal en la que, hasta el momento, parece que no está pasando gran cosa.

Sin embargo, sí que pasa algo (y esta es una de las principales razones por las que se ha optado por la animación para esta película). Para el protagonista, todas las personas son iguales, forman parte de un todo impersonal y desconocido. Y esto el autor lo refleja doblando todos los personajes con la misma voz (la de Tom Noonan). Algo que causa desconcierto pero que incide en la idea de que para Stone el resto del mundo es un elemento gris, casi irreal con el que es incapaz de conectar (ni siquiera con su mujer e hijo) y por lo tanto incapaz de encontrar el amor o la felicidad. Hasta que encuentra una voz diferente entre la multitud, una voz dulce, cálida, tímida y agradable. La de Lisa (Jennifer Jason Leigh), una acomplejada mujer de la que Michael quedará completamente fascinado y en la que verá la posibilidad de recuperar la esperanza y la alegría de vivir.

Una de las cosas que más sorprenden en ‘Anomalisa’ es la naturalidad de su historia y su desarrollo a través del stop motion. Hasta el punto de que llegamos a olvidar que estamos viendo muñequitos y parece que estemos viendo una película con personas de carne y hueso. Esto se consigue no sólo por el perfecto trabajo vocal de sus tres actores de doblaje sino en la sorprendente calidad de la animación en sus gestos y movimientos. Me arriesgo a decir que es la primera película stop motion que refleja el sexo con una naturalidad que sobrepasa la gran mayoría del cine en animación real.

En resumen: Una sorprendente película de animación que, oculta en su sencillez, esconde un profundo trasfondo dramático sobre el hastío de la implacable rutina, el vacío existencial y la incapacidad de conectar con otras personas.