Just another lover of the arts

Media student/ 21. Mostly film or music reviews in german. 

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Bilderbuch Konzert (29.03.2017)

Das Capitol in Offenbach füllt sich erst kurz vor Beginn. Die Stimmung ist entspannt, das Publikum gemischt: Jüngere und Ältere, Alternative und Normalos, eingefleischte Fans und Neuankömmlinge, Offenbacher und Frankfurter. Eingestimmt wird sich mit Mavi Phoenix, einer österreichischen Rapperin, die ihr Bad Girl Image leider mit ihrem schnuckeligen österreichischen Akzent nicht halten kann. „Ihr werdet einen wundervollen Abend haben“, prophezeit sie und kündigt kurz darauf Bilderbuch an und das kleine, mittlerweile packend volle, Capitol erwacht zum Leben. Der Einstieg beginnt mit I <3 Stress, aber es ist ja auch erst das zweite Konzert der Magic Life Tour – vielleicht eine überambitionierte Entscheidung für den Einstiegstrack. Nach sneakers 4 free, der Enthüllung einer monströsen Sneakerwand und dem Klassiker OM, was den ein oder anderen schon gehörig eingegroovt hat, wird erst einmal herzlich und formell begrüßt: „Willkommen auf der Magic Life Tour“. Das Reden betreibt zu 99,9 % der platinblonde Sänger Maurice. Leider vergeht die Show ohne einmal die Stimmen der anderen drei Bandmitglieder sprechen gehört zu haben. Maurice aber könnte nicht gleichzeitig verpeilter und charmanter wirken. Von den Duzend zugeworfenen Rosen aus den ersten Reihen fängt er gerade mal eine auf. Den Rest zertrampelt er unabsichtlich. Tollpatschigkeit und Sympathie gipfeln in dem Song Sprit ‘n‘ Soda. Mitten in der ersten Strophe: Dunkelheit, Sound aus, Verwirrung. Technik? – Nein. „Wir haben uns verspielt, das ist uns noch nie passiert“, gibt Maurice etwas verlegen und lachend zu, erntet jedoch dafür einen ordentlichen Trösterapplaus. Das Publikum liebt ihre Band. Es wird schon bei Auftaktakkorden eigeninitiativ mitgesungen, bevor überhaupt ein Atemzug ins Mikrofon gehaucht werden konnte. Auch das scheint die Jungs hin und wieder zu überraschen, dass sie meist das Lied überwältigt noch einmal von vorn beginnen. Bilderbuch verstehen nach zehn Jahren Bandgeschichte bereits, wie sie ihre Mittel einzusetzen haben: Genüsslich wie auch kommentarlos zieht sich Maurice gelbe Lederhandschuhe an und verrät damit den entscheidenden Cue für das nächste Lied Maschin, bekannt aus dem zugehörigen Musikvideo. Die kleine Konzerthalle tobt. Zusätzlich für Stimmung sorgen zwei exzellent gesanglich ausgestattete Soul-Backgroundsängerinnen, die dem Sound eine extra Würze verleihen und im Verlauf des Konzerts auch mit ihrem eigenen Solo gefeiert werden. Neben Sänger Maurice, sticht aber auch nicht minder Gitarrist Mizzy hervor. Bei Bilderbuch wird die Gitarre wieder richtig geschätzt – sie wird gar in einen gottgleichen Status erhoben. Gitarrensoli werden ebenso viel Platz eingeräumt, wie dem Gesang. Zu Bilderbuchs Stärken zählen eindeutig aussagekräftige Gitarrenriffs – wie einst Led Zeppelins Kashmir. Und die leben dabei in harmonischer Symbiose mit dem Synthesizer und dem Soundeffektreportoire. Mit gefühlt maximaler und auch theatralischer Verzerrung schmettert Mizzy elektrische Hymnen zu den Füßen der Zuschauer und komplettiert das Werk mit körperlichen Bewegungen, die irgendwo nun doch als orgastische, zappelige, aber vor allem hingebungsvolle Musikergüsse beschreibbar sind. Gleichwohl fallen Sänger Maurice immer wieder neue skurrile Bewegungen ein, die in ihrer Energie fast an einen jungen Freddie Mercury erinnern. Aber damit erreichen Bilderbuch das, was ihr mehrmals betontes Ziel ist: den Sex wieder in die deutschsprachige Musik einzuschleusen. Wenngleich sie, trotz womöglich wenig verbrachter Zeit an der Universität, das korrekte Zitieren, ohne auch nur einen Satz abzuschreiben, perfekt beherrschen und Musik kreieren, die es zuvor noch nicht gegeben hat. Musik, die einen aus der Hör-Komfortzone hinauskatapultiert und auf die sich erst einmal eingelassen werden muss. Bilderbuch lieben nicht mit Kitsch und ausgelutschten Phrasen. Sie lieben über musische Stimmung und Ausdruck, dekonstruieren Klischees. Bewiesen wird dies vor allem im letzten Song der Zugabe Sweetlove. Während sich Drummer Philipp und Bassist Peter schon entspannt niedergelassen haben, richten sich zwei Scheinwerfer einzig und allein auf Leadgitarre und Gesang, die eine knisternde Konversation betreiben und sich gegenseitig auf Tonebene umgarnen. Auch der Song Softdrink, vom letzten Album Schick Schock klingt erotischer als der Titel vermuten mag. Viel Liebe wird damit von seitens der Band versprüht, aber auch das Publikum geizt nicht mit Zuneigung. Auch mehrmals befielt Maurice Frankfurt und Offenbach sich zu lieben. Im Großen und Ganzen kommen die Songs des vorherigen Albums Schick Schock besser beim Publikum an, als die vertretenen Tracks auf Magic Life. Das liegt zum einen daran, dass Schick Schock eher eingängigere Hits zu bieten hat und auf Magic Life deutlich mehr experimentiert und Konventionen vermehrt zerstückelt werden. Dennoch steckt die zweistündige Show voller Energie und Elan. Es wird allgemein kaum zwischen den Songs geredet, dafür umso mehr gespielt. Die Jungs gehen leider relativ wenig auf Reaktionen aus dem Publikum ein und es fehlt hier und da etwas an Spontaneität. Aber auch ohne diese Einzelheiten wirken Bilderbuch sympathisch und frisch, menschlich und vor allem bewundernswert mit dem, was sie tun. Wer noch skeptisch oder zu unsicher ist sich ein Urteil zu bilden, dem ist ein Konzert wärmstens zu empfehlen.

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Silence (17.03.2017)

Silence von Martin Scorsese mag in der größtenteils säkularisierten westlichen Welt schnell abgeurteilt werden. Die Menschen damals – die waren anders. Die konnten nichts hinterfragen, die hatten das gar nicht gelernt, die waren Sklave ihrer Erziehung. Natürlich führte das zu Fanatismus und Grausamkeiten. – Aber Silence erlaubt sich diese primitive Sicht nicht. Vielmehr dringt es tief in die Psyche des Menschen ein und begleitet ihn auf dem Weg der Eröterung. Hier könnte man das den christlichen Glauben als Universalvariable sehen und es beliebig mit einem anderen hohen Wert austauschen. Die Fragen würden gleich funktionieren: Was rechtfertigt meinen Glauben an dieses hohe Gut? Ist es wichtiger als der Tod anderer? Der von Andrew Garfield gespielten Hauptfigur Pater Rodriguez wird hier weit mehr abverlangt, als ein Märtyrertod. Diesen sterben statt ihm unzählige andere Gläubige im Film auf grausame Art und Weise. Viel eher wird der junge Pater gezwungen seine Weltansicht zu hinterfragen, wird gedrängt mit seinem eigenen Ich, seiner eigenen Existenz, zu brechen. Vor seinen Augen wird konstant versucht die Liebe und Existenz des christlichen Gottes zu widerlegen. Es wäre falsch zu behaupten in dem Film ginge es darum, welche Religion nun „die gute“ oder „die friedlichere“ sei. Die Christen werden erfrischenderweise nicht glorifiziert, aber auch Japan wirkt, trotzt seiner Grausamkeiten und Verfolgungen, nicht diabolisch. Der Film richtet sich gegen einen institutionalisierten Glauben, gegen die Missionierung auf beiden Seiten und gegen religiöse Fremdbestimmung.  Im Kontrast dazu steht vor allem die Beziehung zwischen Individuum und Glauben im Vordergrund, die zudem Menschlichkeit zulässt. Der Film mag in seinen Anfangssequenzen - insbesondere in den Dialogen - an Authentizität schwächeln, verdient aber jede Beachtung, die ihm zuteil wird. 

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Moonlight (08.03.17)

Als der Film im Kino mit der Oscar-Panne dieses Jahres angekündigt wurde, konnte man nicht anders, als leicht beschämt zu lachen. Eine bessere Werbung hätte der Film nicht bekommen können und führte dazu, dass das kleine Programmkino plötzlich kaum mehr den Besucherzahlen standhalten konnte. Aber wurden denn nun auch die Erwartungen erfüllt dem Oscar-Abräumer des Jahres „La La Land“ den Thron abzulaufen? Tatsächlich weist Barry Jenkins‘ „Moonlight“ viel schauspielerische Tiefe und eine gelungene Kinematographie auf. Die tryptische Dramaturgie ist eher konventionell und sorgt weniger für Überraschungen. Sie mündet allerdings zu Ende in einem sehr langen, starken Dialog und verlässt den Zuschauer mit einer dezenten, aber ausdrucksvollen Schlusssequenz. Diese endet zwar überraschend aprupt, hat aber alles gezeigt, was gezeigt werden sollte. Auch dem restlichen Teil des Films ist es gelungen die visuelle Darstellung über eher geringere Dialoge scheinen zu lassen. Die Introvertiertheit und Verletzlichkeit des Protagonisten sind Charakterzüge, die alle Schauspieler der drei Lebensphasen verkörpern und damit eine Einheit bilden. Die Homosexualität ist subtiler, als durch vorherigen Kritiken erwartet. Doch diese stellenweise Akzentuierung ist um Längen wirksamer und authentischer, als eine totale Fokussierung, um die Figur dem Zuschauer näher zu bringen. Hier wird das, noch immer weit verbreitete, Stereotyp eines Homosexuellen aufgebrochen und in eine konflikthaltige Welt transformiert. Tief in Gefühlen wie Ergriffenheit oder Mitgefühl grabend, reißt der Film mit ohne aber zu heftig auf die Horror-Realität-Tube zu drücken. Selbst schwarze Farben der Dunkelheit im Film sind oft in ein sanftes Mondlichtblau getaucht gemäß dem hier adaptierten Originalstück „In moonlight black Boys look blue“. Der Film setzt seine Mittel unaufdringlich, aber wirksam ein. Scheint dabei nicht überspannt melodramatisch, trotz aller Klischees, die er im Armenviertel Miamis bedient. So kann man schlussendlich sagen, dass das Coming-of-Age Drama „Moonlight“ dramaturgisch nicht überaus innovativ ist, aber durch seine Bilder und seine Figuren überzeugt und gar tief berührt.

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Ed Sheeran: “Divide” (03.03.17)

„Welcome to the new show/ I guess you know I've been away“  - Lange ist es her, seit das letzte Album von Ed Sheeran veröffentlicht wurde. Warum das lange Warten? Vielleicht erklärt es der erste Songs des Albums „Divide“, das den Namen „Eraser“ trägt. Kraftvoll eröffnet es Eds drittes Album mit seinem bereits bekanntem „singer with a flow“-Rythmen und einem wildem Genremix aus Latinorap und einem 90ies Beat. Damit stimmt es bereits eines der Themen des Albums an und zeigt wie viel der Sänger in seiner einjährigen Pause herumgekommen ist. Das findet sich ebenfalls in Songs, wie „Galway Girl“ oder „Barcelona“ wieder. Es scheint die eine Message zu sein, die der Sänger direkt am Anfang loslassen möchte. Er erzählt autobiografisch, reflektiert sich selbst, sein Leben und schließt es mit einer selbstbewussten Einstellung ab „I’m happy on my own, so here I’ll stay“. Was sein „Pain eraser“ sein mag, bleibt offen. Doch man munkelt bei einer starken Albumleistung wie dieser, kann es nichts geringeres, als die Musik sein.  Die folgenden Songs auf der ersten Hälfte des Albums knüpfen an des Sound der ersten zweiten Platten an („New Man“, „Happier“). Des Weiteren sind kraftvolle, durchdachte und detailgetreue Balladen zu finden, wie „Perfect“ oder „Hearts don’t break around here“, und Uptempo-Tracks, wie das nostalgische „Castle on the Hill“ und „Shape of you“, die bereits als Singles überzeugen konnten. Dies ist allerdings nichts Neues und sticht eher weniger hinaus. Diese Leistung sind wir von Ed Sheeran gewöhnt. Ab diesem Punkt jedoch wird es interessant: Der Fakt, dass Ed und seine Gitarre ein unzertrennliches Team sind, ist bereits bekannt. Doch auf diesem Album ist diese Experimentierfreude mit dem Zupfinstrument und ungewöhnlichen Genres kaum deutlicher herauszuhören. „Galway Girl“, „Barcelona“, „Bibia Be Ye Ye“ und „Nancy Mulligan“ sind inspiriert von traditionellen Folk verschiedener Regionen dieser Welt, wie Irland, Spanien oder gar Afrika, und überraschen wohl jeden eingefleischten Sheeran Fan. Nicht jedem werden diese Songstile gefallen und das mag auch teilweise an ihrer mangelnden inhaltlichen Tiefe liegen. Doch Ed nimmt es mit dem Genre auf und verwandelt es in einen Endorphine-ankurbelnden Hit, der womöglich eher nur oberflächlich als Ohrwurm zu genießen ist. Im Kontrast zu diesen werden die Töne auf den übrigen Songs ernster. Sie handeln von Tod („Supermarkt Flowers“) und Gesellschaft („What do I know?“), maßen sich aber nicht an einen positiven Ausblick zu missen. Das traurigste Lied von ihnen mag der letzte Song der Deluxe Version sein: „Save myself“. Das Lied beschreibt einen Menschen, der all seine Energie immerzu dafür aufwendet das Leben anderer Menschen zu bereichern und sich darüber hinaus selbst vergisst, dabei sich mit Drogen betäubte und nun die Erkenntnis gewonnen hat sich ab jetzt „selbst zu retten, selbst zu lieben“. Dieser finale Titel schlägt den Bogen zurück zu „Eraser“ und zeigt die thematische Ordnung des Albums auf. Eine Entwicklung der Heilung wird deutlich und zeigt auf aus welchen Gedanken die Kraft von „Eraser“ entstehen konnte. Ob dem gesamten Album so viel Autobiographisches zugesprochen werden kann, ist offen für Interpretationen. Es lässt sich eine gewisse Diskrepanz mit der Musikindustrie und der Politik heraushören, was wohl zu einer längeren Musikpause geführt hat. Diese Abneigung wird aber nicht sonderlich akzentuiert. Viele Gefühle wurden verarbeitet, unterschiedlichstes mitten aus dem Leben herausgegriffen, aber im Gesamten bleibt es bei einer vorausschauend befürwortenden Haltung zum Leben, zur Gesellschaft und zur Musik. Wiederrum beweist Sheeran Stärke in seinen aufmerksamen Lovesongs, die für manche perfekt scheinen und andere schon weit die Grenze zum Schmalz überschritten haben. Sie füttern den Hunger, den man auf einem Ed Sheeran Album erwartet hat. Album Nummer drei ist anders als seine Vorgänger und deutlich durch persönliches Wachstum geprägt, wagt sich musikalisch außer dem Folk aber nicht in risikoreichere Sphären. Der Singer-Songwriter ist zurück mit positiven Vibes und gewohnt gut gemachtem Pop, der jedoch an kleineren Stellen schwächelt. Zweifellos jedoch wird „Divide“ Ed Sheeran einen Höhenflug bescheren

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Manchester by the sea (24.01.17)

Das Städtchen Manchester-by-the-sea wirkt ruhig. Idyllisch. Fast schon verschlafen. Eine kleine ruhige Hafenstadt an der Ostküste der USA, in der man nicht erwartet mit großen dramatischen Stories überfallen zu werden. Dieses Ruhige, Alltägliche und vielleicht auch Verschlafene greift der Film in seiner Atmosphäre auf. Das Tempo gleichmäßig, nicht zu aufgeregt oder dramatisiert. Casey Affleck spielt Lee Chandler, einen Menschen aus unserer Mitte in seinem Kampf mit Schuld, Verantwortung und Liebe. Verschroben, leicht aggressiv und sozial in sich gekehrt. Chandler verkörpert die Ausdruckslosigkeit, eine leere Seele und eine tiefe Resignation. Der Grund für seine Art und Weise wird – wie üblich – mit einer unverheilten Wunde zu verstehen gemacht. Der Film schafft es eine klassische Backstorywound in eine schmerzliche Erfahrung für den Zuschauer zu transformieren. Etwas, das als wahr kaum zu begreifen ist. Jedoch wird die Wunde in Manchester-by-the-sea nicht geschlossen, sondern hier wird eine eindeutige Lösung umgangen. Lee Chandler scheitert daran wieder Verantwortung zu übernehmen, indem er die Vormundschaft für seinen verwaisten Neffen ablehnt. Er scheitert ebenfalls daran seine zerbrochene Beziehung aufzuarbeiten. Und genau das kann man als Zuschauer nachvollziehen. Man leidet mit. Ebenso, wie die Figuren um Lee Chandler mitleiden. Jeder ist hilfsbereit, jeder verständnisvoll, doch trotz dessen ist der Protagonist in seinem Kampf allein und verneint sich seine Resignation zu überwinden. Unterstützt wird dies filmisch mit langen Einstellungen, die über die idyllische Küstenstadt gleiten. Hier wird besonders der Kontrast klar, dass trotz aller Fürsorge und aller Schönheit niemand anders als man selbst sich retten kann. Manchester by the sea zeigt durch brillante Figurencharakterisierung die Gebrochenheit eines Menschen exemplarisch auf, erweckt Hilflosigkeit im Zuschauer, lässt diesen aber trotzdem mit einem abrupten Ende und einer halbherzigen Lösung des Konflikts zurück. Wie das Leben es schreiben könnte.