We just fell in love of this animation by Ryan Wood, you can find more of his work at http://ryanwoodwardart.com/
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Aqua Utopia|海の底で記憶を紡ぐ
Lint Roller? I Barely Know Her
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Spain Privilege with Arabian Nights. Waldi Wrobel’s fresco
Fantastic village
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Fantastic house my friends
Last work by Mincat Atelier is the renovation and new garden design for this luxury villa in Andalusia, Spain property of Spain Privilege www.spainprivilege.com
First 3D-printed dress
Everybody already knows about 3D printers, they are beginning to be seen everywhere: they are present in the construction of houses, in projecting different prototypes and commercial items, with the most complex structures.
Nowadays, the matter is how these impressions 3d can help us in our daily life in a functional way, not only aesthetic, and possible applications of these technical 3d means. Do you remember "Back to the Future"?As we saw in the movie, with a button jacket that are suited to your size, last week we saw in the Ace Hotel the first prototype of a design "textile" of the Future.
This "new-born" 3d tecnique now also are involved in the manufacture of clothing. It premiered during a showcase of 3D products hosted by digital printing marketplace, Shapeways.
This is the first prototype of a design "textile" by designer Michael Schmidt and architect Francis Bitonti , in collaboration with Shapeways, that Dita Von Teese modeled. She wore the very first fully articulated 3D-printed dress.
It is known that the two designers designed the dress at distance, discussing and refining the process via video conference details: pure remoting. Once they had the final model, was sent to Shapeways , an online community of 3D printing, where it was materialized.
Created using a technique known as selective laser sintering (SLS), the dress was built up in layers out of nylon powder that had been fused together by lasers. The spectacular garment is made of 17 individually printed pieces with 3,000 articulated joints,which allowed for its fluidity and textile-like movement. It was then draped over a nude corset and topped of with 12,000 black Swarovski crystals. The dress will go on display at Swarovski and then on tour in various museums.
As Schmidt explains the unique construction of the dress: "The fluidity of the joints is all 3D-printed, layer upon layer of fine powdered nylon within the preheated chamber, based on information by the CAD file. The laser ‘sinters’ the nylon into form. It’s an articulated fabric built into the 3D print itself. It’s something that’s never been done. What Francis and Shapeways have achieved here is truly remarkable."
Although we have seen 3D printed fashions before, this is the first be a fully motile, fluid, curve-hugging dress
The process began with a three-dimensional model that had the same measures Von Teese. Then, this "draft" was adapted to special software. The following was a design program used to manipulate surfaces, which served to detail the nearly 3000 independent links that make the dress. The garment was separated into 17 parts, printed separately and then attached by hand. Although we rigid, designers say it is able to move along with the body of Dita. Of course, no one says that is comfortable, but corsets and fishnet stockings either, and Von Teese loves.
Why make the dress in 3D printing? Make a similar costume, hand, would have been "incredibly expensive, if not impossible," according to Bitonti, who also said: "The level of craftsmanship that is required to be taken by the machine." The intention of the architect and the designer was able to create a garment highlight the sensuality of the body, highlighting the classic beauty with modern techniques.
Everyday It's more possible to come true create what is within our screens.
Do not forget to see the video from this project:
http://vimeo.com/61198985
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Todo el mundo conoce ya las impresoras 3D, que podemos ver envueltas en procesos por todas partes: desde en construcción arquitectónica, en la proyección de diferentes prototipos y elementos comerciales, con las estructuras más complejas.
Hoy en día, la cuestión es cómo estas impresiones 3d nos puede ayudar en nuestra vida diaria de una manera funcional, no sólo estético, y las posibles aplicaciones de estos medios técnicos 3d. ¿Recuerdas la película "Regreso al futuro", donde con un solo botón de la chaqueta podía conseguir que se adapte a su talla?, pues bien, la semana pasada vimos en el Hotel Ace el primer prototipo de un diseño de "tejido del futuro".
Esta técnica 3D "recién nacida" ahora también están involucrada en la fabricación de prendas de vestir. Se estrenó en una feria muestra de productos 3D organizada por la empresa de impresión digital, Shapeways.
Este primer prototipo de un diseño de "textil" creado por el diseñador Michael Schmidt y el arquitecto Francisco Bitonti, en colaboración con Shapeways, que Dita Von Teese vestía, totalmente articulado en impresión 3D.
Se sabe que los dos diseñadores diseñaron el vestido a distancia, discutiendo y refinando el proceso y sus detalles a través de videoconferencia. Una vez que tuvieron el modelo final, fue enviado a Shapeways, una comunidad en línea de la impresión 3D, en el que se materializaron.
Creado usando una técnica conocida como sintetización selectiva por láser (SLS). El vestido fue construido en finas capas del polvo de nylon que se funden juntandose a través de láser. El espectacular vestido consta de 17 piezas individualmente impresas con 3.000 articulaciones, lo que permite su fluidez y movimiento. Después fue tintado en negro y envuelto en un corsé en tono crudo y cubierto con 12.000 cristales Swarovski a mano. El vestido será exhibido en Swarovski y luego ira de gira por varios museos.
Como Schmidt explica la construcción única del vestido: "La fluidez de las articulaciones es todo en 3D impreso, capa sobre capa de nylon fino polvo dentro de la cámara de precalentado, con base en la información del archivo de CAD dibujando a través del láser en el nylon formando el modelo. Es un tejido articulado totalmente realizado con la impresión 3D. Es algo que nunca se ha hecho. ¿Qué Francis y Shapeways han logrado aquí es verdaderamente notable ".
Aunque hemos visto impresión 3D en la confección de moda antes, este es el primer ejemplo de costura totalmente móvil, fluido, con la curvatura que se abrazada al cuerpo.
El proceso se inició con un modelo tridimensional que tenía las mismas medidas Von Teese. Entonces, este "proyecto" se cambió por un software especial. El siguiente es un programa de diseño utilizado para manipular las superficies, que sirvió para los detalles de casi 3000 Enlaces independientes que hacen que el vestido. La prenda se separó en 17 partes, impresas por separado y luego se unieron a mano. A pesar de su rigidez, los diseñadores dicen que es capaz de moverse junto con el cuerpo de Dita. Por supuesto, nadie dice que es cómodo, pero los corsés y medias de red, tampoco son lo mas cómodo del mundo, y parece se que a Dita Von Teese le encanta.
¿Por qué hacer el vestido en impresión 3D? Hacer un traje similar, mano, habría sido "increíblemente costoso, si no imposible", según Bitonti, quien también dijo: ". El nivel de la artesanía que se requiere pasa a ser tomada por la máquina" La intención del arquitecto y el diseñador era ser capaz de crear una prenda que resaltar la sensualidad del cuerpo, destacando la belleza clásica con técnicas modernas.
Cada día es más posible que se haga realidad crear lo que está dentro de nuestras pantallas.
No te olvides de ver el video de este proyecto:
http://vimeo.com/61198985
Pol Tergejst: The matchesman (eng/spa)
Pol Tergejst - Stanislav Aristov
Pol Tergejst is an artist from Ekaterinburk, in Russia, who decided to play with fire, literally. He uses flame shapes to create some kind of flame-shape paintings, he composes different images of them. All this involves a lot of photographing.
Art resides in everything, even at the tip of a burning matchstick. Stanislav captures the artistic potential of the matchstick, the result is truly unique. He creates miniature sculptures art using fire and matches.
About three years ago he did an unusual sequence with lamps and then, he first understood that usual things can be presented in a very unusual form, that was the seed from this matches series. His first match was born or maybe burnt by chance at a monthly photo contest just as something he wanted to try:
-'It was while I was watching the match trying to think of something that I began to think of how it represents life. There is burnt for the past, the smoke of memories left and the untouched part of the match the future. The fire is the life'.
-'Matches of course are quite a usual object but it turned out can be presented in a very unusual ways. Fire as well as smoke sometimes swirls in a very freakish forms, which bring very interesting associations'.
The funny thing, as he says it's that, he doesn't even smoke.
Since then this 28-year-old photographer, has gone on to fashion some amazing sculptures from a smokey butterfly to a burning heart.
However, this does not seem enough, sadly he have had no exhibitions yet, cause no connections in photographic circles and his works are represented only on the Internet, however, thanks to that, he has become a well known artist for his work around the world.
Check out his gallery!
http://500px.com/PolTergejst
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El Arte reside en todo, incluso en la punta de un fósforo quemado y Pol Tergejst un artista procedente de Ekaterinburk, en Rusia, decidió jugar con fuego, literalmente. Utilizando las formas de las llamas, compone imágenes diferentes a través de ellas. Todo esto implica una gran cantidad de fotografías. Stanislav captura todo el potencial artístico de la cerilla, el resultado es verdaderamente único. Él crea esculturas de arte en miniatura con fuego y fósforos.
Hace unos tres años que hizo una secuencia inusual con lámparas y entonces, por primera vez comprendió que las cosas habituales se pueden presentar en una forma muy inusual, que fue el germen de esta "serie de cerillas". Su primer trabajo para esta serie nació o fue quemado quizá por casualidad en un concurso de fotografía mensual como algo que quería probar:
- "Fue mientras estaba viendo la cerilla tratando de pensar en algo que me puso a pensar en cómo se representa la vida. Lo quemado es el pasado, el humo de los recuerdos que dejamos atrás y la parte intacta del fósforo es el futuro. El fuego es la vida".
- "Las cerillas por supuesto, son un buen objeto cotidiano, pero resultó que se pueden presentar en una forma muy inusual. El fuego y humo se mueven a veces en remolinos aleatorios, que traen asociaciones muy interesantes".
Lo curioso, como él dice, es que, ni siquiera fumo.
Desde entonces, el fotógrafo de 28 años de edad, se ha convertido en un artista de moda pasado por trabajos desde esculturas sorprendentes de una mariposa de humo hasta un corazón ardiente.
Sin embargo, esto no parece suficiente, lamentablemente no he tenido exposiciones todavía, por no tener conexiones en los círculos fotográficos y sus obras se pueden disfrutar sólo a través de Internet, sin embargo, gracias a eso, se ha convertido en un artista muy conocido por su trabajo en todo el mundo.
Echad un vistazo a su galería!
http://500px.com/PolTergejst
Photography
Algarrobo House. Ecuador
Algarrobos House is located in Ecuador and was designed by architects Jose Maria Saez and Daniel Moreno Flores.
The user's connection to the site is generated by the project, is aimed at boosting the user's connection with reality (location, material, activity) through a basic formal and while construction reveals the origin of our process of thought.
The house consists of eight steel beams 18 meters, creating space in the house and are projected outward to seek a relationship with the environment. This structure works as a filter between the individual and the landscape, generating a large cantilevers toward a ravine.
This structure creates a second-order space through structural wooden frames created by repeated forming a skin. These pieces of wood are protected by layers of glass, and in many cases, these plans are moving, always providing a link with the outside by creating holes or transparent material.
If you want more info you can visit : http://www.designboom.com/architecture/jose-maria-saez-daniel-moreno-flores-algarrobos-house-ecuador/
Algarrobos House es una casa situada en Ecuador y diseñada por los arquitectos Jose Maria Saez y Daniel Moreno Flores.
La conexión del usuario con el lugar es la que genera el proyecto, se busca intensificar la conexión del usuario con la realidad (lugar, material, actividad) a través de un sistema básico formal y construcción que al mismo tiempo revela el origen de nuestro proceso de pensamiento.
La casa se compone de ocho vigas de acero de 18 metros, creando el espacio de la casa y se proyectan hacia el exterior para buscar una relación con el entorno. Esta estructura trabaja como filtro entre el individuo y el paisaje, y genera grandes voladizos hacia un barranco.
Esta estructura crea espacio mediante un segundo orden estructural, creado por pórticos de madera que se repiten conformando una piel. Estas piezas de madera son protegidas por planos de vidrio, estos planos en muchos casos son movibles y siempre permiten una relación con el exterior ya sea creando huecos o por transparencia del material.
Bookworm / Atelier 010
Bookworm is the sculptural answer to a commission to design and produce an organic bookcase. Due to the curved shape, the case also offers a place to sit and relax. This bookworm was designed by Atelier 010.
This is the other project "waterpaviljoen"
If you want more info yo can visit :
http://www.atelier010.nl/index.html
or https://www.facebook.com/Atelier010?ref=ts&fref=ts
Bookworm es la respuesta escultórica a una comisión para diseñar y producir una estantería orgánica. Debido a la forma curva, el caso también ofrece un lugar para sentarse y relajarse. Este elemento fue diseñado por el estudio Atelier 010
La forma autoportante consta de tres partes, que se ensamblan en el sitio y mantenerse en posición vertical por un pie de acero inoxidable en la pared lateral. Doblar las capas delgadas de MDF y contrachapado a medida a través de moldes crea la forma curvada. Los lados exteriores de las paredes están pintadas en color, mientras que los interiores están frescas en blanco. Una bombilla que colgaba de la parte superior del gusano da luz a los ojos del lector. Al crear un buen diseño, lo podemos usar para diferentes propósitos, como es el caso de este proyecto de los mismos autores
Mobile Smile Project- Atelier Tekuto
Japanese architect Yasuhiro Yamashita of Atelier Tekuto has begun production of the 'mobile smile project', a mobile housing.
This project was designed for victims of the 2011 Tohoku earthquake and tsunami in Tohoku, Japan
This dwellings will be producing quickly and with cost-effective , easily transported by truck for an inmediate installation.The framework may be dismantled, elongated or reforme for long-term residential applications, fabricated with durable materials projected to last for 30 years.
This initiative eases the transition of temporary relocation by allowing neighbors to cluster their homes and remain close to each other for a sense of community.
If you want more info yo can visit :
http://www.tekuto.com/blog_eng/wp_english/wordpress/?p=893
El arquitecto japonés Yasuhiro Yamashita de Atelier Tekuto ha comenzado la producción del proyecto "sonrisa móvil ', una vivienda móvil. Este proyecto fue diseñado para las víctimas del terremoto de Tohoku de 2011 y el tsunami de Tohoku, Japón.
Estas viviendas se producen de forma rápida y con un costo lo mas efectivo posibley con la facilidad de transportar en camión para una instalación inmediata. La estructura o chasis puede ser desmantelada, alargada o reformada para aplicaciones a largo plazo, estas son fabricados con materiales duraderos proyectadas para durar 30 años. Esta iniciativa facilita la transición y reubicación temporal y permite que los vecinos puedan agrupar sus casas y permanecer cerca uno del otro creando una comunidad.
Low-Tech Factory
Low-Tech factory is a interesting project did for students of ECAL University . The students had to develop a machine to explore the manufacturing process of a certain object, in some cases completely changing the role of the person involved in the process.
From Atelier Mincat think the result is brilliant, every aspect from the construction of machinery, the resulting product and even the videos were made with great care.
We don´t have so much information about this wonderful project team, MIncat Atelier invites creators to come and discuss what you like most about the process
Stampo :Anaïs Benoit Dignac, Arthur Didier, Edrris Gaaloul
Animal Growth:Eleonora Castellarin, Moises Hernandez
Marbelous:Anurag Etchepareborda, Flora Fixy
Oncle Sam:Laurent Beirnaert, Pierre Bouvier, Paul Tubiana
Siwng:Léonard Golay, Camille Rein
Roking-Knit:Damien Ludi, Colin Peillex
For more info you can visit http://vimeo.com/ecal
Low-Tech fábrica es un proyecto interesante hecho por estudiantes de la Universidad ECAL. Los estudiantes tenían que desarrollar una máquina para explorar el proceso de fabricación de un determinado objeto, en algunos casos completamente cambiando el rol de la persona involucrada en el proceso. Desde Atelier Mincat que el resultado es brillante, todos los aspectos de la construcción de maquinaria, el producto resultante, e incluso los videos fueron hechos con gran cuidado. No tenemos mucha información acerca de este equipo maravilloso proyecto, MIncat Atelier invita a los creadores para venir y hablar de lo que más te gusta del proceso
Jin Young Yu’s transparent sculptures
These extraordinary sculptures were made by Korean artist Jin Young Yu, are about people who, instead of getting along with others, choose to keep a distance from them, and be invisible or be left alone unconcerned. Instead of trying to fit into the world, they climb into a space of their own and reject other people’s intrusions. Since her sculptures are “invisible people,” she wanted a total transparency.
Jin Young Yu explores the disparity between the outward and inward self, portrays truth and illusions of a family with a house, the hideaway of these people, as a background. The artist's previous work expresses a portrait of humans trapped in a society, and she has moved the meeting of her work into a fence called as home. Through everyday lives of family in very limited space called home, the inner world of family is closely examined. For her sculptures are “invisible people,” she choose PVC, and it took many tries and errors to figure out how to infuse 3-dimensions to this material. The effect of her sculptures in size 1:1 is an high impact and the transparency gives it a ghostly vision.
For more info you can visit :
http://www.facebook.com/pages/Jin-Young-Yu-artist/206425082733054
Esculturas transparentes Jin Young Yu Estas extraordinarias esculturas fueron realizadas por la artista coreana Jin Young Yu, son de personas que, en lugar de llevarse bien con otros, optan por mantener cierta distancia de ellos, ser invisible o que les dejen solos y que no les molesten. En lugar de tratar de encajar en el mundo, suben a un espacio propio y rechazan las intrusiones de otras personas. Desde sus esculturas las "personas invisibles", la autoraquería una transparencia total.
Jin Young Yu explora la disparidad entre el yo hacia el exterior y hacia el interior, retrata la verdad y las ilusiones de una familia en casa, el cual es el refugio de estas personas, como telón de fondo. Trabajos anteriores del artista expresa un retrato de los seres humanos atrapados en una sociedad, y traslada este concepto de su trabajo a un nuevo entorno llamado "casa". A través de las vidas cotidianas de la familia en un espacio muy limitado como su hogar, el mundo interior de la familia se examina de cerca.
Para sus esculturas "personas invisibles", ella quería una transparencia total. Así que elige el PVC, y le tomó muchos intentos y errores encontrar la manera de infundir 3-dimensiones a este material. El efecto de sus esculturas en tamaño 1:1 es de un alto impacto ya que la transparencia de estas da una visión fantasmal de las mismas.
Cocoon 1: Your personal space bubble
Cocoon 1 is a very special place of retreat,It is the second proyect by Micasalab. We all sometimes have the need to retreat and be by ourselves for a while. Its insularity provides protection and seclusion. At the same time, its translucency enables us to let our thoughts wander whilst simultaneously allowing us to join in with life "outside" if we wish.
Cocoon 1 is transparent and has a diameter of 180 cm. It is therefore perfect for use as a room inside a room. Thanks to various anchoring systems, Cocoon 1 can be placed on the floor or the ceiling. Thanks to a tough, nylon net, Cocoon 1 can also be hung on trees or buildings – or even in a cluster with several others. Electricity, WiFi and a cooking facility make Cocoon 1 the ideal place to enjoy life. Whatever one wants to do there – the possibilities are virtually endless. Cocoon 1 has three basic modules: a substructure (Foundation 360) and two cushion elements (Pillow 90).
The basic fittings can also be combined with, or exchanged for additional modules. You can, for example, have cushion elements in various sizes (Pillow 45, 90, 180) or storage modules (Storage 45, 90, 180) For more info you can visit
http://www.micasa.ch//de/cp.lab-cocoon-1
http://www.facebook.com/MicasaLAB
Su burbuja de espacio personal Cocoon 1 es un lugar muy especial de retiro, es el segundo proyecto de Micasalab. Todos tienen a veces la necesidad de retirarse y estar con nosotros por un tiempo. Su insularidad proporciona protección y aislamiento. Al mismo tiempo, su transparencia permite que nuestros pensamientos vagan mientras que al mismo tiempo que nos permite participar en la vida "fuera" si lo deseamos.
Cocoon 1 es transparente y tiene un diámetro de 180 cm. Por tanto, es perfecto para su uso como una habitación en el interior de una habitación. Gracias a diversos sistemas de anclaje, Cocoon 1 puede ser colocado en el suelo o en el techo. Gracias a una red resistente, nylon, Cocoon 1 también se puede colgar en árboles o edificios - o incluso en un grupo con varios otros. Electricidad, WiFi y servicio de cocina Cocoon hacer un lugar ideal para disfrutar de la vida. Todo lo que uno quiere hacer allí - las posibilidades son prácticamente infinitas. Cocoon 1 tiene tres módulos básicos: una subestructura (Fundación 360) y dos elementos de cojín Almohada (90).
Los accesorios básicos también se pueden combinar con, o intercambio de módulos adicionales. Puede, por ejemplo, tienen elementos de cojín en varios tamaños (de almohada 45, 90, 180) o módulos de almacenamiento (almacenamiento 45, 90, 180) Para más información se puede visitar
BEHIND PHOTOGRAPHS
We would like to give you some ideas for the next Xmas presents, and also we know that more than one person will be glad to have this new book, and know a little bit more about each picture. As the title is call "Behind photographs" made by Tim Mantoani. Archiving photographic legends began as the personal quest of this photographer to document and preserve noted photographers together with their images. “We have come to a point in history where we are losing both photographic recording mediums and iconic photographers,” Mantoani comments. “While many people are familiar with iconic photographs, the general public has no idea of who created them. This book became a means to do that, the photographer and their photograph in one image.”
As to why he is using a soon-to-be-extinct photographic medium only a handful of which survive, the 20×24 Polaroid, Mantoani explains, “I chose the format for two reasons. First, it is very possible that in just a few years, film for this camera will no longer exist. Second, to me this is the ultimate view camera. If you are going to call the greatest living photographers and ask to make a photo of them and you are shooting 35mm digital, they may not take your call. But if you say you are shooting 20×24 Polaroid, they will at least listen to your pitch.”
Famous Photographers With Their Even More Famous Photographs
Link:
http://behindphotographs.com/blog/
http://www.youtube.com/watch?v=MInerQNlKb4&feature=player_embedded
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Nos gustaría darle algunas ideas para los próximos regalos de Navidad, y también sabemos que más de una persona va a estar contenta de tener este nuevo libro, y conocer un poco más acerca de cada imagen. Como el título es el llamado "Detrás de las fotografías" tomadas por Tim Mantoani. Recopilar leyendas fotográficas comenzó como la búsqueda personal de este fotógrafo para documentar y preservar los fotógrafos mas epresentativos junto con sus imágenes. "Hemos llegado a un punto enla historia donde estamos perdiendo los dos, los soportes de impresión fotográficas y fotógrafos icónicos", comenta Mantoani. "Aunque muchas personas están familiarizadas con fotografías icónicas, el público en general no tiene idea de quién los creó. Este libro se convirtió en un medio para hacer eso, el fotógrafo y su fotografía en una imagen. "
En cuanto a por qué él está usando un medio fotográfico pronto-a-ser-extinto sólo un puñado de los que sobreviven, el 20 × 24 Polaroid, Mantoani explica: "Elegí el formato por dos razones. En primer lugar, es muy posible que en pocos años, el film de esta cámara haya dejado de existir. En segundo lugar, para mí esta es la cámara de visión definitiva. Si va a llamar a los fotógrafos vivos más grandes y solicitarles tomar una foto de ellos y estás usando un film de 35mm digital para las tomas, puede que no se preocupen en contestarte. Pero si les llamas para decirles que estás usando un 20 × 24 Polaroid para las tomas, seguramente por lo menos escuchar lo que quieres decirles".
Fotógrafos famosos con sus fotografías aún más famosas
Lights in the darkness
Called one of the best winter lights shows in all of Japan, if you happen to be in Japan from now to March 31, 2013, make sure to check out one of Japan's most stunning displays of light called Winter Illuminations at Nabana no Sato, a botanical garden turned light theme park on the island of Nagashima in Kuwana. The park really outdoes itself by using millions of sparkling LED lights all over the vast grounds including on the water and in the gardens. This year's theme is "nature" and it promises gorgeous scenes including a beautiful sunrise inspired by Mt. Fuji at dawn, a rainbow across the sky, and even an aurora.
The stars of the show are the famous walk-through tunnels of light that completely envelop the viewer, making it seem as if they're walking through bright, magical portals.
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Considerado uno de las mejores instalaciones de luces de invierno en todo Japón, si os encontráis en Japón ahora al 31 de marzo de 2013, asegúrese de echa un vistazo a una de las exhibiciones más impresionantes de Japón de luz Iluminaciones de invierno en Nabana no Sato, un jardín botánico se convertido en parque temático de luz en la isla de Nagashima en Kuwana. El parque realmente se supera mediante el uso de millones de brillantes luces LED en todo el recinto, incluyendo las zonas de agua y en los jardines. El tema de este año es la "naturaleza" y promete escenas magníficas, incluyendo un hermoso amanecer inspirado por el Monte. Fuji al amanecer, un arco iris en el cielo, e incluso una aurora.
Las estrellas del show son los túneles de luz que envuelven por completo al espectador, haciendo parecer como si estuvieran caminando a través de portales brillantes y mágicos.
Links: http://www.nagashima-onsen.co.jp/nabana/illumination/index.html/
Destructuring space
We could see this last week The 'Ring' Mirror Installation by Arnaud Lapierre in Place Vendôme, Paris, on the occasion of FIAC 2011, passers by at the Place Vendome became the spectators of a monumental mirror installation produced by Arnaud Lapierre, in collaboration with Audi. This is an exceptional vision that reflects a newer version of a dynamic urban space that interacts with its environment.
The ‘Ring’ or as it was often called the ‘mirror cube’ was presented as part of the FIAC 2011 exhibits and was installed at the prestigious Place Vendome. The installation features a cylinder-shaped mirror dressed in 4-metre high cubes, creating the sense of a distressed urban space. As Lapierre says; '''The Ring' is an installation that takes into consideration the urban space networking: the rhythm, flow, organization and spatial hierarchy. The installation embodies a visual effect that is to connect all of these interactions through the implementation of an optical effect: the repetition of a cubic mirror to break the perception of the place.''
This dynamic installation changes the relationships between individuals and the space they are going through. 'Ring' invites the visitor to play with the installation and space on two levels: The first level would be more related to experiencing a change in the urban areas: as temporal kinetics. The facets of each cube reflect the place and reconstruct a paradigm that breaks the reading of the course. At this stage, it is a visual intrusion; an acceleration that changes the perception of the visited place for this is a spatial rediscovery. On the second level, the installation proposes to get inside, to see its own image multiplied to infinity, which collides with urban detail. It is a place outside time and outside spatiality, in total rupture with the outside principle.
Although the installation has now been removed from the Vendome Square in Paris, it will be re-installed at the Paul Ricard circuit in Castellet, as part of an event organized by Audi. It will also be hosted by several art fairs in Europe for viewings and will eventually be put up for sale.
link:
http://www.arnaud-lapierre.com/
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Pudimos ver la semana pasada la instalación The 'Ring' Mirror de Arnaud Lapierre en la Place Vendôme, Paris, con motivo del FIAC 2011, los transeúntes en la Place Vendome se convirtieron en espectadores de una instalación monumental espejo producido por Arnaud Lapierre, en colaboración con Audi. Se trata de una visión excepcional que refleja una versión más reciente de un espacio urbano dinámico que interactúa con su entorno.
El "anillo" o como se le llamaba a menudo el "cubo espejo" fue presentado como parte de la FIAC 2011 exhibe y se instaló en la prestigiosa Place Vendome. La instalación incluye un espejo en forma de cilindro vestido en 4-metros cubos altos, creando la sensación de un espacio urbano angustiado. Como dice Lapierre;'' 'The Ring' es una instalación que tiene en cuenta la creación de redes espacio urbano: la jerarquía del ritmo, fluidez y organización espacial. La instalación incorpora un efecto visual que consiste en conectar todas estas interacciones a través de la aplicación de un efecto óptico: la repetición de un espejo cúbico para romper la percepción del lugar''.
Esta instalación dinámica cambia las relaciones entre los individuos y el espacio que está pasando. 'Ring' invita al visitante a jugar con la instalación y el espacio en dos niveles: el primer nivel estaría más relacionado a experimentar un cambio en las zonas urbanas: como cinética temporal. Las facetas de cada cubo reflejar el lugar y reconstruir un paradigma que rompe la lectura del curso. En esta etapa, es una intrusión visual; una aceleración que cambia la percepción del lugar visitado para esto es un redescubrimiento espacial. En el segundo nivel, la instalación propone entrar, para ver su propia imagen multiplicada hasta el infinito, lo que choca con detalle urbano. Es un lugar fuera del tiempo y fuera de la espacialidad, en ruptura total con el principio exterior.
A pesar de que la instalación haya sido eliminado de la Plaza Vendome en París, se volverá a instalar en el circuito Paul Ricard de Castellet, en el marco de un evento organizado por Audi. También se celebrará en varias ferias de arte en Europa para visitas y con el tiempo se pondrá a la venta.
Continuous curvilinearity-Galaxy SOHO
“Continuous curvilinearity” is the clumsy phrase Zaha Hadid Architects uses to describe their newly opened Galaxy SOHO located in the center of Beijing is a project of 330 000m2 composed of a mixed program that includes, offices, retail and entertainment mainly, that will become an integral part of the living city, inspired by the grand scale of Beijing.
Even so, there’s no denying the rhapsody of curves that the complex is a architecture is a composition of five continuous, flowing volumes that are set apart, linked by stretched bridges. These volumes adapt to each other in all directions, generating a panoramic architecture without corners or abrupt transitions that break the fluidity of its formal composition.
True to its name, the Galaxy SOHO revels in its sci-fi affinities, a quality most evident at night when the colossal structure(s) emits a fluorescent glow. Stretch bridges spanning the gaps between the four large orbs that anchor the site read like the “streets in the sky” concept advanced by the Smithsons and Jetsons alike–a kind of “widescreen” futurism dumped in the center of Beijing.
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"Curvilinealidad continua" es la frase torpe Zaha Hadid Architects utiliza para describir su recién inaugurado Galaxy SOHO ubicado en el centro de Pekín es un proyecto de 330 000m2 compuestos por un programa mixto que incluye, oficinas, tiendas y entretenimiento sobre todo, que se convertirá en un parte integral de la ciudad viva, inspirada en la gran escala de Beijing.
Aun así, no se puede negar la rapsodia de curvas que el complejo es una arquitectura es una composición de cinco volúmenes continuos y fluidos que se distinguen, unidas por puentes estirados. Estos volúmenes adaptar el uno al otro en todas las direcciones, la generación de una arquitectura panorámica sin esquinas o transiciones bruscas que rompen la fluidez de su composición formal.
Fiel a su nombre, los festejos Galaxy SOHO en sus afinidades de ciencia ficción, una cualidad más evidente por la noche cuando la colosal estructura (s) emite una luz fluorescente. Puentes Stretch extiende la brecha entre los cuatro grandes esferas que anclan el sitio leen como las "calles en el cielo", concepto propuesto por los Smithson y Jetsons por igual-una especie de "pantalla ancha" futurismo objeto de dumping en el centro de Beijing.
Location: Bejing, China
Architect: Zaha Hadid Architects
Project name: Galaxy SOHO
Date: 2008 – 2012
Client: SOHO China
Program: Mixed-use Commercial, Building (Office & Retail)
Status: Completed
Construction: 2009 – 12 (30-months)
Design: Zaha Hadid with Patrik Schumacher
Project Director: Satoshi Ohashi
Associate: Cristiano Ceccato
Project Architect: Yoshi Uchiyama
Project Team: Stephan Wurster, Michael Hill, Samer Chamoun, Eugene Leung, Rita Lee, Lillie Liu, Rolando Rodriguez-Leal, Wen Tao, Tom Wuenschmann, Seung-ho Yeo, Shuojiong Zhang, Michael Grau, Shu Hashimoto, Shao-Wei Huang, Chikara Inamura, Lydia Kim, Yasuko Kobayashi, Wang Lin, Yereem Park
Local Design Institute: BIAD Beijing Institute of Architecture & Design
Plot area: 46,965 m2
Total Floor Area: 332,857 m2
Above Ground: 4 Towers 15 Floors (12 Office Floors and 3 Retail Floors)
Max Height: 67 meters
Below Ground: B1 Floor Retail and B2, B3 Parking (1275 cars), MEP
Retail Floors: B1F,1F,2F,3F (90,000 m2)