NÃO É NADA

3.14159265359

[naoenadanada]

é por isso

muita gente sabendo muito sobre muita coisa. é por isso que tudo está indo tão bem.

[naoenadanada]

Sei lá, acho que virei o véio das instalações. Ou das videoinstalações, que me parece ser mais adequado nesse caso. No domingo, 4 de janeiro, visitei a 36ª Bienal de São Paulo, no Pavilhão Ciccillo Matarazzo, e as obras que mais me impactaram foram aquelas que contavam com suportes audiovisuais. Salas escuras, lugares para sentar ou deitar, atenção sugada pela tela em movimento, pelo som ao redor… Seria um reflexo da nossa vida atual, absolutamente imersa em telas o tempo todo? Não tenho essa resposta, mas creio que a pergunta é válida.

Camille Turner e sua “instalação sonora imersiva”, DreamSpace, que de fato conduz à meditação (se você se permitir), com a voz suave, as projeções delicadas no céu/parede. A angolana Helena Uambembe e o vídeo Long Long Long Ago, uma espécie de fábula narrada pela própria artista, na qual a briga de dois irmãos gêmeos causa a divisão de um continente em dois. Josèfa Ntjam, com o filme Dislocations, cuja proposta visual me remeteu na hora ao universo estético da Björk (posso estar viajando, claro). O franco-argelino Kader Attia e La Valise oubliée, que mergulha em três malas esquecidas para recontar histórias da Guerra de Independência Argelina. Thania Petersen entregou um vídeo que parecia uma pintura viva, conduzida por uma hipnótica música sufi, uma árvore crescendo, homens montando peixes voadores, dançarinos e dançarinas girando, girando. Pirei na brisa.

Destaco ainda a instalação (sem vídeo) Templo da água: rio Tietê, do colombiano Leonel Vásquez, que captou minha atenção tão logo entrei na sala e me deparei com a plataforma de formato circular.

E não poderia deixar de mencionar Myrlande Constant. As obras da artista têxtil haitiana, ricas em cores, lantejoulas, contas e tambores decorativos, são extraordinárias. Drapo, bandeiras de vodu. Belíssimas.

(Cinco mulheres, apenas dois homens. Pode ser um dado relevante para constar? Acho que sim.)

Por fim, escrevo isso apenas para lembrar do que vi e senti. Um registro compartilhado. (Viegas)

[naoenadanada]

Depois de uma carreira de 46 anos, o T.S.O.L. parece estar descendo definitivamente do palco. Uma série de shows na California no início de 2026 indica um ponto final na longa trajetória.

A de Huntington Beach (CA), cuja sigla significa True Sounds of Liberty, tem uma ligação muito grande com o skate e, no meu caso, foi mais do que isso — ajudou-me a entender essa relação.

Tenho flashes de memórias daqueles momentos em que comecei a levar o skate como a coisa mais importante do mundo, no final dos anos 1980. Num desses momentos, lembro de ver, escrito com caneta azul, “TSOL” num couro branco de um tênis de algum desconhecido que dividiu uma sessão comigo. Não consigo ter certeza se, quando vi isso, já sabia ou não do que se tratava. 

Depois (ou antes), o T.S.O.L. era a banda da música do Grito da Rua, “Flowers By The Door”, que tocava em todo encerramento do programa que levou o skate para dentro das casas brasileiras (ou paulistas, ou paulistanas). “Ceremony”, do New Order, era a abertura. Ou seria o contrário? Não cravo, mas o fato é que essas são, até hoje, duas faixas que arrepiam a memória afetiva de qualquer um da minha geração que anda (ou andou) de skate.

Quando o saudoso Cesinha Chaves, em seu programa Vibração, apresentou uma banda que estava começando a ganhar destaque — um certo Guns N’ Roses —, chamou atenção para a vestimenta do baterista Steven Adler: uma camiseta do T.S.O.L. Procure aí o videoclipe de uma canção chamada “Sweet Child O’ Mine”.

A única vez que pichei um muro na vida escrevi, em spray laranja, “T.S.O.L.” Achei estranho quando vi que a banda meteu cabelos e visual de banda de heavy metal na capa de “Hit and Run”. Mas “it’s the size of your heart, not the length of your hair” — aprendi em outro hino punk, “Join The Army”, do Suicidal Tendencies.

No pesado discurso que introduz “One Shot Away”, num álbum ao vivo chamado Hell and Back Together, o vocalista chama atenção para alguém que morreu por overdose, e imagino que esteja falando de Hillel Slovak, já que cita os Red Hot Chili Peppers e o acontecimento trágico era recente. Claro, a mensagem de pegar leve (ou nem pegar) com drogas me atingiu, e sou grato por isso até hoje. E o RHCP era, para mim, a banda que tocava na plataforma do Vision Skate Escape — “ah tá, tô entendendo legal essa ligação skate-música”.

Volto a reforçar: não há uma clareza cronológica nessa minha admiração pela banda — até por ser uma época em que as coisas chegavam quando tinham que chegar, sem ondas digitais que percorrem tudo no instante em que algo passa a existir.

Num acontecimento um pouco mas nem tanto mais recente, a parte de Pedro Barros em “Propeller”, o primeiro vídeo de skate da Vans, usa “Red Shadows”, digna da importância do momento histórico. “Soft Focus”, para Mike Anderson em Not Another TransWorld Video, de 2011, também é memorável.

Acho que é suficiente. O T.S.O.L. está longe de ser minha banda favorita, mas acho que a importância deles na minha vida está bem explicada. A ligação com a música me ajudou a entender que o skate era algo muito maior do que um esporte. “Nothing For You” é minha  favorita do T.S.O.L. E é o único ingresso que comprei à toa. No dia do show, num galpão na Barra Funda, derrubaram o portão. O ticket nem saiu do bolso. (Prieto) -

After a 46-year career, T.S.O.L. seems to be finally stepping off the stage for good. A series of shows in California in early 2026 points to a full stop in this long trajectory.

The band from Huntington Beach (CA), whose name stands for True Sounds of Liberty, has a very strong connection to skateboarding — and, in my case, it was more than that: it helped me understand that relationship.

I have flashes of memories from the moments when I began to treat skateboarding as the most important thing in the world, in the late 1980s. In one of those moments, I remember seeing “TSOL” written in blue pen on the white leather of a sneaker worn by some stranger who shared a session with me. I can’t be sure whether, when I saw it, I already knew what it referred to or not.

Later (or earlier), T.S.O.L. was the band behind the theme song of Grito da Rua, “Flowers By The Door,” which played at the end of every episode of the show that brought skateboarding into Brazilian homes. “Ceremony,” by New Order, was the opening theme. Or was it the other way around? I won’t swear to it, but the fact is that, to this day, these are two tracks that send shivers through the emotional memory of anyone from my generation who skates (or skated).

When the late Cesinha Chaves, on his show Vibração, introduced a band that was beginning to gain prominence — a certain Guns N’ Roses — he called attention to the drummer Steven Adler’s outfit: a T.S.O.L. T-shirt. Look up the video for a song called “Sweet Child O’ Mine.”

The only time I ever spray-painted a wall in my life, I wrote “T.S.O.L.” in orange paint. I found it strange when I saw that the band adopted long hair and a heavy metal look on the cover of Hit and Run. But “it’s the size of your heart, not the length of your hair” — I learned that from another punk anthem, “Join the Army,” by Suicidal Tendencies.

In the heavy spoken intro to “One Shot Away,” on a live album called Hell and Back Together, the singer draws attention to someone who died of an overdose, and I imagine he’s referring to Hillel Slovak, since he mentions the Red Hot Chili Peppers and the tragedy was recent at the time. Of course, the message about taking it easy (or not doing it at all) with drugs hit me hard, and I’m grateful for that to this day. And RHCP was, to me, the band that played on the platform in Vision Skate Escape — “ah, okay, now I’m really getting this skate–music connection.”

I’ll stress it again: there’s no clear chronology to my admiration for the band — especially because it was a time when things arrived when they had to arrive, without digital waves instantly carrying everything the moment it came into existence.

In a somewhat — but not that much — more recent event, Pedro Barros’s part in Propeller, Vans’ first skate video, uses “Red Shadows,” a track worthy of the historical importance of that moment. “Soft Focus,” for Mike Anderson in Not Another TransWorld Video (2011), is also unforgettable.

I think that’s enough. T.S.O.L. is far from being my favorite band, but I believe their importance in my life is well explained. The connection with music helped me understand that skateboarding was something much bigger than a sport. “Nothing For You” is my favorite T.S.O.L. song. And it’s the only concert ticket I ever bought for nothing. On the day of the show, in a warehouse in Barra Funda, the crowd knocked down the gate. The ticket never even left my pocket. (Prieto)

[naoenadanada]

Mark Gonzales, 1986

Freestylin' magazine, jan/1986.

[naoenadanada]

16 Tons

Pausa breve na vida para conferir o primeiro vídeo de Felipe Andrade, produzido pelos Flanantes. Eles avisaram que era prodígio. O caminho é o certo, as companhias são as melhores e o mais importante está lá - o sorriso no rosto por andar de skate. O futuro vai ser como Felipe quiser. (Prieto)

[naoenadanada]

Primeiras Vezes

Fazendo a segunda edição da CLIFE, me deparei assumindo matéria do jovem Matheus Mendes, que já anda por marcas como Converse e April. Filho do skatista profissional Wallace Belo, tem um longo caminho pela frente ainda, mas com tudo para chegar onde quiser chegar. O moleque é skate puro.

No sempre emocionante momento da entrega da revista para o pautado, ouvi alguém falar "a primeira dele!" - o que eu sabia, mas que sempre se reforça quando se ouve de uma outra voz. Por um instante, lembrei de quantos "primeira vez" fiz, ao longo de quase duas décadas trabalhando em mídia impressa de skate.

Aí, ontem, no Instagram, essa matéria do Tiago Lemos na CemporcentoSKATE, em 2010, foi revivida.

Na intro, escrevi: Correndo Com o Tempo

Cada ser humano tem seu próprio tempo. O intervalo necessário para pensar e o momento da tomada de decisão variam de acordo com cada consciência. O ponto é que o dia tem as mesmas 24h para todos. E é aí que Tiago Lemos começa a levar vantagem.

Não posso afirmar, sem a pesquisa que não farei agora, se essa é a primeira matéria do Tiago - mas certamente é a primeira nessa publicação, e a primeira que eu fiz dele. Achei curioso o uso da palavra "intervalo"- que voltaria a ser vista no título (Intervals) do vídeo da New Balance, já com o Tiago consagrado como um dos maiores da face da Terra a pisar num shape e bater o tail.

Tempo. Primeira vez. Intervalos.

[naoenadanada]

the art of riding a skateboard

the art of printing magazines

[naoenadanada]

CLIFE 2

A segunda edição da CLIFE viajou. De Bordeaux até Split, de Brasília até Atenas, o skate desgastando vários cantos do mundo estampa as páginas da revista - e uma conversa com o pessoal do ISMO.MOV esclarece outros pontos.

https://www.ismo.mov/a-nova-onda-dos-impressos-de-skate/

Becker Dunn /foto Mason Miller

[naoenadanada]

View this post on Instagram

A post shared by NÃO É NADA (@naoenadanada)

[naoenadanada]

like a bone under my skin

[naoenadanada]

i give you me

i give you nothing

[naoenadanada]

sente o drama #naoenada

[naoenadanada]

View this post on Instagram

A post shared by NÃO É NADA (@naoenadanada)

[naoenadanada]

“Você viu a parte do Jovontae Turner no Love Child?”

“O Uni.Versus é bom demais. A parte do Akira é incrível.”

Acredito que o termo “vídeo parte” tenha surgido em conversas desse tipo. Num vídeo com diversos skatistas (os chamados full lenght) quem assiste sempre acaba tendo um trecho, ou parte, preferida, inesquecível. Tem a discussão sobre quem abre, quem fecha, a “parte dos amigos”, os tombos, enfim, diversos segmentos dentro de um filme.

É muito mais fácil fazer um vídeo individual, de um só skatista. Basta casar apenas duas agendas, a de quem vai manobrar e do videomaker. Por conta disso, tornaram-se extremamente comuns na era digital. Tivemos uma seção conjunta site/revista chamada Videoparte CemporcentoSKATE, justamente pra divulgar esse tipo de trabalho. Fazer um vídeo com cinco ou seis skatistas, por exemplo, demanda muito mais tempo, os problemas e decisões a serem tomadas crescem exponencialmente. Por isso os vídeos longos são cada vez mais raros e deveriam, ao menos, serem mais valorizados. É difícil encontrar uma música boa, que encaixe, e tenha seus direitos de uso negociados ou liberados? Pense em seis. Ou sete. Um skatista costuma se machucar? Imagine meia dúzia. Encontrar bons picos pra um tá difícil? E pra oito?

Por tudo isso, quando um skatista lança um vídeo desse tipo, individual, sempre fico na dúvida: é parte de que?

“Você viu a parte do Suciu, chamada Verso?

“E a vídeo parte do Tiago, pra New Balance? Já vi 10 vezes e ainda não acredito no nível que ele chegou!”

Eu não enxergo razão em chamar de “vídeo parte” algo que se encerre em si mesmo, que não faça parte de um todo. Sei que é algo já aceito e absorvido no skate, mas indo pra semântica, não faz nenhum sentido. E como tenho certa preocupação com a forma que as palavras são empregadas (e acredito até que o mau uso de algumas delas tenha contribuído pra nos metermos nesse atual poço sem fundo político/social), achei justo discutir o uso. Essa é mais uma daquelas discussões pouco relevantes e talvez muito importantes, ou seja, as mais legais de se ter depois da sessão.

Não vai aqui nenhum desmerecimento pra vídeos individuais. Até citei apenas dois ali, entre tantos, inesquecíveis desde a primeira assistida. É só uma questão do uso do termo. Nos textos que eu assino, chamarei apenas de vídeo. Não é o comum, é coisa minha. É só pra avisar quem me lê que a ausência do “parte” não foi esquecimento. (Prieto)

[naoenadanada]

A história do skate no Vale do Anhangabaú é mérito dos skatistas locais, de gerações passadas, da atual e até mesmo das futuras. Esses caras fizeram o difícil e cansativo trabalho de tirar o poder público de sua cegueira característica e obrigá-los a fazer o mínimo: cuidar das pessoas e da cidade. Qualquer pessoa, física ou jurídica, entidade ou instituição sabe dessa verdade. Sabe que pode até tentar, mas jamais vai se apropriar de algo que foi feito com a alma de skatista. #salveovale de quem quer ser dono dele. (Prieto)

[naoenadanada]

Helmet - Live and Rare (2021)

“Live and Rare”, do Helmet, é um dos melhores álbuns ao vivo que já ouvi. E, por favor, desconsidere o fato de eu ser muito fã da banda.  Eu tenho pouco conhecimento técnico de música. Sou um escutador. Mas a forma com que as música soam aqui, o jeito que cada instrumento se separa do restante, é algo encantador. Sei lá como foi gravado ou mixado. Só sei que é lindo.

Interessante ainda ouvir o próprio Page Hamilton falar sobre as diferenças. O disco tem um lado A/lado B - sumariamente ignorados e unidos pelo Spotify, e imagino que por outras plataformas também. O lado A é gravado em 1990, no CBGB, e o B no “Big Day Out”, festival no verão australiano em 1993. E isso faz a diferença, pelo menos de acordo com o líder da banda - o ambiente ensolarado australiano, as meninas de topless, tudo um grande contraponto a uma NY soturna, um CBGB úmido. Não há lado melhor ou pior - eles são diferentes de uma maneira belíssima. Essencialmente Helmet, faça chuva ou faça sol.

A faixa “Impressionable” é o que eu entendo que faz a parte “rare”, do título, já que as demais músicas estão presentes nos álbuns da discografia da banda. A crueza complexa das faixas do Meantime, Born Annoying e Strap It On está em sua plenitude no setlist. John Stanier, um dos maiores baquetas da história, é um massacre a parte no meio do som pesado, quebrado, hipnótico. Stanier foi da banda até o Aftertaste, de 1997. Page Hamilton foi trocando o time, mas sempre manteve a integridade musical e a banda segue na ativa até hoje. Cara, eu amo Helmet. Desencana, não desconsidere isso não. Mas ouça esse “Live and Rare” de ponta a ponta, faça-se o favor. (Prieto)

[naoenadanada]