ねこやま猫道BLOG

猫写真、ときどきライブ写真撮影のユニット、ねこやま猫道のブログです。見たもの読んだものの感想や、ZINE制作の情報を書いていきます。

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[映画・トーク]「未来をなぞる　写真家・畠山直哉」で『乗り越えなくていい』を再確認する

2017年2月12日に、フォト・ヨコハマのパートナーイベントとして横浜市民ギャラリーにて映画の上映と畠山容平監督のトークがありました。監督のトークも長めで初めて伺うこともありました。また、畠山直哉さんのビデオメッセージというか近況ビデオが最後に流れました。気がつけば終了時刻の16時を結構過ぎていましたが、参加してよかったです。

トークと近況ビデオ、最後に雑感を書いておきます。

畠山容平監督トーク

以下の事柄についてお話がありました。

監督と写真家の関係（元生徒だった）に触れつつ映画制作のきっかけ

監督の制作指針

撮影素材であえて落としたもの

逆に撮りたかったのに撮れなかったもの

1については、これまで、監督が自作の第一作ビデオを持って久しぶりに写真家を訪問して、その後ヴェネチア・ビエンナーレ国際建築展のためのビデオ撮影を担当することになり、その流れで本作を作ることになった、などと聞いていました。が、ヴェネチア・ビエンナーレの前に写真家の仕事でビデオを撮るものがあり、それを手伝ったりということもあったようです（そのビデオも見てみたいですがー）。

2については、シナリオをつくらず、素材ノートを元に、監督いわく『まるで粘土をこねるように』作るようにしているそうで、監督が師事した佐藤真監督がそうだったとのこと。映像を作ったことがないので想像できないのですが、これには驚きました。

また、佐藤真監督が言っていたことで畠山監督自身も気をつけていると話していたのは、自分が意図せずに撮れてしまった！と思うものを撮ったとしても、使うかどうかには慎重になる。なんとなくわかるような気がします。自分に責任が持てないものは使わない方がいい、別な言い方をすれば、なぜ使ったのかを説明できないものは使わない方がいい、ということでしょうか。粘土をこねるようにとともに貴重なお話を聞けて、よかったです。

最新ビデオ

ビデオメッセージだと思っていたので、愚かしいことに「みなさん、こんにちは」的に始まるのかと思って見はじめました（汗。だから、冒頭の、雨と海鳥の声、そして現在の陸前高田を車窓から写した映像が流れた時はとても驚きました。

そこには、「未来をなぞる」の最後の場面（キャピタルホテル1000の方を眺める写真家）の続きのように、ホテルへの案内板の様子、巨大ベルトコンベア解体後の風景、巨大防潮堤設置後の風景が収められています。その後、写真家のインタビューと、東京の車窓の風景、雨と海鳥に戻り、10分の映像が終了しました。監督自身も言っていましたが、暗い雰囲気に包まれていました。インタビューでは、作り物のスペクタクル映画と本当の災害の映像が同じPCのディスプレイで見れてしまう現在について触れられていて、最近のフェイクニュース問題を連想しました。

雑感

この映画との出会いは2015年2月の3.11映画祭のプレ上映でした。実は、昨日は上映時刻ギリギリに会場に着いて、呼吸も乱れている中で映画が始まったのですが、始まった途端にスーッと心が静まり、安心感が広がるのを感じました。東大での上映会でも、『映画全体に流れる静けさ、落ち着きが印象的』と話された登壇者もいましたが、それがこの映画の特徴であり、魅力のひとつなのではないか、と感じました。そのような静けさ・落ち着きを与えているのが、監督の眼差し（撮り方）だと思っているのですが、以前このブログに書いたことを再掲しておきます。

映画には、写真家の言葉がたくさん出てきます。仕事場でカメラを前に話す姿、講演の様子、震災後の陸前高田で町の人と話す姿、それらをブツ切り的につないでいるのではなく、見ている人にじっくり聞いてもらえるような見せ方になっていると思いました。映像もじっくり撮るというか全体をとらえている感じがして（特に最後の方で写真家が愛宕山の上から気仙川の方を撮影しているシーン）、まるで見ている私が写真家のうしろに居るような気になりました。

再掲した上記テキストにもありますが、映画に出てくる写真家の言葉、そのいずれもが共感出来るものですが、刺さる言葉が見る時どきで変わります。この日刺さったのは、『写真は外界に対する反応。こうくるからこう返すみたいなところがある』と、『乗り越えるとか言うけど、乗り越えなくてもいいんじゃないか。乗り越えるとか聞くと気持ちが内に向いてしまう』でした。

外界に対する反応で言えば、これには瞬間的な反応だけではなく、対話するということも含まれているのではないか、と思ったのです。言われてみると、あの時は対話してたなと思うこともあるものの、ほぼ全然と言っていいほど対話しないで撮っているような気がしていて、いささか愕然としました。

また、乗り越えなくていいについては、映画のそのシーンのときに、ホッとした感覚になりました。どうも、この言葉を聞きたくて見ているのかもしれない、そんな風に思いました。個人的には、乗り越えられなくて苦しくなったときに、また見たい、そう思えました。

映画「未来をなぞる　写真家・畠山直哉」公式サイト http://www.mirai-nazoru.com/

「未来をなぞる」について書いたもの

[映画・講演] 「未来をなぞる」上映会＋ディスカッション「カタストロフとイマージュを考える」 東大での上映会について（2016年8月1日） ※登壇者のみなさんからとても貴重なお話を聞けました

[映画] 「未来をなぞる　写真家・畠山直哉」 横浜シネマリンでの上映について（2016年2月10日）

映画「写真家　畠山直哉　未来をなぞる」 2015年2月の311映画祭プレイベントについて（2015年4月22日） ※書きたいように書いてなくて冷や汗ものです

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銀座奥野ビル306号室プロジェクト・中央区まるごとミュージアム参加企画（10/23-10/29）

銀座奥野ビル306号室プロジェクトでは10/29開催の中央区まるごとミュージアムに合わせて、展示やイベントを行います。 展示は奥野ビル内にて。毎日イベントもありますので、どうぞお立ち寄りください（10/23-10/28：13-19時、10/29：9-17時）。 ねこやま猫道の展示もあります。

詳細は、上記のプロジェクトのフライヤーをご覧ください。

ねこやま猫道は、#にゃん歌 を手にとってご覧いただけるような展示をします。奥野ビル左側階段の2階から3階に向かう踊り場付近です（フライヤーには1階から2階とありますが、変更しました）。 小さな箱に入れた #にゃん歌 のカードをどうぞ手にとって見てみてください。

306号室でも、ヘアカット、上映会、パフォーマンス、声と詩のワークショップと広範なジャンルのイベントを開催します。

なお、29日の中央区まるごとミュージアムでは、306号室がスタンプラリーポイントにもなっているので、ぜひお立ち寄りください。

銀座奥野ビル306号室プロジェクト http://306project.web.fc2.com/index.htm 中央区まるごとミュージアム・ウェブサイト http://www.cpl.jp/marugoto/

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『アートをみる』ではなく、『アートでみる』ために　−まるで粘土をこねるように−

現代アートの講座・読み書き工房第六回は美術と社会性についてライティングするというもの。送付したテキストを以下に貼り付けます（変更したいところもありますが、取り急ぎ）。

　読み書き工房の開講後すぐに、オススメされたマリア・タニグチの展示を見に行った。入ってすぐに、これは10秒も持たないと思いつつも、オススメなのでできるだけじっくり見たが、感想が書けなかった。見えているものが黒い表面、レンガ状に描かれた線であり、レンガひとつひとつのグレースケールの濃淡の違いこそあれ、巨大だね、繰り返しだね、たまにずれてるね、と見ている側からの報告しか浮かばなかった。

　このとき以来たまに思い出すのが、なぜ解らないものの感想を書けないのか、そして、解らないものから逃げない術はないのか、の二つの疑問である。

　さて、この数ヶ月間、宮川淳などこれまでに読んだことのない評論を読む過程で、段落ごとに読んだり、インターネットで調べたりして、難解さにどうにかついていこうとしてきた。このときの自分の試行錯誤が、まるで作品を制作するときの苦しみにも思えてしまい（同時期に、別な解らないもの　−どうしたら、とある団体のオンラインショップが認知されるか、売り上げにつながるか−　へ向かっていたこともあり）、ひとつの仮説が自分の中に生まれた。

　つまり、現代アートというのは、アート作品そのものというよりも、生きにくい現代に生きる私たちが解らないものに向かう際の手法なのではないか。そして、解らないものに向かって、まるで粘土をこねるように（*1）、なんとか形にしたものが現代アート作品なのではないか。さらに、解らないものに向かって形になったアート作品に向かう（鑑賞する）ことで、別な解らないものが出現しても逃げないでいられるのではないか。そう思うと、今日における鑑賞法など知りたくなり、調べてみると、「対話による美術鑑賞教育」や、「ヴィジュアル・シンキング・ストラテジーズ（以下、VTSと略）」の存在に気づいた。

　VTSは、1991年からMoMAで始められたという。もともとは来館者のヴィジュアル・リテラシーを高める方法論として開発。その方法論が学校教育においても有効であることを検証し学校教育で利用されているという（*2）。

開発に際して、研究者アビゲイル・ハウゼンによるMoMAでの調査の結果、参加者は提供している内容（展示以外のレクチャーやキャプションなど）を終了直後ですら記憶していないことがわかった（*3）、というのが大いに頷けた（メモを取らない限り記憶できない）。

　さらに、鑑賞は、初心者でも研究者でもそれぞれの方法で楽しむことができるのに、初心者に役に立たないのが、レクチャーやキャプションとのこと。自分なりに作品に意味を見出している最中に専門的な知識が紹介されると「作品を正しく鑑賞するためには知識を持っていなければいけない」と思ってしまい、自分で見ることをやめてしまう、というのだ（*4）。

　また、ハウゼンによれば鑑賞者が「何を知ったか」ではなく、「知っていることをいかに活用したか」に着目すべきだということ（*5）。

　マリア・タニグチに話を戻そう。私は冒頭で、『なぜ解らないものの感想を書けないのか』と書いた。だがしかし、VTSの手法によれば、まずは、感想ではなく、作品の中にあるものから気づいたことを挙げていけばいいのだ（描かれているものが何であるのかが解る具象画と、よく解らない現代アートでは異なるのは尤もだが）。

表面は黒っぽい。一見、硯や墓石を連想させる。 描かれているものはレンガ状の小さなセル。あまりにも多い。 キャンバスは大きく、厚みがある。絵画にも見えるし、オブジェにも見える。 制作には相当時間がかかるだろう。苦行とも思えるが、制作の過程で夢中になり時間が経つのも忘れて制作に没頭していたのではないか。 そのように思ったのは、遠くから見ると不思議なリズム感が生まれ、それが均一のリズム、ときにはシンコペーション、ときには拍子が変わったかのように見えてくることがあったから。 （*6）

　私が冒頭に書いた『見ている側の報告』に比べるとどうだろう。少なくとも『見ようとした』、『知っていることを活用しようとした』努力は認められ、前者は『見ている』のではなく『眺めている』にすぎないのではないか。眺めていることは作品との対話を行っていないとも言える。作品に耳を傾けなければ、解らないものはいつまで経っても解らないままだろう。

　最後に、VTSの授業を受けた米国の6年生の感想文を引用したい。

最近、展覧会に行きました。気になる作品の前にいると必ず、VTSの授業でやっている質問が頭にうかんできました。「まずは、この作品や詩をじっくりと見てみましょう」「もっと発見はありますか」「この作品のどこからそう思いましたか」です。こうした問いかけは自分で作品をみる手助けをしてくれます。すみからすみまで、描かれている全ての人、全ての色についてこれらの質問に答えようとすると「全体」がみえてきます。いわばアート作品の中にあるさらに深い意味をみつける手助けをしてくれるのです。　（*7）

（*1）「私の師匠の佐藤真の制作姿勢がシナリオを書かないもので、まるで粘土をこねるように次第に形にしていった」映画監督・畠山容平のトークでの発言（2017年2月）

（*2）フィリップ・ヤノウィン「どこからそう思う？　学力をのばす美術鑑賞　ヴィジュアル・シンキング・ストラテジーズ」、2015年、淡交社、p11

ちなみに、米国初等教育におけるVTSでは、先生がファシリテーターとなり、生徒に美術作品の画像をよくみるように促し、シンプルな3つの問いかけをする（①この作品の中で、どんな出来事が起きているでしょうか、②作品のどこからそう思いましたか、③もっと発見はありますか）

また、VTSは、公平な学びの場を構築し、対話を通して相互理解を深め、ピアラーニング（同僚同士、生徒同士で議論を深めるスタイル）を促進するための基礎的な方法であり、教師は一定の方向に誘導したりすることはせず、各意見の共通点や相違点を示しつつ、ディスカッションの間はファシリテーターに徹する。など知ると、読み書き工房のディスカッションがそのような場であったことに気付いた次第。

（*3）同上、p18

（*4）同上、p21

（*5）同上、p19

（*6）ARTit、マリア・タニグチ　インタヴューを読んでしまった後に書いたので、その影響も少なからずあるかと。 http://www.art-it.asia/u/admin_ed_feature/Yir0IunKb1Nl63sgvmAQ/

（*7）フィリップ・ヤノウィン「どこからそう思う？　学力をのばす美術鑑賞　ヴィジュアル・シンキング・ストラテジーズ」、2015年、淡交社、p136

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[展示]ASIAN ART AWARD2017

アジアンアートアウォード、ファイナリスト5名の展示が10/29まで開催中。 行ってきました。 ファイナリストの一人が山城知佳子さん（大賞受賞）。 昨年のあいちトリエンナーレで痺れた映像作品「土の人」が東京でも見られるんですよ！ 3面スクリーン作品を1面にして再構成して、高橋悠治『カフカノート』からの引用も字幕になってました。

http://asianartaward.com/

以下ネタバレですが・・・

「土の人」のクライマックスはラストの百合の花とハンドクラップですが、その前の戦争中のシーンとサウンドが圧巻。 映像は当時のフッテージ、戦火を逃れる人々の演出、クラブ？のダンスシーン。 サウンドはあいちトリエンナーレではボイスパフォーマンスと紹介されていましたが、いわゆるヒューマンビートボックスでして戦場のような音を表現。 これが見るものを高揚させます。かっこいい。

興奮状態で見てたら、ふと思い出しました。 戦争が始まるとそれまで反対していた市民も次第に戦争に高揚していった話とか（小林信彦とかで）。 その当時、戦争に行ってない人々は映画館の戦時ニュースなどでハイになってたのかなと思ったり。 そういう状況になるとスペクタクルとして消費しちゃうんでしょうね、おそらく私も。 「土の人」のこのシーン、3度見て初めてそのような戦争の怖さに気付かされました。

関連記事 あいちトリエンナーレ2016／名古屋エリア／山城知佳子（旧明治屋栄ビル2F）

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写真集「CLOVEN CATS　まっぷたつのねこ」を作りました

8月13日、夏のコミックマーケットに出展し、新作「CLOVEN CATS」を発表しました。コミックマーケットではサークル名まぐにゃむフォトとして、動物ジャンル（猫）の枠に申し込んでいるので、いわば『ねこしばり』で苦しんでいます（笑）。

初参加の頃は猫写真にセリフをつけて漫画風読み物にした「ねこまんが」を作っていたので、元々写真をそのまま出す気がなく、昨年は、猫写真＋短歌＝にゃん歌など作りました。今回は、日本語なしで写真だけで笑えるものを作りたくて、仮に○○ちゃんのかわいくない側だけで顔を構成したらどうなるのだろうと妄想し始め、左右対称の顔を合成してみたところ、その結果は予想外に面白く、そのまま写真集にしてみました。同じ猫でも写真によって、右と左の性質が真反対に見えるのもあるんですよね。

写真好きな人はご存知かと思いますが、かつて「写真新世紀」で入賞した、人の顔を左右対称にした作品（高木こずえさん）にインスパイアされたのものです。

オンラインストア「ねこやま猫道書店」でも販売しています。 よろしければチェックしてみてください。

▶▶ 「CLOVEN CATS　まっぷたつのねこ」のページをチェックする

まっぷたつにしてみると 様々な性質がその猫を作っていることに気づく。 不完全な右と不完全な左は、 不安定な調和を作っている。

—————————————– CLOVEN CATS

初版 50部限定 サイズ：148 x 148mm (A5スクエア) ページ数：40ページ（カバー込） 本体価格：500円（税込） 送料：180円（日本郵便スマートレター）

https://nekoyamanekomichi.stores.jp/items/5994215ced05e661c8002d42 —————————————–

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[展示]ダヤニータ・シン　インドの大きな家の美術館

現代アートの講座・読み書き工房第 四回は任意の展示についてライティングするというもの。送付したテキストを以下に貼り付けます。

インドの女性写真家、ダヤニータ・シン。そのキャリアをフォトジャーナリストとしてスタートさせたが、ここ20年ほどはアーティストとして活動している。日本での展示は、2011年以来4度目であるが(*1)、日本の美術館における初の個展であり、初期の作品も展示される回顧展でもある。近年は「美術館」と名付けられた家具状の展示構造物を考案し、その全体を「インドの大きな家の美術館(Museum Bhavan)」と称している。「美術館」の日本での展示は今回が初めて。

展示室に入り、その見晴らしの良さに目を奪われる。稼働壁をほとんど使用せず、広い展示室に「美術館」があちらこちらに設置されている様は、展示室というよりも大きなビルの屋内広場のようでもあった。また、「美術館」自体がウェブサイトの画像で見るよりも、見た目も作りも素晴らしく、その美しさに圧倒された。《ミュージアム・オブ・チャンス》、《ファイル・ミュージアム》などと名付けられた「美術館」には展示壁だけでなく、作品を収蔵する収蔵庫があり、実際に写真が収蔵されているようだ。作家は不定期に展示写真を変えることができ、作品の組み合わせを再考することができる。

また、「美術館」を考案する以前には、手に収まる大きさの小さな写真集《セント・ア・レター》を作っており、「美術館」構想と連動する形で(と思われるが)、44冊の写真集とそれを収めるスーツケースからなる《スーツケース・ミュージアム》を考案している。これらは本来ならば書籍の形で鑑賞するものであり、展示室での展示では、開いた状態を展示する、44冊の写真集の表紙を展示するなど、手にとって見ることができないもどかしさを感じさせるものとなっており、あえてそのように思わせるあたりが展示のポイントなのではないか。

「美術館やギャラリーと仕事をするたびに、物事を決めるのはキュレーターで、ここにいるわたしは死んでるのかと思うことがある。」というダヤニータ・シンの思いは、美術館の仕組みの中で仕事をしてきたことから生まれた、と語っている(*2)。一方で、ダヤニータの母親が写真好きで子どもたち一人一人のアルバムを折に触れては作っていたこと(*3)も一因なのではないかと想像できるが、あえて飛躍的に推測してみると、ダヤニータ自身のスポンティーニアス性(自然に起きる、無意識のうちに出てくる)が大きいのではないか。

ダヤニータは大学でグラフィックデザインの勉強を始めた18歳の頃に学校の課題のためにザキール・フセイン(インドの著名タブラ奏者)を​撮影しようと思い立つ。ザキールの音楽のベースは、インド北部の古典音楽、​ヒンドゥスターニー音楽であり、その特徴は、楽譜にしたがって忠実に演奏するものではなく、いわゆる即興音楽に近い。その意味ではジャズなどと共通している(*4)。また、ジャズのアドリブの場合は、他の人が直前に演奏した即興からインスパイアされる即興なども多く、そういったところがスポンティーニアスであり、聞き所でもある。

ザキールを生涯の師とするダヤニータであれば、日によって、場所によって、「美術館」の展示作品を変更して、組合わされた写真間のトーナリティーをチューニングするのは当然かもしれない。ジャズにとってテーマはあくまでもテーマにすぎないのと同様に、ダヤニータにとって写真はロー・マテリアル(素材)なのだから。

*1)日本での展示の記事 https://www.shiseidogroup.jp/gallery/exhibition/past/past2011_05.html (2011年資生堂ギャラリー) http://www.momak.go.jp/Japanese/exhibitionArchive/2013/399.html (2013年京都国立近代美術館) http://www.transit.ne.jp/contents/info/2015/04/post-312.php (2015年アーツ&サイエンスAT THE CORNER) https://www.topmuseum.jp/contents/exhibition/index-2778.html (本展)

*2)写真展図録より引用

*3)ダヤニータ・シン講演会のウェブ掲載より引用 http://www.art-it.asia/u/admin_lec/Qu0DPeVG48fRat2nLbUo/?lang=ja

*4)インド古典音楽とは 主にヒンドゥスターニー音楽について より引用http://sound.jp/tengaku/IndianMusic/IndianMusic.html

講座を終えた雑感

みな様々な展示を見ていると思ったのと同時に、意外と同じことを頭の中に思い浮かべている気がしました。

ダヤニータの写真の組み方から、私は楽譜通りに演奏しないジャズのようなものを連想しましたが、東南アジアのアーティストの作品を展示するサンシャワー展を見た方々からは、宗教音楽食事が独自なように現代アートも独自だという感想がありました。

また、豊田市美術館の「抽象の力」を見た方もいましたが、キュレーションの？岡崎乾二郎のテキストに夏目漱石のFとfが出てきますが、ドクメンタを見た方のライティングにもFとfが出てくるなどの共通点があり、みなさんのライティングを見て共通点を探してみるのが楽しかったです。

全員のライティングを読み終えた今、ライティングのときもF（焦点的概念）とf（それに附着する情緒）のバランスを考えたほうがよいのだなと気づきました。おおむねfだけで書いてしまっているのですよね。展示で見たもの以外でもいいので（過去の作品とか歴史とか社会情勢とか含めて）Fの立証が必要なのかもしれません。

最後に講師の言葉の覚書を書いておきます。

知らない人のための形式（レビュー）であれば、神の向こう側の読者を意識し他者のための目になってバーチャルな経験を与える

同時に自分のためでもあるので、主観的、客観的なバランスが大事

作品に対する思い、ニュートラルな視点、読者の興味を引く社会の現状、問題意識、背景とバランスのとれたライティングがあり、それはよかった

自分のテーゼを展開するために会場の描写をうまく使うなど、たんなる風景描写だけでなく、読者が自分で感じるようになるテキストだとよい（神話的言及や他の絵画の引用が必要かも）

全てを見切れていなくても、見た中から結論を表出しないといけない

問いを立てて自ら答える

作家に対して、賛成なのか反対なのか疑問なのか

抽象ー表象、記録ー表現　このグラデーション

書いているうちに新しいアイディアが導き出されることもあるが、自分の心を再検証して、本当にそう思ったのかを問う

専門的な知識がなくても自分なりの解釈で書いてみる

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[展示]夜明け前 知られざる日本写真開拓史 総集編

現代アートの講座・読み書き工房第二回は指定の展示（東京都写真美術館での日本の初期写真の展示）を事前に見てライティングするというもの。送付したテキストを以下に貼り付けます。講座の前に皆のテキストが共有され、講座にてディスカッションを行います。ディスカッション後にリライトしてみようと思ってます。

（写真は以下のテキスト中に書いた新聞記事より）

日本における写真との「であい」、「まなび」、「ひろがり」にフォーカスした構成で、写真術が日本に持ち込まれて以来どのように日本中に伝わっていったのかを当時の写真や機材などで紹介する展示だった。

1854年ペリー来航によって持ち込まれた写真術(*1)。展示からは、その20年後には写真館で市民が撮影された写真が残されていることがわかり、写真の伝播のスピードが早いような気がした。その一因は、外国人居留地(函館、横浜、神戸)の存在だったのではないだろうか。つまり、外国人が居留したところに写真が伝わり、そこに住む日本人に写真術が伝わる、という具合に。

また、写真の記録性の高さゆえ当然といえばそうなのだが、西南戦争(1877年)、日清戦争( 1894-1895年)、明治三陸沖地震(1896年)などが写真として残されていることには正直驚いた。 ひょっとしたら当時の日本の写真家たちもクリミア戦争(1853-1856年)や南北戦争(1861-1865 年)が写真に収められていた事を見聞きしていたのかもしれないが。

一方、日本人にとって当たり前な光景を撮った写真は、日本を訪れた外国人旅行者向けの土産物として人気を博したらしい。展示されていた横浜写真と呼ばれる写真群からは、積極的に演出しようという意図が感じられた(武将の格好などのコスプレ、ポーズ、着色)。こちらは今の観光ハガキのようなものであろうか。また、売り物かどうかは不明だが、徳川家康など著名人の肖像画を手札サイズの写真にしたものも展示されており、昭和のプロマイドのように思えた。

「であい」、「まなび」、「ひろがり」があった幕末から明治の写真だが、後世への「つたわり」は どうだったのだろう。そう考えさせられたのは、明治三陸沖地震の写真のプロジェクター展示を見た ときだった。つぶれた家屋、津波で陸に打ち上げられた船、流されてしまった沿岸地域。これらの写真からは、まるで3.11のモノクロ写真を見ているような気にもなった。ナイーブすぎる意見かもしれ ないが、これらの写真が今に伝わっていたら3.11のときに波にのまれて亡くなる人ももっと少なかっ たのではないだろうか。

もっとも、「つたわらなかった」のは、地震の写真に限った事ではないだろう。昔の写真は各地方の蔵などに埋もれていて、研究者がコツコツ発掘していったと聞いた事もある。どのようように発掘されたのか、どんな困難があったのかなど展示では触れられていなかったが、「結び」の形で多少は言及されていても良かったのではないか。

後日、新聞で幕末の肖像写真のような写真を見つけた(*2)。記事を読むと、今を生きる人々の写真 で、福島県の相馬野馬追の装束(甲冑)を身につけた人々を古典技法で撮影したものだった。一見幕 末の写真と同じなのに、現在の写真だと知ったときの不思議な気持ちは言葉で言い表せないものがある。撮影したのはエバレット・ブラウン。なんと、1854年にペリーと共に日本に来て田中光儀の肖像写真を撮影した写真家(エリファレット・ブラウン・ジュニア)は、エバレットさんの遠縁の先祖だという。これは、展示を見なければ気づかなかったことで、そういう副産物を得たことがうれしい。

(*1)展示ではそのように紹介されていたが、ペーリー来航以前にオランダからの船でダゲレオタイプの写真機が持ち込まれ薩摩藩に渡ったという説もあるようだ。

(*2)5月7日東京新聞・こちら特報部「相馬野馬追の肖像 米国人カメラマン撮影」

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マグナムフォト所属写真家からの言葉の数々「Wear Good Shoes」を読んでみた

Facebookで見かけたマグナムフォト所属写真家32人（*1）からのアドバイス集「Wear Good Shoes: Inspiring Advice from Magnum Photographers」をダウンロードして斜め読みしてみました。 https://www.lensculture.com/articles/magnum-guide

いわゆるアドバイスだけではなく、写真との出会いを語る人もいて（家にいろいろな写真集があった、おじいさんが高価な切手を交換してカメラを手に入れてくれたなど）、彼らの言葉に接した後で撮った写真を見るのは（ほとんどが言葉のページの後にその人の写真が掲載されている作りになっている）とても楽しく感じました。思い出したときに何度が読み返してみたくなりますね。Chimとはデビッド・シーモアの愛称であることも初めて知りました。

また、「写真は言葉だ（Photography is a language.）」と語る人が二人いて（David Alan Harvey、Jonas Bendiksen）、そのような認識に接したのが昨年、書籍「出来事と写真（畠山直哉、大竹昭子）」を読んだ際だったので、彼らについてもチェックしてみようと思った次第。

タイトルにもある「good shoes」に言及している人も二人いて（Abbas、Matt Stuart）、Wear Good Shoesはそもそも、マグナムのDavid Hurnがよく言う言葉のようです。こんな記事が見つかりました（紹介されている動画も未見　見ました。見る前は、よい靴＝よい道具だと勝手に思い、やっぱいいカメラの方がいいのかと思ってましたが笑、1日12時間も歩くかもなのでよい靴を履いた方がいい、という意味のようです）。 https://petapixel.com/2016/04/06/timless-wisdom-amazing-stories-magnums-david-hurn/

アレック・ソスの「被写体をつまらないとかおもしろくないと思っていたら、それは写真に出る。本当は子猫を撮りたいんだったら子猫を撮れ」にはドキっとしました（後半はおいておいて）。そんなテキストのあとで次のページのソスの見知った写真（といっても実物はみてないが）「Sleeping by the Mississippi」の一コマを見たら、ああそうかーとものすごい説得力で迫ってきました。説得力について説明できていないのが大変残念なのですが。写真は言葉であるならば、ここを説明できないのはまずいですよね。

印象深かったテキストは、アレック・ソスの他に、Matt Stuart（p18：とにかく時間）、Patrick Zachmann（p22：ダイアン・アーバスとの出会いの衝撃）、Alex Webb（p29：写真にそんなに夢中ではなかったけど、一人で作るのが好きだと気付いて写真を撮るように）、Mikheal Subotzky（p54：一つのプロジェクトに長時間こだわりつづけよう）、Jonas Bendiksen（p57：写真は言葉）。

一番衝撃的だったのは、知っている写真家が4人しかいなかったことでしょうか。視野を広く持ち、知りたい、覚えたいと夢中になっていた10代の頃が懐かしいです。情報へのアクセスがたやすくなかったことも夢中になった理由かもしれませんが。

（*1） 掲載されている写真家は以下（掲載順） Carl De Keyzer Martine Franck Abbas Elliott Erwitt Alex Majoli Alec Soth Chris Steele-Perkins Alessandra Sanguinetti Hiroji Kubota Matt Stuart Mark Power Patrick Zachmann David Alan Harvey Constantine Manos Alex Webb Larry Towell Donovan Wylie Peter Marlow Max Pinckers Paolo Pellegrin Trent Parke Christopher Anderson Harry Gruyaert Thomas Dworzak MartinParr David Hurn Bruce Gilden Susan Meiselas Steve McCurry Mikhael Subotzky Jonas Bendiksen Sohrab Hura

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[展示]木村高一郎「ともだち」

息子さんが排泄しているときを撮影した写真で構成した展示。いずれも4、5歳の頃の写真。お父さんの眼差しがいいなあと思うと同時に、息子さんの様々な表情はまさに「あるある」と思えるもので、心にストンと落ちました。

展示作品の構図、光の具合から、定点観測やタイポロジーという言葉を思い起こしました。が、何にも増して感情を揺さぶられたのは、展示会場全景を見ていた時のこと、すべての写真から息子さんの前で撮影しているお父さんの姿が浮かび上がってくるような瞬間でした。

子どもの成長記録は撮影者の眼差しの記録なのだなと改めて思いました。それは同時に、何を中心に見るかによって見え方（＝感じ方）が違うということでもあり、写真の面白いところですね。 人間の例ではありませんが、飼い猫の写真を撮っていても、昔の写真を見返した際に当時の自分の眼差しを自覚してしまうことも少なくなりません。撮影している私がどう見えてくるのかも意識しながら撮っていきたいと思いました。

会場には、最近Libro Arteより刊行された「ともだち」と「ことば」（こちらは2014年展示作品）の写真集がありました。なんか嬉しくて購入しました。どちらもとても凝った装丁で、こんな写真集を作れたらいいなあと思ってしまいました。 来場者の笑い声が心地よく耳に響く展示です。5月11日まで開催されているので是非行ってみてください（日曜休館）。

木村高一郎「ともだち」 会期：2017年4月21日（金）〜5月11日（木） 時間：10:30～18:00（最終日は15:00まで）日曜休館 会場：epSITE 料金：入館無料

会場エプサイトのウェブページに掲載された木村さんのインタビューは必見です。 http://www.epson.jp/katsuyou/photo/taiken/epsite/event/special/special_30.htm

追記： エプソンのブログに4/22に行われたタカザワケンジさんとのトークイベントの模様が掲載されていました。 http://proselection.lekumo.biz/epson_proselection_blog/2017/04/post-af58.html

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マリネッティ「未来派宣言」（1909年）を読んで

現代アートの講座に4月から12月まで参加することにしました。 http://mad.a-i-t.net/wl/ 先日第一回目があり、「未来派宣言」「マヴォの宣言」の朗読とディスカッションを行いました。

講座終了後に「未来派宣言」について自分なりにおさらいしたので書いておきます。

マリネッティが言いたいことは大きく２つ。 １、従来を否定 ２、美的な価値観としてスピードを加えたい このような態度は今はまあ普通に理解できることだと思うが、当時はびっくりすることだったのでしょうか？ あと、従来の否定とスピードを絡めて言えば、機械化で変わりゆく社会を目の当たりにして、従来芸術も根本的に変わった方がいいと考えるようになった、ということなんですかね。

●従来の否定について 従来詩でよいとされているところ（不動、睡眠）を否定している。 美の価値基準をスピードに置いていて、そのことからも従来詩を嫌う理由がわかる。 従来詩に対して、自らは、熱を持って攻撃的に死をも恐れずに跳躍的に詩を扱おうと宣言している。 従来の体制（博物館、図書館）や考え方（道徳主義、フェミニズム）を攻撃するという件は、権威主義（例えば当時の画壇とか）を否定しているともとれるが、マリネッティはバイリンガルであり、フランスの大学資格試験バカロレアに合格して、1898年の「老いた船乗りたち」がフランスの批評家たちにウケが良かったというので、権威を否定する側ではなかったと想像できる。

●スピードについて 自分たちの詩を大衆（労働、遊戯、反抗のために活動せる大多数）に献じたい、と言っていて、現代諸大國で様々な革命の潮流があることが歌いたい理由だという。 革命とは、産業革命以後の社会変化（工業化、都市化、資本家層と労働者層の誕生、非工業化地域の植民地化）を指しているのだろう。 詩の材料として様々なテクノロジーの時代のシーン（*1）を列記しているのだが、一つ一つ見ていくと武器工場だったり機関車だったりと、機械化やそれによるスピード感を詩に取り入れたいという考えが表されている。 実際、当時印刷された詩を紹介している本（*2）を見ると、スピード感を表しているような造語、だんだん大きくなる文字など、従来の何かを変えようとしていたことはわかる。

●戦争賛美について 堂々と戦争を賛美するのは、今日的にはおかしいんじゃないの？と思わざるを得ないが、当時の大国における植民地化政策について異論を唱える人なんて多くはなかったのではないか、という気もする。 大国の都市部の人々は、植民地化により自国に原材料が入り、植民地化された地域もよくなるんだと信じていたのだろうか。

しかし、芸術において、従来のものを一旦否定してみる態度や、機械化を取り入れる手法は、このとき初めて生まれた訳で（あってますか？）、未来派があったから、ダダとかシュールレアリスムも出てきたのだろうか、と改めて驚いている次第。

（*1）電灯に照らされた（ここが第二次産業革命以後という感じがする）武器工場が夜も操業しているシーン、機関車が行き来する停車場、煙突がそびえ立つ工場、刀のように輝いてまるで巨人が大河の上でポースをとっているような橋梁、地平線を嗅ぐようにみえる船舶、まるで鋼鉄の大馬のように軌道の上で足踏みしている機関車、飛行船？ （*2）塚原史「言葉のアヴァンギャルド　ダダと未来派の20世紀」

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展示、映画、イベントみたものまとめ（2017年1-3月）

恵比寿映像祭関連が多かった、展示6、上映7、トークイベント4。ときどきブログ記事あり。

[展示]原久路 and 林ナツミ 写真展「少女シリーズ」 [雑感]双子かと思ってたら合成でした。あれだけ影が出てないスタジオ写真というのはiso3200でストロボもたいてるのかとわかりました。あの少女との出会いについて書いてありましたが、なんとなく腑に落ちた気が。だけどああいう顔の少女は結構見かけるような気が。たぶん顔だけじゃないのだと思うけど。 http://www.nikon-image.com/support/whatsnew/2016/1226.html

[展示]柳 幸典「ワンダリング・ポジション」 [雑感]ビテチョー記事を読んで行けばよかったーと思ったら会期延長と知り、これを読んで、絶対行こうと思った展示。 会場のBANKART初めて訪れました。いいですね。 関係ないけど杉本博司ロストヒューマンはこういうところでやればよかった。 さて、国旗や札の絵柄を蟻が巣穴を掘ることで再構成されるAnt Farm Project、瀬戸内海の犬島にあるというICARUS CELLの再現？など、見られてよかったです。 また全く知りませんでしたが、サンフランシスコのアルカトラズ島の刑務所跡でのFieldwork on Alcatrazにゾクゾクしました。 ビデチョー記事を改めてみたら、『日本現代美術が輩出したほとんど唯一の「PCアート」のトッププレイヤー。（略）現在から振り返ってみると、政治的イシューを極端に単純化し、スペクタクル化する柳の手つきをそのまま肯定するのは難しい。本展は、柳のような90年代的なPCアートの復権ではなく、もはや90年代的PCアートは不可能である、ということこそを告げる展覧会であった。』とあり。私が（article9などを）みた時に感じた違和感に似ている感覚だと思いました。古い作品なので今再構築するとどうだったのだろうか？など考えを巡らせました。 http://bankart1929.com/archives/1079

[上映]MILES AHEAD/マイルス・デイヴィス 空白の5年間 http://bd-dvd.sonypictures.jp/miles-ahead/

[上映]「アーサ女について」山城知佳子映像作品上映会 [雑感]上映会のみ参加しましたが、トークなしだと何が何だかわからないところも多々ありました。 上映作品は以下の3作。 「OKINAWA墓庭クラブ」(2004) 6分 「黙認浜 —浦添市イバノの海 —Complex.1 —」(2007) 30分 「アーサ女」(2008) 7分 以下のサイトに解説がありました。 あとから調べたくなるほどに説明がなかったイベント、これはこれでよいのかもしれません。 http://macokada.wixsite.com/uminoniwa/blank-3 http://www.mori.art.museum/blog/2012/12/post-209.php 後者のサイトで黙認浜について説明がありました。 これは「黙認耕作地」に由来する作者の造語とのことです。 黙認耕作地、あまりわかっていませんでした。 この知らなさっぷりに、こんなんでいいのだろうかと自問してしまいました。

[上映&トークイベント]銀座、次の100年のためのスタディ展「銀座建物ものがたり銀緑館」上映会＆トーク [雑感]銀座奥野ビル306号室プロジェクトのメンバー（石川信行氏、西松典宏氏）が制作した映像作品の上映会とトークがありました。銀緑館（銀座松坂屋と周辺の再開発により2013年に解体）についての映像で、建物の特徴や関係者へのインタビューに加えて、竣工年に諸説あるが本当はいつ建ったのか、建物のオーナーの自家設計と記録されているが本当なのか、という謎に迫る内容で、探偵小説を読んでいるような気分になりました。 ▶︎記事を読む

[上映]この世界の片隅に http://konosekai.jp/

[展示]瑛九1935-1937　闇の中で「レアル」をさがす [雑感]瑛九のことは、靉光や靉嘔など、二文字の名前の作家と認識していたのみで、誰がどれを作ったかなどごちゃごちゃしているという認識の低さなので、瑛九がフォトグラムを作っていたなど知りませんでした。近美サイトでみたフォトグラムに魅せられてみたいと思い行きました。コラージュのレアルをみても、自身の中に元々備わっているものはひとつで、フォトグラムもコラージュもそれが表出されているんだなと思った次第。晩年の点描は目をそらすことができない程の力？を持った作品（一瞥するのが無理で見ろと言われて見てしまうような感じ）。 瑛九が24～26歳だった、デビュー前後の３年間に焦点をあてて、『友人への手紙を中心とした多様な資料を初公開し、若き芸術家の苦悩と葛藤を、作品とたたきつけるような言葉の両面から追体験いただきます』とのこと。よくよく考えると、肉筆の手紙やハガキを展示ケース越しに読むのは結構大変。近美のFacebookアップデート（読むべき。古賀春江に影響を受けていたなどわかる）やカタログで改めて読みたいです。 このような2階で開催する企画展は、順路的には4階〜2階の常設展をみて最後に回る展示室ということになりますが、それだと疲れて企画展に集中できない。こちらを見たい人は先に行った方がいい。 http://www.momat.go.jp/am/exhibition/ei-q/

[展示]MOMATコレクション [雑感]和田英作「おうな」と中村研一の戦争記録画にくぎづけ。古賀春江も見られて良かったです。岸田劉生が麗子を描いているのが意外と若い頃だと気付いて驚き。 http://www.momat.go.jp/am/exhibition/permanent20161122/

[展示]黑多弘文展　「新月　1月28日」 [雑感]奥野ビル306号室プロジェクト代表の展示。

　昨年の秋306号室の壁紙が落ちた　何十年と陽を浴び元来の姿を変えた茶色い紙は　背中の糊が役目をかろうじて果たし　ゆらゆらと耐えていた 立って壁紙と対面すると顔より少し低い位置に丸く鏡の日焼けの跡があった 　日光写真のような鏡の跡がそれ自体が本物の鏡のようにみえ　また輪郭のゆるやかな丸い形に昼の空の穴のような月をみて過去二回その壁紙の鏡の跡を使い展示をした 　今はそのあと

http://306project.blog119.fc2.com/blog-entry-134.html 壁紙の鏡の跡を月にみたてた展示を過去に行っていて、その壁紙が剥がれてしまった今そのお礼をする、という作家の考え。 3年前の展示の際に会場を撮影していた映像（3年前の3つの鏡）が今の3つの鏡と向かい合っていました。 ギャラリー巡りをしていて知らないギャラリーになんとなく入ったらよくわからないインスタレーションをしていてすぐ出てきてしまったという経験に似た感覚。よくわからないと諦めるのじゃなくて、自分なりにあれこれ考えてみた方がいいに決まってる、と思わせてもらいました。 お金を払う美術館で得るものとはまた違うものを得ることができる、言い換えれば「なまな」「できたての」「作者の直の」考えを知ることができることを実感しました。

[レクチャーパフォーマンス]Chim↑Pom劇場 [雑感]最終日の2月5日に行ってきました。 内容は、これまでの活動をレクチャーと映像で紹介するもので（卯城さん）、最後にパフォーマンス。メンバーによる開演前のVJもよかったです ▶︎記事を読む

[展示]第９回恵比寿映像祭 https://www.yebizo.com/jp/

[上映]《スーザン・ソンタグについて》―― マルチプルな私を生きる ジャパンプレミア [雑感]恵比寿映像祭にて。 批評家であることは知っていたものの、読んだこともないし、顔も知らなかったし、人となりも知りませんでした。 15歳で大学、17歳で結婚、19歳で出産にも驚きましたが、映画を作る、演劇の指導、小説を書く、戦場に行くなど本当にマルチプル。恋愛対象も男女問わない。 また、あんなに写真や映像に収められていて驚きました。 彼女自身がフォトジェニックで、しかも自分でも十分にわかっていて、撮られるのも好きだったように思えました。 著書では「写真論」が有名ですが、映画をみたら「隠喩としての病い」「エイズとその隠喩」は読んでみたいと思いました。 帰宅後に少し調べたら、スーザン・ソンタグがコソボ空爆を支持していたと知り、少し引っかかりました。映画では、同時代的であることを信条としていたのが次第にそうでもなくなったなど、それをほのめかすような紹介にとどまっていました。 そう考えると、この映画は彼女を知っている人と知らない人だと評価が分かれそうですね。 彼女は、コソボ空爆支持の理由がジェノサイドを止めるためには空爆しかなかったと発言しているようです。一瞬彼女がユダヤ人だから、ジェノサイドにそのように反応するのかも、と思ったのですが、そのような判りやすい理由ではないものがあるのでしょうか。本来は戦争には反対の立場なのに空爆を支持してしまった、そのモヤモヤについて自身で検証されるとよかったのかもしれないです。 まあ、映画から見えた彼女の性格からして、そういうことはしなさそうな気もしましたが。

[上映&レクチャー]未来をなぞる上映会＋トーク [雑感]畠山容平監督のトークで制作指針についてのお話が聞けました。いわく、シナリオをつくらず、素材ノートを元に、監督いわく『まるで粘土をこねるように』作るようにしているそうで、監督が師事していた佐藤真監督がそうだったとのこと。映像を作ったことがないので想像できないのですが、これには驚きました。また、佐藤真監督が言っていたことで畠山監督自身も気をつけていると話していたのは、自分が意図せずに撮れてしまった！と思うものを撮ったとしても、使うかどうかには慎重になる。なんとなくわかるような気がします。自分に責任が持てないものは使わない方がいい、別な言い方をすれば、なぜ使ったのかを説明できないものは使わない方がいい、ということでしょうか。粘土をこねるようにとともに貴重なお話を聞けて、よかったです。

[上映]フィオナ・タン《歴史の未来》ジャパンプレミア [雑感]恵比寿映像祭にて映像作家フィオナ・タンの劇映画デビュー作「歴史の未来」をみてきました。 筋立てはともかく、映像が圧倒的に美しかったです。 主人公が記憶喪失の男だからか、ファウンドフッテージ、監督自身の過去作、ドラマの現在なのか過去なのかわからないような断片的な映像がちりばめられていました。 断片的な点は飲みすぎた日の夜に見た夢に似ているような気がしました。 また、私は誰かという強迫観念に見ているこちらも緊張感を強いられ、やけに緊張するところは昔の実験映画（古い）を思い出しました。 荒廃した町の映像として、アイルランド、デトロイト、福島の津波被災地でも撮影されていましたが、とても印象的な映像でした。 https://www.yebizo.com/jp/program/detail/04-01

[上映]相互接続への夢―― 《ドリームズ・リワイヤード》ジャパンプレミア https://www.yebizo.com/jp/program/detail/04-02

[トーク]恵比寿映像祭リンクセッション・マヌ・ルクシュx畠山直哉トークセッション [雑感]恵比寿映像祭で上映された作品「相互接続への夢―― 《ドリームズ・リワイヤード》」の監督の一人であるマヌ・ルクシュさん、マヌさんと親交のある畠山直哉さんのトークが2月22日に恵比寿映像祭関連イベントとして行われました。 ▶︎記事を読む

[セミナー]CP+ Adobe画像処理セミナー（講師ジュリアン・コスト） [雑感]横浜で開催されたCP+のAdobe LightroomとPhotoshopの画像処理セミナーが2月25日にあり、セッション全てに参加しました。自分の画像に対する考えがいかにお子ちゃまレベルかを実感したセミナーで、帰宅後数日はセミナーのおさらいに夢中になったほどでした。 ▶︎記事を読む

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[トーク]恵比寿映像祭リンクセッション・マヌ・ルクシュx畠山直哉トークセッション

恵比寿映像祭で上映された作品「相互接続への夢―― 《ドリームズ・リワイヤード》」の監督の一人であるマヌ・ルクシュさん、マヌさんと親交のある畠山直哉さんのトークが2月22日に恵比寿映像祭関連イベントとして行われました。トークの覚書と雑感を書いておきます。

（写真は「thamesmead architecture」で画像検索した結果。こんな建物の画像が紹介されていました）

出会い

学生の頃に1年間タイに滞在する機会があったマヌさん。休暇を利用して日本を訪れた際に知人を介して紹介されたのが畠山さん。23年前のことだそうです。

以来、マヌさんはイギリスに住み、ロンドンでパートナーであるムクルさんと共に、アートコミュニティー（生活の中で実験的なことを行うソーシャルハウジングのプロジェクト）を維持していく中、今度は畠山さんが朝食会（マヌさんとムクルさんがゲストを迎える会で朝食を食べながらの会合？）に呼ばれる機会があったとのこと（2010年）。

テムズミード

ロンドン中心部から15キロほど東へ行ったところにテムズ河畔の湿地帯があり、1960年代に再開発の一環としてロンドン市建設局により作られた大規模団地テムズミード。建設から半世紀近く経つ中で様々な問題が起こり、建て替えのための立ち退きが2013年から始まったようです。

テムズミードの団地は1974年までに建設され、特徴としては各戸が独立していて、歩行は1階は禁止され2階に歩道が作られています。これは1953年おこったテムズ河の洪水の被害が大きかったために採られた仕様のようです。

設計当時は、未来がこうなればいいという気持ち、ユートピアへの思いが詰まった団地でしたが、構想を実現させても思ったような未来はやってこなかったのが現実でした。過去に思い描いたもの（未来）が懐かしく思える、という言わば、時間の逆転現象のようなことが感じられます。 ちなみに、テムズミードは映画「時計じかけのオレンジ」のロケ地の一つとのこと（このシーン）。

個人的な参考として、Wikipediaのリンクをおいておきます。 https://en.wikipedia.org/wiki/Thamesmead

テムズミードのコラボレーション

2010年以来、畠山さんとムクルさんがコラボレーションしているそうで、4月4日から開催される資生堂ギャラリー「椿会展」で展示予定とのこと。いわく、写真は限られたことしか教えてくれない、写真を助けてくれるメディウムが必要とのこと。畠山さん撮影のテムズミードの写真にムクルさんのテキストの展示になるそうです（参考：資生堂ギャラリーのページ）。

雑感

トーク中にマヌさんの映像作品「Unknown Territories」を映したのですが、よかったです。エレナ・ギブソンというバレエダンサーを撮ったもので、交通事故に遭いバレエを踊るのが困難になったところにポールダンスと出会い、エレナさんいわく「完璧に自由に」踊ることができるように。ポールダンスはバービガンセンターを背景に、またキッチンを背景に妊娠中のエレナさんが踊るシーンもありました。映像、ダンス、筋肉の美しさに圧倒されました。 マヌさんのサイトにUnknown Territoriesスチル写真がありました。

また、この映像のロケ地バービガンセンターは、テムズミード同様に再開発（第二次世界大戦の焼け跡の再開発）として建てられた文化施設。といってもロンドンから15キロ離れたテムズミードとは異なり、バービガンはロンドン中心部にあることや文化施設が併設されていることもあってか、住宅の価値も毀損されていません（参考：ブルータリズム建築の名作《バービカン・エステート》の住み心地）。

テムズミードもブルータリズム建築ということで、ガラスやコンクリート打ちっ放しなどむき出しの素材感や各戸の箱っぽさがわかるようなデザインで、いくつか映された畠山さんの写真から建物の線と壁面に使われている色の構成の面白さが伝わりました。

■恵比寿映像祭・トークイベントのページ 「YEBIZO MEETS」Ⅲ リンクセッション：オーストリア大使館・オーストリア文化フォーラム https://www.yebizo.com/jp/program/detail/10-03

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[セミナー]CP+ Adobe画像処理セミナー（講師ジュリアン・コスト）

横浜で開催されたCP+のAdobe LightroomとPhotoshopの画像処理セミナーが2月25日にあり、セッション全てに参加しました。自分の画像に対する考えがいかにお子ちゃまレベルかを実感したセミナーで、帰宅後数日はセミナーのおさらいに夢中になったほどでした。

（写真はセミナー終了後に画像補正をしてみて、補正前後を比べたものです）

講師のジュリアン・コスト（Julieanne Kost）さんについては、CP+のセミナーページでは『アドビのシニアエバンジェリストで写真家』と紹介されていて、アドビの学習ビデオによく登場している人のようです。セミナーでも彼女のアドビ内のブログ（以下のリンク。必見です）について触れていました。 http://blogs.adobe.com/jkost/

セミナーの覚書と雑感について書きます。 なお、下記の覚書は一部動作を確認しましたが、全て再確認したわけではないので、聞き間違いもあります。

Lightroom コレクション

ライトルームの使い方としてお薦めしていたのが、コレクションを使うというものでした。

コレクションは、物理的に画像が存在するフォルダとは別物で、1つの画像を複数のコレクションに追加できて、ゴレクションごとに違った補正を保存できるもので、グループやサブセットも作ることができるようです。

コレクションのよいところは以下。

コレクション内では画像の順番をカスタムに並べ替えできる

コレクション検索ができる

コレクションのモバイル同期もできる

Lightroomでやること（Photoshopに行く前に）

フォトショップに行く前にやれるだけ最大限ライトルームで編集する、というのがモットー。

ライトルームでやること一覧としては以下。

レンズ補正（プロファイル補正、色収差の除去）

アップライト

トーンの調整（色の中立化）

シャープにする

かすみ除去

コントラスト

周辺光量

部分補正

レンズ補正としては、画像一枚一枚パネルから補正するのは時間がかかるので、デフォルトでレンズ補正を行うように設定しているとのこと（現像メニュー＞初期設定）。手持ちの複数レンズ分登録できるそうですが、何度も設定するとレンズがやった分スタックされるのでしょうか？

色の中立化としては、画像を表示した状態でwキーを押すと、ターゲットのニュートラルカラーを選択のスポイトが表示されるので、ホワイトポイントにしたい部分を選択（あるいは、shift+クリック）して設定する（ホワイトバランスパネルのスポイトツールで画像のホワイトポイントにしたい部分を選択して設定、も同様）

アップライトは自動アップライト以外にも画像に垂直、水平のガイドを入れてまっすぐに補正できる

アップライトなどで周辺が欠けた画像になったら、トリミングじゃなくとも、欠けている部分を埋めることもできる

画像補正時に補正前後の画像を隣り合わせに表示できるが、参照画像を隣に表示できるのも便利（別な画像とトーンを同じにしたいときなど）

LightroomとPhotoshopの連携

ライトルームの、『写真＞他のツールで編集＞Photoshop CCで編集』でphotoshopが起動します。

保存しない場合（例えば、画像を他のフォトショップドキュメントに挿入するなど）はこれでよいですが、画像をフォトショップでさらに加工して保存する場合は、物理的な画像ファイルを壊さないために、『Photoshop CCで編集』を選ぶのではなく、『Photoshopでスマートオブジェクトとして開く』を選ぶとよいみたいです。

また、ライトルーム側もフォトショップ側も16bitにしましょうとのこと。

Lightroomのtips

現像モジュールの各パネルはソロモード（見たいパネル以外は閉じる）にすると使いやすい

各パネルのスライダー自体（orスライダーの名前）ダブルクリックでスライダーのリセット

パネルを隠すのはtabキー

各パネルの左のライトスイッチで、その機能だけの効果のON、OFFをみることができる

環境設定に、カメラのシリアル番号に固有の初期設定を作成するチェックボックスがあるので、ONにしておけば初期設定をカメラごとに設定できる

画像の切り抜きの際に、xキーで縦横比を逆転できる

切り抜きのグリッドを3x3だけでなく色々なグリッドに変更できる（ツール＞ガイドオーバーレイを切り抜き）。必要なときだけ出すようにできる

白レベル、黒レベルの適量な調整は、各スライダーの名前をshift＋ダブルクリックすることによってダイナミックレンジが広がる

目を引くようにするときは、ハイライト低く、シャドウ上げ、明瞭度加え、下の方の彩度を強くする（？？）

周辺光量が3つあるが、3つ目は使わない（ハイライト優先or色優先）

部分補正のブラシを使う際は、流量を少なめにして徐々にブラシをかけて補正する

部分補正で補正しすぎた場合は、消去にしてしすぎたところを消す

段階フィルター

スナップショットを取るようにする（履歴の情報をセーブする）

スナップショットはフォトショップでスマートオブジェクトとして開くことができ、コンテンツを編集で各スナップショットに遡れる

モノクロにしたい場合に、基本補正の白黒を押すのではなく、プリセットから効果を選ぶこともできる

コストさんの作ったプリセットはブログからDL可能（たぶん以下） http://blogs.adobe.com/jkost/2015/04/8737.html

Photoshopのtips

クイック選択した上で、選択したくないところをoptionキーで削除する

ツールバーはカスタム化できる

レイヤーなどのパネルは右側でなく左側にも置ける（コストさんいわく、ツールバーと同じあたりにあると画面の右から左へ行ったり来たりしなくて済む）

思い通りに動かないときに確認すること→正しいツールを選んでいるのか、オプションが適切に設定されているか、レイヤーが間違っていないか

新しく機能検索ができた。メニューひとつひとつを確認しなくても、検索で機能名を検索できる

アクションは最初から最後までの処理を記録するだけでなく、何回も繰り返して使うようなものをまとめるとよい

カラールックアップテーブルは元々動画のための機能で、ロケが複数の日にまたがっても同じ日に撮ったようにするためのものだが、静止画にも使える

コンテンツに応じた移動で、移動した背景が違うときはカラーを0から10で背景になじませる

雑感

上述したように『アドビのシニアエバンジェリストで写真家』と紹介されている、講師のジュリアン・コストさんですが、まず、彼女の自己紹介に驚きました。職業は「Lens Based Artist」とのことで、言われてみるとこちらの方が通りが早い気がしました。

また、コストさんにとっては「撮ることは半分にすぎない。ストーリーを物語っていくことが重要」で、率直に頷ける話でした。が、そのあと例えばと言って見せてくれた補正前後の数枚の画像（*1）を見た後の私の率直な意見は、「補正の前後でぜんぜん違う、タブーなし、ここまでやるのか、撮ったものより自分のストーリーが大事」などでした。自分を振り返って考えてみると、撮ったものに自分が縛られていて自由な発想ができていないことに気づきました。

コストさんの例で、なるほどと思ったのは、余計なものは消す、足りないものは追加する、カメラに一度に収めきれない被写体は数枚に分けて撮影して後でマージする、氷山を目立たせたいから？波は長時間露光で撮ったかのようにおだやかにする、昼間に撮ったものでもホラー調にしたいときはする、など。

最後に

今回のAdobe画像処理セミナーは、アドビの製品紹介の側面だけでなく、Adobe Stock（ストックフォトサービス）のコンテンツ拡充という目的もあったようです。セミナーが始まるまではストックの紹介ビデオが流れ、セミナーの中でもコストさんからストックの買う側の利用方法（*2）やストックで画像を販売するコントリビューターについて紹介されていました。

昨年のCP+には、マグナム・フォトのアレック・ソスの講演があり（アレック・ソスのトーク感想記事）、参加企業の宣伝も兼ねているとはいえ、付加価値の高いイベントに無料で参加できるのはとても貴重な機会だと感じました。過去に日本人講師のアドビ社セミナーに参加したこともありましたが、やはり異国の方（どちらも米国在住ですが）から知るお話や映像は日本に住む私にとって新鮮に感じます。ちなみに昨年も感じたことですが、同時通訳の人たちのレベルが高くて驚きました。

（補足） *1 セミナーでみた画像処理のいくつかは、アドビPhotoshopブログの記事でみることができます。 http://blogs.adobe.com/photoshop/2017/02/antarctic-photo-editing-tips-in-photoshop-and-lightroom-with-julieanne-kost.html

*2 ストック使用例として、雨粒の画像を使用して、とある風景画像を雨粒のついた窓越しからみた画像にする加工を見せてくれました。翌日に似たような窓越し風景画像を別なところでみましたが、印象が非常に似ていたように思えました。全く同じ雨粒画像ではないかもしれませんが、こんな風に使うのかと思いました。

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[読書]にゃん歌の参考に短歌の本を読んでみた

思いつきで猫の短歌を作ってみたものの、続けてみようかなと思ってからは、さすがにこんなんでいいのだろうかとだんだん不安になってきて短歌関連の書籍を図書館から借りたりしました。

それがの上記の写真です。

現代短歌でおなじみの穂村弘氏、枡野浩一氏の書籍はとても参考になり、例えば、読者からの投稿短歌をあえて改悪してみせた例などからは、正しい文章で伝えることが面白味や余韻を含ませることに繋がるわけではないことなどを知ることができました。

それ以外の本だと、「偶然短歌 」（著：いなにわ、 せきしろ）が面白かったです。 こちらは、Wikipediaにある記述から、五・七・五・七・七の短歌のリズムになっている記述を抜き出したものを集めたもので、機械的に抜き出すプログラムまでもが書籍で紹介されています。 もともとTwitterアカウント・偶然短歌botとして投稿していたのをまとめた本のようです。

斉藤斎藤は、こちらのサイトで写生系短歌として紹介されていて興味を持ち、「人の道、死ぬと町」を借りてみました。が、内面系短歌が読むのにしんどくて途中で挫折してしまいました。

また、以下の2冊はなんとなく借りてみたのですが、意外と面白かったです。が、一度に10冊借りてしまい、ちゃんと読めてないので、もう一度借りようと思ってます。

「現代短歌作法」（著：小高賢） 短歌とはなにかが述べられていて、そんな風に考えたことがなかったので、覚えておきたいと思いました。また、短歌について歴史的な背景も含めて解説していてわかりやすかったです（和歌の時代から戦前、戦中、戦後について）。

「桜前線開架宣言 Born after 1970 現代短歌日本代表」（著：山田航 ） 若い歌人の作品を編んだもの。著者も1983年生まれ。面白いエピソードだと思ったのは、著者が寺山修司で短歌を知ったので短歌とは若者の文化だと思っていた、というもの。

「現代短歌作法」が参考になったので、覚書しておきます。

◎短歌は定型であり、短文である

短文：瞬間に何かをいうことができる

短文：俳句より14文字分多いので、気持ちを直接的に述べられる

定型：短歌には人の感慨や情緒を均一のものにしてしまう類化力があり、入りやすいという利点の裏側の危険性でもある

定型：自覚しないとすべての作品がパターン化してしまう

定型：定型という支援によって、自分の中で言い終えたというカタルシスが生まれてしまい、思いを突き詰めきれないこともある

◎短歌は機会詩の側面がある

人は事件や、社会の変化、自然の推移に対して、怒ったり悲しんだり嘆いたりし、その感情を文字に定着したいと思う気持ちが短歌形式とつながる

戦争中は機会詩として戦争詠と呼ばれる短歌も生まれた（前線の兵隊だけでなく、著名な歌人も戦争を煽るような短歌をつくった）

戦後、短歌は第二芸術と呼ばれた時期もある

いわく、同好者だけで特殊世界を作りその中で楽しんでいる芸事にすぎないと

実際に、湾岸戦争でもイラク戦争でも同じ歌い方になる傾向は否定できない（そうなんでしょうか？byねこやま）

多くの人が参加できる反面、みな似た作品に陥りがちになる

それが短歌の特徴なのだから、逆手にとって作ればよい

にゃん歌も似た作品になりがちで、このようなことを自覚しながら続けたいです。もっとも、私の場合は、猫が三種類しかいないから、ボキャブラリー不足のせい、という理由もあるかもしれませんが（苦笑）。いずれにせよ、多読多作しないとダメなので、駄作であっても投稿し続けます。

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[レクチャーパフォーマンス]Chim↑Pom劇場

最終日の2月5日に行ってきました。 内容は、これまでの活動をレクチャーと映像で紹介するもので（卯城さん）、最後にパフォーマンス。メンバーによる開演前のVJもよかったです（上記写真：会場のナマの映像とのコラボが新鮮でした。観客が満杯になってから撮ればよかったですね）。タイトルは、チンポムがよく演劇的だと言われるところから、そして、小泉劇場とか小池劇場とか呼ばれる現象から名付けたそう。 以下の順に記します。

レクチャー内容

パフォーマンス

チンポムの展示予定

雑感

レクチャー内容

いくつかのプロジェクトについてレクチャーがありました。 覚書したことを書いておきます。が・・・ 帰宅後にチンポムのサイトにかなり詳細に記載されていることに気づきました。 予習しておけばよかった・・・

[SUPER RAT] チンポムは路上で活動をしていたが、当時何かで繁華街のねずみ駆除について知り（駆除剤が効かず、業者でも駆除が困難、そんなねずみのことをSUPER RATと言っていた）、そんなに難しいなら、それをチンポムがやったら凄くない？ということで、渋谷のゴミ目当てのねずみをつかまえるところを映像に。ねずみが入れ食い状態で大きな虫取り網的なものに入っていく様は凄かった。同じテーマでジオラマも作った。

[BLACK OF DEATH] ねずみを追っていると、時間帯によってゴミをあさる動物が違うことに気づき、朝4時ごろにはカラスが来る。ねずみが集まっていたようにカラスも集めてみよう（たぶん）というところから、映像作品（録音したカラスの声を流しながらバイクを走らせるとカラスが集まって追ってくる）を作成。渋谷と国会前で撮影。3回くらいやるとカラスたちは、人間がやっているということをわかってしまい、もうついてこなくなるらしい。また外国だとカラスが人間を怖がってそもそも近づかないらしい。 カラス作品は、その後2013年版につながる。

[GARBAGE] [PAVILION] 渋谷パルコでの展示のオファーがあり、渋谷パルコに象徴されるイメージ、同時にそれは自分たちの生活そのものでもある、大量生産大量消費大量廃棄をテーマに。パルコの前に巨大なゴミ袋に見立てたものを置き、ゴミ袋に人が入る。 またパルコ入り口のサインPARCOから、チンポムのCPを外して、屋内の展示会場に設置。街中だと普通にみえるサインが室内だと圧倒的な物質感を放つ。

[また明日も観てくれるかな？] 展示を行ったパルコも建て替えとなったように、2020年東京オリンピックに向け建て壊しがあちこちであり、建て壊しの決まっている歌舞伎町振興組合ビル（前の東京オリンピックがあった1964年に建った）で展示することに。ビルの事務所からは青焼きの図面などが見つかり青焼きをテーマにした展示も。ビルの4階から2階のフロアを切り抜きそのまま1階に積み重ねたり。展示物はそのまま残しビルごと解体。解体後のものを使った展示も予定している（展示場所は、確か、高円寺のArtist Run Spaceだったか）。

[LOVE IS OVER] 上述の歌舞伎町での展示は歌舞伎町で幅広くビジネスを展開しているエリイさんの旦那さんとの縁あってのこと。二人の結婚披露宴後に、歌舞伎町から新宿西口のパブリックアート「LOVE」を目指し、まさに皇室の結婚パレードのようにデモ行進。写真を撮りにレスリー・キーが、そして篠山紀信までもが。

[アイムボカン] チャリティーで地雷撤去をしたいというエリイさんの発言から始まったプロジェクト。カンボジアで個人で地雷撤去をしている住民や彼の元で暮らす地雷被害にあった子どもたちとの交流（そうとう可笑しい）など紹介。爆破処理される地雷とともにエリイさんの私物を爆破させ、それを日本に持ち帰りオークションで販売（126億円がスタート価格で買い手がつくまで下げていくという逆オークション方式が新しい！？）。チンポムの取り分を持って再びカンボジアへ。時代はアートバブルの頃、その時に実施している同時代性がすごい。

[COYOTE] [U.S.A. Visitor Center] 2014年、ニューヨークでのグループ展の際にアメリカに入国できない場合はコヨーテと呼ばれる入国斡旋業者とメキシコからアメリカを目指せばよい、みたいなやりとりがあって、ヨーゼフ・ボイスの「コヨーテ」を引用したインスタレーション。 そこからメキシコからアメリカを目指す人々に着目。サンディエゴとのメキシコ側の国境の町ティファナ。国境に建てられた壁を自分の家の壁として利用している家があり、そこの家族が協力者に。その区域はLIBERTADという（Libertyのスペイン語）。家の庭にある大きな木にツリーハウスを作り、立ち入れないアメリカへのビジターセンターと命名（2016年）。 またアメリカ側とメキシコ側に作品を設置（2017年）。 この最近の連作が2月から展示される（The Other Side）。 http://www.mujin-to.com/press/chimpom_2017_theotherside.htm

[ヒロシマの空をピカッとさせる] 原爆ドームの上空に飛行機雲で「ピカッ」を描いた作品（2008年）。翌日の新聞には否定的な市民の声とともにチンポムを批判する記事が掲載されたことから騒動が起きる。予定されていた広島での展示は自粛という形で開催を中止。市側から謝罪会見を要求され被爆者団体7団体を前に謝罪。その時に感じた違和感から、被爆者団体と交流が始まり、被爆者らとの対話は翌年刊行された検証本「なぜ広島の空をピカッとさせてはいけないのか」にまとめられた。 被爆者団体の代表である坪井直さん（2016年オバマ大統領広島訪問時に広島平和記念公園にて握手をして言葉を交わした）とはその後も交流が続く。

[REAL TIMES] [Level 7. feat. 明日の神話] [気合100連発] 2011年の震災直後からイベントなどの自粛が続く中、上述の坪井直さんから「不撓不屈」（坪井さんの座右の銘）と書かれたFAXが。作品を作り続けるんだ、と思いを新たに。 発災後1ヶ月後4月11日にはトレッキングで福島第一原発が見える展望台に登頂する様子を収めたREAL TIMESを作成。 4月30日には渋谷駅通路の壁画「明日の神話」（原爆や水爆実験で被爆した第五福竜丸がモチーフ）の左右の壁画の欠けている部分（メキシコのホテルに設置されていた際には階段か何かで壁画は四角ではなかった）に福島第一原発事故の絵を付け足した。 5月には福島県相馬市で知り合った若者たちと100連発の気合を入れた様子を映像に収める。その作品「気合100連発」を上映。

[耐え難きを耐え↑忍び難きを忍ぶ] このように作品を作り続けてきたわけだけど、例えば美術館から改変を求められるなど、実際のところは妥協しながらやってきた。10周年を迎えた2015年、黒歴史（これまでの妥協）を紹介する展示を行った。例えば、ある展示で「気合100連発」を流したいので、貸して欲しいと依頼があった際には、気合の中にNGワードが入っているので困ると言われた。編集したものの一部を上映（NGワードの発言をピー音で消し、字幕の英語訳に取り消し線を追加する編集。消しても微妙に見える英語や前後の気合から内容が推測できるものもあり、検閲の意味のなさを感じ、これはこれで面白かった）。

パフォーマンス

最後に、卯城さんが「耐え難きを耐え↑忍び難きを忍ぶ」の展示のステートメントを読み上げ、締めのパフォーマンスとなり終演。 全てはステートメントにある通りで、パフォーマンスはその決意を形にしたものでした（しかし、あのパフォーマンスは毎回行ったのだろうか）。 ステートメントはチンポムのサイトで読めます。必読です。2年前のものですが、数回読みましたが、いろいろ考えさせられます。

チンポムの展示予定

覚書にも書きましたが、展示が2つほどあるみたいで、忘れないで行きたいです。

Chim↑Pom展「The other side」 会期：2017年2月18日(土)－ 4月9日（日） 会場：無人島プロダクション Open：火～金｜12:00-20:00 ／ 土・日｜11:00-19:00 「ボーダー」をテーマに、2016 年から2017 年にかけてメキシコ・ティファナと アメリカ・サンディエゴの国境沿いで制作したアートプロジェクトを発表。 http://www.mujin-to.com/press/chimpom_2017_theotherside.htm

（また明日も観てくれるかな？ の再構成） 「また明日も観てくれるかな？」のビル解体後の作品の残骸を再構成した展示を2017年にアーティスト・ラン・スペース・Garter@キタコレビルにて開催予定とのこと。渋谷パルコのCとPのネオンサインも展示される模様。

雑感

見る側としても、作る側としても、非常にモヤモヤさせられました。そういう意味でも刺激的なイベントでした。

見る側からすれば、ほにゃらら劇場という言い方は、例えばマスコミなど外部の人が面白おかしく名付けて、視聴者を釘付けにするわけで、同じように命名されると、ついスペクタクルを期待するというか、何をしてくれるのかなと思ってしまい、そういう自分が踊らされてる感じでよくないなーと。

確かにチンポムの映像をみると、演劇的な要素はあり（REAL TIMESで展望台に立って白旗にいろいろ描いていくシーンとか）、そういうところに惹かれるし、近美で見たときも「これはーっ、おおーーっ」とか思いながら見たわけですよ。

しかしそんなに面白かった割には、公式サイトもチェックしてないし、翌日には別の何かを検索していて（現代病かもしれません）、つまり、とっても面白いのにガンガン消費しているだけ。これは、意識的にしていかないとできないことだと想いますが、覚えるほど見たり調べたりして自分にとって作品が日常化した先に、なにか気づくことがあるのかもしれません。

また作る側からすれば、まずは、アーティストって大変だなあと（10周年の耐え難きを耐えのページを読んだからかもしれませんが）。

作る上でかなり議論を重ねて作っているように見えたのですが、そういう点で見習いたいというか、恥ずかしいというか、バツの悪さを感じました。これも、作品が日常化するほど見る、に通じると思うのですが、作品が自分のものになる前にアウトプットしているから？、バツが悪いのかもしれません（うまく言えていませんが）。

それと、ピカッの謝罪会見後の行動（違和感を違和感のままにせず、対話の機会を作って別な展開につなげる）は覚えておきたいです。困難に出会ったときにヒントになるような気がしました。

[nekoyamanekomichi]

猫写真＋短歌＝にゃん歌

ふと、はじめてのにゃん歌って何だったかなーと記憶を辿ってみたくなりました。 たしか、川柳風に「ヨーイどん　びーちゃんやる気　ナッシング」というキャプションの投稿をして少し経ってからのことでした。 Facebookの投稿を探してみたら、ありました。 2016年8月24日だったのですね。

今見ても楽しんで作っているのがわかって、なんかいいですね。

その後ふたつほど思いつきで作ったもののそれっきりだったのですが、年末のコミケの同人誌をにゃん歌で構成してみよう、なんていうことを思いついたのでした。 その経緯は「#日々猫 2016」の紹介記事にも書いたとおりです。

さて、意識して作り始めてみると、さすがにこんなんでいいのだろうかとだんだん不安になってきて短歌関連の書籍を図書館から借りたりしました。それについては別に書こうと思うのですが、いろいろ読んでしまうと、体の動きがギクシャクしてしまって、好きなように作れなくなってしまいました。

そんなこともあって（笑）回文に逃げたりしているのですが、回文は自分で制御できない面白さがあるので（長い回文を作る作家の方はコントロールできているのかもしれませんが）、半ば諦めモードで作っていたら、にゃん歌歌を作る際も肩の力が抜けて変な緊張をせずに作れるようになりました。めでたし、めでたし。

最後に、最近作ったにゃん歌をいくつか紹介します。

Facebookページでにゃん歌など猫写真の投稿をしているので、 よろしかったらいいね！お願いします。

Facebookページ https://www.facebook.com/NekoyamaNekomichi/ Twitter https://twitter.com/_NekoManga_ Instagram https://www.instagram.com/_nekomanga_/

[nekoyamanekomichi]

「来ねけ？三毛猫」はNGか？

黒猫で回文を作ったので（こねろ！黒猫：こねろくろねこ）、三毛猫でも作りたくなったのですが、来ねけ？三毛猫（こねけみけねこ）は反則ですよね（笑）。

できたのは、以下。

三毛猫回文 1 マヤ灸を据えれるか？三毛猫。だだこね、ケミカルレース追う雪山 まやきゆうおすえれるかみけねこだだこねけみかるれえすおうゆきやま

スケールのちっちゃいロールプレイングゲームの一コマみたいです。三毛猫が主人公なのか、三毛猫がだだをこねてるのか、誰がケミカルレースを追っているのかはっきりしないところが残念ですが。

三毛猫回文 2 俺迂闊！追うよ、三毛猫。だだこね、仮名を使うレオ おれうかつおうよみけねこだだこねけみようおつかうれお

また、だだをこねてしまいました…　ただ、だだをこねて仮名をつかうレオという三毛猫に、迂闊にもしてやられた俺が挽回しようとしている様子はうかがえます。 それにしても、だだをこねて仮名を使う猫って、いったいどんな猫…

『だだこね』を脱却したく、作ったのが以下で、これが今の所ベストかと。

三毛猫回文 3 俺、コネ、仮名駆使し、獅子食うよ、三毛猫レオ おれこねけみようくししししくうよみけねこれお

とにかくいろいろ駆使した結果獅子を食えることになった語り手が三毛猫レオに語っている様子です（キッパリ）。

猫だとかならず『こね』問題が出てくるので（笑）、少し離れて、我が家の黒猫くーの好きな『刺身』をお題にしてみました。

お題『刺身』の回文 昼、ひしおつけ刺身食い、くみし酒、つおし昼陽 ひるひしおつけさしみくいくみしさけつおしひるひ

いい感じです。昼間から酒飲んで刺身食べてまったりしている情景が浮かんできますね。

ちなみに、白猫の場合は、「捏ねろ！白猫」でバッチリです！