Records Matter

Because recorded music is the best thing since water.

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Hollow Hand

How would you introduce Hollow Hand's sound to someone who's never listened to your music before? Max Kinghorn-Mills: I think my music draws mainly from bands I discovered in my early twenties. There’s some British folk rock stuff from the late 60s/70s, people say they hear some Syd Barrett, some harmony based American influence from The Byrds, Neil Young, CSNY. But really I just hope it feels original too, otherwise there’s not much point to this.

You are the composer, singer and guitar player. Are there any other permanent members in the band? M.K.-H.: In terms of records, Hollow Hand music has always been Chris Crusoe, on drums, and I. We introduced Pan Andrs to the studio this time. It’s been us 3 since. But the live interpretation of the music is always in flux. If we need friends to step in to the band temporarily then great. We all fill in for each other’s bands when we’re needed. At the moment it’s confined to a 4-piece because it’s the only way for us to get around to shows.

After a first album of psych-folk, you just released 3 more pop-oriented singles. What happened with your songwriting? M.K.-H.: I think I’d temporarily satisfied my initial self-indulgence after planning crumhorn solos. The early music guy fortunately never got back to me about that. I recorded nearly every single moment of the album alone, in my room, singing about 'Pilgrim’s Progress'. It was harder to keep up this initial fantasy/escapist element in front of the guys with a straight face because they’re mainly into different things. I think that's good though, I let the music evolve willingly.

You have a new album coming up: "Star Chamber", what should we expect? M.K.-H.: The new album will be out this year, I think in the summer. I’m not sure yet as to which label is going to take care of it but everything’s ready. I’d say it sounds tighter, with perhaps some nods to more groove based soul music like Curtis Mayfield. Thanks to Pan Andrs & Atlas Shrugs the production is at another whole level. I only really recorded and mixed the first album alone out of necessity.

I understand that you record everything in your own studio "Cosmic Ocean". Why? M.K.-H.: This band has never released music recorded in a ‘real’ studio. We had an experience in Abbey Road but, aside from looking at Beatles photos, I didn’t really have a good time. I find gear intimidating and frustrating. I’ve grown up recording music in my room in such a way that I’m still struggling to find reasons to record anywhere else. For me anything which gets in the way of concentrating on the music is just negative. I think hell is someone standing with a Nord synth brain playing C1 and cycling through the sound banks for eternity.

What was the recording process like for Star Chamber? M.K.-H.: I had written the album and presented every song as a demo. The three of us played the songs through, experimented, re-arranged. We then recorded all drums to a tape machine and built up the rest of the parts from there.  It took a long time. Maybe I’ll write in more detail some time, perhaps in the repackaged deluxe release somewhere down the line! We had a roof which would leak whenever it rained and a door which wouldn’t stay shut. We’d have to set aside time at the end of the night to take all the gear back safe indoors, away from the elements. Like every band I think we learnt a lot about each other through this long process. And probably explored most variations of the rice based vegetarian dish.

I really fancy your enigmatic design and your logo. You design everything by yourself and make your own video. Do you feel there is a visual dimension to your music? M.K.-H.: When I was a kid in school I would come up with so many band names and draw logos I imagined all over my books. I suppose finding that emblem is a heraldry of sorts. There’s always a huge visual part of my writing process. When I’m writing I often have certain images in my mind, I find inspiration in paintings, films, reading fantasy. I also make every music video for the band myself completely DIY. I suppose the way I make my videos has a lot to do with the work of Terry Gilliam’s animations from the 1970s. This process is a lengthy one. My course for progress seems to involve hiding away in my room for months cutting up pictures by lamplight and listening to final fantasy podcasts.

How did you ended up working with Tim Smith on his elusive Harp project? M.K.-H.: Tim’s been a good friend of mine for around 4 years now. I first emailed him to talk about music and I guess we realised we had a lot in common. We’d share a lot about the processes we were going through. He decided to come over to Brighton and try some things out with Harp, we worked on some songs with Pan Andrs. Tim is going through a pretty epic and emotional journey with the Harp record. The songs are beautiful. Unfortunately we haven’t had a chance to work together for long yet but I was just happy to be a part of it and help him where I could. Playing his music every day was a truly elevating experience for me. There aren’t many projects which feel as special as this one. He knows that I’ll be ready when time comes.

Tim Smith aside, who are your favourite songwriters? Do you remember a song or a musician that made you want to play and write your own music? M.K.-H.: Syd Barrett always comes to mind as one of the most important to me. I’ll always love his music. As a kid I had a VHS copy of '1991: The Year Punk Broke’ which I would just watch repeatedly. All year. Those groups made me want to play in a band. I guess I didn’t realise I could get into 'the song' in such a way before discovering writers like Neil Young, Robyn Hitchcock, The Band, Joni Mitchell. I love the way Nic Jones sings, Incredible String Band. Sometimes it’s fun to make lists but this is a big subject.

Where and What do you draw your inspiration from? How do you find magic and poetry in this autotuned and spiritless age? 

M.K.-H.: I guess going through life I’ve started to build up a vital library of the exact artists which provide me with that magical feeling I used to get when I was growing up, that pure inspiration. When the world’s making me feel empty or I can’t find any feeling in music then I’ll read some poetry, watch Ingmar Bergman’s masterpieces or tap into some Andrew Graham-Dixon art documentaries, maybe take a walk on Brighton beach. You can find inspiration if you keep searching, I feel like I’m chasing always.

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Liam Gallagher / As You Were

S'est peu dire qu'avec Beady Eye Liam Gallagher s'était embourbé dans un classic rock bas de la frange. Faisant table rase du passé, il revient en force avec ce qui s'impose comme le meilleur album des frères terribles de Manchester depuis le split d'Oasis (au moins).

Chapeau bas aux producteurs Greg Kurstin et Dan Grech-Marguerat qui ont su faire sonner ces chansons rock'n'roll, pourtant clairement marquées par une filiation Lennonienne, avec une modernité folle. Guitares compressées, boucles, programmations.... Les techniques contemporaines sont ici utilisées à merveille pour arriver à un parfait mariage Vintage/Moderne.

Et les chansons justement ? Et bien c’est peu dire qu’elles sont au rendez-vous ! Bold, Paper Crown, I’ve All I Need, For What It’s Worth…Le Gallagher 2017 a su s'entourer pour co-écrire ou se faire écrire des morceaux qui brillent comme les nouveaux joyaux de la couronne.

Brilliant, as you fookin’ were!

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Wesley Fuller / Inner City Dream

Bon alors autant le dire d’emblée, Wesley Fuller semble partager la même vibration cosmique que l’auteur de ces lignes. L’amour de la mélodie, la générosité musicale et des accords ambigus débordent de cette fabuleuse galette.

Pas une chanson mauvaise, ni même médiocre. Tout ici marche sur les sommets les plus hauts de l’Himalaya de la pop. Alex Chilton danse avec Eliott Smith, Marc Bolan avec Gaz Coombes. Et les notes d’orgues vintage fondent dans les oreilles avec gourmandise.

Point d’excès de confiserie pour autant, l’australien ayant le bon goût de conserver suffisamment d’aspérités pour rendre l’écoute passionnante. Dommage que l’époque se vautre dans l’autotune dégoulinante, fut un temps pas si lointain où Wesley Fuller aurait pu prétendre au titre de sauveur du rock. Rien de moins.

Indispensable donc.

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Liam Gallagher / For What It’s Worth

Et soudain, une brèche spacio-temporelle rompt le continuum espace-temps. Elle nous conduit directement en 1994. La britpop met le monde à ses pieds. Noël Gallagher se prend pour John Lennon et Lee Mavers réunis. Liam a sa voix de jeune homme. Les guitares cèdent la place à un balais de cordes.

C’est le pouvoir des grandes chansons : ouvrir, en quelques notes, une fenêtre sur une émotion singulière, un lieu oublié, un moment suspendu dans le temps. Et libérer, soudain, une réminiscence fugace qui s’invite dans le présent avec force.

Ici, c’est à une miniature douce-amère que l’on doit ce petit miracle. Tout y est parfait, de la première à la dernière note. Avec, une fois n’est pas coutume, d’excellentes paroles pour servir une mélodie qui touche droit au cœur.

Well done, lad.

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Michael Kiwanuka / Love & Hate

Mon dieu. Nous sommes en présence d’un album immense. Du genre de ceux qu’on aime poser sur sa platine vinyle des années durant sans jamais s'en lasser. Du genre de ceux dont on espère que le sillon soit sans fin, sans fin, sans fin, sans fin.

Love & Hate est une oeuvre bold comme disent les anglais. Ambitieuse et respirant la musicalité. Petit exploit, les chansons s’étirent en longueur sans jamais ennuyer et en passionnant toujours. Ces mélopées soul noyées dans des vapeurs psychédéliques sont caressantes, enveloppantes, envoûtantes. 

Au milieu d’arrangements subtils, s’élèvent des notes de guitare abruptes. La voix de Michael Kiwanuka est chaude, profonde, sans âge. Il a des racines évidentes, les plus grands soul men des années 1970, qu’il teinte allègrement d’Afro Beat, des sonorités phasées pink floydiennes et de riffs blues. Une splendeur on vous dit. 

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Twin Peaks / Down in Heaven

Celui-ci, on ne l’avait pas vu venir. Twin Peaks, le groupe le moins SEO friendly de sa génération, sort un deuxième album en forme d’éructation garage juvénile.

Et c’est un home run. Un disque de power pop sale. Comme si les Pixies jouaient le répertoire de The Coral. Comme si Teenage Fanclub avait bouffait Pavement pour le petit déjeuner. 

L’approche lo-fi et les voix rageuses donnent un charme je m’en foutiste fou à l’ensemble. Des trompettes foutraques étouffes sous des strates de guitares écorchées. Les mélodies font mouche. 

Les chansons sous perfusion 60ies évoquent les Grands Anciens : Lou Reed, T Rex, les Stones. Mais elles s’affirment aussi comme de lointaines cousines des ritournelles de Ty Segal ou de Mac de Marco. L’Amérique nous donne une raison de sourire. Ce n’est pas le moment de bouder notre plaisir. 

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Michael Rault / Living Daylight

Le moins que l’on puisse dire, c’est que Michael Rault n’est pas homme à cacher ses accointances. Living Daylight sonne comme le rejeton de John Lennon et Marc Bolan. Là où le canadien signe un petit miracle, c’est de ne jamais tomber pour autant dans l’exercice de style stérile.

C’est que le bonhomme met du coeur et de la lysergie à l’ouvrage. Le vernis vintage, psyche et lo-fi regarde vers Mac de Marco et Ty Segall. Le tout sonne comme une extension post-moderne de l’album blanc. 

Living Daylight est une vraie célébration. L’album porte bien son nom : il est solaire et déborde de joie de jouer. Une pépite trop rare à se procurer d’urgence accompagnée de l’indispensable EP Nothing Means Anything b/w Still Not Sad. 

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Blossoms / Charlemagne

Blossoms s’impose petit à petit comme le meilleur groupe actuel de pop mélodique à guitares. Le groupe semble avoir digéré tout ce qui se fait de mieux en matière de pop anglaise depuis les années 1960. 

Le résultat est totalement addictif. Au fil d’EPs tous plus réussis les uns que les autres, Blossoms révèle un répertoire hallucinant, alternant mid-tempos ravageurs (Charlemagne, Blown Rose, Cut Me and I Bleed, Blow) et balades subtiles (Winter Kiss, Stormy).

Personne n’avait écrit d’aussi bonnes chansons depuis Noel Gallagher. Le tout est produit avec un bon goût absolu. Le bassiste est grandiose. Vivement l’album, donc. 

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Martin Courtney  / Many Moons

La pop pastorale vient de gagner un nouveau joyaux. Qu’il est doux d’être bercé par ces pop songs lumineuses, où les cordes se prélassent sur de confortables lits de guitares acoustiques et les choeurs chantent une ode à la contemplation d’un ciel bleu d’une tranquillité absolue. 

La production de Many Moons est parfaite, accueillante, chaleureuse. Douce comme un après-midi de printemps d’avant le dérèglement climatique. 

Chacune des chansons fond dans l’oreille de l’amoureux de la pop sixties, des guitares carillonnantes, des mélodies délicates et des escapades bucoliques. Loin de tout clinquant, l’album respire l’amour simple des chansons et des instruments en bois.

Au final, Many Moons forme le portrait d’un artiste qui, avec sagesse et humilité, peint un paysage musical immersif dont la richesse se dévoile au grès d’arrangements subtils. Un album impressionniste dont on souhaiterait qu’il ne s’arrête jamais. 

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Bop English / Constant Bop

Constant Bop est ce qu’il est arrivé de mieux à la powerpop depuis Lapalco de Brendan Benson, qu’on se le dise. Les deux albums partagent ce même mélange irrésistible d’amour pour la mélodie de sa majesté et d’un sens du groove purement Américain puisant ses racines dans le creuset du blues et du R’n’B.

L’espace de dix titres, l’auditeur fait un détour roboratif dans le tour bus des Wings circa 1976, la tête dans les HP des amplis marécageux de Creedence Clearwater Revival et les guitares délicieusement compressées de Fleetwood Mac. Bop English déploie une énergie débordante en même temps qu’un art de la maîtrise du studio proprement renversante.

Rien à jeter sur ce superbe album qu’on jurerait parfois chanté par Dan Auerbach des Black Keys, ce qui ne gâche rien. En sommet culminant de cet Himalaya pop, Sentimental Wilderness n’en finit pas d’épater par ses cascades de guitares et sa mélodie précieuse.

Listen/purchase: Constant Bop by Bop English

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The Libertines - Gunga Din

Les Libertines sont de retour, donc, et la presse au garde à vous devant ces enfants terribles qui empilent, chacun en solo, des disques indigents depuis plus de 10 ans. Le NME parle de single “brillant”. Rien de moins. 

De qui se moque-t-on ?

Une rythmique reggae caricaturale, une ligne de chant vomie qu’on peine à qualifier de mélodie, un riff au bord de l’apoplexie, un refrain pénible soulevé uniquement par une prod Mumford & Sonienne. Un naufrage. 

Le clip est à l’avenant. Triste illustration de trentenaires bedonnants se vautrant dans un hédonisme narcissique vain et ridicule pour essayer de rester pertinent auprès de la culture jeune. 

La La La La. Pathétique. 

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The Coral / The Curse Of Love

Comme un voyage lysergique en Mer d’Irlande, The Coral vogue sur des flots étranges tout au long de The Curse of Love. Cet album sauvé des eaux est une nouvelle perle dans la discographie parfaite du fascinant groupe de Liverpool. 

Quels pieuvres géantes, méduses fantômes et Nautilus de bric et de broc habitent donc les abîmes de l’imagination de James Skelly ? De fortes effluves d'iode noire émanent de ces arrangements éthérés et ténébreux. On retrouve toutefois ce qui fait la grandeur des Scousers : des arpèges de guitares lumineux, un chant habité, des mélodies lunaires.

Les chansons se révèlent peu à peu. Elles nous entraînent, comme des sirènes aux cheveux verts, profond sous les eaux tumultueuses de la malédiction amoureuse. Et l’auditeur envoûté de se surprendre à trouver ces fonds clair-obscurs étrangement accueillants.

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Sondre Lerche / Please

Et soudain, le crépitement du transistor emporte le morceau vers des terres inconnues. Sous ses airs bien élevé, Please est rempli de saturations analogiques et bruissements digitaux en tous genres. 

La grande force de Lerche est de toujours garder un cap mélodique clair dans le foisonnement de ses sublimes compositions. Car le garçon s’est désormais créé un idiome musical propre. Il renouvelle avec une grande intelligence le canon traditionnel de la chanson pop. Et va puiser dans les harmonies jazz une richesse qui semble sans fond. 

Pourtant, Sondre Lerche reste sous le radar alors qu’il enchaîne les perles (les deux albums précédents, Heartbeat Radio et Sondre Lerche, étaient eux aussi formidables). Please est sans doute le chef d'oeuvre de ce songwriter capital et performer incroyable. Des rythmiques saccadées mais bondissantes, un chant limpide, une production mêlant instrumentarium pop classique et sonorités électroniques, de l’émotion.

Le norvégien signe avec Please une oeuvre de grande classe. Une suite de mélodies qui marquent l’auditeur bien après leur dernière note. Un disque fuyant la facilité. Un recueil de chansons de cette espèce en voie de raréfaction alarmante : celle des grands albums pop ambitieux et innovants. 

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Blossoms / Blow

Blossoms est le dernier venu des groupes de l'écurie Skeleton Key, le label des vaillants James et Ian Skelly, frères fondateurs de the Coral.

Avec Blow et sa brillante face-B Winter Kiss, Blossoms s'installent d'emblée au firmament de la pop britannique. Si le son garage rock 60ies peut sembler un temps passéiste, le songwriting est d'une telle qualité que l'auditeur ne peut que s'incliner.

Guitares reverberés, harmonies vocales, descentes psyché de basse mccartneyienne, tout y est. Mais la production aérienne maligne de James Skelly  fait souffler une immense fraîcheur le temps de ces deux titres beaucoup trop courts.

Reste à s'époumoner sur le refrain de Blow et à s'emmitoufler dans les délicats arpèges de Winter Kiss.

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Ty Segall / Manipulator

Autant l'écrire d'emblée, Manipulator est le premier disque de Glam depuis 1975. C'est d'ailleurs le visage bariolé d'argent à lèvres et de larmes d'encre que Ty Segall défend cet album inespéré.

Marc Bolan et David Bowie en point de mire, donc. Le génie du bonhomme est cependant de ne pas se livrer, comme d'autres, à un exercice de style falot. Il a la bonne idée faire passer ses divines chansons par les transistors sursaturés de sa pédale fuzz. Tous les potards à 11.

Des guitares acoustiques rebondissent dans les enceintes, des synthés détraqués martèlent leurs riffs, des cordes invitent à rêver. Chaque chanson est impeccablement écrite et arrangée mais jouée avec une nonchalance et une agressivité qui renversent tout sur leur passage.  

Cette énergie vitale brûlante rend ce disque éternellement jeune. Certains pisse-froids font la fine bouche devant la quantité de titres ici empilés (17). On leur répondra qu'en se donnant la peine d'écouter, tous sont essentiels. Et que ce monde est trop avare de talent pour faire une croix sur une bonne chanson.  

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Royal Blood / Royal Blood

Alors qu'on se désespérait de voir un grand disque émerger des eaux anglaises en 2014, Royal Blood surgit dans un boucan d'enfer pour réclamer la couronne de sauveur du rock.

Le premier album de Royal Blood est réussite totale, bluffante, criante. Il suffit à un amoureux de rock qui picote d'introduire dans ses oreilles quelques mesures seulement de cette substance hautement addictive pour succomber à son charme toxique.

Le son gargantuesque produit par le duo basse/batterie frappe comme un uppercut. Directement dans le plexus solaire. La voix Gaz Coombes-ienne vient cueillir l'auditeur d'un crochet pour ne plus le lâcher. En dix chevauchées électriques tuantes, les deux babus surdoués écrasent allègrement la concurrence.

Cet album n'est pas qu'un excellent album. C'est un disque important. Un disque en forme de déflagration qui réinjecte une dose d'urgence et de danger à un rock'n'roll dépressif.

Amen.

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You Am I / Hourly Daily

Tel un Ray Davies des antipodes, le génial Tim Rogers raconte dans Hourly Daily des histoires périurbaines de rien du tout qui prennent aux tripes. 

En digne descendant de colons britanniques, You Am I égrène les perles qui fleurent bon la pop de sa majesté. Le groupe évoque une résurrection badass des Jam, entre coups de semonces à la Who et ballades délicates sur lesquelles le cor français touche au coeur.

La section rythmique défouraille sérieusement. Les guitares explosent portant une voix éraillée presque enfantine. Grand disque mod et pop, Hourly Daily égrène sa douce magie de la première à la dernière note.