WHOLE LOTTA FUNK

[shianbrown]

今年聴いた音楽などを振り返ってみます。特に順位はつけずに、よく聴いたものを10枚。それと気になったことなどを書いてみます。

ゆるふわギャング / Mars Ice House

グラセフというカタカナ。アメリカ的なGTAは存在しない、日本にあるのは龍が如くでだけどそれに憧れているというかそんな最高なライフスタイルを志向してみる。WE ARE INTERNATIONAL FREAK。 ロックンロールがおとなしい中で、会社の連中の正しいことを言ってるようで自分で自分の首を締め付けていくような閉塞感というか、パンクってどこにいったんだっけとかそういう辛い状況でとても開放してくれる。 危険な感じがする。渋谷のでかいスクリーンで映像が流れている様子は超、いまここ、って感じで最高だった。昔のブルーハーツだってきっとこんな感じだっただろう。言葉選びも独特だ。後半に向かって勇気付けることや開放することを意識的に作られたであろう曲が続いていくが、真骨頂はFuckin' Carのただただ悪ふざけしているテキトーさとゆるさとエナジー。この感じは初期のSlackにも通じるかもしれない。空気感の美しさ。Never Young Beachの醸し出す幸福感。ピンポンやAKIRAが登場してくる賑やかでフレッシュなブレンド。余談ですが、NENEが出したアルバムにはSLACK が参加していたりしっかりとポップで良かった。

DYGL / SAY GOODBYE TO MEMORY DEN

ヴォーカルの秋山が組んでいたYKIKI BEATのForeverを聞くといつも驚かされる。それは、生きることに対して何の衒いもなくこっちが心配してしまうほどに突き進んで行こうとする眩しい姿勢が楽曲から伝わってくる。シニシズムのない輝き。 若さゆえの老獪さ、それははっぴいえんどなどはそうであったように若いロックバンドがもつ武器でもあるだろう。しかし彼らの姿勢はJam Cityのようなそれらを乗り越えようとするジョルノジョバーナばりの黄金の精神、恐れのなさ。 DYGLはスタイルとしては、プリミティブなガレージロックだが、中心にある溢れんばかりのエネルギーは共通している。00年代初頭のThe Strokesなどが行なっていたことを引き継いでいる。 楽曲が似通っている（いかに我々が普段多ジャンル的、味付け濃いめな音楽に慣れ親しんでるのか）ような印象があるがそれは時代の中で浮いている証拠かもしれない。しかし、そのようなスタイルでありながら支持を得ているのはとても嬉しい事実。現時点における希望。

CHAI / PINK

いつの間にか日本人はこんなにポストポストロックンロールというか、ロックバンドという形式を宙づりにしたスタイルが上手くなったのか。それは、相対性理論から始まっているような気もするけれど彼女達もまたリアルなものというよりは遊戯性を感じてそこがとてもカッコ良い。主張はひたすら自身のコンプレックスからくるあらゆる事象に対する投げかけというか可愛くなりたいといういうことなんだろうけど、そこがささくれ立ったり可愛くなったり静かになったり諦めたり七転八倒してるのが全体的に微笑ましいというかその様子こそがチャーミングさを無限大にフィードバックさせていく。

Mount Kimbie / Love What Survive

ようやくMount Kimbieは本気を出してきたというか、Post DubStepの形式的な美しさやモダニズムというよりはスタジオでギターにエフェクターをつないでダラダラと実験しているIDM的な完成しない、無理やり多ジャンルな接続で上手くいかないみたいな音色勝負というのは感じていてつまりは彼らは変わっていないということなんだろう。でもこれはレコードで聞きたいからレコード買いました。そして何よりも、Blue Train LinesにおけるKing kruleの咆哮。この曲こそが今年のマイベスト。そんなつながりで、King Kruleはポストパンク曲作ったり、コペンハーゲンのPardansもナイスなポストパンクだったり、今年はロックンロールな歌唱が聞けてよかったし割とそういうの聴いても良さそうな雰囲気があったような気がしてとても嬉しかったです。

Alvvays / Antisocialties

Wolf AliceにしてもYumi Zoumaにしても今年はインディーロック的な音楽の力強さを感じることができた。（気づけば女性ヴォーカル物ばっかり）爆発的なエースは不在だとしてもこのジャンルにおける良作というのがたくさんあった。Alvvaysの今作も楽曲の良さで群を抜いている。lollipop(Ode To Jim)なんてイントロ20秒であー、これを聞きたくて生きてるんですよと思えてくる。全体的にサウンドが透き通る印象なのは音数が少なく音色に対して繊細な感性を持っているのだろう。ディストーションにしても抑制がかかっている美しさ。ちなみにWolf AliceのSpace & Timeも最高。バブルガムパンク。さらについでにいうと、Ariel PinkのBubblegum Dreamsも３分間のジャンクフード、コカコーラとポップコーン。スターウォーズを見に行こう。

台風クラブ / 初期の台風クラブ

真夏だった。明らかにさえなすぎる人生というものをひきづってるか、それとも仕事や子育てや意識高いコミュニティーでの活動かわからないけどそれらで己の人生を見えないようにしてるのかどっちかわからないけれど生きることの実感が変化してるのかプラスティックのボックスで隠しているのかそのモヤモヤを抱えて中途半端に生きてますけどそんな時代に現れてきた。明らかに意識的なズタボロさ、昭和感というかコンセプトがバッチリ決まっていて美しくさえある、来年はいましろたかしのハードコアの映画化もされる。若者達はカッコよくなったんでしょうか、それとも腑抜けになったのかわからない。でも俺たちは台風クラブを聞いて、ピーズを聴いて、いましろたかしを読む、それもまた生きるということの一つの現在。

TENNIS / We Can Die Happy

マドンナの舌ったらず、Nenaの跳ねたビートと躍動感。ソングライティングの質の高さ。Carpaintersの楽曲のような丁寧なコーラスとメロディーライン、優しく、ハッピーな雰囲気を演出するための楽曲、志向する方向性がしっかりとまとまっている。I Miss That Feelingにおけるギターサウンドとピアノの絡みは両親世代が聴いてきたクラシックのような安心感。こういうただただ完成度が高い作品に関して自分は何も言えないということに気づくがジャケットも良いし、何度も聴いてます。

Migos / Culture

アトランタのヒップホップというのが実際に盛り上がってるのかどうかはよくわからないけど、世間的にはFutureやGUCCI MANEといったアーティストがセールスを伸ばしていて、一方でXXXTENTACIONのロックからの影響というかグランジサウンドが支持を伸ばしていたり、Rae SremmurdのBlack Beatlesだったり何か勢いというのを感じたがそんなかでもMigosの成功はかなり象徴的だった。ファッションのエグさというか現代的なハイブランドの羅列、ミックス、広告代理店的とも言えるバイラルヒットの狙い方、トラップのサウンドに乗せてとにかくフックを入れること。Migosは聴いていて、パンクを聴いていると言うか、流した瞬間にわかる不良の音楽という感じがとにかく最高で、２０１７年においてそういったものを感じるためによく聴いた。

Never Youg Beach / A GOOD TIME

前作の加山雄三的なおおらかなハッピー、桃源郷を目指す感覚からもう少し地に足のついた印象。そして、今作には明らかにTHE HIGHLOWSが憑依している。それは、思春期の明るさと言うか所在無さに加えて少年的な素朴な感覚と乱雑さなのかもしれない。それはもう俺には見えない無意識のようなものが彼らには見えているんだろうと思った。SURELYにおける魔法のメロディー、じわじわとくる幸福感、別の方向からのアプローチ、それは甲本ヒロトの作るラブソングのように恥じらいがあって誠実で幸せな気分にさせてくれる。

KELELA / Take Me Apart

OPN以降のExperimentalシーンの土壌から出てきた印象を持っていたが、今作のkelelaはこういったシーンから完全に逸脱して宇多田ヒカルばりにポップな作品を作った。（一方でBjorkはArcaなどとの実験路線に戻ってる？）R&B的な素養を前面に出しながらもサウンドのテクスチャーとしてはExperimentalな質感を残しているのでそのさじ加減が気持ち良い、音が良い。これこそが名盤と自信を持って言える作品なので多くの人に聞いてほしい。

その他気になったことをいくつか。

Cupheadに代表されるインディーゲームはとても刺激を受けた。 自分自身に引き寄せて書くと、絵を書くこと、音楽があること、プログラミングができること、デザインがあること、それら全てが実現されていることに夢を感じる。また、unityなどのゲームエンジンなどの登場によってイラストレーターやグラフィックデザイナーなどがプログラミングをも手がけるようになりフレッシュな参入がシーンを活性化させている。一昔前出会ったらグラフィックデザイナーをやっていたであろう人がメディアアート、ビジュアルプログラミングを手がけているように、今はゲームを作っているのだろう。 Life is Strangeでが音楽がDoughterが手がけていたり、Ruinerの音楽を平沢進が担当していたり音楽面でも充実している。RIMEは大鷲のトリコやゼルダの伝説をしっかりと受け継ぎつつもスペインのスタジオらしい民話性を感じさせて最後には素晴らしいファンタジー小説を読んだ後のような響響響きがあった。また、Little Devil insideやSkate Cityなどまだまだ楽しみな作品があって2018年も楽しみだ。

美術展については、丸亀でやっていた志賀理江子のブラインドデート、展示の仕方が古い映写機を使っている感じがカッコよかった。Velvet undergroundの時代と言うかアンダーグラウンド感、それに光だけと言うストイックな構成。日常がiPhoneとPCの時代においては非日常的なものが望まれる展覧会ではよりアナログな好まれるのだろうか。前作の石巻の写真においても、えぐられるような生々しさで驚きを受けたが今回も何かドカンと突きつけられるものがある。それは、盲目な人を扱っていることとか普段は光の当たらない人に迫るなどの主題だけでなく、その思考の積み重ねの重さ、丁寧さにハッとさせられるのだろう。

最近、メカニカルキーボードが気になっています。HHKBなどが有名ですが。Macも大好きですが、その平坦さに飽きてきてあのキートップを差し替えられるガジェット感、ケーブルとかも含めてのトータルコーデにやられていつも検索しています。 来年は、買いたい、けどカチャカチャと迷惑かしらとかそわそわしております。

[shianbrown]

GOOD INDIE GAME 2017

最近、結構ゲームしていますというか注目しています。 その中でも、少人数のスタジオが作る結構偏った作品に可能性というか、昔だったらグラフィックデザイナーやってたり、アニメーションを作ってたような人々が今はそこの領域に多くいる感じです。 また、キャラクターデザインやUIデザインやプログラミングが細かく分業されすぎてない柔らかさも魅力であったりします。

また、キャラクターデザインや漫画などのから、物理シミュレーションのプログラミングから、UIデザインからなど多種多様な方角からのアプローチがあるのでプレイヤーたちも個性が多い&私自身もいろいろデザインもキャラクターもシナリオもプログラミングもやりたいのでいろいろ刺激されることが多いのです。

このタイミングというか、今日ついに今年の最大の問題作というか成功しても失敗しても歴史に残るであろうCUPHEADが発売されます。 このイラストレーション、手書きの味がいいみたいな領域でプライド持ってる人は絶対見た方がいいし、いろんな領域に脅威を与えるというかそんな感性(笑)みたいなやつはぶっ飛ばされると思います。これからプレイしますが楽しみでしょうがない。

iOSのゲームから始まり最近のUnityなどの立派なゲームエンジンを一般の人が使えるような状況までいくつかエポック的な作品をざっくりとまとめましたのでぜひ、CUPHEADでぶっ飛ばされた人は全部やりましょう。

CUPHEAD

前編水彩画の手書き、音楽はJAZZの生楽器録音でガシガシ動くというしかも作画は初期のカートゥーン作品にインスパイアされていて本当の意味で狂暴でキュート。その映像を見ただけで、何か異質な物体が飛んできたというかぶっ飛ばされる感がすごく期待が高かった作品。みんな絶対やりましょう。

Cuphead - Xbox One - Windows 10 - Steam

Monument Valley

デザインスタジオがゲームを作る流れがあるのかよくわからないけど、UIやプログラミング的な興味からこういったゲームが作られるのは当然の流れかもしれないがここまで支持を集めたiOSアプリの中でもだいぶ貢献した作品。ベースとなっているアイデアは錯視だがその参照先は、おそらく無限回廊であろう。（作者の藤木淳はアルスエレクトロニカでも作品が賞を取るなどの活躍をしている）Play Station1のゲーム、90年代の作品などは現在のインディーゲーム的な感性を持って作られた作品が多く（例えば、佐藤雅彦のIQなど）他分野からのフレッシュな参入は影響を与えているのだろう。

Monument Valley 2: an iOS game from ustwo games

HYPER LIGHT DRIFTER

ドット絵が美しいというのは、難しい問題で例えば今の状況でドット絵的な表現はたくさんあるけれど初期のゲームのそれしかできなかった時代に工夫に工夫を重ねてスピリットを込めて描かれた描写にはなかなか叶わない。故に多くの作品が昔の表層のコピーになってしまう中で、この奇妙な作品はドット絵自体の美しさでも過去のゼルダの伝説などにも引けをとっていない。 主人公がワープ的に素早く移動することでキレや爽快感がある。世界観は、ゼルダの伝説であったり風の谷のナウシカであったり日本的な要素が満載でそれらをうまく消化している、セリフがないのも良い。

Hyper Light Drifter（ハイパーライトドリフター） | Playism

INSIDE

LIMBOで鮮烈な世界観を示したPlaydeadが出した2作目。 序盤の静かな始まり、美しい人工的な景色、説明は徹底的に省かれているので状況がよくわからないまま進んでいく。しかし、死に様はLIMBOと同じく残虐だ。時折現れる、陽が差し込むような美しい瞬間がある、アンビエントなサウンドと相まって安らぎがある。 後半になると怒涛の展開を見せるがゲームは突然終わる。そして、頭の中でよくわからない何かのフィードバックが轟音で襲ってきてふらふらした気持ちでもう一回プレーする。 （私は友人の付き添いも含めて5周くらいプレーしました）

Playdead

SKATE CITY

まだ出ていないというか、発売日もまだ発表されていないんですがグラフィックが良いです。 Alto’s Adventureでチルアウトゲーム？という領域を作り出したチームが作っている作品、ゲームというよりはインタラクティブな映像というか心地よさ、それはRezに通じるものがあるかもしれない。 というか、Alto’s Adventureの続編も発表されたけど、ずっとまってますよ。

Skate Cityさん(@skatecitygame) • Instagram写真と動画

GUNTAI

Web業界のヒーロー、yugopこと中村勇吾が作った作品。流れとしては、Alto’s Adventureや、ALONEの死んでもすぐできるUIデザインなど最近お流れをバッチリ汲んでいるのはさすがです。 操作感が独特で気合入れてやるというよりは脳のぼんやりとした部分を使ってふわふわと飛んでいくというかそのトリップ感が最大のポイント。

GUNTAI

デッドハウス再生

フランスのデベロッパーが作った、バイオハザード１のダメなとこだけを寄せ集めて凝縮したような作品。（再生って日本語が笑) とにかく操作がしづらいのだが奇妙に面白いのは操作性の悪さとチープな恐怖感のダブルパンチが良いさじ加減なのか？？？ B級感というか映画でそういうジャンルがあるようにこれはこれでセンスが良いのだろう。

http://www.rainyfrog.com/ja/game/dead-house-saisei

DEAD STATIC DRIVE

シャレオツ、サブカルど真ん中。ジム　ジャームッシュ的なロードサイド感。アメリカの田舎感プラス狂暴な雰囲気、優しいGTAとも言える。というか今時ジム　ジャームッシュとか見ててもモテないでしょ。誰からもバカにされてもあの時見た幻を捨てられない悲劇。GTAは最高だけど俺の全てではないとのたまう男子に勧めたいけど未発売なので一緒に待ちましょう。

dead static drive(@deadstaticdrive)さん | Twitter

ATOM RPG

FF15のポケットエディションの方が可愛いよねとか思っちゃう感性の人間はインディーゲーム沼にはまりすぎ要注意だと思いますが、Fallout4最高なんですが初期の感じをもう一回引っ張り出してくる、ポストモダンな感じが好きすぎてつらい。Fallout1が好きなんでしょうね。見下ろし型の視点、荒廃したパラレルなポストアポカリプスだけど可愛い。こちらはKickstarterで募集しています。

Steam：ATOM RPG: Post-apocalyptic indie game

RUINER

サイバーパンクとか童貞くさいこといつまでいってるんすかと若者に言われても俺たちは走り続けるしかない。脳細胞に埋め込まれた奇妙な物体のせいでこういう雰囲気だけというか騙されても落ち込んでも私は元気です、今日もこういうやつ探してのうのうと自分はオルタナティブだなと勘違いして生きています。 あなたは元気ですか？

Steam：RUINER

以降おまけ

🚀 海外のデベロッパー

Kathy Diaz

Kathy Diaz(@Priichu)さん | Twitter

Minions Art

MinionsArtJoyce(@minionsart)さん | Twitter

KIDD RADDICAL

KIDD RADDICAL(@EthanRedd)さん | Twitter https://twitter.com/hashtag/BLAZINGLEGION?src=hash

mike ⚡️black

mike⚡️black(@kurtruslfanclub)さん | Twitter

♢ Danette Beatty ♢（ustwo games)

♢ Danette Beatty ♢(@Salmikawolf)さん | Twitter

Ben Kerslake

Ben Kerslake(@benjkers)さん | Twitter

Rebecca Cordingley

Rebecca Cordingley(@nonplayercat)さん | Twitter Rebecca Cordingley is creating Ooblets, a game about creatures and farming | Patreon

Eran Hilleli

Eran Hilleli(@eranhill)さん | Twitter

carlburton

carlburton(@carlburton)さん | Twitter //////////

Mike Bear

https://twitter.com/bearmantooth http://www.bearmantooth.com/

Harry Nesbitt

Harry Nesbitt(@harrynesbitt)さん | Twitter Harry Nesbitt – Artist and Game Developer

[shianbrown]

ニューブルース

「君が本当に良い人ならその胸の奥に隠している言葉で僕を殴ってくれ」

シャンシャンとシンバルを鳴らしながら突き進んでいく初期衝動の怒涛のビート。 無敵の１曲というか、私がロックンロールミュージックという物質に求めるものが全て詰まっているような輝きに打ちのめされる。 すばらしかというバンドは素晴らしい。

近年の若者はカッコよくなったのだろうか。 Suchmosの湘南的なヤンキー具合はもちろん四畳半的なダサいロックに対して痛快なカウンターであるし、おしゃれ大学生が聞きそうなD.A.Nのエレクトロサウンドも臭みがなくスマートだ。 人間的な部分、ドブ臭さ、汗臭さ、失恋をしてどうしようもなく死にたいこと、そういった領域をなかったことにする社会的な流れ、（千葉雅也さんのいう、身体の私的所有の強化による曖昧なリスクのある領域の排除）、人は不倫をするし、失恋で自殺をする。 The ピーズの音楽に耳をふさぐ、生きのばし、所詮生きのばしという実感から逃れたい。決して届かない女の子への思いの軋轢、真心ブラザーズの失恋ソングの切実さ、初恋の嵐の悲しさ、ネーミングが難しい領域への挑戦、ジョイディビジョンの希望への不安、私はやっぱりそういったものにいつも悩まされているしなかったことにしたりするような振る舞いはできない。

しかし、悲しいことにのうのうと生きているとそういった感情に気付かなくなるような鈍感な物質へとジョジョに生成変化してしまう。俺は、中学生の頃にハイロウズの素晴らしさを完全に理解していたが今ではもう分からない。 先日、出たNever Young Beachのアルバムにはハイロウズの要素が感じられる、その捉え方はフレッシュで瑞々しくいつっしかのあの瞬間を思い出させてくれる。 どついたるねんのスタジオ版も、あんなにふざけたバンドがいつしかドブネズミのような美しいバンドになっていることに驚く。楽曲の良さは王道といっても良いぐらい胸に響く。

綺麗な、イケてない人々のための音楽がポツポツと出てきている、俺はニューブルースとかってに名付けたがどのバンドも古臭くて、小汚くて、人間臭くて、親しみやすくて、戦略的にフォーク時代のようなビジュアルもあるんだろうけど、シティーポップやらアシッドジャズが拾えなかった種類の人々を勇気づける音楽だろうと思う。

台風クラブはアルバムが出たばかりだが、この切なさと西日に当たってる感覚。 どうしようもなさ、若さって辛い行き止まり。Theピーズを彷彿とさせる。おしゃれバンドが出揃った現状で不思議と綺麗に鳴り響くサウンド。

スピッツのようなミツメのような透明な叙情性から一転して、スカスカのドタドタした跳ねたビートに変わっていく展開が面白い。Ogre You AssHoleの知らない合図〜、バランスまでの時期を彷彿とさせるような多幸感。オルタナギターの炸裂する感じは同郷のHomecomingsも思い浮かぶ。

[shianbrown]

2016年のベストアルバム20枚

2016年という年はどんな年だったのだろう。音楽の聴き方には日本においてもようやくapple musicやspotifyなどのサブスクリプションのサービスが開始され、自分自身もapple musicを利用するようになった。個人的には30歳という節目を迎えて音楽の聴き方に対してどうするかを多少迷いが生じるようなこともあった。政治的な世界においても、大きな出来事というか政治的に正しいとされるリベラルがことごとく敗れるというような状況があった。それは、世界の並列化がいよいよ進んできていることのひとつであり、リベラルなんていうもの左翼というものなんてものが他の主義より他の面を見れば進んでいるわけではなく選択肢の一つでしかないことを改めて露呈している。オタクが大きな顔で歩く日本でも、かつてオタクが持っていた（かもしれない）新しさはもうなく、全ての選択肢の一つになってしまった。オタクもDQNもヤンキーもサブカルもパンピーも意識高いもオーガニックもそれぞれに優劣なくただ並列な選択肢が並んでいるだけでそれぞれの闘争があるだけであり、そこに何かを見出そうとするメタな視点も諦めを提示すること以上の何かができないように見える。

アートの世界においても、人々は持続可能な無理をしない作品や装置を作り出すことが良いというようなそのようなイノベーションを起こす枠組みのような統計学やビジネスの世界で用いられてきたようなものが多く見られるようになる。それは、ハッカソン、地域アート、ワークショップと呼ばれたり、散々問題点を揶揄されてきた。それらが、ある部分で効果？を出しているからこそここまで広まったのであり、故にその正しい効能のせいでアートの側から疑問というか反発を多く生むことにもなっているのだろう。そもそも、私自身も運営に関わったあるイベントで問題が起きたのだがそれに対する周りの運営メンバーの反応などに疑問を持った。健全な地域アートに徹すること、炎上に対する配慮をすること、地域アートのゆるキャラ化をとても身近に感じた。 傷つくことや破壊されることから距離を置くこと、それらを神経質にコントロール化に置くこととアートの本来持つ捉えられない危なっかしさというのは対局にある。 チームラボやNAKEDが展開する遊園地の出し物のようなインタラクティブアートが人気を誇ってはいるがアートと対局にあるように思える。

音楽の世界ではどうだったのだろうか。こんなことに対して少なくともその必要はないと言えるポーズやムードを求めてしまう。 今年は、間違いなくFrank Oceanに代表されるR&Bが大きな影響力を持った年であったように思えるし、周りでもそれにつながるヒップホップやR&Bの話題を多く見かけた。それらが、インディーロックや、ダブステップ、ヒップホップなどを積極的にとり入れてまさに２０１６年のサウンドトラック的な役割を果たしたことは感じじられた。グラフィックデザインやファッションにおいてもそれらのもつものとの繋がりを渋谷の街の中に見つけることさえできた。ただ、私個人としてはその中に入って救われるような感覚を見つけることは出来なかった。今年の顔になっている多くの作品に乗れなかった。その一方で、すぐ目の前にあるポップ作品に心を多く動かされた。音楽的な先進性ではなく、ポップなものこそが今年の自分自身にとっては救いになった。

20位

Popp / oval

なんか日本人の作品みたいで細かいチョップがされたアニソンテクノのような印象。爽やかで中毒性がある。

19位

PHANTASIA / なつやすみバンド

今作はより自分たちのバンドのコンセプトに自覚的になっている。サウンドもスケールアップしているが、肝心のワクワク感も失われていない。

18位

Collapse / Seiho

パッキリしたビートと、サウンドコラージュ的なものが同居している。過渡期なのかもしれない。ただ、彼のもつ折衷的でポップな側面は何度も聴きたくなる。

17位

iri / Groove It

ギターで曲を作るようなタイプらしいが、今作は全体的にR&Bのテイストでしっかりと作り込まれたポップスとなっている。ただ、プロデュースされてる感が強めなので本人の志向がどんな感じなのかを次作以降で見てみたい。

16位

Down In Heaven / Twin Peaks

ファーストは、冴えない男たちがバブルガムを噛みながら草野球をするという最高すぎる世界観だった故に今後はどうなるのか不安だったが、相変わらずの青春感、ダメ感をキープしつつも曲は最高にポップでこれ以上ないセカンドアルバムで嬉しかった。

15位

Damaged Merc / M.E.S.H

サウンド、ビートは耳に痛いくらい鋭角だったがその配置はどことなくダンスミュージックに寄っていてそのバランス感が却って新鮮でよく聞いた。

14位

SALE OF BROKEN DREAMES / HOMECOMINGS

ひたむきに、真摯にクリスマスソングを目指す。サヌキナオヤのイラストのジャケットも素晴らしい、最近のパフォーマンスにおけるマイクにLEDライトのテープを巻きつけるのも彼女たちの世界観を表現してて良い。

13位

From The Underwater / Albino Sound

どこか頑なな硬さのある叩きつけるようなビート、抽象的な肉体感覚は今作でより研ぎ澄まされている。どこにも属していない孤独なダンスミュージック。ランニングしながら聞きたい。

12位

Hanging At the Beach / Delroy Edwards

ヒップホップを遅くしたようなミックステープが一番最高だが、今作もローなハウスを象徴していて新鮮だった。DJにおける、選曲のダンスミュージック以外への手さばきも他とは一線を隠していて勇気をもらえる。ジャケのクソっぷりも含め衝撃だった。

11位

Wildflower / The Avalanches

みんなが待ち望んでいた作品でしょう。ただ、チルウェイブとかVapoewaveを通過した耳で聞くと驚くほどすんなり聞けてしまった、それにプラスされたワールドミュージック志向とも言える渋みは彼らならでは。

10位

Telling It Like It Is / Marching Church

ICEAGEと、SEXDROMEとlowerというドリームチーム的な構成のバンドだが、曲は速いテンポのものはなく、ビートもだらしない。どうしてもこういった音楽を求めてしまう。でも、前作があまりビート感なかったのに対して今作は、オーソドックスにも聞けるロックアルバムになっている気がする。

9位

Fam Fam / Never Young Beach

今年の日本の大学生の多くが聞いたであろう、現代のサニーデイ・サービスであり、ナンバーガールであると言い切れるほど作品も素晴らしく、ライブのパフォーマンスも充実していた。Green Roomで見た、加山雄三のようなおおらかさと明るさを兼ね備えたパフォーマンスは彼らのことをあまり知らなかった自分には彼らの見方を変えるきっかけとなった。PVで、ただ仲間の部屋でゲームをしていることも楽しそうだったり、犬が一緒にいる様子もそれこそが彼らの歌そのもののように親しみやすくハッピーでさえない若者たちが鳴らす最良の奇跡に見える。ろくでもないジョークがが僕は大好きなのさ　怒らないでくれよ　寂しいだけなのさ

8位

Moon Shaped Pool / Radiohead

先行して発売された二曲はわかりやすく素晴らしかったので、新作への期待はもちろんあった。Burn the Witchにおけるストリングス、それでいてコンパクトに収まった楽曲、近年の大傑作であるIN RAINBOWSのような路線なのかもしれないと思った。しかし全体として印象に残るのはクラシカルな美しく響くピアノの音色であった。その中でもひときわTrue Love Waitsにおけるジャケットの水が美しいラインを描いているがのごときメロディーやサウンドは胸を打つ。

7位

Broken Knowz / Jay Daniel

デトロイト系のomar SやTheo Parrsishに続く世代でkyle hallの盟友。来日講演いは行けなかった。。ビートが有機的で面白い。トラップの要素がないのも好感が持てる。高校時代はドラムをプレイしていたこともあって、初期の曲は生ドラムを録音して制作していたらしい。率直さと高潔さを大事にしていると話しているのは新鮮だ。クラシックなハウスのようでありながらどこかずれていて新鮮に感じさせるサウンド。

6位

Blaze On A Plain / Black Twig

Teenage Fan Club直系のギターロックだが、そのファッションも含めてとてもフレッシュな作品になっている。フィンランドということだが、最近はハードコアはデンマークであったりこの辺りのジャンルはヨーロッパやアジアの少し外れた地域のバンドが主役となりつつあるのだろうか。スウェットにジーパンにギターなんてラフなたたずまいも最高にカッコ良い。

5位

As Light As Light /Inc. No World

相変わらずのキメの細かい美しいシルクのようなサウンド。前作は、インディーR&Bのブームの中でダンスミュージック的なエレクトロニックな要素やインディーロック的な要素を感じられたが、今作はより有機的なソウルやジャズに寄せてきた印象がある。ギターサウンドの音色のクリーントーンだけではなく繊細なディストーションの響き、ヴォーカルの甘さにも磨きがかかっている。

4位

Coloring Book / Chance the Rapper

多くの人が参加しているアルバムで、ゴスペルやソウル的な力強さを感じる。連帯と祝祭。選挙の当日にコンサートを行い人々に呼びかけるような行動的な側面もまた現在的な印象を受けた。政治的な側面に言及していくこともまた、今のかっこよさには求められることであるしそのことが彼の人気の一面を担っているだろう。当初は良さがわからなかったがじっくり腰を据えて聞くのではなく、何かをしている時に流しているとふと良い感じに聞こえた。

3位

Chelmico / Chelmico

元気をもらいました。サウンドもさることながら、リリックが素晴らしい。”過去には戻れないんだよマーティー、なれたから君の特別に”など、ワンフレーズのキャッチーさ、通過したカルチャーへの軽やかな手さばき、RIP SLYMEをFavoriteに上げるところも分かってる感じがして良い。 ワンマンライブもかなりのファンや演者の熱量を感じた。彼女たちは、アンダーグラウンドではなく、PUFFY的なポップさルックスの良さを持っているのでこれからドラマの主題歌になったりするぐらいのジャンプアップをしてほしい。

2位

Blond / Frank Ocean

完璧なアルバム。２０１６年を象徴している。 異なるジャンルを結びつけて折衷的なサウンドは細分化された音楽の世界でここまでダイナミズムを持ったというのは奇跡的とも言えるのでは。 雑誌やプロモーション展開でも隙を見せていない。

1位

幸せの魔法 / 毛玉

坂本慎太郎が新しいアルバムを作る際に、なつやすみが始まる日のような楽しい作品を作ろうと思ったが自分には出来なかったということをインタビューで言っていた。（結果的に暗い作品になってしまった）年末のele-kingも内容も真摯であり音楽雑誌なのか？という散らかりっぷりも含めて面白かった。ただ気になったのは出ている人がライターを含めみんなおじさんで内容が暗いということだ。確かに、まともに考えていたら暗くなるようなタイミングなのかもしれないが違った態度もまた可能なはずだ。 笑い飛ばすというのではなく、気づかないのではなく、ただひたむきに鳴らされている。それは時代錯誤なのかもしれない。ただ、今年はこの世界の片隅にという素晴らしい（ただ、変なところから主流から切り離されたきたところからしか）出てこれない作品が多くの人の胸を打った。 この作品の明るさや優しさはいったいどこから出てきているのだろうか。 現在にもまだ見ぬ素晴らしい場所があることを信じさせてくれるアルバム。

[shianbrown]

絵を描くことは可能か 2016

絵を描くことは可能か？という問いが常に私の中にある。それは現在のような状況の中でかつてのグラフィックデザインが持っているようなダイナミクスを持って、合理性と民意だけに全てを明け渡さない表現をすることは可能かという問いである。つまりは、リサーチ、データドリブンのデザインを受け止めながらそれを乗り越えるような表現が可能かどうか考えている。モダンデザインが普及する前のイラストレーターや画家はデザイナーでもあったし編集者でもあったし哲学者でもあったはずだ。しかし、現在においては紙面の一部に花を添える存在になっていると言える。そして、今やグラフィックデザイナーはプログラマーに設計書の一部を渡すだけの役割になりつつあるとも言えるだろう。（もしくは、デザインを抽象思考の方が本質だということにして、プランニングやブランディングの方向へ舵を切るか、実際に多くの人はそちらに舵を切っている）

デザインをするという行為自体が、かなり危機的な状況に陥っている。もちろん、あらゆる状況に対してデザインがポジティブな結果を与えることや、その対象はいくつもあるという状況は変わらないだろう。

2015年に行われた展覧会の中でも、最も印象に残ったものの一つにgggで行われたライゾマティクスの「デザインの死角」があった。いわゆる、エディトリアルであったりCMやポスターなどが主な領域であるgggにおいて近年台頭してきたメディアアート、インタラクションの領域を牽引してきた彼らがどんな展示をするのだろうという疑問があった。

その中で、彼らは見事にその感性の異次元さと先進性を見せつけた。それは、田中一光、永井一正、横尾忠則、福田繁雄といった日本最高のグラフィックデザイナーたちの作品を彼らの方法で画像解析をして、パターンを抽出して再構成するという実験であった。つまりは、伝説のグラフィックデザイナー達のbotを作るという実験と言える。彼らが掲げるデータドリブンのデザイン、構成に対して、強烈な有機性がぶつかっている。そして、この展覧会はいわゆる旧来のグラフィックデザイナーに対する強烈なカウンターだった。gggにおいて反gggを堂々とやってのけたと言える。サンプリングが一部を盗むこと、読み替えることだとすればbot化は存在自体を根こそぎ奪った上で細胞を組み替えた（粗悪な）クローンを生成する。

身近なところでは、Bootstrapというwebのフレームワークは多くを変えた。多くのプログラマーが苦手（というか面倒）とするレイアウトの部分をモジュールを組み合わせることでそこそこ綺麗な見た目に成形してくれるもので管理画面などを作る際は必須と言えるものになっている。これも、ある一部の領域でデザインが自動化された状況に近いと言える。また、Deep Dreamにおける絵画のシミュレーションもまた作風そのものでなくアルゴリズムを開発することこそがアーティスト性とも言えるような流れの一つだろう。プログラミングをすること、多くのデータを取りその値のどこを切り取るかを決めることこそが作品を作ることになっている。コーディング（プログラミング）することこそが視覚的な分野においてもわかりやすく当たり前に前景化している。

2014年に行われた、Semitransparent Designの田中良治が企画をした「光るグラフィックデザイン展」は佐藤可士和や服部一成などといった上の世代のアートディレクターとオンスクリーンのメディアを主な領域とするラファエル・ローゼンダールや中村勇吾といったアーティスト、プログラマーが並列に並んだ展示として画期的なものであった。CMYK、ブランディング的な（イメージの上での本格派）と、RGB、webサイトやアプリといった分野での表現をする一派は少し距離があるように思える中で同じ条件下で作品を並べるというのは両者の溝を埋めるような、流れを繋げるような展示だったと言えるだろう。（そのせいか、オンスクリーンの分野での実験性を期待していた私には、少し期待外れに思えた部分もあった）ただ、オンスクリーンの側から歩み寄るというのは必要なことだったと思う。その一方で、以前からUNIQLOにおける佐藤可士和と中村勇吾のタッグであったり、「365日 Charming Everyday Things」における服部一成とSemitransparent Designのタッグであったりブランディングと展開という協力関係で素晴らしい仕事は多く行われていた。手法の違う中で技術が並列の交換されるようなタイミング、棲みわけではなく混乱を起こすこと、アンチアートディレクションではなくアートディレクションの次を模索しようとすることは必要なことだ

そのすぐ後に行われたSemitransparent Designの「退屈」展では、CMYKにおける紙の質感やインクの特色、印刷方法の実験といったものをスクリーンの発色や解像度、テクスチャーなどにわかりやすく置き換えるような彼らの美学が表現されたものであった。ブラウン管テレビを撮影したものを再度プロジェクションすること、高精細なDisplayを多くの人が当たり前に使う時代において、前提とされる当たり前とされているものの存在を再度検討すること、引っ張り出すこと。そのかすかな断面を丁寧に見つめるような感性こそが彼らの最大の魅力でもあるように思える。

group_inouのEYEという曲のPVにおける橋本麦とノガミ カツキの映像は、制作方法自体が作品となるようなものである。googleストリートビューを使ったありがちな作品にはならずに、気持ちの良い熱量と抜け感があるのはその既存のプラットフォームのハックと新しい素材を撮ること（ドローイング）のバランスの良さがあるからだろう。制作方法が新しければ映像そのものも新しいという好例である。

コピーライティングや写真、グラフィカルなコミュニケーションは長い間形を変えながら、かなり有効なコミュニケーションを行えるものとして機能してきた。その有用性は今後ももちろん揺るがないだろう。その一方で、それらを新しい方法を発明して置き換えるような流れがある。その論理はグラフィックデザイナーが見えていない部分、無意識の領域にあったような部分に対して新しい方法でアプローチをしている。

最初の問いに戻る。

このようなポストモダンなんかとっくに通り過ぎてディストピアの３駅前みたいな状況において己の内面に渦巻く怒涛のビートを現代社会の問題をドカンドカンと巻き込みながら図像化するような（絵を描くことは）可能か？ということだ。その答えはわからない。ただ、私自身はそのような屹立したローカルを見てみたい。

[shianbrown]

Sea and The Darkness レビュー

Galileo Galileiというバンドについて、皆さんはどんな印象を持っているのだろうか。 彼らほど、奇妙な矛盾や評価の捻れを持ったバンドも珍しい。 アニメの主題歌に代表される、売れ線の楽曲を歌う爽やかロックバンドというレッテル。それらに相反するように、同時進行の海外の音楽を貪欲に取り入れていく姿勢。 彼らは孤独なバンドだったのかもしれない。それは、分かりやすい音楽好きに支持されるオルタナバンドでもなく、もっとセールス面で影響のあるポップバンドの間に板挟みになりながらどちらにも属していないという苦しさもあっただろう。その辺りは詳しくはわからない。

  Super carのラッキーという曲における冒頭のギターサウンドの響きはなぜあんなにも瑞々しく鳴り響くのか、もしくは、The Libertinesの解散前のラストシングルであるDon't look Back Into The Sunの曲の終わりのギターサウンドはなぜこんなにも心の奥底に到達するように感じるのだろうか。音楽におけるこのような謎はいくつもあるが、彼らの最新作もまたどうしてか胸に響いてくる。

  Galileo Galileiというバンドの立ち位置について、ざっくりと振り返ってみる。 彼らは90年代に現れたオルタナティブロック、もしくはUSインディーのサウンドを消化しながら日本語の歌詞でしっかりとしたメロディーで歌うバンドの系譜でもあり、さらに分かりやすく言えばBump of Chickenが示した甘い声とメロディーで思春期の煌めきを表現するような中高生が聞くいわゆるロキノン系のバンドであることは確かだ。彼らの名を知らしめた「夏空」におけるあふれんばかりの焦燥感がメロディーに乗っかっている風景はBump of Chickenの「ガラスのブルース」と重なる。これは、音楽の主張する内容とか音楽性などを超えて人々に訴えかける力を持った歌だ。 また、デビュー時は高校生であったこと、CMソングであったりアニメに多く楽曲を使われていることなどが彼らの印象を構成していたように思う。 

私自身もまた、Galileo Galileiに確信を持ったのはアニメ「あの日見た花の名前を僕達はまだ知らない。」で使われていたサークルゲームという曲である。この曲におけるThe La’sのごとく煌びやかなアルペジオサウンド、「飛行機雲を日向に描くロケットボーイズと、眺めて笑う突拍子もない慈愛を胸に抱くガールズ」という素晴らしい歌詞（どこか、くるりの男の子と女の子を彷彿とさせたりもする）サビにおけるコード展開で聴かせる部分などその楽曲のクォリティーの高さに驚かされた。また、ポップに楽曲を聴かせるという姿勢に忠実なサウンドプロダクションにも好感を覚えた。 サウンドプロダクションにおいては、北海道に自作のスタジオを作ったり共同プロデュースでPOP ETCのクリス・チューが参加していたりデビュー時とは変わって彼らなりのこだわりが反映されながら海外のインディー勢の質感、風通しの良さを持ったものになっている。 

その曲が収録されたALARMSというアルバムはもちろん素晴らしかったが、その中でサークルゲームが楽曲の出来として突出しているという印象を持った。ギターサウンドやシンセサイザーのサウンド面は素晴らしく、音楽面においてもDaft Punk以降のファンクであったり、リバイバルしていたシューゲイザーであったりより多彩さを見せている。ただし、多くの日本のロックバンドが陥りがちなサビはただ声を大きくしただけという楽曲は彼らの中にも多くあるように思える。それは、そのあとのSEE MORE GLASSやBaby It’s Cold Outsideでも見受けられた。この辺の危うさというかよくも悪くもオルタナバンドとしては認知されない危うさが彼らの魅力でもあると同時に評価を難しくしているように思える。イントロはすごくいいアイデアがあるし音の質感も良いのに、サビになると同じ感じになってしまうなーという感じだ。 つまりは、海外インディーのサウンドをまといながら楽曲の構造としてはロキノン系のサビシャウトであったりする不思議な感じというのか。 

最新作である「Sea and The Darkness」を聞いた時に一番に浮かんだのがフジファブリックだ。 比較として彼らについても少し書いてみる。 フジファブリックはポップソングとしての機能しながら変態的な楽曲構成を持ったバンドである。中高生やそこまで熱心に聞く人でも良いなと感じさせながら、同時にうるさい音楽オタクの支持を得ていた。（向井秀徳に四人囃子みたいなバンドと言わせながら、普通に周りの女子が聞いているという感じだった。）彼らが引っ張り出すのは、Led zeppelineがわかり易い例だがかなり古い洋楽を引っ張り出したり、XTCやBlurの初期のようなかなりへんてこなサウンドだったりした。（この辺りは、フジファブリックのFavoriteであるユニコーンが目指したもの、影響を受けたものが強いのだろう） 歌詞においては誰も取り上げないような主題、メロディーにおいても初期くるりの演歌的なしつこさ、土俗的な質感をあえて入れるというのもあり一筋縄ではいかない感じが漂っていた。ただ、彼らはヴォーカルの志村正彦の生前、最後に発表されたCHRONICLEというアルバムで大きな変身を遂げる。彼ら自身がインタビューで、曲がだんだん若々しくシンプルになってきたとか、本当のことしか歌いたくなくなってきたなど語っている。CHRONICLEはそれまでの捻くれ変態バンドという印象を覆すストレートで私小説的な楽曲が並ぶアルバムである。Sugarという楽曲の冒頭の歌詞「いつだってこんがらがってる、今だってこんがらがってる僕の頭のなか、それはおそらく君に会った時から」という歌詞は印象的だ。ポップなメロディーに青年の抱える悩みがこれでもかというほど吐露される。後悔でいっぱいの己の内面や不甲斐なさがある、それにいつもの陽気などうでも良さがある、ただ、このアルバムを聴いてるとどうしても感情を揺さぶられてしまう。彼らの楽曲において、志村正彦の死後に出されたMUSICというアルバムの「眠れぬ夜」がある。この楽曲からは自分自身の感情、核心にどこまでも迫ろうとする気迫を感じる。それは、生身であろう正直であろうとすること、表現において一番難しいこと、感情に到達することに全てをかけているように感じるし時折到達しているようにも思える。それは、もちろん聞き手にも迫ってくる。

  ここで、Galileo Galileiの話に戻ってくる。 バンドにとって最後のアルバム「Sea and The Darkness」は、彼らの冒険が結実した最高傑作になっている。それは、ファーストアルバム「パレード」に見られる個人的な瑞々しい表現欲求、そして、セカンドアルバムの「PORTAL」以降のカラフルなサウンドの実験、POP ETCのクリス チューとの共同作業に代表されるサウンドプロダクションの追求ががっちりと手を握っている。もちろん、内容はタイトルにもある通り20代後半に差し掛かる彼らの心境が描かれている。それは、爽やかなポップスを歌うという彼らの印象とは少し違う。荒っぽさであったり、繊細な物であったり彼らもまた自身の核に迫ろうとしているのが伺える。それが、このアルバムに今までとは違う気迫をもたせているのだろう。 The Cureばりのポップなイントロを持つ「恋の寿命」、夜中の街を自転車でかっ飛ばしたという歌詞が疾走感あるメロディーで歌われる「ゴースト」、彼らのポップソング職人的な一面を見せる「ベッド」、この楽曲はダークな印象が多い楽曲に爽やかな花を添えている。（なんといっても、曲順が素晴らしい）「嵐のあとで」におけるファズのかかったギターサウンドの響き、サビにおけるコード展開で静かに聴かせる楽曲構成。素晴らしい点はいくつもある。 その中で、アルバムのハイライトとなる楽曲は「ブルース」と「Sea and The Darkness Ⅱ 」(Totally Black)の２曲だろう。この２曲はアルバムの中でも最もダークな印象を残す荒々しい響きを持ったものだ。「ブルース」のサウンドは隙間がない轟音で叩きつけるように迫ってくる。彼らの周囲の評価への苛立ちとバンドとして変化することへの欲求、焦燥感が激しくかき鳴らされている。「Sea and The Darkness Ⅱ」におけるピアノとストリングスのサウンドは彼らの新機軸だ。ヴォーカルもまた、スローでありながら自分自身の内面を吐露するようだ。長い旅の中で傷だらけになったバンドの姿のようだ。この楽曲にはひどく心を揺さぶられる。ラストのストリングスも素晴らしい。アルバム全体の方向性を決定づけている。 最近は何度もこのアルバムを繰り返し聴いている。彼らの解散は非常に残念だ。ただ同時に最後にとても素晴らしい作品を残してくれたことがとても嬉しい。

[shianbrown]

BEST ALBUM 2015

Platform / Holly Herndon

Dream A Garden / Jam City

Rhythm & Sound  / goat 

Cloud Sports / Albino Sound 

Future Brown / Future Brown 

New World / Phew 

Sound & Color / Alabama Shakes 

Piteous Gate / M.E.S.H 

Another One / Mac de Marco 

Art Angels / Grimes 

Skid Row / James Ferraro 

Garden of Delete / ONEOHTRIX POINT NEVER 

Think Good / OMSB 

NEW / made 

Calling Out / EZTV 

Have You In My Wilderness / Julia Holter 

 Choose your Weapon / Hiatus Kaiyote 

Obscure Ride / cero 

Mutant / Arca 

Awesome City Tracks / Awesome City Club

[shianbrown]

パンクは可能か 2015

俺は引越しをした。しかし、金がないので特に新しい家具とか買わずに実家の部屋がまんま移動したような感じで不思議な感覚がある。 そして、俺は飯を食いながら古臭いアナログテレビジョンを無理やり映るようにしてテレビジョンを見ていた。そこでは、幾つかの番組で離婚した芸能人が誰が良い奥さんになりそうだとか、何回も結婚する派だとか慎重に選ぶ派だとかくたびれた女がたくさん映っていて世の中はこんな人間ばかりなようで閉塞感を感じた。今や日本においても離婚は当たり前になっているのだろう。スザンヌでさえも、自信なさげに引きつった笑顔を浮かべている。しかし日本にはまだ中村アンがいるし、木村文乃もいる。 しかし、日常という物体は何故にこんなにも俺の精神に打撃を与えるのだろうか。「敗北と死に至る道が生活ならば」とエレカシは歌ったが、「壊滅と蒸発に至らざるをえないのが生活ならば」と俺は歌う。 Facebookを見ても、げんなりするような子育てだとかユーモアアピールだとかつまらないものばかりでどこか疎外感を感じるだけなので最近はほとんど見なくなった。 最近読んだ、宇野常寛の「リトルピープルの時代」（前からずっと読みたかったが、文庫化を機に購入）には疑問に思っていたことがいくつか書かれていた。それはゲームや漫画においても物語性がなくなったのは何故だろうというもの、モンスターハンターにしても、進撃の巨人にしても、テラフォーマーズにしても敵の内面を描かれることがない、つまりは動機を単純化、もしくは説明することがあまり重要でない作品がわかりやすくヒットしている。一つは、そもそものあらゆる正義や大義がくまなく相対化された現代で、敵と味方を描くいわゆる旧来の物語を描くことが困難になったということ。もう一つは、そのような状況において、常に価値観が違う人間に対して寛容さや理解を求める「意識の高い状態」を求められている人々がエンターテイメントにおいては、そのような状態から解放されて、より楽な状態で楽しめるものというのが条件として存在しているというのがあるのだと思う。性的マイノリティーにおいても寛容であること、音楽の好みに対しても寛容であることに皆疲れている。 最近、渋谷の駅前ではいくつかのカッコ良いバンドが演奏をしている。結構な数の観客を集めながら、街角をライブステージに変えている。 SANABAGUNというバンドは、ファンクやJAZZやラップといった現代的な音楽性ながら、どこかノリが昭和っぽいというか、70年代の猥雑さ、明日のジョーに出てくるイキの良いチンピラ達の興行といった趣でその場の雰囲気を作り変えている。今ではもう無理、昔だからできたんじゃないかってことをいとも簡単に再現して見せているように思えてとても可能性を感じている。それは、かつての大滝詠一が描いたポップスの世界のようにここではないどこかを現在進行形に変えてしまうことでもある。あらゆるものが相対化され、アイドルでさえも陳腐なクラスにいる美人程度に解体されて、誰に対してもわかりやすくすることが求められている。間違った平等幻想においては全ては並列になる。自分が理解出来ないものに対して、分かりやすいレッテル貼りをしたり、自分が理解出来る程度のものに貶めようとする豚どもばかりなのだろうか。忘れてはいけないのが、この世の中のどこかには自分の想像もつかないような気高い誇りや精神を持った人間がいるという想像力を持ち続けることだ。それは神格化するということではない。自分の内なる神聖さに目を向けることだ。ジョジョの奇妙な冒険のジョルノ ジョバーナの「このジョルノ ジョバーナには夢がある！」と言い放った瞬間。MC5がデトロイトでKICK OUT THE  JAMS MOTHER FUCKER!!!!と言い放った瞬間、THE KLFがグラミーの授賞式の会場に「私はあなたのために死にました、どうぞ召し上がれ」と書いた紙を貼り付けた羊の死体を放置したとき、Derrick MayがRhythim Is Rhythimというレコードを出したとき、タイマーズが地上波放送でFM東京のテーマを歌ったとき、FenneszがEndless Summerという作品を出したとき、MINOR THREATがIn My Eyesという曲で「俺たちはトライしている。お前たちは嘲笑しているだけじゃねーか」と歌ったとき、THE BLUE HERBが「オーケー余裕、未来は俺らの手の中」とラップしたとき、Rage Against The Machineがフィラデルフィア公演で、歌詞の検閲を推し進める団体”PMRC”に抗議する意味で、14,000人のオーディエンスの前で口にガムテープを張り、全裸で15分間ステージに仁王立ちし、演奏をしないでステージを降りたとき。こんなことはそう多くはないかもしれない。しかし、現在においてもそのような表現は続いている。（と信じたい）しかし、最近でも僕自身はまったく知らない海外のアーティストの活動や行動に勇気付けられることが多い。現在における果敢な活動や誇り高き精神やバカバカしさは現実の要請に対して、その必要はないということを教えてくれる。

ICEAGE

彼らのこの曲の鮮烈さ、あらゆる負の状況に対して一瞥もくれずに突き進む気高さや純粋さと少年性。正直とても驚いた。英米ではないコペンハーゲンという土地でしかできないような冷え切ったようで暑く燃えたぎってるサウンド。

The Throttle

SANABAGUNのメンバーじゃんと思いながら見てたらサウンドはロックンロール。彼のキャラは最高だし、しょうもないネズミ講とか宗教の勧誘なんて蹴飛ばして存在してほしい。こんな素晴らしいバンドが毎週、渋谷の路上にいることが奇跡としか言えないのでは。

Grimes

ただただ女神でしかないのだけれど、、どこまでもポップで人懐っこいサウンド。デビュー時からのしなやかさを失わずにいることがとても嬉しい。

JAM CITY

ちょっと、ビジュアル系っぽいルックスも含めて神秘的な存在、インタビューにおける受け答えの少し硬い感じも含めて良いなーと思う。ファレルウィリアムスのハッピーに対するアンサーソングな「Unhappy」なんて最高だ。カーティス・メイフィールドのソウルやファンクに影響を受けたと語るとおり、じんわりとスローにココロに響くような楽曲もあった。彼の存在の在り方には素直にカッコ良いなーと感じる。

Holly Herndon

現代音楽的なバックグラウンドを持ちながら、oneohtrix pointneverやArcaといった新しいポップにも接近しつつ独自の音楽を展開している。このPVもyoutubeというメディアに言及しながら画面を覆いかぶさる布といったもので見るという行為を相対化している。アルバムが楽しみだ。

RAT BOY

とにかく、あらゆる素晴らしいバンドが持つべき無敵感がここにはうんざりするほどにある。全てがつまっている瞬間。

Twin Peaks

KISSやヴァンヘイレンのようなわかりやすさ、大衆性。そして、みずみずしさ。完璧なロックンロール。（雑）

[shianbrown]

BEST ALBUM 2014

今年は税金が上がった割に給料は変わらずで、あまり音源を買ったりイベントに足を運んだりというのが多くはできなかった。正直、経済的にはキツかった。なので、ポイントとなりそうな新譜を少しずつ買う程度でもやっとだった。ただ、前半は邦楽がすごい盛り上がりを見せていて充実していたなーと思う。後半にはコペンハーゲンのPUNKだったり、新しいJAZZだったりを発見することができた。また、どついたるねんの活動はものすごかった。（アルバムを一枚も聞いたことないけど）BODY GUARDという曲の「私の生き様を見といてよー」という部分は相当グッとくるものがあった。ということで、今年よく聴いたアルバムを。

20位　シャムキャッツ / After Hours

19位　Rustie / Green Language

18位　空間現代 / 空間現代LIVE

17位　椎名林檎 / 日出処

16位　Ariel Pink / pom pom

15位　失敗しない生き方 / 常夜灯

14位　ゲスの極み乙女。 / 魅力がすごいよ

13位　Aphex Twin / Syro

12位　RIKKI / BLACKGATE

11位　Homecomings / Somehow, Somewhere

10位　Arca / Xen

個人的には&&&&&の方がよく聴いた。DistroidというタームというのをNick Jamesと合わせて教えてもらった。耳元でザクザクと切り刻まれるスリリングさとドローンの静寂と定型を持たない音楽。ビジュアルも鮮烈だった。

9位　IceAge / Plowing Into the Field of Love

遅ればせまくりながら、コペンハーゲンのパンクシーンというものを最近知って、その幾つかのバンドにとても衝撃を受けた。中でも、girlseekerというバンドの全く理解できない素っ頓狂なサウンドと、そのルックスにはびっくりした。もちろん、IceAgeの正統派なポストパンクもよかった。インターネット上にあるローカルに余裕で肩を並べる屹立っぷり。高性能なPCがありながら、わざとローファイにしてカセットテープでリリースすることのお洒落に成り下がったアンダーグラウンドまがい。まだこの世のどこかにある桃源郷というか、誰にも邪魔されないクールネス。スーパーの有線でかかっているインストロックを実は全力で生演奏していたような、どうしてそうなったと言いながら感動してしまうような。

8位　Flying Lotus / you're Dead!

とにかくかっこよかったです。

7位　森は生きている / グッドナイト

現在、サブカルと呼ばれるジャンルは苦戦している。中央線カルチャーは、ネットカルチャーに取って代わられているし、過去の遺物どころか（笑）的な対象でしかなかったりもする。大学時代に、珍屋の洗礼を受けてフォークやアヴァンギャルドと呼ばれるレコードを必死で聴いた身としては少し痛い状況であったりもする。そんな中で彼らは清々しいまでにそれらのクラシックなレコードの影響を受けながら新しい歌ものポップスを作り上げた。しかし、こう言ったジャンルでももちろんフィッシュマンズやcero、SAKEROCKなどのある程度のポジションは確保されていたり、そのレトロスタイルという定型的な置き場にはまってしまう可能性もあっただろうが、彼らはそんな状況をかわしていくだけの説得力を持った作品を作った。もちろん、Fleet FoxesやDirty Projectorsという近年のUSインディーバンドも彼らを勇気付けたことだろう。今回はミキシングにかなり時間をかけたらしいが、サウンド面でも意外な音があって楽しいし、心をマッサージされるような心地よい意外性もある。歌詞においても、特定のメッセージというよりはメロディーと相まって何か頭の中に残ってしまうようなフレーズがあり素晴らしい。

6位　ミツメ / ささやき

作品を出すごとに新しい姿を見せる東京で最もスマートなロックバンド。今作では、先行で公開されたビデオ「停滞夜」の内容から、ZAZEN BOYSのファンク、ハウスやゆらゆら帝国のダブのようなおじさん達に好かれるサウンドになるのかと思ったら見事に裏切られた。（Ogre You Assholeは見事にそっちに行って、ele-kingのおじいちゃんライターに大人気）程よいラフさを持ったシンプルなサウンド。はっぴいえんどのような詩情もあるし、Vampire Weekendのような軽やかなエレクトロサウンドがある。中でも、最後の曲である「number」は疾走感があって映画のエンディングになりそうだ。聞けば聞くほど良く、長く聴き続けられるアルバム。

5位　BADBADNOTGOOD / Ⅲ

今年は個人的に新しい音楽を聴くことに対して行き詰まりを感じていた。新譜でもある程度予想がつくような、自分の好みがカバーしている範囲であり、もちろんそれはそれで良いと思うのだが驚きや新鮮さという点でもの足りなさを感じていた。

例えば、高校時代に聴いたThe Strokesはパンク一辺倒だった自分にもう少し幅広いロックの聞き方を教えてくれたり、大学時代に聴いたFlying Lotusはダブステップやチップチューンの凶暴性を教えてくれた。そんな中、会社の同僚に幾つかの音源をまとめて貰う機会があったのだが、その中にはRobert Glasper ExperimentやDerrick Hodge、Deep Rumba、大友良英などがあった。最初はかなり戸惑ったものの繰り返して聴くうちになんだかこれは良いんじゃないのと思うようになってきた。そして、これらの音楽は少し前から、ネイティブなJAZZの側からヒップホップやダブステップ、トラップなどに接近して新しい音楽を作り出そうとしている人たちなんだということがわかってきた。BBNGは、そんな流れの中で、Flying Lotus、A tribe Called Quest、Joy Division、James Blakeなどの馴染みのアーティストの曲をカバーしていて分かりやすくそれらの新しいJAZZを聞こうとしている私にはとても助けになった。彼らのアプローチは、Ill CommunicationやHello Nastyの頃のBeastie Boysを彷彿とさせたりしていてヒップホップが好きな友人にも勧めやすかったりもする。

4位　Mac DeMarco / Salad Days

先日の衆院選において安倍が打ち出した、景気回復にはこの道しかないというスローガンのようなものは、福祉問題や憲法改正などの問題から目を逸らしながら、自身の生活と結びつくと考える多くの支持を得ていた。政治について、普段あまりそういった話題をしない友人と話をしたが、彼もまた自民党に入れると言っていた。これまで続けてきた政策を途中でやめずに最後まで続けて欲しいと、他の政党は邪魔しているだけで下手に割れてもこれでは何も物事が進まなくなるだけだとも言っていた。これに対して、うまく切り返すことができなかった。

その選挙においても、政治的な意識の高い人が自分たちの仲間内での社会意識を高めている一方で、無関心かそれほど興味を持っていない大多数の人間との断絶をその熱意によってさらに深めている光景も目についた。

例えば「若者は選挙に行こう」という何気ないスローガン。それもまた。それしか道がないと言うばかりの勢いで（実際にはそうなのかもしれないが）私にはとても窮屈に感じた。しかし、どのような場面においてもやり方というのは一つではない。問題そのものから降りてしまうこともだって大いにありえることだろう。

Mac de Marcoのライブ映像を友人に見せたら、これはいつの時代なんだと驚いていた。ゴミ捨て場から拾ってきたようなギター、ライブの最後では恋人をステージに上げていちゃいちゃした姿を見せつけながら、リラックスしたムードで最高にロマンティックな歌を歌うこと。

それは、平たく言えば自己啓発社会において勝手に賢くなったつもりで窮屈になった私たちに解毒剤としての作用を大いに持っている。Ariel Pinkと並んで、奇妙な姿勢でとても勇気付けられる。

3位　Fennesz / Becs

ギターの音色の美しさというものを追求している。

昨年のMBVのアルバムと合わせてよく聴いた。意外性があったり音楽理論に裏打ちされた複雑なコード展開や、変拍子のリズムといった美学もあるが、このアルバムにおいて探求されているのは響きの美しさである。ディストーションギターをアンプにつないで、ジャーンと鳴らす光景を、ポストロック以降の感性で繊細に切り取っている。ザラザラとしたアナログな質感、キラキラとしている音の粒であったり倍音であったりが広がっていく幸福感。それは例えば自宅でアンプにギターをつないで鳴らした音をヘッドフォンで聴いた時の驚きのようでもある。ノイズが次々と姿カタチを変えて目の前に現れては消えていく。海の中で上の方に光を感じながら漂っているようにその音像に身を任せていく。無意識の部分が引っ張られていくような感覚がある、シンセの冷たいサウンドが来たり、ギターと対のようなグリッチノイズが暴れたりする。OPNなどの新しいドローンの流れに触発されたのかもしれない。とても高精細なサウンドで、余すことなくそれらの美しいテクスチャーを体感できるアルバム。

2位　Real Estate / Atlas

前作よりも少しフュージョン的とも言えるようなコード展開であったり、マイナー調の悲しげなコードであったりするが基本的には変わらずのネオアコサウンド。ただ、このアルバムは今年とてもよく聴いた。

2本のギターが絡み合う繊細で煌びやかなアルペジオは、いつでもその場の空気を柔らかくしてくれる。会社に来てまだ少し寒い朝でも、そんなに主張をせずにそっと気分を落ち着かせてくれるようだし、休日の午後のそんなにがっつり音楽を聴きたい気分でないときでも少し気分を上げてくれる。環境音楽的な上質なアンビエントアルバムとしての機能があった。そして、素晴らしいのはそれだけ多くの時間聴いても飽きないということ。パッと聴いた印象では、耳ざわりの良いネオアコアルバムだが、そのフレーズであったり、音色に対する執拗な探求、こだわりがあったことだろう。そして、それを見せずにさらりと提示している姿に彼らのスタイルを感じることができてそれをとても好ましく思う。

1位　Sanabagun / Son of a Gun 

Robert Glasper ExperimentやBBNGなどのプログレッシブJAZZ？の流れと、SIMI LAB以降のヒップホップ、それにじゃがたらを引き合いに出したくなるようなラフなファンク、クレイジーケンバンド顔負けの執拗なリリック。渋谷の街角で毎週ライブをしているのも良かった。リズムにおいても生演奏のドラムで奇妙にズラしているのはスリリングだったし、何よりもリリック（歌詞）が素晴らしかった。もりもりご飯 like a フジヤマ、もりもり股間、like a フジヤマと畳み掛ける部分なんてとてもユーモラスだし、固定化された現代の記号を引き合いに出しながら、ズラした解釈で意味を揺らしていく手法、最近のDaft Punkみたいなロマンチックなシンセを使ったファンクもある。普通だったら途中でやめて、あとは雰囲気に任せるような口説き文句もそんなん知らんとばかりにグイグイとゴリ押しで続けて最後まで言い切ってしまうようなものも新鮮に聞こえた。場面描写や誠実に言葉にする丁寧さと、関係ないからやっちまえというラフさの絶妙なバランス。気分が盛り上がる。ケツを蹴っ飛ばされるアルバム。

今年もよろしく。

[shianbrown]

札幌国際芸術祭2014

のうのうと生きてると月日というものは、光陰矢の如しに過ぎ去っていく。

もう秋になり、すなわち女子の胸のセーターのふくらみの季節になってきた。赤い季節は終わりを迎えたようだ。

俺は世の中に打撃を与えたいと日々願いながらも、一向に打撃を与えることが出来ずにむしろ、くそみたいな人生を送らされることで、世の中という物体から打撃を受け続けている。なんという失態だろうか。俺の部屋ではGoatのインダストリアルサウンドが鳴り響いている。

この夏も、まぁ大して夏らしいセックスとか、セックスとかはしていないんだけど、あまりにのうのうと生きているようでは周りの人間からは白い目で見られるし、人生経験なんてものを積んでいかないと、なんだ、年だけとってなんもしてないやつじゃん！と思われるような人間になってしまう。俺は、それを避けるために、夏だし北海道に行って暑さを逃れつつ、アートの鑑賞でもしますかなんて具合で、飛行機に乗って電車を乗りついで札幌に行ってみた。

そんで、札幌というぐらいだからラーメンが有名らしいということで、駅の近くのデパートにあるラーメン博物館というか名前は忘れたけど、なんだかラーメン店が一カ所にたくさんあってしのぎを削ってる場所に向かった。しかし、そこはなかなかにぎわっていて家族連れやらカップルやらがわいわいと良くわからん話をしながら列を作っていたりしていた。俺は、その時すでに３０分を待てる程の余裕を腹の空き具合からももっておらずに、比較的空いてる店で写真を見る限りいい感じじゃないかと思いながら塩ラーメンを頼んだ。んで、5分くらいしたら店員の若い女性がそのブツをおれのもとに運んできたが、見た目が店頭の写真と違う、様子がおかしい。なんか、塩ラーメンなのにすごい濁ってる、まぁこれが札幌スタイルで味は美味しいんでしょうって思って食ってみる。うん、普通に不味い。あんたら、ヤル気あるの？って感じ。そんで、店員の様子とかを改めて見てみるとどいつもこいつも、ただ仕事すりゃええやろみたいな感じで、己の仕事に誇りを感じて、出来る限りの創意工夫をラーメン一杯に注ぎ込んでいるようには見えない。俺は、そいつらに怒りと哀れみの気持ちが湧いてくる。そりゃね、俺は腹が減ってるし、幼少期からご飯は残したら駄目、アフリカとかに貧しいひともいるんだから感謝して全部食べなさいっていう教育を受けてきたから食べるけどね、他の店にこんだけ人が並んでるのに、あんたらの店がスカスカな理由をしっかり考える必要があるんじゃないの？って思う。

それにしても、他のお客さんは凄い。なぜ、あんたらは不味いラーメン店とうまいラーメン店の違いがわかるんだろうか。地元の人間ならともかく、観光客なんてもんには分からん。食べログ見てんのかな。しかし、俺はあんたらは正しいよ、この店は入らんで正解よと感心した。んで、目の前にある濁ったスープのラーメンを目をつぶりながらチャッチャと胃袋の中に流し込んでいく、つけ麺の大盛り頼んだみたいに感じる。しかし、なんとか完食をして、ここには二度と入らないだろうと思いながら店を出た。

そんで、もう良い感じの遅い時間だし取っておいたビジネスホテルへ行こうかなんて思い、札幌の駅から地下鉄に載ってすぐの場所に向かう。途中のコンビニでなんか暇になるかなとか思って缶チューハイとかお菓子とか買っていく。んで、少し細い通りに入ったところにある場所までたどり着く。その外観はすごく古くさい。かなり安いビジネスホテルだったので、まぁいいかとか思いながら中へ入っていく。そしたら、その支配人？のおっちゃんの風貌がまるで笑うセールスマンに出てきそうな感じで怖い、え、今って2014年ですよね、ここだけ20年くらい時間止まってるんじゃと思い、それこそ変な世界に紛れ込んでしまったようにクラクラするが俺は男だしそんなことは臆面にも出さずに鍵を貰ってとっととエレベーターで上に上がっていく。んで、部屋に入る。良い感じに全然ホッともしないし、テンションも上がらないくそ質素な風景にまぁそうだよなとか思いつつとりあえず荷物とか置いてテレビつけたり、iPhoneを充電したりしてみる。落ち着かんから、先輩にメールしたりしてみる。ハッキリ言ってこのホテルは怖い。だから、俺はその不安を拭うために、iPhoneからpredawnとかフジファブリックを流したり、チューハイのんだりしてやり過ごす。くそっ、なんだろうここは。まぁ、今日はどーせ寝るだけだしとか思うけど、明日は札幌国際芸術祭の回る順番とか考えなきゃとか思うけど、だんだん酔っぱらってきてどうでも良くなってくる。セックスのことしか考えられなくなって、そのうちそれもあきらめて寝てしまう。そして、次の日はけっこう朝早く起きていろんなアートを見た。 

[shianbrown]

短く感想を。

東京大学の陳列室で展示されていた、マテリアライジング展２を見てきた。いわゆるデジタルアート、プロジェクションマッピッグやデータビジュアライズのようなものが一段落して、次は3Dプリンターを使ったり、バイオアートなどがメディアアートの領域では主戦場になりつつある。

昨年の、アルスエレクトロニカでも、バイオアート（ざっくりしててすいません）というのがかなりフィーチャーされていたし、分野の最先端性、新鮮さと、否応無しに倫理的問題を提起できるのもアートの評価において今後しばらくは有利に働きそうだと思う。しかし、マテリアライズといえばTENGAが最先端だと思う。

実際、私の会社でもあるデータを活用して、できた図形をトロフィーにしてプレゼントする企画があったが、その形状は明らかに、あれであり、実際過去にTENGAがやっていて笑ったことがある。それに、ろくでなしこが出展するべきだと思った。男性は服を脱いで、ろくでなしこのあれを体験しましょう。家族みんなでろくでなしこを体感すればいい。実際、いわゆるネットアート、最先端のアーティストの囲い込みをしているのがDMMだったり、このような状況は全然冗談でもなんでもないが。

展示は、やっぱり正統なバクテリアで図形を描くみたいなTHEバイオアートちゃんとか、天候のデータを取って器を3Dプリンターで作るみたいなTHEファブ野郎とかベタなものはそれで楽しめる。その中で、やどかりのからを透明なモデルで作るプロジェクトなんかはエレガンスがあり、さすがだなーと思った。また、ご近所ものづくり同盟の作品は、上記で述べた意外に私が最も期待している質感があった。ポストインターネットの新しい質感というのが、ストーリーを持って語られていて好感が持てる。あの切れ味とポップさは素晴らしいと思う。そして、思い出横丁情報科学芸術アカデミーのお二人は、テーマ自体に対してデッドボール的な、鈍器な打ち込みをしている作品で相変わらず良かった。特に、谷口さんのキャプションにあった、マテリアライズという言葉が物質と非物質の認識を面白くない方向へと切り分けてしまうのではという問いかけには確かになーと思った。簡単にセルアウトをも出来てしまうような状況で、このようなアーティスト達が、鈍い痛みを観客に与えるような作品を作ること。それがあるかぎり、面白いとおもう。

[shianbrown]

NEW ILLUSTRATIONS 2014

AFYG（ATTACK FROM YOUNG GENERATION）な感じで、最近続々と、イキの良いイラストレーションや漫画を目にする機会が多い。世の中全体の流れみたいなものは良くわからんが、彼ら彼女らは俺に取ってはアイドルでありながら、勝手にシンパシーを感じているライバルでもある。そして、そのアーティスト達には共通点があるとも感じている。それは、彼らが古い漫画やアニメを下敷きとして表現をしている。さらに言うならば、その上で描くことを、取り戻そうとしている。少し前の世代、浅野いにおや 花沢健吾、奥浩哉といった、古谷実以降の写真をベースにしたCGやトレース志向ではなく、もう少し描く楽しさ、解釈をして描いているような印象を受ける。それらの世代が、参照しているのが手塚治虫や水木しげる、もしくはその子供達だったり、８０年代のまだ手描きの荒々しさが残っていたアニメだったりする。そして、その表現が鮮烈な一撃を見るものにたしして、与えるのはそういったレジェンド、もしくはパロディーされつくしたような表現に対して新たな見方、出会い頭の衝撃のようなものをパッケージしているからだろう。 また、それらの世代が道を切り開く際に対して、道しるべとなったような人がいる。それらをざっくりあげてみる。 音楽などのカルチャーと縁が深い本秀康は、杉浦茂などを参照しつつアート界隈から商業誌、さらに同人っぽい動きなどをして若い世代のロールモデルとなっている。 横山裕一は直線的なイラストレーションと、その分かりやすさやデザインと漫画とアートの間の子のような立ち位置において、作品を発表している。多くの美大生っぽい人に影響を与えている。また、テクスチャーとしての解釈、漫画の内容ではなく質感だけを抜き出すような行為の新しい方法を提示している。 大原大次郎は、デザインにおいて一貫して手描きにこだわって制作をしている。近年では、手描きのタイポグラフィーのブームなどもあり、浸透してきた感もあるが、2000年代の初頭においては、かなり浮いた存在だった。そのスタンスは、現在の漫画家やイラストレーターに通じている。SAKEROCKの一連のアートワークは、今多く見られるデザインのテイストを早い段階で実践していたといえるのでは。 などもっと多くの人がいるんだろうが、ここは本筋ではないのでこのぐらいにして、本題の方へと行こうと思う。

西村ツチカ

商業誌での連載から、ele-kingなどの音楽雑誌での漫画、ジオラマといった自主制作漫画といった、サブカルチャー周辺をかなりの範囲でカバーしている。凄いね。彼の絵を見た時に感じる懐かしさと新しさというか。（これが、今回のテーマでもある。）多くのマッシュアップ系のイラストレーターが人物を描くのは、そこそこ得意としているのは多いが、なんといっても彼の漫画で描かれる背景はとても魅力的。パースの狂いを逆手に取って、漫画ならではの表現みたいものが見ていて楽しい。

MEMO

パトレイバーとか、シティーハンターとか、おいしんぼだとか、大友克洋の初期とか８０年代の漫画やアニメの雰囲気を細かく再現している。線のタッチとか、ファッションの感じだとかうまい。しかも、江口寿史や鳥山明のようなグッドセンスではなく、どちらかというとバブルのかっこわるさみたいな方を選んでるのが面白い。

うえむら

女の子をたくさん。手塚治虫とか、吾妻ひでおとか、石ノ森章太郎とか60年代の漫画の感じとか、ぬーべーとか、女の子のアンニュイな感じを表現している。

アル仙

松本零士の初期とか、吾妻ひでおとか、なんとも言えない哀愁がある。悲しい雰囲気と、べったりとした生活感と、微妙にズレたファンタジー。タッチが、再現されてるけど、ポップアートみたいに頑張ってコピーしている感じじゃなくて、自然な感じがするのは何故だろう。

寺本愛

この人の作品は、ファッションがとてもお洒落。表情のない感じは、横山裕一の世界に似ている。漫画を見たけど、大友克洋っぽい表現もあって、けっこう元気ある漫画の流れもあるんだと思った。漫画成分は、薄めでデザインとかイラストレーションの方に近く存在している感じを受ける。白黒でも、寂しい感じはなくて切れ味がある。

大門光

近年の90sリバイバルはいろいろあるけど、インターネットアート界隈でセーラームーンは結構熱い感じになってる。大門の絵には、セーラームーンの要素もあるが、もう少し漠然とした少女漫画の感じが出ているけど、男が登場しなかったり、同じような顔だったり、少女漫画的な不気味さを捉えているように思う。あとは、色鉛筆？で描かれた女の子の絵はとても魅力的だ。

BRIDGE SHIP HOOUSE

最近見た、天才バンドのジャケットが良いなーと思いつつ、大原大次郎とウィスットポンニミットのコンビの仕事だろうと思って調べたら違った。この人のは、特定の漫画と言うよりは、アメコミとかデザインフェスタ、ヴィレッジヴァンガードで受けるような分かりやすいポップな表現を展開しているように見える。ディズニーなどのアニメや、グラフィティー、もしくは日本の伝統的なポップイラストのような流れを汲んでいるのかもしれない。それらの、今のバージョンといった所だろう。

佐々木充彦

INTERW@LLという漫画は鮮烈だった。それは、明らかにPCで描かれていながら、ずれた人間くささを漂わせて、その分厚さと台詞の少なさは短編アニメーションを見ているような印象を受ける。全員、若くて同じ顔をしているのもなんだかメジャー感がなく狂気的。しかし、ときおり見せる表情が、松本零士作品のような胸をしめつけられるような瞬間をパッケージしているように思える。

以上です。くー、みんな凄い、負けてらんねーわ。

[shianbrown]

ポップミュージックの現在とATSUREKI

そろそろ赤いキセツが到来告げそうな、蒸し暑さがありますね。最近は、Brainfeeder4に行ってFlying Lotusのラップなどを見てこいつはどこまで行くんだと驚きを覚えた。

それはさておき、最近は生きるのが辛い。

まぁそんな事は小さな頃からなんも変わらんことなのだが、ますます周りの環境は俺にとって過酷になっていく。

具体的には何故なのかというのは、良く表現出来ないがなんとなく分かるような気もしている。とまぁ、そんな孤独な旅人よろしくな人間にも唯一の心の支えになっているのは、地元の友達や、愛情を捧げてくれる母ちゃんや、会社の同僚や、手作りのパスタを作ってくれる彼女だけではなく、勝手にシンパシーを感じている音楽であったりする。

しかし、最近ではその音楽が同時代でありながら、全く違った方法や方向を持つ表現に対して、かなり戸惑っている。それらの音楽について、いくつかの「キーワード」をでっち上げたりしながら、並列に並べて、圧縮することで現在進行形で繰り広げられている表現のアップデートの風景を描写してみたいと思う。

  #Bedroom CityPop

失敗しない生き方

照れ隠しのやる気のなさ、クールネスと溢れんばかりの知性。どんなバンドでも言えることですが、まず良いバンドというのはネーミングセンスからずば抜けている。この名前を聞いた時点で、すごいとは思ったが例によっていぶかしんではいた。ただ、タワレコでアルバムの試聴をした時点で、もう負けたと思った。現在、流行のシティーポップから、フリージャズのような凶暴なサウンドと、女性ヴォーカルの突き放し感！シティーポップをやるという態度は、素敵な音楽をやりましょうってのよりは、もうどんな音楽にも優位性なんてなく、くそ並列で、せいぜいそれっぽいのやりましょうや的な批評性を感じる。暴力的なあきらめというのか。さらには、脱退してしまった、天野龍太郎はele-kingで評論書いていたりして、この辺りのクロスが面白い。同じく、パブリック娘。のメンバーもそうだが、ひねくれ感とやる気のなさ。新しいかっこよさを感じる。

  #Future Funk

SAINT PEPSI

坂本慎太郎の新作のテーマが「人類が絶滅したあとのテーマパークで流れているような音楽」らしい。俺は、まだ聞けていないのでその詳細は良くわからないが、ここに野田努の熱い文章がある。（ele-kingを結構見ているのバレますね。。）というのは、割と彼が描いている、イエスでもノーでもない薄気味悪い中間地点というか、その作品群の続きにあるのは確かだろう。そのコンセプトを借りるならSAINT PEPSIの音楽はまさに、「誰もいないミラーボールが回り続けるディスコで流れる、とびきりハッピーなダンスミュージック」に思える。それは、あるSFアニメの設定で、再現された1980年代のどこかの街の中で鳴っている。（実際は、2060年ぐらい）楽しいのに、寂しい。とびきりの口当たりの良さを持っている。山下達郎がサンプリングされている。素晴らしい音楽があったのは、全部過去のことのようだ。今を楽しむのではなく、ハウスミュージックの伝説的なパーティーや、日本の数々のシティーポップのレコードに刻まれた幸福な時間、昔の映画で描かれるとびきりハッピーなクリスマス、アニメの中にだけある恋愛や友情。それらを、ずっと再現しようとしている。音楽が止まって、照明が消えると、そこには味気のない荒廃した未来の日常が待っている。それは吉野家であり、スマートフォンであり、自己啓発本であり、放射能の恐怖であったりする。

  #Dream Pop

ONLYREAL

序文において、同時代でありながら全然違うから困っちゃう♡とか書いてたけど、こうやって書いていくとなんかどれにも共通点があるよーな気がしてきた。彼の鳴らす音楽はとても儚くて無意味なように思える。だからこそ、とても愛おしくかんじるのかもしれない。彼らの周辺といえば、チルウェイブを通過したヒップホップを展開したMain Attrakionzだったり、同郷の90年代的サイケデリックサウンドのChildhodなどがいる。また、ダブステップ以降の弾き語り詩人である、King kruleも同じ匂いを感じる。しかし、ONLY REALのBackseat KissersのPVが公開されたのが2012年だから、彼はなかなかアルバムを出さない。音楽的には、コーラスがかったギターサウンドで、それこそインディーロックのファン以外にはとてもおすすめ出来るようでもない。ただ、フレッシュであろうとすること。周りの友達と、バンドをやったり、飲みに出かけたり、草野球をやったりなんでもない日常を謳歌すること。その青い時代は、そんなに長くは続かない。つまりは、木更津キャッツアイ的な若者たちの刹那。ダンスミュージックを取り入れたり、ガレージパンクをやったりといったマッチョになるのは確かに評価もしやすいし、そっちの方向ももちろんたくさんの人がいる。ただ、この短いキセツの眩しさというのもなかなか悪くない。

  #Strange Punk

Mac DeMarco

口紅を塗ったなグラムルックと、煌めくネオン、ギターが一本あればどんな酒場だろうと渡り歩くことが出来る。同じような曲調のロックンロールを淡々と演奏していく。

彼が世に出たのは、2012年ぐらいだと思うんだが最初は全く理解出来なかった。出た当時に、タワーレコードにの試聴機にあったRock and Roll NightClubというアルバムのジャッケトがなかなか強烈で聞いてみたが、そのあまりに普通のガレージロックに「ん？」と言う感じで反応出来なかった。ただ、シャムキャッツの夏目くんが絶賛していたり、個人的にもロックを最近聞くようになったりで新作が出たタイミングで、もう一度聞いてみたらあら不思議で「めちゃくちゃ良いじゃない」という感想に変わってた。系譜としては、Ariel pinkのやったローファイだめだめ路線にハッとするようなポップソングのがある音楽だと思う。そして、Ariel Pinkがあらゆる規制に引っかかってしまうようなパンクさを彼も受け継いでいる。Still Togetherという曲においても、曲の途中に毎回、彼女をステージの上げて、大観衆のまえでイチャイチャしたり一緒に歌ったりしている。（CDでは、曲の最後には二人の会話が少し入ってたりもする）とか、ジョナサン　リッチマンをFavoriteにあげたりしている。この理解出来なさ加減の魅力に気づくと、あっと言う間に虜になるだろう。時代遅れにもならないが、時代を打ち鳴らすような表現もしない、リスク管理だとかキャリア形成だとかの改善狂がはびこる世界において、へらへらとリラックスして、ゴミ捨て場に落ちてそうなギターを弾いている。それは、日本のラッパーSLACKと通じるものを感じたりもする。今最もパンクと言える表現だと言えるだろう。

  #Post PostRock

Goat

空間現代のメンバーがあるインタビューで、Goatの音楽性について「野菜の棄てちゃうとこだけでできた音楽」と言っていた。その言葉は、まさに彼らの音楽を言い表していると思う。ミュートとハーモニクスのみのギター、金属的エフェクトに徹するサックス、キック、シンバル、スネア一つずつのみのドラム、同じことを繰り返すベース。インダストリアルな質感は、2013年に盛り上がった、Andy Stottらのテクノとも共通している。大阪というのは、かなりクセの強いアヴァンギャルド、ノイズ勢が多いのは言うまでもないことだが、Goatの音楽には都会性というかすっきりしてさえいる洗練を感じる。メンバーの日野が組んでいるBONANZASは、インダストリアル、メタルの要素を持っていたがヴォーカルが入っていたり、00年代の大阪のシーンとのつながりを感じるものであった。さらに、Goatの前身バンドである、Talking Dead Goats”45の音源を聞くと、かなりBattlesの影響が伺えるミニマルポストロックのようなサウンドであったりする。さらには、日野はノイズをやる場合はYPYとして活動していて、自身でカセットレーベルをやりながら音源を出している。その活動のスタイルは、最近のあえてカセットを出す海外の若手レーベルなどの動きを意識しているのだろう。彼らのアートワークもまた、最近のインターネットアート、分かりやすく言えばVaperwave的なマナーを感じる事が出来る。つまりは、goatというバンドはここ最近のいくつかの流れを汲みながら、音楽的にもそのスタイルにおいてもきわめて現在的な活動を行っているバンドだと言える。グリッチ、インターネットアート以降のポストロックというか、肉体による再現、疲労、失敗、バンドというフォーマットで音楽を更新している。

  #Kansai Indie Scene

<a href="http://twwtua.bandcamp.com/album/teenage-jesus-and-casualties-ep-2" data-mce-href="http://twwtua.bandcamp.com/album/teenage-jesus-and-casualties-ep-2">Teenage Jesus And Casualties EP by The World Will Tear Us Apart</a>

THE WORLD WILL TEAR US APART

またまた、関西のシーンについて。さっきも書いたんだが、ここ最近関西の音楽というのは、面白いしその質感も今までと違う感じがしている。伝統的である種の良心的とも言える、暗さエグさなどの要素とは別の風が吹いているように思う。HomecomingsにしてもこのTHE WORLD WILL TEAR US APARTもそうだが、このお洒落さ前回のインディーロックサウンドは新鮮な響きを持っている。その他にも、BOYISHであったり、Teen Runningsであったりとシューゲイザー、アノラックなどのジャンル自体も盛り上がりを見せている。MVを見ていると、2009年頃のチルウェイブや、シューゲイザーの影響を受けているのかなと感じる。バンドで可愛いグッズを作ったり、Bandcampで無料で音源を配布したり、しっかりと今っぽいマナーを持って自然体で活動している。

  #HOUSE

Kyle Hall

最近、Techno Defenictiveという本が出た。こういう本は、なかなか掴めないでいる現在のハウスについて少しは知る事が出来てとても助かる。Kyle Hallはデトロイト産のハウスということや、若干17才でデビューをしたりといったことで注目を集めている。Theo ParrishやDerrick Mayの名前が上がるように、確かにそういったレジェンド達のスタイル、固さを感じる事が出来る、クラシックとなっている音楽、最もベーシックなハウスをやろうという意思を感じる。力強いファンクや、ガラージのようなゲットーの猥雑さ、ロウな感触を持った楽曲から、ディープハウスのようなメロウで美しい曲までもリリースしていて懐が深い。さらには、ダブステップに限らず多くの重要盤をリリースしているHyper Dubからもリリースをしていたりと、モダンなベースミュージックとのつながりもある。彼は、DJにおいてもそういったクラシックアーティストの楽曲をかけて、新しい解釈をしながら若いリスナーの感性を広げている。

  #Strange Pop

Mark

私は考える、コーラを飲みながら。弾き語りしている最中に、手を叩きたくなったり、歌詞を忘れたり、シェイカーを振ってみたりとかそういうのがある。佐々木敦に言わせると、一番ヤバい時期のブライアン・ウィルソンが日本人女性だったらこんな感じ。だそうだ。そこまでは、分からないがそのアウトサイダーアート的な純粋さというのも分かりやすい魅力として彼女自身も自覚的だろう。彼女のおっぱいは大きいし、部屋はまるで子供時代のままのように人形が置いてある。描いている絵も、かなり強烈だ。声は震えているし、その様子は正直美しいとは思えない。メロディーの中に、無理矢理に言葉を詰め込みすぎたような節はヘンテコでなんだか引っかかる。Headzの最近のリリースはぶち切れている。日本の音楽におけるかなりの重要作品を少ないながらもかなり出していて、凄い担当者がいるんだろうなーと思う。彼女の日記は、率直に憧れや生々しさやずる賢さを覗かせながらも可愛らしさがあるエッセイのようでとても面白い。コミカルな楽曲もあって、叶わない憧れや空想を展開している。自分が触れられることの出来る現実というのは、想像の中や遠い世界で見るものに対してなんて少ないんだろうと思う。俺はあなたを知っているが、あなたは俺を知らないという現実、Markの歌は、そこらへんに生えている草花みたいに気楽に存在している。その中に、どんな大変な思いがあろうと、あっけらかんとして強くただ存在しているような魅力がある。

  以上、なかなか多くの中から選ぶのはしんどいけどこういうのやっておくと、直後に良いアーティストを見つけて悔しい思いをする。また気がのればやります。

[shianbrown]

The Stone Rosesの石と薔薇について

The Stone Rosesのファーストアルバムは何故こんなにも素晴らしいだろうか。俺はその秘密を探る為に、音楽雑誌やブログなどを使って情報を入手したり、音楽を何度となく聞いたりして分析を試みたりなどしてきた。

それでもさっぱり分からない。ロックとダンスの融合と言われ、同時代のハッピーマンデーズやシャーラタンズのように似た音楽性を持つバンドとは何か違った魅力がある、というよりはっきり言ってしまえば同時代のあらゆるバンドから飛び抜けた良さがあると感じていた。

Elephant Stoneという曲の冒頭のそれだけで成立するドラミングからそれに続く天女の調べの如くキラキラした輝きを持つギターサウンド、ダンサンブルなベース。そこから、橋本愛のような透明感と、まるで中心のないシンセサイザーのようでありながら意思を感じる天使のようなヴォーカル。

この曲を聞くたびに、心のなかの雨雲を蹴散らすような黄金の風が吹き抜けるように感じる。何故、こんな曲を作ることが出来たんだろうと思い、何度も聞いてみるがさっぱり分からない。聞くが分からないの繰り返されるフィードバック現象。

このような、いくつかの要素がミクスチャーとは違った形で自然に融合した楽曲を20代前半の若者が作り上げたことが信じられないでいた。

彼らのアートワークやファッションもまた、関心を引くものであった。

初めて見た彼らのアーティスト写真は、ジャクソン・ポロックの世界にダイブしたようなペンキまみれの４人の姿だった。ギターのジョン・スクワイヤによる一連のシングルのジャケットも全てに統一性があり、美しい。ドラムセットやベースに施されたアートワークもまた４人で並ぶとアーティスティックな統一感もありながら、程よいラフさもあり、ポストパンクの厳格さとは違うチャーミングな魅力に溢れている。

音楽以外の部分、つまりは彼らのインタビューでの発言や行動もまた充分すぎるエピソードを持っている。ローリングストーンズの前座を断った話や、ライブを見たThe Whoのピート・タウンゼントにドラマーの引き抜きの打診があったが断ったこと。以前に所属していた、シルヴァートーンというレーベルから、過去の楽曲を無断でシングルとして出され、その報復として事務所に押しかけて車や机などあらゆるものにペンキをぶちまけたこと。セカンドアルバムの発売時に様々なメディアがその第一声を載せたがるなか、何故かビッグイシューにだけインタビューを載せて、各誌から大ヒンシュクをかったこと。（おかげでそのビッグイシューはかなり売れて、売り子はかなりの稼ぎを得ることが出来た）

これらの言動は、彼らがU2のようなスタジアムバンドになることをかなり阻害したし、バンドの活動自体にも多かれ少なかれ傷跡を残した。ただ、それでもその迎合しない意思は痛快で勇気を与えられる。

という、ざっくりとした感想はここまでにして、本題に入ろうと思う。

少し前に、ザ・ストーン・ローゼズ　ストーリーという伝記の翻訳版が出た。かなり分厚い本だ。それを読んだことがきっかけでこのような文章を書いているわけですが、その本の中からいくつかのエピソードを拾って自分なりに彼らのファーストアルバムの素晴らしさについて感じたことを書いてみようと思う。

（まぁ、あの本を読めば大抵のことが書いてあるので、興味ある人はこんな文章を読む前に本を読んだ方が良いでしょう。。）

まず、本を読んでみて知らなかった事実がいくつかあったわけですが驚いたことの一つは、ローゼズはスミスの後を担うバンドとして登場したイメージであったが、実際はほとんど同世代のバンドだった。ローゼスは前身バンドを含めると80年代の早い時期から活動をしていて、たまたまスミスの方が先にブレイクをした。ということは、あのファーストアルバムを出した頃、メンバーは既に20代中盤になっていた。つまりはその以前に、８年間近い下積みとも言えるような陽の当たらない時代があったことになる。そして、もう一つは、あのアルバムが出た当時のファンの感想としては、すごいのは当たり前だけど、ようやく出たかという感じだったらしい。曲の良さは以前から知っていたが、アルバムとしてまとまるまでずいぶん時間がかかったという印象だった。つまりは、アルバムが出た1989年から、3〜4年前に既にライブでは一部のファンで話題になるパフォーマンスと楽曲を持っていたということだろう。

実際に、彼らの５人時代の音源であるGARAGE FLOWERという幻となったファーストアルバムの音源を聞けば、I Wanna Be AdoredやThis Is The Oneといった後のアルバムに収録される彼らの代表曲が既に収録されていて、早い段階からレパートリーに素晴らしい楽曲を持っていたことが分かる。ただ、その演奏は性急さがあり、ギターにおいてもパワーを重視するようなサウンドになっている。それに、イアン・ブラウンの歌声もがなりたてるように歌われている。

このアルバムを聞くと、時折バンドとしての可能性を感じるが、スミスのような明確なロマン主義やアナログの美学、ネオアコサウンドも持ってはいない。つまりは、まだ彼らはパンクの呪縛から逃れることが出来ていない。

イアン・ブラウンはまた、オリジナルパンクの第一声の現場に立ち会えた世代ではなかった。影響を受けていたが、1979年頃にパンクのエネルギーが様々な方向へと流れていく中、より身近な第二世代のパンクス達に共感を覚えていたらしい。SHAM69やCockney Rejectsといったバンド達はより若者達に分かりやすいエネルギーと荒々しさ、オリジナルパンクの暴力性を持っていた。こういった要素は彼の人格や音楽の中に要素として現れている。もちろん、その一方でMaddnessやSpecialsが展開した不穏なスカやレゲエもお気に入りだったらしい。彼らは、パンクから始まった時代をマッドチェスターという大波がくるまで旅をしていた。そして、ゴスやネオアコやポストパンクやヒップホップやハウスなど様々なジャンルが台頭してくる中で、ローゼズはまだ居場所を見つけられないでいた。1985年のローゼズのメンバー構成はこんな感じだ。イアン・ブラウン（vo）ジョン・スクワイヤ(gu）アンディ・カズンズ（gu）ピート・ガーナー（ba）レニ（dr）。

そんな中、当時の英国音楽シーンの事件とも呼べるバンドが衝撃的なデビューシングルを発表する。そのバンドはJesus and MaryChainで、その曲はNever Understandという曲だった。80年代〜90年代において最重要となるクリエイションレコーズの最初のリリースであり、そのベルベットアンダーグラウンドのノイズとビーチボーイズのキャンディーポップ、セックスピストルズの大胆不敵さ、ゴスの世界観を持った彼らの登場は多くの同時代の若者に衝撃を与えた。

この楽曲はローゼズにとっても、転機となっている。ギターのジョン・スクワイヤは彼らのスタイルからシンプルな3コードの楽曲をもう一度作ってみようというヒントを得た。それは、よりコードチェンジの少ない、メロディアスな楽曲を生み出す方向性へと変化を促したといえるだろう。

そして1987年、いくどかのメンバーチェンジを経て４人組となったローゼズは、その魅力を充分に伝えるパワーを持ったシングルを発表する。そのSally Sinamoneという曲は、シンプルなコード展開で書かれたとびきり甘いポップソングだった。彼らは、苦闘の末に見事にパンクの呪縛から抜け出して、華麗なる変身を遂げていた。イアン・ブラウンの声もあの天使のような透明感のある響きへと変わっている。そして、今聞くと興味深いのは曲の終わり部分がかなりファンキーな展開を見せていて、後のFools Goldに繋がるようなローゼズの必殺グルーヴとも呼べるものの片鱗が既にあることだ。また、オアシスのノエル・ギャラガーはこの曲を初めて聴いた時に、自分が何をすべきかが分かったと語っている。その一方で、古くからのローゼズのファンを失望させてもいる。それらのファンはローゼズの分かりやすいパワフルさがなくなったことに不満を感じていたらしい。この曲は、インディーチャートに飛び込むことはなかったが、新たなファンを獲得して確かな反響を呼び起こした。ローゼズの楽曲の驚くべきところは、３分間のポップソングの部分においても他のあらゆるバンドに引けをとらないぐらいものだが、何よりもそれ以上に歌が終わった後のインストパートが聞き所というぐらい素晴らしいのだ。Waterfallという曲でも、曲が一番盛り上がって、レニのドラミングが炸裂するところで終わる。ジョン・スクワイヤが一番のお気に入りだと語る部分もまた。I am the Ressurectionの後半のインストパートだ。

それについては、明らかにレニのドラムが引っ張っている。ローゼズのメンバーの中で、ジョンとイアンが正統な？同時代の音楽を聞いて育った中で、レニは少し違った音楽遍歴の持ち主で、そのことがローゼズの楽曲に深みを与えている。

レニのドラムの技術は、バンド加入のオーディションの時から既にずば抜けていた。彼は小さい頃から、両親の働くパブでドラムをプレイしていたらしい。どんなタイプのバンドであろうとセッションを行い、あらゆるタイプの曲に合わせて叩ける柔軟さを持っていた。また、音楽の趣味に置いてもVan HalenやAC/DCのようなハードロックが好きだったり、マイルス・デイビスなどのジャズやファンクも聴いていた。ベーシストのマニは、レニに合うことがなければ、ジョン・コルトレーンみたいな音楽を聞くことはなかっただろうと語っている。ローゼズの楽曲のあの粘りのあるクールなグルーヴは、それらのジャズやファンクをとびきりモダンにしたようなサウンドでもある。

ローゼズの音楽面での転機が、シングルのSally Sinamoneだとするとその型破りな活動を良い方向へと導く転機がその少し前にあった。それが、マネージャーになるギャレス・エヴァンスとの出会いである。彼は、ちょっとしたギャングでもあり、鋭い頭脳を持つ大胆な戦略家だった。つまりは、あらゆる飛び抜けたバンドには少しイカれたマネージャーが必要で、彼はその役割を十分にこなす器量を持っていた。売れていない初期の頃には、チケットを街にいるイカした若者にただで配り回ったり、ロンドンからかなりはなれたブラックプールでのライブ、２万7千人を動員した伝説となったスパイクアイランドのライブを企画したりした。彼らのライブを行う場所はいつでもありきたりの場所ではなかった、時にはテントを張ってレイヴパーティーのようなスタイルでもライブをやった。その時々のバンドの状況に対して、大丈夫なのか？という心配をさせる程にかなりクールな場所ではなかったり、大規模なライブをやっていた。そして、良い時期の彼らはそれら全てを（時に失敗はあったが）ほとんど新しい価値へと転換させて新たなクールさを生み出していた。ギャレス・エヴァンスにはライブをただの体験以上に特別な事件に変える手腕があった。ローゼズの結束力と、ギャレス・エヴァンスの組み合わせは何をも恐れぬギャング団のようでもあったことだろう。

1988年の春に、彼らはいよいよファーストアルバムの制作に取りかかる。彼らは５年間もの間、楽曲をライブで演奏して磨き上げていた。あとは、その魅力をどうやって一枚のアルバムに納めるかが問題だった。プロデューサーに入ったのは、ジョン・レッキーだった。彼は、XTCの素晴らしいアルバムを手がけていたり、パンク時代にはイアンがファンであったアドヴァーツのアルバムを手がけていた。ローゼズのドラッギーでメロディアスなサウンドは90年代を先取りするもので、そのサウンドを作るにはジョン・レッキーは適任だった。様々なタイプの音楽を聞く彼らとはいえ、パンクに出自を持つ彼らは、アルバムをただのロックンロールアルバムにする気はなかった。アシッドハウスの猛威が吹き荒れる同時代の空気を入れることも意識していた。その為に、ポール・シュレーダーというアシッドハウスに通じる人物をエンジニアとして迎えている。彼らはクラブ用のミキシングシステムを使って、楽曲のエフェクトをかけたりしてアルバムに不思議な空気感を入れている。

イアンは当時のファンとのエピソードについてこんなことを言っている。

『ファンがバックステージに来るんだけれど、俺たちがいつも聴いているテープを聴かせるんだ、で、「何でこんな音楽聴いてるの？」って聞いてくるから、とりあえず聞いてみなよって勧めてたよ。ギターバンドだからって、ギターミュージックしか聞いちゃいけないなんて嘘っぱちだね。俺たちはどんな音楽でも飽き足らない。俺が聴いた最初の音楽はビートルズで、最初に買ったレコードがピストルズのプリティーヴェイカントだ。80年代は音楽がつまらなくなったし、ヒップホップやハウスが台頭したのも納得だよ』

ベーシストのマニはアルバムについて、こんな話をしている。

『あのアルバムの独特のムードは、メッセージを伝える事が出来る素晴らしいリリシストがいることだね。そう思わないか？音楽が人に間違った安心を与え得るものなら、歌詞がそれを全て変えることが出来る。その点、イアンの歌詞は完璧だ。大したヤツだよ！晩メシに何を食べたかなんてごく普通のことで歌詞が書ける人間なんてそうざらには見つからない。イアンは過去の話や自分の感じたことを書ける。あいつは、深く考え、深く感じ、自分の精神的な部分に向き合う事が出来る。あの声も大好きだね。魂から湧き出てくるんだ。偉大な才能ってのは教える事ができなくて、感じるしかないものなんだけど、イアンにはそれがある。もちろん今もね！』

アルバムの中で聴くことの出来る、ジョンのギターもとにかく凄まじい。彼が、10年に渡って学んできたもの、レッド・ツェッペリンのようなハードなサウンドからバーズのジャングリーな響き、ジミ・ヘンドリックスの実験もある。ワウを多用することも、あの時代においては珍しい。彼は、過去のあらゆるギターサウンドを学びそれを未来の音楽へと変えている。

The Stone Rosesのファーストアルバムについて、書いてきたわけですが伝記を読むとその裏側に少しだけ触れることが出来る。それでも、あのような奇跡が言葉で説明出来る訳でもないことですが。彼らの何よりも儚げなメロディーと、それに反する数々の問題行動や事件。その、極端なアンビバレンスな魅力についていつも考えさせられる。石と薔薇という彼らの名前そのもののようでもある。

魂を売る必要なんてない すでに"それ"は俺の中

魂を売る必要なんてない すでに"それ"は俺の中にある

憧れられたい 憧れられたい

I Wanna Be Adored  / The Stone Roses

[shianbrown]

INTERNET CULTURE

9年ぶりに復刊したというMASSAGEという雑誌のインターネットカルチャー特集が面白い。

この雑誌で取り上げられている内容をベースに自分が面白いと思っているものなどを混ぜつつ、それらのリンクまとめを作ってみたい。

多少は、整理しやすくするためリンクに対してざっくりカテゴリー分けをしてみる。

雑誌の冒頭のインタビューで、SEAPUNKムーブメントの先駆けとなった人物が今はネットアートには嫌悪感を抱いているというような発言があったり、このジャンルはサイクルがとても早く数も膨大で誰も何も分かっていないというのが本当のところだろう。

普段頻繁に目にする記号であるブラウザやサービスや、そのスクロールをしたりタッチをしたりクリックをしたりといった行為を相対化させる。

誰の目に留まらないものを執拗に取り上げ、反復し続ける。

１、ARTIST

Ryder Ripps

http://ryder-ripps.com

ENRICO BOCCIOLETTI

http://www.spcnvdr.org

LUKE WYATT

http://www.lukewyatt.net

SUBTRANCA

http://subtranca.com

JOE HAMILTON

http://www.joehamilton.info

James Howard

http://www.luckyluckydice.com

FOURFIVEX

http://fourfivex.net/blog/

Seth Price

http://sethpriceimages.com

Akihiko Taniguchi

http://okikata.org

KEVIN HECKART

http://www.kevinheckart.com

THERE IS A MAJOR PROBLEM IN AUSTRALIA

http://thereisamajorprobleminaustralia.com

ucnv

http://ucnv.org/

2、Tumblr

MU / TH / UR

http://mu-th-ur.tumblr.com

GREE

http://gree.tumblr.com

JOGGING

http://thejogging.tumblr.com

vincemckelvie

http://vincemckelvie.tumblr.com

⌘⇧3

http://cmdshift3.net/

寝る子がよく育った

http://uemulagirls.tumblr.com/

3、MEDIA

TRIANGULATION

http://www.triangulationblog.com

O Fluxo

http://www.ofluxo.net

Rhizome

http://rhizome.org

Neural

http://neural.it

CBC NET

http://www.cbc-net.com

F.A.T

http://fffff.at

4、MUSIC

FADE TO MIND

http://fadetomind.net

Fourtune500

http://fadetomind.net

TINY MIX TAPES

http://www.tinymixtapes.com

SLF TAPES

http://www.slftapes.com

Hi-Hi-Whoopee

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5、AGENCY

OKFocus

http://okfoc.us

Semitransparent Design

http://www.semitransparentdesign.com

[shianbrown]

BEST ALBUM 2013

20位　TOY BOX / THE OTOGIBANASHI’S

19位　180 / Palma Violets

18位　lost Decade / Tofubeats

17位　Along The Way / Mark Mcguire

16位　Stranger / 星野源

15位　AM / Arctic Monkeys

14位　THE BEST OF NDG NONSTOP MEGAMIX / NATURE DANGER GANG

13位　Daughter /  If You Leave

12位　Modern Vampires of the City / Vampire Weekend

11位　Jake Bugg / Shangrilla

10位　Mirrors / Low Pass

クールなたたずまいなヒップホップである。ここ最近、盛り上がってる日本語ヒップホップシーンの今年の収穫作とも言うべきか。ラッパーのGIVVNはソロも出したらしいがそっちはまだ聴いていない。SIMI LABのOMSBが年間ベストに上げていた。そもそもLow passに注目するきっかけになったのは、OMSBのPsycho Zombieという曲のPVのDirectorとしてだ。なんつー今っぽい感性の持ち主なんだろうと衝撃を受けた。Low Passの作品は、ひたすら抑制されていて、大きく逸脱することはない。何と言ってもMirrorsのリリックは素晴らしい。全盛期のエミネムのようとでも言うべきか、まだ出てくるのかってぐらい息継ぎする暇なく言葉が羅列されていく。場面は次次と切り替わり、少し間を置いた後に理解が及ぶ。ストリート系らしく？持っているものへのこだわりも感じられる。GIVVNは、このシーンの知性とでも言うべきか、言葉の切り方間の置き方に対する実験も聴くことが出来る。

  9位　Town Age / 相対性理論

バンドの主要メンバーが２人抜けて、バンドとしては危機が危ぶまれた中リリースされた作品。しかし、そんなことはどこ吹く風で素晴らしい作品だと思う。最初に聴いた時の違和感の原因は、おそらくサウンドプロダクションの変化だった。今までの、安いカラオケのMIDI打ち込みみたいなものの軽薄さから、飛躍してもう少し、良い音？になっている。（その軽薄さは魅力でもあった）感情移入を突き放すような、有線で流れているかのような音質ではなくなったのは確かだ。それでも、もちろんらしさを持っている。やくしまるえつこの、クールなロリータ声で、「カタルシス感じます、感情移入しちゃいます」と執拗に繰り返す場面なんかはインテリをくすぐるようなJ-ROCK批判でもある。新機軸もいくつかある。スピッツ的とも言えるような、アコースティックな「ほうき星」group_inou的なエレクトロサウンドの「たまたまニュータウン」。やくしまつえつこのソロ作であるRADIO ONSEN EUTOPIAもとても良く聴いた。あと、相対性理論的な世界観をイラストで表現してるような、このアーティストにも驚いた。空想の女の子、放課後、SF、７０、８０年代の漫画といったいくつかのキーワードで通じるものがあると思う。

  8位　 Homecoming with me? / Homecomings

もうね、こういう音楽が聴きたい。クリスマスソングとpains of being pure at heartからの影響で作られたとかほんとに良いじゃないすか。（もちろんそれだけじゃないことも承知です）この煌めき、甘酸っぱさ、かつてのSuper carやチャットモンチーが持っていたものがここにはある。女の子の素晴らしさ、インディーバンドの素晴らしさ。京都から、こういったバンドが出てくるのも良いですね。シューゲイザーという音楽は、日本の女の子の可愛らしさを表現するにはとっておきの音楽だと改めて思う。この辺りに影響されて、The PastelsやらOrange JuiceやらBeat Happeningの聴いてなかったアルバムを聴き直したりしてみた。彼女らはアノラックは最近聴いたらしいのだが、その辺りの再評価も今後加速しそうだ。

  7位　Burial / Rival dealer

えぐるような、ロックともいえるような荒々しいサウンドが展開されている。それに、笑っちゃうような元気なディスコビートがある。Beatはなく、ひたすら暗い雨の振った情景を写しているようなサウンドが長く続いたりしている。これらは、今までのBurialの作品には見られなかったもので、新しい展開だと言えるだろう。彼が出したアルバム２枚はあまりに素晴らしすぎて、皆、彼に未来を期待してしまう。今年は、James BlakeやMount Kimbieなど2009年に新世代として台頭したミュージシャン達がこぞって次の一手を打った。どれも素晴らしい作品ではあったが何か物足りなさを感じてしまう部分もあった。今作は、ここ一年のトレンドでもあったインダストリアルっぽさも含まれていて、とても好感が持てる。しかし、それは暗く湿ったインダストリアルなのだが。Andy Stott的とも言えるのだろうか。なによりも、２曲目のHidersには驚いた。廃墟のクリスマスソングとでも言うべきか。エモーショナルなソウルミュージックから、途中いきなり四つ打ちに変わっていく。Public Image Limitedの名曲、Riseのようだ。この曲に僕は本当に勇気づけられる。

  6位　Days Are Gone / Haim

Whole Lotta Love from Calfornia Girls的な元気な女の子。今年のDaft Punkやら、The Strokesやらのファンク、ディスコリバイバルの流れの後押しとかもあったのかどうか知らないけど、いい感じに売れた作品だろう。アルバム全体に溢れる瑞々しさと躍動感。彼女らのデビューEPでもある「Forever」はほんとに素晴らしい曲で今作の一番の聞き所だろう。julian Casablancasのサポートを勤めたこともあるメンバーがいるし、見た目に華やかさがありながらも演奏がうまい。次作以降はどうなっていくのだろうか。アルバムの前半と後半とで、少しテイストが変わっているのも聞き所だ。後半部分の、ギターのローポジションを使ったハードロック風のリフにもグッときた。ダビーになる部分もあったり、まとまりがなくなっていく部分もあるがそれらは全て眩しい可能性にも思えるから不思議。

  5位　Factory Floor / Factory floor

鋼鉄のビートの反復、打撃を与えるためだけののギターサウンド、アシッドなベースサウンド、爆笑寸前のタイミングで入るクラップとハイハット。つまりは殺しにかかってくる部類の音楽である。ニューウェイブなおっさん達に希望を与えたことも確か。ダブステップがダサイCMソングに多用されるような時代において、清々しく新鮮に鳴り響いた。既に発表済みであった、Two Different Waysのシンセリフの強引な繰り返しでミニマリズムを強調するものはもちろん期待としてあった。その中で、よりビートのみに的を絞ったTurn It Upは、彼らの試みを広げた曲だと言えるだろう。PILの3枚目やLiquid Liquidが試みたことの最新バージョンとも言える。アシッドハウス全盛の真夜中のクラブでビートが続く限りストイックに踊り続けるような光景、そこに感情はない。

  4位　New Age / さらうんど

古今東西のあらゆる音楽を聴いてきた者が生み出す、極上のポップアルバム。この老獪さははっきり言って苦手ですらあるんだけど、曲の良さがそれを越えている。ほんとにいやらしいし、むかつくんだけどついつい聴いてしまうという謎のループに入ってしまいます。山下達郎とか、忌野清志郎とかまぁいろいろあるポップスの総合としてはものめずらしくもないんだろう。それに、その辺りは星野源やSAKEROCKがやったことだとも言える。その中で、やはり特色だし新鮮だと思ったのがモダンなテクノ色を取り入れていることだ。この事が、アルバムの印象を2013年ならではの作品として聴かせている。このバランス感は奇跡的とさえ言えるし、あらゆる場面において流すことが出来る数少ないアルバムだ。夜のラインはほんとに名曲だと思う。

  3位　PALCNA / Susan Balmer

bandcampとかsoundcloudに上げられている、大量のゴミのような音楽に触れることはとても楽しいことでもあるんだけれども、同時に凄く疲れることでもある。そこではジャンルの壁はドロドロに解けて、まとまった作品という概念なんてものは最初から持っている方が馬鹿馬鹿しく、かつてあったであろう、作曲者に対する憧れや敬意みたいなものはとっくに失効して、ただただ冷静に差分のみが抽出されていく。この海には、シーパンクやダブステップやジャージークラブなんてアイデアも一瞬で解けていくがそれでもなお似たようなもの同士の近親相姦は続いていく。Slf tapesからリリースされた今作は、かつてのIDMにあったようなノイズが冒頭に出るが、それらに希望はない。全ては一度、並列化された後にでたらめに組み合わされているような印象すらある。結局のところ理論と積み重ねによる音楽性の前進なんてものは幻想でしかなく、偶然、エラー、誤解によってのみ新しい表現は生まれるのではないか。そういった意味では、２０１３年はグリッチはPCの中で起こるのではなく、突然変異的な人間自身の存在であり、ここまで多くの人が自発的にインターネット上で作品を発表することで出てきた状況の変化を目の当たりにする年でもあった。

  2位　R Plus Seven / Oneohtrix points never

とても良く聴いたし、周りの友人達に勧めてもなかなか良い反応があった作品。ここまで、ぶっとんだ作風でありながらWarpからリリースされ多くの人が聴いたとなるとかなり驚きの作品だ。ここ数年盛り上がっていた、ドローン、アンビエントの集大成とも呼べる作品。それに、Warpの得意のテクノのパロディーのようなZebraという曲があったり、Still LifeのPVは何度もYoutubeの規約違反に引っかかり削除されるというグッとくる部分がいくつかある。でたらめなつぎはぎであったり、あからさまに音楽では使わないような警告音を取り入れながら、荘厳？なシンセサウンドで盛り上げる、突き放すという感じで聴きながら次の展開が全く分からない感じもあり楽しさもある。ブライアンイーノを引き合いに出されたりしているが、自分としてはKLFのChill Outを連想した。だんだん盛り上がってきて、気持ち良くなってきたところで、チェーンソーを持った殺人鬼の集団が現れて殺戮、突如消えていく。異なるテクスチャーの軋轢、断絶その繰り返し。

  1位　Welcom 2 Scum Park / Have A Nice Day!

「ハイハイ、私の心のスネアをキックして、キックして、So ロッケンロッケンロッケンロール、危険なエスコートであの娘を連れ出すディスコナイト　ディスコナイト」この、時代からかなりズレているフレーズを持つ「Forever Young」という曲こそが2013年の日本を生きる自分にとっては一番切実に響いた。全てが、平等で馬鹿らしいと相対化された中でも、ルードな態度を貫くこと。彼らの活動には本当に勇気づけられた。アルバムのタイトルにもなっているSCUM PARKというイベントをメンバーが主宰しているのだが、このイベントはほんとに素晴らしい。２、３年前から、確かに日本のインディーロックみたいなものに良質なバンドがたくさん出てきたのは確かな訳だが、そこに見に来ているおとなしそうな人畜無害な連中が拍手をしているだけで、自分としてはかなりフラストレーションを覚えていた。JUKEとトランスとハードコアの精神を混ぜ合わせたような彼らの破壊的なステージはとても楽しい。暴力的でありながら、ピースフルな感覚もあり小さなコミュニティーながら確実に新しい時代を感じさせてくれる。それにここ最近の音楽から抜けている部分の、猥雑さもある。シカゴハウスやマイアミベースのパーティーを参照しながら、JACKを繰り返す。彼らのライブに行くとほんとにSEXしたくなるし、音源を聴くとシカゴハウスが聴きたくなるし、なにかパーティーを始めたいと思わせてくれる。

[shianbrown]

ニューカマー　2013/12

最近気になってる新人をザッとまとめてみようかと。 去年くらいまではは、クラブミュージック中心の生活だったけど、最近は古いロックなどを個人的には良く聴いてる。 Black Sabbathを聴き直してみたり、それにBeat Happeningは大きな発見だった。ルーリード直系の２コードロックだがミラクルな瞬間がいくつかある。初期のハードロックはやはり素晴らしい、現在のHR/HMのイメージとはだいぶ違った瑞々しさがある。 昨日は、新宿LOFTでやってたSCUM PARKっていう良くわからないイベントに行ってきた。久しぶりにおっぱい触りました。 あと、最近ちゃんとしようと思って、服とか買いに行ったつもりが、気づいたら中原昌也の本２冊とCD二枚買ってました。なんだか。

HAIM「Forever」

このマイケルジャクソン直系のキレッキレのファンクビートと、白人女子の伸びやかな躍動感。 この若さでこの演奏テクニック。何よりも、この何とも言えないフレッシュさ。アタシのキセツが来たぜって感じでとにかく圧倒される。アルバムの後半の曲はハードロックっぽいリフがあったりして可能性感じます。

Homecomings「Sunday」

The Pains of being Pure at heartのファーストは日本のインディーキッズにはかなりのインパクトを与えている。実際、僕自身もいまでも良く聴いてたりする。彼女らのシューゲイザーサウンドは、マイブラなどのオリジナル世代ではなくその１０年後に来たリバイバルの触発されている。しかし、この（音楽的に）少ない感じや初期衝動はスーパーカーに通じるものがある。

Soft As Snow But Warm Inside - 'Vogue'

こちらはド直球にマイブラの曲名から。ビートがエレクトリックなあたりは、後期シューゲイザー風。Radio deptとかを彷彿とさせる。関西のシーンでこういう爽やかインディーの盛り上がりがあるのは確かなようだ。

Temples「Shelter Song」

ノエルギャラガーが絶賛とか確かに分かるような正統派ブリティッシュサイケソング。おっさんホイホイなのは間違いないが、とにかく良い曲だ。スタイルなど関係ないと思わせてくるような説得力がある。きらめくサイケデリア。MGMTやアニマルコレクティブの過剰なサウンドではなく初期のピンクフロイドのような可愛らしさがあってとても好感が持てる。

ギャルちょれ〜〜〜〜〜〜！！「Constellation Botsu」

TINY MIX TAPEに取り上げられたり、ある界隈を賑わせてるなぞの人。もはや曲ではないよーな、良く言えばインダストリアルなエレクトロニカ？。曲名が全部Botsuだったり。。Bandcampはこのようなバグ（のような人）が存在していて、そこが面白い。

<a href="http://cbotsu.bandcamp.com/album/-" data-mce-href="http://cbotsu.bandcamp.com/album/-">ギャルちょれ〜〜〜〜〜〜！！ by Constellation Botsu</a>

Fat Fox Fanclub「Y Bitch」

かっこいい女子ファンク。キレッキレな感じでもないし、Daft Punkのクールさもない。The SlitsとかCutとかなんだろうけど、良いです。SCUM PARKのライブも良かった、すごいムラムラします。あー、SEXしたい。

NATURE DANGER GANG

これも、昨日のSCUM PARKのライブが良かったんで。どついたるねんのライブを見て衝撃を受けて結成したらしい。JUKEとDJ OZUMAとハードコアパンクの融合。日本のJUKE解釈はヤバい。こんな事になっているとは、誰も思わないだろう。メンバー構成がチンポムっぽくて、アート性も感じる。フィジカル性がとても高い。00年代初期のロウライフ周辺のノリに近いのかなー。

銀杏BOYZの新作がアナウンスされましたね。これはかなり楽しみ。 次は年間ベストをやろうかと。