S.O.S Films méconnus

Un blog qui tente de rendre justice aux films injustement méconnus ou oubliés.

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Hors-sujet #1 : Dans mon radar des sorties ciné - Swiss Army Man

Aujourd’hui, pour la première fois depuis des années, une bande-annonce m’a donnée envie de voir un film sans que ce soit le dernier film d’un réalisateur que j’aime. Là, au contraire, face aux franchises à rallonge et autres remakes insipides, Swiss Army Man surgit comme d’une autre planète dans l’horizon ciné : un premier long métrage par deux réalisateurs encore inconnus (The Daniels), avec dans leur tableau de chasse juste des clips et des courts-métrages. Il n’y a plus qu’à espérer que son passage remarqué au dernier festival de Sundance aidera Swiss Army Man à trouver son public dans les salles obscures.

Dans cette bande-annonce, il y a la promesse sans fard d’un film complètement barré, rafraîchissant, drôle, d’une inventivité rare. Et en seulement 1:55 de bande-annonce, on comprend que le tandem d’acteurs qui porte Swiss Army Man (Paul Dano et Harry Potter Daniel Radcliffe) fonctionne à merveille et délivre une très bonne performance dans le film. 

L’odyssée d’un suicidaire et d’un cadavre, ça vous dit?

Le film ne sortant aux États-Unis qu’en juin prochain, il va falloir mettre sa patience à rude épreuve avant que Swiss Army Man déboule sur notre territoire. Je l’attends de pied ferme!

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Heathers de Michael Lehmann (1988)

J’ai pris l’habitude dans ce blog de présenter un film par son titre traduit en français, pour des raisons pratiques, pour que le plus grand monde s’y retrouve, pour que, si, par miracle, je pique votre curiosité, vous trouviez en deux trois mouvements sa page Allociné. Mais là je vais faire une exception, parce que les traductions françaises absurdes de films étrangers sont légion. de type Cruel Intentions renommé en France Sexe Intentions (je ne suis pas bilingue, mais j’étais persuadée que “cruel” en anglais, ça veut dire ... cruel!!!). Et là, j’ai envie de pinailler sur le titre, donc voici Fatal Games ... Heathers!

Synopsis : 

Veronica (Winona Ryder) traîne depuis peu avec Heather, Heather, et Heather. Il y a Heather la chef (Kim Walker), Heather le faire-valoir (Shannen Doherty), et Heather la faible (Lisanne Falk). Elles sont les trois filles les plus populaires du lycée, elles sont riches, snob, méprisantes, vicieuses. Manipulatrices en plus de tout ça, elles règnent impitoyablement dans le lycée de Westberg.

Veronica, quant à elle, est très influençable, elle laisse donc les Heathers lui pourrir la vie, c’est le prix à payer pour être enfin populaire. Jusqu’à ce qu’elle rencontre J.D (Christian Slater), un jeune bad boy qui va la pousser à se venger des Heathers. Ainsi, la romance entre J.D et Veronica est rythmée par des meurtres déguisés en suicides.

Aaaah! Ces jeunes...!

Heathers est un film américain sorti en 1988, appartenant au genre du teen movie. Genre rarement réaliste, le teen movie américain nous présente trop souvent une adolescence sans grosse crise existentielle à signaler, sans acné, très obsédée par le sexe, avec pour Saint-Graal la perte de virginité si l’ado est débile profond, ou la maturité si le teen movie est écrit avec un minimum de talent.

Heathers assume à fond le cliché du lycée avec l’élite populaire d’un côté, la masse de losers de l’autre. Mais il ne sombre jamais pour autant dans un manichéisme de roman de gare. Au contraire, tous les clichés utilisés dans Heathers sont bien outrés pour mieux être passés au vitriol.

Certes, les trois Heathers sont belles, populaires, inséparables, vicieuses, adeptes de l’humiliation de losers en public. Bref, une bande de pétasses. Mais en grattant un peu la surface, on comprend vite qu'elles sont profondément malheureuses, et qu’elles payent le prix lourd pour être populaires. Pour faire partie de l’élite du lycée, Heather la faire-valoir et Heather la faible acceptent d’être tyrannisées en permanence par Heather la chef. Et pour être la boss dans le lycée, Heather la chef accepte à contre-coeur d'assouvir les pulsions sexuelles des beaufs du club de foot.

Quant à Veronica, elle le dit elle-même, elle est autant victime que responsable. Victime car tyrannisée par les Heathers, responsable car elle accepte de se faire pourrir par les Heathers pour être populaire, et car elle se laisse embarquer dans une série de meurtres à cause d’une romance.

Bref, les méchantes sont un peu excusables, tout comme la gentille est un peu condamnable. Finement joué, scénario du film!

Lorsque Veronica rencontre J.D, un jeune rebelle aux tendances nihilistes, Veronica se libère de l’influence des Heathers et accepte l’aide de J.D pour se venger. Mais ce qui devait être une mauvaise blague dégénère en meurtre et à partir de là le film devient jubilatoire. Heather la chef devient un martyr, le lycée et les parents sont en émoi, et le film se permet des excentricités comme un rêve d’un enterrement-spectacle, un groupe de pop qui chante “Teenage Suicide”, et des répliques marquantes style “Baise-moi gentiment à la tronçonneuse”.

Constatant la connerie des adultes et des médias face à ce “suicide”, J.D souhaite en profiter pour faire passer un message à l’Amérique, du genre “Comment vous faites pour être aussi cons, pour ne pas voir que la société va mal?”. Il continue ainsi à tuer et à maquiller ces morts en suicides, sans être inquiété. Et il le fait de façon toujours plus spectaculaire, violente, mégalo, sans personne, pas même la police, pour penser que tous ces suicides, ça sent le roussi. La presse à sensation et les opportunistes s’en lèchent les doigts.

Heathers est donc tout sauf une énième comédie d'ados décérébrés, empreint d’une vision plutôt malsaine mais juste sur la société, tout en restant divertissant.

Méconnu?

Lors de sa sortie en France en 1989, Heathers s’est vautré en salles mais s’est rattrapé sur les ventes de VHS et la réedition en laser disc (ouh! rétro!) puis en DVD. 

Pour un budget tout mini de 3 millions de dollars, Heathers n’a rapporté que 1.1 millions de dollars en salles. Mais aux États-Unis, avec le temps qui passe, Heathers a trouvé peu à peu son public, pour devenir ensuite culte de chez culte. Aussi culte que l’est pour nous La Cité de la Peur ou Le Père Noël est une ordure, pour vous donner une idée.

Et aux États-Unis, quand un film est culte de chez culte, et qu’il s’y prête bien, on l’adapte en comédie musicale à Broadway. Et elle fait salle pleine à coup sûr.

Donc :

Heathers est un film complètement jouissif, outrancier, car il exploite à fond les petites envies de meurtre qu’on a tous pu avoir contre une pétasse ou un abruti de la section sport au lycée. De plus, malgré les apparences, ce teen movie est loin d’être con. En abordant des sujets aussi délicats que la pression sociale et le suicide chez les jeunes, Heathers reste aujourd’hui très pertinent dans son propos, malgré toutes ces épaulettes et ces permanentes bouclées.

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Le Grand Saut (1994) des Frères Coen

Synopsis : 

Dans la tentaculaire entreprise Hudsucker, le PDG se suicide en faisant un vol plané plein de panache depuis le sommet du building.

Une défenestration chaloupée!!!

Afin de racheter les actions à moindre prix, le conseil d’administration décide de nommer un idiot comme PDG, et accessoirement comme pantin. Un nouvel employé chez Hudsucker semble tout désigné pour ce poste vacant : Norville Barnes, un jeune diplômé déterminé à bouleverser le monde avec son invention.

L’invention de Norville Barnes en question, qu’il commente ainsi : “Vous savez, pour les gosses.” 

Sur le film :

En cette période de Noël, cette fable barjo sur un loser magnifique qu’est Le Grand Saut tombe à pic. Une fable sociale délurée, plutôt cynique, sur l’histoire de l’invention du hula hoop, sur les dérives du capitalisme et sur l’ascension sociale.

Le Grand Saut se déroule en 1958, un détail que je ne mentionne pas au hasard ou pour wikifrimer, mais parce que tout le film repose en conséquence sur une esthétique rétro style Âge d’Or d’Hollywood.

Visuellement, on a donc droit a des building géants, à des décors très stylisés ambiance 50′s, et à un mix plaisant entre Brazil de Terry Gilliam et l’esthétique dark des films de Tim Burton. Oui, on est loin de l’ambiance “film noir” à laquelle les frères Coen nous avait habitués.

Ensuite, Le Grand Saut, c’est aussi l’une des BO les plus envoûtantes que j’ai entendues, dans la droite lignée des BO des classiques hollywoodiens d’avant les années 60. Le thème du film résonnera pendant un bon moment dans vos caboches, même une fois le générique de fin passé.

Côté casting, nous avons droit à un panel de poids lourds hollywoodiens : 

de la nouvelle garde (pour l’époque) : Tim Robbins, parfait dans le rôle du gentil con, dont les mimiques et la dégaine sont hilarantes; Jennifer Jason Leigh <3 en journaliste pimbêche et couillue dont le débit de parole sous speed fera pâlir de jalousie Eminem. Sérieux, j’ai jamais vu un tel flow dans un film.

de l’ancienne garde : Paul Newman en homme d’affaire véreux, jamais sans son barreau de chaise au bec.

Dans l’ombre de Lebowski :

Je ne m’attarderai pas à présenter les Frères Coen, tellement leur nom a un écho explosif dans le 7ème art. On leur doit même ce mot qui claque dans l’inconscient collectif et dans nos coeurs: LEBOWSKI! Les Frères Coen, c’est un ton décalé et plein de dérision, des losers magnifiques, et une filmo riche en films cultes (The Big Lebowski, Burn After Reading, Fargo...).

Même si on y reconnait bien la patte des frères Coen, Le Grand Saut tient une place à part dans leur filmographie.  

Parce que Le grand Saut a eu la délicate tache de faire suite au lauréat de la Palme d’Or à Cannes Barton Fink en 1991. 

Parce que Le Grand Saut a été la première superproduction des Frères Coen, avec un budget de 40 millions de dollars. Hélas, il est aussi l’un des films les moins rentables dans leur carrière, ne rapportant que 3 millions de dollars aux États-Unis. Une ironie du sort pour ce projet qui a traîné une dizaine d’années dans le tiroir des Coen avant de trouver un producteur généreux et qui a été calibré pour le grand public par les 2 frangins.

Réalisé avant Fargo (1996) et The Big Lebowski (1998), ces deux films vite devenus cultes ont gobé cul sec le peu de notoriété qu’avait Le Grand Saut à l’époque, pour ensuite le pousser dans l’oubli. Ceci dit, avec cette info en tête, on peut considérer Le Grand Saut comme l’annonciateur d’une période faste dans la carrière des Frères Coen.

Le Grand Saut a donc malheureusement eu droit à la place du mort dans la filmographie des Frères Coen. Les fêtes de fin d’année sont donc une parfaite occasion de redécouvrir ce grand oublié.

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Strange Days de Kathryn Bigelow (1995)

Synopsis :

A Los Angeles, la veille de l’an 2000, vit Lenny Nero (Ralph Fiennes), un flic déchu devenu trafiquant de SQUID. Le SQUID est une technologie prohibée créant des clips reliés au cortex cérébral, qui permet donc à l’utilisateur de revivre les souvenirs, les émotions et les sensations physiques de l’auteur du clip.

Mais un jour, il reçoit un blackjack, l’équivalent en SQUID du snuff movie : un clip sur le viol et le meurtre brutal d’une de ses amies, enregistré par l’assassin.

Sur le réalisateur :

Ancienne étudiante en cinéma à l’université Columbia, et élève de Milos Forman S’IL-VOUS-PLAÎT, dès sa sortie des bancs de la fac, Kathryn Bigelow développe vite une filmographie pleine de promesses à partir des années 80. La preuve que ces promesses ont été tenues dans le bilan qui suit.

Bilan à ce jour : 

Une filmographie riche, un film multi-oscarisé, plusieurs films multi-récompensés, des films qui créent souvent des controverses pour leur violence et leur sous-textes sociaux.

Quasi que des succès critiques, quelques succès publics nommés Point Break et Zero Dark Thirty.

Lors de la cérémonie des Oscars en 2010, le film de Bigelow, Démineurs, était en compétition avec Avatar, un colosse du box-office mondial en 3D réalisé par ... son ex-mari (James Cameron)! Et quels ont été les résultats? 6 oscars pour Démineurs contre 3 oscars pour Avatar. Bigelow wins!!!

Bigelow a marqué l’histoire du cinéma en devenant la première femme a recevoir entre autres le BAFTA, le Saturn Award, puis l’Oscar (je vous priiie!) du meilleur réalisateur en 2010 pour Démineurs.

Une superprod’ aussi intelligente que distrayante :

Strange Days est un thriller d’anticipation, ou plus précisément une dystopie (ouh! le gros mot!!!). Une dystopie est un sous-genre de la science-fiction qui consiste à dépeindre dans une fiction une société imaginaire anti-utopique, où personne ne peut atteindre le bonheur. Le but d’une dystopie est de mettre en garde sur un dysfonctionnement dans notre société (idéologie, régime politique, etc.).

Exemples de dystopies : Orange Mécanique, Mad Max, Idiocracy.

Dans Strange Days, Bigelow présente un futur très proche à Los Angeles (+5 ans après la sortie du film), où la corruption et les émeutes font rage, où la technologie devient une drogue menaçant les libertés individuelles, permettant de vivre par procuration des sensations fortes, et où les afro-américains se font sauvagement buter par des policiers blancs (ah, tiens, ça ressemble au JT d’il y a deux mois...). On peut considérer une dystopie comme réussie quand, au moment de la regarder dans le rétroviseur, on se dit : “Bordel, c’était visionnaire!”. Et bordel, pour Strange Days, ça marche : il suffit de parler de réseaux sociaux, de réalité virtuelle, de cyberaddiction, de peer-to-peer, par exemple. Strange Days a su avoir 15 ans d’avance sur tout le monde.

Difficile de ne pas perdre le spectateur pendant 2h30 de film dans un scénar’ aussi riche en sens, et en niveaux de lectures. Pari tenu pour Bigelow, puisqu’elle nous tient en haleine pendant tout ce temps, grâce à une mise en scène digne d’une superproduction, une esthétique captivante et des personnages forts.

Dès la première scène, on en prend plein la vue grâce à un superbe plan-séquence à la première personne d’un braquage dans un restaurant, une introduction qui nous colle à l’écran dès les premières secondes du film.

Ensuite, on en prend encore plein la vue grâce à une esthétique “techno” mélangeant futurisme et style 90′s qu’on a peu vu depuis. Mais je ne serais pas étonnée que cette esthétique ait inspiré Luc Besson pour Le Cinquième Élement ou les frères Wachowski pour Matrix, deux films de SF cultes sortis quelques années après Strange Days. Chaque plan du film est une baffe visuelle.

Enfin, le développement des personnages sur presque une heure de film crée une empathie forte chez le spectateur : à travers les personnages, on se prend encore plus en pleine figure la violence de la société décrite dans Strange Days. Et pour jouer des personnages aussi forts, il faut un casting millésimé, et il est là : Voldemort Ralph Fiennes, Angela Bassett qui crève l’écran, et Juliette Lewis.

Pourquoi ce film est méconnu?

Strange Days, a été écrit, scénarisé, produit par James Cameron. James Cameron a poutré à plusieurs reprises les records du box-office tout au long de sa carrière, et a imposé son style visionnaire à Hollywood, de Terminator 2 à Avatar. Il est sans doute aujourd’hui encore l’un des réalisateurs les plus rentables de tout les temps.  ALORS POURQUOI STRANGE DAYS A FAIT UN TEL BIDE AU BOX-OFFICE?

Le succès critique a été là, Strange Days a même eu d’honorables récompenses (2 Saturn Awards), mais le public a complètement boudé le film. Pour un budget de 42 millions de dollars, le film n’a rapporté qu’autour de 8 millions dans les salles de cinéma. L’interdiction au moins de 16 ans n’a sans doute pas aidé, bien qu’elle soit justifiée, il y a beaucoup de scènes un peu crues ou qui collent un malaise. Après cet échec commercial, Strange Days a vite plongé dans l’oubli. 

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Fenêtre sur Pacifique de John Schlesinger (1990)

Synopsis :

A San Francisco, Patty (Melanie Griffith) et Drake (Matthew Modine) achètent la maison de leurs rêves. Pour être dans leurs frais, l’immeuble est entièrement retapé (par Madame, je vous prie!, cette parenthèse féministe était gratuite), ils mettent en location les chambres du rez-de-chaussée. Ils choisissent comme locataires un paisible couple japonais et Carter Hayes, qui a tout du locataire idéal : charmant, il a l’air bien assez riche pour payer le loyer puisqu’il roule en Porsche, et en plus il est prêt à payer 6 loyers d’avance. Mais dès l’emménagement de Carter Hayes, tout tourne au vinaigre pour Patty et Drake.

Sur le film : 

Fenêtre sur Pacique est un film de suspense, qui arrive à donner une ambiance psychopathe à un tracas de la vie quotidienne (c’est vrai, on a tous une anecdote sur des problèmes avec son proprio si on est locataire, et vice versa).

Nous sommes dans le type d’intrigue où l’arrivée d’un personnage à priori sympa ruine la vie des héros parce que ce personnage est en fait un odieux schizo manipulateur. 

Exemple : Misery, une adaptation d’un roman de Stephen King qui vous traumatisera des infirmières!

La tension est bien menée, puisque lentement, un banal loyer impayé dégénère en une sordide histoire de manipulation. De plus, la psychologie des personnages est bien développée grâce à des bons dialogues (et surtout des bons silences), ce qui permet de nous immerger sans souci dans une histoire aussi peu engageante que la location d’un appart.

Et bien sûr, on aurait pas autant peur pour les deux proprios sans la performance parfaitement psycho et flippante de Julien Lepers... Batman... Michael Keaton.

C’est totalement lui!!!

Pourquoi ce film est méconnu ?

Lors de sa sortie aux USA, Fenêtre sur Pacifique a reçu des critiques plûtot mitigées de la part des journalistes, qui ont reproché au film de trop se reposer sur les clichés de films d’horreur. Du côté de l’Hexagone, j’ai trouvé peu de traces sur le net de la réception critique de ce film, à part un témoignage d’un blogueur, qui a découvert le film à l’époque grâce à un magazine ciné (Première) trouvé dans une poubelle qui faisait une critique peu élogieuse du film.

Côté public, le film a été bien mieux accueilli, puisqu’il a rapporté 44 millions de dollars au box-office. Ce qui en a fait un film rentable, et un joli succès, remboursant généreusement son budget de 18 millions de dollars.

Malheureusement, le bon accueil public n’a pas empêché Fenêtre sur Pacifique de retomber dans l’oubli au fil du temps.

Conclusion :

Fenêtre sur Pacifique ne fait pas vraiment dans l’originalité mais tient ses promesses de cramponner le spectateur à son siège, grâce à des bons acteurs et un scénario bien mené.

Note à part :

En France, nous nous amusons à confondre Michael Keaton avec son Doppelganger le célèbre présentateur du jeu TV intello Questions pour un champion.

“Top! Je suis le portrait craché de Batman. Je suis, je suis, je suis...”

Mais saviez-vous que Keaton n’est pas le vrai nom de famille de ce cher Michael? Il a du en effet, en devenant acteur, changer son nom pour des raisons pratiques, pour ne pas être confondu avec seulement Julien Lepers. Car Michael Keaton s’appelle en réalité Michael...Douglas!!!

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La Secrétaire de Steven Shainberg (2002)

Synopsis :

Entrer dans le monde professionnel ne semble pas de la tarte pour la jeune Lee (Maggie Gyllenhaal). Car elle est timide et manque de confiance en elle. Car elle quitte l’hôpital psychiatrique où elle était internée et où elle se sentait en sécurité. Car à peine revenue chez papa-maman, elle cède à ses angoisses et succombe de nouveau en cachette à son penchant pour l’automutilation. Et, raison plus banale, car elle n’a aucune expérience professionnelle.

Et pourtant, elle est recrutée par l’avocat E.Edward Grey (James Spader). A priori, et M.Grey l’avait prévenue, c’est un boulot bien ennuyeux. Il faut faire des cafés, taper à la machine, trier des dossiers. Tout ça en endurant M.Grey, séduisant, mais qui s’avère être un boss psychotique et fait sans cesse des cacas nerveux.

Cependant la relation professionnelle en M.Grey et Lee va évoluer et devenir moins orthodoxe, ce qui permet pourtant à  Lee de s’épanouir enfin.

Crevons l’abcès tout de suite...:

Ce film parle de sado-masochisme. Il le fait intelligemment, mais les ultra-féministes auront peut-être des hauts-le-coeur en voyant La secrétaire. J’ai eu moi-même des hauts-le-coeur, mais pas en regardant La Secrétaire, plutôt devant Love Actually (Youpi, une occasion gratuite de tacler Love Actually!).

COÏNCIDENCE??????? 50 Shades of Grey, le best-seller littéraire sorti 10 ans après La Secrétaire a-t-il pompé sur ce film? Je veux dire, une relation sado-masochiste comme thème, et le mec s’appelle M.GREY!!!! SÉRIEUX??? (Youpi, une occasion justifiée de tacler 50 Shades of Grey, pardon à ceux qui aiment cette saga)

...Maintenant revenons au film :

Exploit, La Secrétaire, la première réalisation de Steven Shainberg, réussit le pari fou de traiter un sujet aussi éculé que le sado-masochisme. Difficile d'aborder ce thème sans déjouer les pièges des clichés voyeuristes ou le trip maître-esclave... ou sans être vulgaire, tout simplement. Et parler de sado-masochisme sur fond de comédie romantique, c’est osé!!! Mais dans La Secrétaire, ça marche très bien. Sans blague!

Car la relation peu banale entre M.Grey et Lee n’est pas présentée comme malsaine, elle sert de thérapie pour Lee : elle s’épanouit dans ce jeu sensuel de secrétaire soumise et délaisse son kit d’auto-mutilation dès les premières fessées. Et M.Grey, malgré son rôle de dominateur dans cette relation, a, tout comme Lee, ses failles, il a beaucoup de mal à assumer ce rôle. Ainsi, pour ces deux êtres solitaires qui ont du mal à communiquer leurs sentiments comme tout le monde, le sado-masochisme est une solution salvatrice, une expérience sensuelle grâce à laquelle ils se révèlent et expriment leur amour l’un pour l’autre.

Grace à cette tatane donnée aux clichés sur le sado-masochisme, on n’est pas choqué de voir Lee se prendre de virulentes fessées, faire le poney où se masturber dans les toilettes en pensant très fort à M.Grey.

Et comme c’est une comédie romantique, il y a une scène de robe de mariée et un happy-end. Mais là, on ne se dit pas “pfffff! c’est vu et revu!!!” car c’est fait avec une bonne dose d’originalité, et surtout car on s’est attaché à ce couple hors-du-commun, donc on est heureux pour eux quand le générique de fin s’affiche.

Pourquoi ce film est méconnu?

Petit film indépendant de 4 millions de dollars, il a emballé Sundance et les critiques. Il a engrangé autour de 9 millions en tout au box office, ce qui veut dire qu'il a eu très peu de public dans le monde à sa sortie en salles, mais au moins il a été un peu rentable (juste un peu, 5 millions pour Hollywood, ça a la valeur d’un jeton qu’on met dans un caddie au supermarché).

Donc :

On fonce voir se film, et encore plus si, comme moi, les comédies romantiques vous filent habituellement des nausées. La Secrétaire est une des rares comédies romantiques (et érotiques) à être à la fois drôle, intelligente, originale et rafraîchissante.

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Freeway (1996) de Matthew Bright

Synopsis : 

Il était une fois (encore)... le Petit Chaperon Rouge. Vanessa (Reese Witherspoon) est une ado illettrée et turbulente. Quand la police arrête sa mère prostituée et son beau-père toxico qui cherche sans arrêt à la peloter, Vanessa plante l’assistante sociale, lui pique sa voiture, et dit au revoir à son petit ami Chopper qui lui donne son flingue. 

Ainsi, Vanessa part rejoindre sa grand-mère qui vit dans une caravane à quelques centaines de kilomètres. Son voyage vire au glauque quand elle tombe en rade sur le bord d’une autoroute où rode un tueur en série dégénéré.

Sur le film :

Ce film revisite le Petit Chaperon Rouge, en y ajoutant de la drogue, de la décadence, et des flingues. Voilà donc une satire sociale déjantée, blindée d’humour noir, de trash et d’enquête policière, qui n’est pas sans rappeler un film de Tarantino.

Pour un tout petit budget (3 000 000$), ce film indépendant a fait un flop commercial, rapportant seulement 295 000 $ et des brouettes aux Etats-Unis. La principale cause étant la censure autour du film. Le film étant très cru dans ses dialogues et visuellement violent, il a été classé Rated R (interdit aux moins de 18 ans) aux États-Unis et amputé de quelques scènes avant sa sortie en salles. En France, Freeway est classé interdit au moins de 16 ans.

Côté critiques, Freeway a été remarqué dans plusieurs festivals (dont le fameux festival du film indépendant Sundance) et a fait un triomphe au festival du film policier de Cognac en 1997.

Au passage, Freeway a révélé l’actrice Reese Witherspoon, hilarante en Petit Chaperon Rouge version rebelle, impertinente et vulgaire (elle m’a beaucoup fait penser à Tank Girl, l’héroïne de BD complètement allumée). Bref, grâce à elle, on se tape une bonne barre pendant le film.

Et mention spéciale à Jack Bauer Kiefer Sutherland, le grand méchant loup sérial killer du film, aussi charismatique qu’effrayant et drôle (oui, tout ça à la fois!)

Autre mention spéciale pour la BO, par Danny Elfman, le compositeur le plus gothique d’Hollywood. Ses compositions sont envoûtantes dès le générique, et colle d’emblée une ambiance “conte de fées”, ce qui tombe bien car c’est le sujet du film, il ne faudrait pas l’oublier =).

Pour résumer :

Freeway est un petit bijou que la censure a sournoisement mis à la trappe, alors qu’il a le potentiel pour devenir un film culte.

Coïncidence! :

Freeway vous rappellera sans doute Tueurs Nés, une comédie noire culte des années 90 sur un couple de tueurs en séries.

Tout comme Freeway, Tueurs Nés a eu du fil à retordre avec la censure.

Et Freeway a été produit par Oliver Stone, le réalisateur de ... Tueurs Nés !(c’est bien, vous suivez)

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L’Incroyable Burt Wonderstone (2013) de Don Scardino

Synopsis :

Burt (Steve Carell) et Anton (Steve Buscemi) font des tours de magie ensemble depuis leur plus tendre enfance. Ils sont parvenus à devenir des stars et ont même un show à leur nom à Las Vegas. Mais un jeune magicien (Jim Carrey) débarque avec des tours novateurs et leur vole peu à peu leur public. Comment le duo de choc surmontera cette épreuve?

Sur le film :

Malgré les nombreuses têtes d’affiche (Jim Carrey, Steve Carell, Steve Buscemi), ce blockbuster s’est rétamé en salles. Il n’a pas remboursé son budget de 30 millions de dollars, cumulant autour de 27 millions de dollars aux États-Unis et à l’étranger. Le film n’a d’ailleurs pas eu de sortie ciné en France.

Et les critiques, apparemment, n’ont pas été emballées, puisque le film a eu 36% sur RottenTomatoes (une sale note) et 5.9/10 sur IMDB (pour IMDB, c’est plutôt une sale note). D’ailleurs, je n’ai pas trouvé d’info sur la réception critique du film!

Le casting ne nous trompe pas sur le fait que c'est une comédie. Le film parlant de magie à Las Vegas, c’est évidemment de mauvais goût (coupes mulets, costards en velours et paillettes au programme) et ça exploite tous les clichés possibles sur ce thème (mais en nous faisant marrer donc ça passe comme une lettre à la poste)

Ok, le pitch ne brille pas par son originalité, un film sur la magie, à priori, c’est pas très attirant (c’est sans doute pour ça qu’il y a peu de films sur la magie).

Mais avec une telle brochette d’acteurs qui n’ont plus besoin de prouver leur talent pour faire rire, on passe un très bon moment.

Ils sont tous en roue libre, le duo Steve Carell/Steve Buscemi fonctionne très bien. Les gags sont originaux et efficaces, et on trépigne chaque fois que Jim Carrey pointe le bout de son nez dans le film. Ce rôle de magicien trash made in MTV a été taillé sur mesure pour l’acteur, et il y a longtemps que Jim Carrey ne m’avait pas fait autant rire.

On n’est pas étonné de voir Jim Carrey se tailler la joue pour en sortir une carte, s’allonger sur des charbons ardents quand on l’a vu faire ça :

Ou encore ça :

(Note à part : les images ci-dessus sont extraites du sketch “Vera de Milo”. C’est hilarant, A VOIR ABSOLUMENT =) :

https://www.youtube.com/watch?v=NXhfRBkbeR4

Bref, ce film est une comédie bien sympathique qui mérite plus d’amour que ce qu’elle a reçu jusqu’à présent. Je vous promets qu’après avoir vu ce film, vous ne verrez plus les perceuses du même oeil ;-)!

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Faux Semblants (1988) de David Cronenberg

Avant propos sur Cronenberg :

Je ne suis pas fan de Cronenberg, mais je vous encourage vivement à vous pencher sur sa filmo, qui abrite une foule de pépites.

J’aime bien La Mouche et A Dangerous Method, mais j’ai détesté Existenz, je n’ai pas tenu une demi-heure devant Le Festin Nu, j’ai pioncé devant Les Promesses de l’Ombre, et malgré ça, je vous encourage à mater des films de Cronenberg. Car soyons objectifs, Cronenberg est un réalisateur très talentueux. Son obsession pour le corps (malmené, métamorphosé, mutilé), ses interrogations sur le rapport au réel, sur la psychanalyse rendent sa filmo passionnante à explorer. Cronenberg, c’est une patte très reconnaissable, un cocktail d’ultra-violence (mais pas de violence gratuite), de psychanalyse (donc, du cul XD), et d’organique (un déluge de bidoche)

Bon, ayant dit que je n’étais pas fan de Cronenberg, vous vous doutez que j’ai appréhendé le visionnage de Faux Semblants. Ce qui m’a fait sauter le pas : son intrigue.

Synopsis :

Elliot (Jeremy Irons) et Beverly Mandle (Jeremy Irons aussi!) sont deux vrais jumeaux, des vrais inséparables. Il font le même boulot (gynécologues) dans le même cabinet, ils vivent dans le même appartement, ils ont les mêmes pensées et quand ils craquent pour une femme, ils font ce fameux truc de jumeau qui consiste à se faire passer pour une seule et même personne et à se relayer pendant les rencards. Et c’est justement une femme qui va bouleverser la vie des jumeaux Mandle. Une actrice célèbre qui vient les consulter pour une problème de stérilité (le diagnostic de Madame est très drôle, je préfère ne pas spoiler). Ce ménage à trois tourne plutôt mal, les jumeaux commencent à agir et à penser différemment, puis à basculer lentement vers la folie...

Sur le film :

Lors de sa sortie, le film avait été acclamé au Canada (normal, c’est le pays où vit Cronenberg), récompensé, et rerécompensé. Et en plus, il avait propulsé à l’internationale la renommée de Cronenberg.

Alors que s’est-il passé depuis? Apparemment, presque trente ans après, le soufflé est retombé, et aujourd’hui, seuls les amateurs de Cronenberg semblent au courant de l’existence de ce film. Bref, Faux Semblants est quelque peu retombé dans l’oubli, et il ne l’a pas mérité. Car trente ans après, ce film a bien supporté l’épreuve du temps qui passe, comme un bon vin.

Cronenberg dresse ici un portrait complexe et passionnant de la psychologie que partagent des vrais jumeaux. Ne vous fiez pas à l’apparence de film d’horreur, ce film est avant tout un drame psychologique (et un tire-larmes à la fin). Leur descente aux enfers à de quoi nous coller à l’écran, elle a de quoi nous faire froid dans le dos puis nous émouvoir, le tout étant sublimé par une BO froide et implacable signée Howard Shore (un compositeur chevronné à Hollywood)

Acte de chirurgien manqué, Cronenberg y exploite une fois encore la thématique du corps. Des corps siamois, des corps opérés, l’annonce dans les diagnostics d’organes difformes, des scènes marquantes (la scène du cauchemar de Beverly). Une thématique chère à Cronenberg mais traitée ici sous un angle plus psychologique, et donc avec moins de bidoche que dans ses autres films (perso, c’est ce qui m’a fait préférer ce film aux autres Cronenberg)

Pas sûre que le film serait aussi poignant sans la présence du méchant de Die Hard 3 qui pète la classe de Jeremy Irons. Il a reçu plusieurs récompenses pour ce (double) rôle, et franchement, il ne l’a pas volé. Dans une performance aussi exigeante, Jeremy Irons fait un sans-faute, et tient sans doute là l’un des meilleurs (doubles) rôles de sa carrière. Il fait l’exploit de donner à ces jumeaux une personnalité distincte, sans être caricatural. Ce qui fait qu’on sait toujours clairement si c’est Elliot ou Beverly qui est à l’écran (sauf quand la mise en scène ou le montage brouille volontairement les pistes)

Bref, j’espère avoir donné assez de bonnes raisons de voir ce film. Alors, foncez, allez =).

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L’Échelle de Jacob (1990) d’Adrian Lyne

Synopsis :

Jacob Singer (Tim Robbins), un vétéran du Viêt Nam, ne mène pas une vie peinarde. Son quotidien est pollué par des visions horrifiques. Il prend le métro, il y voit des monstres difformes. Chez lui, il ouvre la porte du frigo pour prendre une bière, et bim!, tête de démon difforme dans le frigo ! Et quand il livre le courrier, il manque de se faire écraser par une voiture.

En plus d’avoir du mal à gérer ces espèces de « bad trip », Jacob a du mal à surmonter la mort de son fils et sa séparation avec son ex-femme.

Tout cet étrange cocktail qu'est la vie de Jacob devient un cocktail de démence et d'embrouille totale lorsque qu'il retrouve ses camarades du Vietnam, victimes de ces mêmes visions horrifiques.

Sur ce film :

A l’époque de sa sortie en salle, le film n’a pas fait un gros carton en salle et s’est tout juste remboursé au États-Unis, malgré un accueil critique enthousiaste. Bien qu’il reste encore méconnu du grand public, L’Échelle de Jacob est devenu une référence pour les cinéphiles et les amateurs de films d’horreur avertis, et a eu une belle influence, la plus connue étant la saga de jeux vidéo Silent Hill.

Attention, nous sommes devant le genre de film où la pause pipi est vivement déconseillée sous peine de perdre le fil de l'intrigue. Car, je résume grossièrement, L’Échelle de Jacob à des allures d’un Rambo revisité par David Lynch.

La mise en scène est très travaillée, avec une esthétique et des lumières superbes, et une intrigue qui, contrairement aux apparences, ne se limite pas à une histoire de paranoïa. Au contraire, L’Échelle de Jacob a de multiples niveaux de lecture :

Religion : avec une référence évidente à l’épisode biblique dans la Génèse de Jacob, rêvant d’une échelle si haute qu’elle lie la Terre au Ciel

Guerre : la galère des vétérans du Viet Nam pour revenir à une vie normale après la guerre, et une référence à l’utilisation d’une drogue par les forces armées américaines sur des cobayes humains, surnommée l’échelle (quelle coïncidence!)

Vie : la vie et ses épreuves, comment les surmonter (la mort entre autres)

Et pour finir, donnons un bon point à l’acteur principal incarnant Jacob, à savoir l’une des plus grandes asperges d’Hollywood (Tim Robbins), qui parvient à rendre Jacob instantanément touchant et attachant.

Bref, ce film est une petite pépite qui en a beaucoup sous le capot.

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Ravenous (1999) de Antonia Bird

Bon, OK, le personnage de Hannibal Lecter imaginé par le romancier Thomas Harris est génial.

Et, OK, Hannibal Lecter interprété au cinéma par Anthony Hopkins, c’est génial.

Mais apparement, ce bougre cannibale a la sale manie de faire de l’ombre à ses copains cannibales. En gros, Hannibal Lecter a le syndrome John Malkovich (syndrome portant le nom d’un acteur qui bouffe tellement l’écran qu’il vole systématiquement la vedette aux autres acteurs dans un film)

Donc rendons justice à ces cannibales tapis dans l’ombre de Lecter, voici Ravenous

Synopsis : 

En pleine guerre américano-mexicaine (milieu XIXè), le capitaine John Boyd (Guy Pearce) est devenu un héros de guerre malgré sa lacheté lors d’un sanglant conflit. Son général, se doutant que l’héroïsme de Boyd est un malentendu, l’affecte dans une garnison perdue au fin fond des forêts enneigées. John Boyd vit ainsi au milieu d’une compagnie constituée de drôles de gus.

Mais la vie de John Boyd prend une tournure inattendue lorsque, avec ses drôles de gus, ils recueillent un nouveau drôle de gus, nommé Colqhoun (Robert Carlyle). Colqhoun, apparement traumatisé, fait le récit de ses mésaventures. Il affirme être le seul parmi ses compagnons de voyage à avoir échappé à un militaire cannibale devenu fou à cause du froid et de la faim.

Ainsi, John Boyd et ses compagnons sont entrainés par Colqhoun dans une enquête afin de démasquer cet assassin en manque de chair humaine.

Sur le film :

Le film avait été remarqué par les critiques lors de sa sortie (surtout en France), mais a été un four commercial (2 000 000$ de recettes pour un budget de 12 000 000$).

Pourtant le film a plusieurs atouts :

casting : attention, casting aux petits oignons, avec Guy Pearce au sang dégueulasse (coucou Durendal =) ), Jeffrey Jones, et Begbie Robert Carlyle, qui est excellent dans ce film

scénario : la grande force du film est sans aucun doute ce twist dans l’intrigue. En plein milieu du film, l’intrigue prend une tournure soudaine, inattendue mais franchement géniale. Je n’en dirai pas plus car je ne fais pas partie de ces gens qui raconte la fin de Sixième Sens à ceux qui ne l’ont pas vu (le film le plus spoilé de tous les temps?)

originalité : ce film se démarque dans un genre aussi éculé que celui de l’horreur grâce à un humour noir qui contrebalance l’ambiance de terreur, et grâce à un traitement riche en sens sur le thème du cannibalisme. Le cannibalisme est traité dans ce film comme une forme de vampirisme, avec une référence à la mythologie amérindienne, via le Wendigo, une créature anthropophage.

Musique : une splendide BO signée Michael Nyman et Damon Albarn (membre de Blur puis Gorillaz, un musicien talentueux, quoi).

Bref, ce film n’a pas mérité aussi peu de reconnaissance, donc foncez le voir =)!

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Mr.Destiny (1990) de James Orr

Au cinéma, dans les séries, et en particulier dans le genre de la science-fiction, on aime les questions qui commencent par “Et si...?” car elles créent des univers parallèles, bouleversent l’espace-temps et des trouzaines de destinées. Bref, les “et si...?” foutent un joyeux bordel qui inspirent bien les scénaristes.

Voici quelques exemples piochés de “et si...?” dans mes souvenirs, la liste est courte et non exhaustive : 

Et si mes parents ne s’étaient pas rencontrés à cause de cet accident de voiture? (Retour vers le futur)

Et si on remontait dans le temps pour tuer Hitler? (Misfits saison 3, épisode 4)

Et si Buffy n’était jamais venue à Sunnydale pour tataner des vampires pendant 7 saisons? (Buffy contre les vampires saison 3,épisode 9)

Synopsis :

C’est justement sur une question commençant par “Et si...?” que repose l’histoire de M.Destinée, une comédie fantastique de James Orr sortie en 1990.

“Et si je n’avais pas raté cette balle lors de ce match de baseball?”

C’est cette question que radote sans cesse Larry (James Belushi) en se remémorant ses 15 ans. Larry est persuadé que sa vie ne serait pas aussi terne si il avait eu cette balle.

Et en plus, Larry passe une journée de merde. Le jour de ses 35 ans, ni sa femme (Linda Hamilton), ni son meilleur pote, ni son père... PERSONNE ne semble se rappeler de son anniversaire. De plus, il se fait virer par son patron (un cliché du boss véreux et sans scrupules). Et, cerise sur le gâteau de la journée de merde, Larry tombe en rade au milieu de nulle part.

En attendant la dépanneuse, Larry rencontre un curieux barman (Michael Caine) dans un pub paumé. Après lui avoir servi une bière, le barman prête une oreille attentive à ce que Larry lui raconte : ses emmerdes, ce fameux match de baseball. Constatant que Larry est sûr et certain que sa vie aurait été meilleure si il avait gagné ce match, le barman lui sert un cocktail magique qui permettra à Larry d’en juger par lui-même. 

Sur le film :

Malgré un casting sympathique (James Belushi, Linda Hamilton, Michael Caine), et un scénario qui aguicherait plus d’un cinéphile, le film est passé inaperçu lors de sa sortie et est vite tombé dans l’oubli. 

Il y a trop peu de films qui réussissent à explorer l’idée d’une vie parallèle. Mr. Destiny le fait sans prétention, mais il le fait bien. La confrontation de Larry à sa vie parallèle est un bon prétexte pour plusieurs gags et situations comiques efficaces, et James Belushi s’en tire bien dans ce rôle. Dans ce film à priori terre-à-terre, le personnage de Mike, le mystérieux barman joué par Michael Caine, ajoute judicieusement une petite dose de magie dans le film.

Bien que le film ait prit un petit coup de vieux (les 90′s dans ta face!), ce film vaut franchement le coup d’oeil. Je ne crie pas au chef-d’oeuvre, mais je trouve dommage que ce film soit aussi méconnu, car ce film sans prétention fait bien son boulot et permet de passer un bon moment de cinéma sans prise de chou.