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I just got a #elekrohansa #gold #blackandwhite #television from the 60s working again. It is a unusual construction. It is in module technology and uses E-tubes and transistors. #vintagetelevision #crt #crttelevision #tellie #Fernseher #schwarzweiß #oldtelevision #glotze #flimmerkiste #crttv #tvset

[gattsbay-blog]

Der Verblödungskrieg

gegen Deutschland

Liebe Leser,

es ist tatsächlich so, dass wir seit gut 70 Jahren in immer dreisterer Weise für dumm verkauft werden. Einen ganz entscheidenden Beitrag, wenn nicht gar den „einzigen“ leistet hier zu das Fernsehen! Die Flimmerkiste ist in vielen Haushalten bereits ein Familienmitglied und inzwischen wird ihr mehr zugehört als dem eigenen Ehemann, Sohn, Partner, etc…

Ich weiß nicht…

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[nest-pas-blog]

Gesehen: Shining (USA 1980)

"All work and no play makes Jack a dull boy" und sonst nichts steht tausendfach auf den Seiten des Manuskriptes des Autors Jack Torrance. Dieser mangelnde Einfallsreichtum ist aber nur das erste Sympton seines Wahnsinnes, nicht wenig später jagt er seine Familie bereits mit der Axt.

Das ist die Kurzfassung von Stanley Kubricks Adaption des gleichnamigen Romans von Stephen King. King selbst mochte die Verfilmung nicht sonderlich. Zuviel sei verändert worden, klagte er, Kubrick erlaubt sich nämlich die unverzeihliche Sünde, eigene Interpretationen zu verarbeiten anstatt sich sklavisch an Kings Vorgabe zu halten. Mir ist das Recht, denn ich habe nicht sonderlich viel für King übrig und verehre Kubricks Filme. In diesem Sinne wird das hier eine ziemlich vorhersehbare Rezension.

Schon an der Besetzung der Rolle des Jack Torrance mit Jack Nicholsons mäkelte King herum, denn man kannte ihn zu dieser Zeit vor allem aus "Einer flog übers Kuckucksnest", und King befürchtete, die Zuschauer würden schon von Beginn an annehmen, das der Protagonist wie im vorherigen Film dem Wahnsinn anheimfalle. Hier übersieht er, dass Horror nicht zwangsläufig mit Überraschung verbunden sein muss, denn obschon vorhersehbar, steht Nicholsons Darstellung in einer Reihe mit so illustren Irren wie Norman Bates oder Hannibal Lecter.

Ein weiterer großer Mangel aus Kings Sicht war die totale Verschiebung der Rollen. Er habe das verspukte Hotel, indem das Grauen seinen Lauf nimmt, als Hauptfigur vorgesehen, Kubrick hingegen spricht dem Kasten sämtliche Persönlichkeit ab und konzentriert sich auf den mordlustigen Familienvater. Die übernatürlichen Elemente werden im Film auf ein Minimum zurechtgestutzt, und das tut ihm gut, denn je realistischer, desto wirksamer ist der Horror. Bei Kubrick weiß man es nicht: Ist es Spuk?, ist es der Alkoholmissbrauch?, ist es das Trapperfieber? Was davon zerrüttet Jacks Geist wirklich und was bildet er sich als klassischer "unzuverlässiger Erzähler" nur ein? Bei King werden die Erklärungen gleich mitgeliefert, und das nimmt dem Grauen den Stachel. In der Verfilmung gibt es abgesehen vom titelgebenden "Shining", der telepathischen Fähigkeiten von Jacks Sohn Danny, nur eine einzige Stelle, die sich unserer Erklärung entzieht, nämlich wie Jack aus dem verriegelten Vorratsraum, in den seine bedrohte Frau ihn einsperrte, entkommen kann. So wird die Geschichte zum möglicherweise realen Szenario erhoben, und außerdem sind die Deutungsmöglichkeiten Legion. Jeder kann in dem Film sehen, was er will, wahlweise eine Geistergeschichte, eine Studie über Einsamkeit, die Geschichte einer zerfallenden Familie oder eben sogar eine Stephen-King-Verfilmung.

Genial wie immer bei Kubrick ist der Gebrauch von Musik. Eines der verstörendsten Themen ist György Ligetis Lontano, gegen das sich etwa Careful with that Axe, Eugene, Pink Floyds Klassiker der erschütternden Musik, wie das Werk eines dilettantischen Stümpers ausnimmt.

Nicht nur erzählerisch, sondern auch technisch ist der Film ein Meilenstein. Erstmals wurde in großem Maßstab die Steadycam verwendet, eine mobile Kamera, die über mannigfaltige Mechanismen zur Stablisation verfügt. Zuvor konnte fast nur mit Stativ oder Kameraschlitten gearbeitet werden, Einstellungen wie die lange Autofahrt zu Beginn waren kaum möglich.

Shining muss auch immer wieder als Beweis für Kubricks Perfektionismus hinhalten, und das zu Recht. Shelley Duvall, die Jack Torrances unterwürfige Frau gibt, wurde so sehr von Kubrick gefordert, dass sie über Monate hinweg aufgrund von Krankheit ausfiel. Das Drehbuch war ständigen Änderungen unterworfen, Jack Nicholson warf die Exemplare, die man ihm gab, sofort weg, da sie sowieso wieder geändert würden, und lernte seine Dialoge oft nur Minuten vor dem Dreh.

Einige der Szenen gehören zu denen mit den meisten Takes in der Filmgeschichte, Rekordhalter ist entweder (die Angaben variieren) die, in der der alte Hotelkoch Danny über das Shining aufklärt oder die, in der Jack die Badezimmertür einreißt. Diese Tür war übrigens ungeachtet der gängigen Praxis echt. Zunächst hatte man eine Papptür verwendet, doch Nicholson, der in der freiwilligen Feuerwehr war, zerstörte sie viel zu schnell.

So angespannt das Verhältnis zu den meisten Schauspielern auch war (nach zig Wiederholungen des Mordes am Hotelkoch brach Scatman Crothers, dessen Darsteller, zusammen und rief verzweifelt: "What do you want, Mr. Kubrick?"), so sehr war Kubrick um das Wohlergehen Danny Lloyds, der den gleichnamigen Sohn der Torrances verkörpert, besorgt. Der ganze Stab ließ ihn nichts über das Thema des Filmes erfahren, jahrelang glaubt der damals Sechsjährige, in einem Drama mitgespielt zu haben. Erst mit siebzehn, elf Jahre nach den Dreharbeiten, sah er eine ungekürzte Version. Im Gegensatz zu anderen Kinderstars hat er übrigens den rechtzeitigen Absprung aus dem Filmgeschäft geschafft, noch bevor er nicht mehr niedlich war, und arbeitet heute als Physiklehrer.

Die eingangs erwähnten Seiten, über und über mit einem einzigen Sprichwort bedeckt, waren sämtlicherweise handgetippt. Kubrick, der ewige Perfektionist, weigerte sich, Kopien zu verwenden und in mühseliger Kleinarbeit mussten Helfer jede Seite einzeln auf der Schreibmaschine tippen, und das auch noch in verschiedenen Sprachen für ausländische Filmversionen. Auf der deutschen DVD-Edition wird dieses Feature allerdings aus unerfindlichen Gründen nicht unterstützt, dort liest man weiterhin "All Work and no play makes Jack a dull boy" statt dem eigentlich vorgesehenen "Was du heute kannst besorgen, das verschiebe nicht auf morgen".

A propos, den große Saal, in dem Jack zu schreiben pflegt, ereilte noch während der Dreharbeiten und feuriges Ende. Das gesamte Interieur wurde im Studio nachgebaut, und um die Illusion eines sonnigen Schneetages zu erzeugen, donnerten 700.000 Watt Scheinwerferlicht auf jedes der Fenster. Glücklicherweise waren die in diesem Raum spielenden Szenen bereits fertiggestellt, und die abgebrannte Ruine wurde später wieder für die Schlangengrube in "Jäger des verlorenen Schatzes" wiederhergestellt.

Alles in allem ein brillanter Film, nicht unbedingt Kubricks bester, aber das heißt lediglich, nur mit zehn statt wie sonst zwölf von zehn möglichen Punkten zu bewerten.

[nest-pas-blog]

Gesehen: Metropolis (D 1927)

Fritz Langs Metropolis ist wohl einer der meistzitierten, einflussreichsten Filme aller Zeiten. Neulich sah ich ihn zum dritten Mal, und obwohl der Streifen für heutige Verhältnisse häufig recht zäh ist, macht es immer wieder Spaß. Metropolis, so wie andere Filme seiner Zeit, hat einige Eigenheiten, die es nicht mehr gibt und wohl auch nicht mehr geben wird. Etwa, wie man ständig rätseln kann, wie dieser oder jener Trick wohl entstanden ist (Heute fällt die Antwort leicht: Der Computer war's). Das fängt bei ikonischen Szenen wie der Verwandlung des Maschinenmenschen an und hört bei so einfachen und eigentlich selbstverständlichen Stilmitteln wie Überblendungen noch längst nicht auf.

Außerdem kann man selbst die unsinnigsten Clichés ignorieren, denn 1927 waren sie noch alle neu und unverbraucht. Wenn sich Türen in einem modernen Film von selbst öffnen, ist das entweder ironisch gemeint oder bringt uns nicht einmal zum Gähnen, aber ihn Metropolis trägt das zur Spannung bei. Ich weiß nicht, ob es anderen auch so geht, dass man beim Ansehen des Filmes sämtliche gelernten Stereotypen vergisst, aber bei mir ist das so.

Für diejenigen, die den Film nicht kennen, hier eine kurze Zusammenfassung der Handlung: In einer fernen (von 1927 aus gesehen) Zukunft trennt sich die Gesellschaft in ein Heer von Arbeitern und eine reiche Oberschicht. Über die Stadt Metropolis gebietet der Industrielle Joh Fredersen, dessen Sohn Freder allerdings auf Abwege gerät und der Arbeiterfrau Maria in die unterirdischen Armenviertel, wo er das Leid der Proletarier kennenlernt. Indessen erfährt Joh Fredersen von einer Verschwörung der Arbeiter und sucht den Erfinder Rotwang auf, dessen neueste Kreation, ein Maschinenmensch (das Wort "Roboter" war erst sieben Jahre zuvor erfunden worden und noch nicht sehr verbreitet), den Aufstand im Keim ersticken soll. Doch jeder kocht sein eigenes Süppchen: Einst spannte Fredersen Rotwang seine geliebte Hel aus, die dann bei Freders Geburt starb. Der darüber übergeschnappte Wissenschaftler instruiert seinen Roboter deshalb, die Arbeiter erst recht aufzurühren, wohl wissend, dass die Stadt untergehen werde, wenn die Maschinen unter Metropolis, die den Laden am Laufen halten, nicht mehr bedient würden.

Dem Maschinenmenschen gibt er die Erscheinung Marias, der Arbeiterführerin. Seinem Schöpfer gleich ist das Gerät, wie zu erwarten, nicht ganz knusper und läuft unkontrolliert Amok. Die echte Maria ist Gefangene Rotwangs, die Bevölkerung von Metropolis todgeweiht und überhaupt ist das ein guter Zeitpunkt, um die Zusammenfassung zu beenden (man will ja nicht zuviel verraten).

1927 war der Film ein völliges Fiasko. Die Kritik verriss, das Publikum mied ihn und so wurde er bloß in einem einzigen Kino aufgeführt, nach etwa 15.000 Besuchern war dann erstmal Schluss. Das Debakel wurde dadurch verschärft, dass Metropolis seinerzeit der mit Abstand teuerste und aufwändigste Film aus deutscher Produktion war. Die UFA stand am Rande des Ruins.

Gründe für den Misserfolg waren ideologischer Natur. Eigentlich sollte die Botschaft des Filmes, eine Versöhnung zwischen den Gesellschaftsschichten sei möglich, Menschen aller Couleur ansprechen, doch das Publikum rieb sich stattdessen an der Prämisse auf, der technische Fortschritt bedinge Entfremdung, beende Moralvorstellungen und führe schlussendlich zu einem mittelalterlichen Menschenbild zurück. Das war ziemlich unzwanzigerjahremäßig und so wurden die meisten Filmkopien vernichtet (aus Platzgründen, aber auch, weil das Filmmaterial extrem brandgefährlich war). Die nächsten 80 Jahre lang wurde nur noch die amerikanische Fassung gezeigt. Der Cutter, ein gewisser Channing Pollock, verstand den Film nicht und schnippelte munter drauf los, um aus der Sozialkritik eine Frankensteinstory zu stricken. Etliche Nebenfiguren wurden entfernt, die Motive der Protagonisten waren in der verstümmelten Fassung nicht mehr nachzuvollziehen und auch des Kommunismus verdächtige Handlungsstränge fielen der Schere zum Opfer. Lang, auf Metropolis angesprochen, sagte später, er äußere sich nicht zu einem Film, der nicht mehr existiere. Die Originalversion galt als unwiederbringlich verloren.

2010 dann entdeckte man in einem Filmarchiv in Buenos Aires eine fast vollständige Kopie der Urfassung. Die Umstände dieser Wiederentdeckung sind ziemlich schräg und wird in der Dokumentation Die Reise nach Metropolis ausführlich beleuchtet. Seht sie euch beizeiten mal an, die Geschichte ist deutlich interessanter als die durchschnittliche Doku zum Film.

Sensation! Endlich war der verloren geglaubte Film wieder vollständig zu sehen. Charaktere wie der Schmale, Joh Fredersens skrupelloser Handlanger (siehe oben) oder der tragische Subplot um die von zwei Männern geliebte Hel waren zuvor völlig unbekannt.

Nicht jeder wird diesen Film sofort mögen. Expressionistische Stummfilme sind mit einigen ihrer Marotten ziemlich gewöhnungsbedürftig. Gedanken und Gefühle können nicht erklärt werden, man muss sie darstellen, und so greift sich der verliebte Freder manisch ans Herz und verharrt in dieser Pose, bis der Zuschauer seine Seelenpein auch mitbekommen hat. Maria, von Rotwang zu Tode erschreckt, rauft sich mit weit aufgerissenen Augen die Haare. Nebenprodukt dieses zwanghaften Overactings ist die Figur des verrückten Wissenschaftlers, wie wir ihn kennen. Rudolf Klein-Rogge als Rotwang hat all die Eigenschaften, die wir heute dieser Rolle zumessen, definiert und erfunden. Die wirre Frisur, die manischen Grimassen, das irre Gelächter - das alles wurde 1927 erstmals auf die Leinwand projeziert. Als besonderes Bonbon ist die Rolle unterhalb dieser Merkmale exzellent ausgearbeitet, Rotwang ist nicht einfach zum Selbstzweck übergeschnappt, sondern ist über dem Verlust seiner geliebten Hel langsam, doch unrettbar in den Wahnsinn abgeglitten, der aber kein plakativer, stets offensichtlicher Wahnsinn ist, sondern ein wohldosierter, der hinter verschlossenen Türen stattfindet und sowohl für kühles, berechnendes Genie als auch für tiefe Tragik ausreichend Raum lässt.

Größtes Manko von Metropolis sind die vor Schmalz triefenden Stellen besonders gegen Schluss. Drehbuchautorin war Thea von Harbou, damals Fritz Langs Ehefrau, deren Geschmack er darum wohl auch nicht ständig ignorieren konnte. Er selbst war sich der Schwächen des Filmes bewusst (wohl auch, weil die Ehe nicht lange hielt). Von Harbous Vision, mit dem Film eine tatsächliche Veränderung im Umgang zwischen Kapitalisten und Arbeitern herbeizuführen, tat er jahrzehntelang als romantische Träumerei ab, und wer mag es ihm verdenken? Die Botschaft aus ihrer Feder, die dem Film als Leitspruch und -motiv vorangestellt ist: "Mittler zwischen Hirn und Hand muss das Herz sein", kommt ja auch wirklich ziemlich flach rüber für einen sonst so virtuos komponierten Film.

Erst als Lang auf seine alten Tage noch das Aufleben der Hippiebewegung erlebte, kam er zu dem Schluss: "… und da wundere ich mich also: Vielleicht hat die Harbou zum Schluss doch hundertprozentig recht gehabt."

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Gesehen: The Big Lebowski (UK, USA 1998)

Zu Recht ein Kultfilm. Für Spoiler auf "Weiterlesen" klicken.

Sieh selbst.

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Gesehen: Outlander (D, USA 2008)

Mein Onkel Bert hat eine ausgesprochene Vorliebe für absoluten Trash. Es war deshalb völlig unstrittig, dass wir heute abend "Outlander" sahen.

Ich fasse mich kurz: Freunde gepflegter Wikinger-versus-Aliens-Splatterepen werden voll auf ihre Kosten kommen. Allerdings im Wesentlichen auch nur die. Na gut, wenn sonst nichts kommt, seht ihn euch ruhig an. Es erwartet euch ein typisches Wikinger-versus-Aliens-Splatterepos, nicht mehr und nicht weniger.

Klar, historische Akuratesse wird mit den Füßen getreten, brutal vergewaltigt, gehenkt, ausgeweidet und gevierteilt, nochmal vergewaltigt und dann in ungeweihter Erde vergraben. Die Charakterzeichnung ist herausragend unter den Wikinger-versus-Aliens-Splatterepen, soll heißen: Etwas davon findet statt. John Hurt gibt einen großartigen nordischen König ab (aber was bei Odins Bart macht der Kerl in so einem Film!?), James Caviezel, der außerirdische Retter (der ein für Außerirdische ganz hervorragendes Norwegisch spricht und rein zufällig ziemlich menschlich aussieht), muss der schönen Prinzessin nicht allzu nahe kommen (Das verbietet sein strenger katholischer Glaube, so wie sein Glaubensbruder Patrick McGoohan anno dunnemals niemals Schusswaffen vor der Kamera benutzte.), und die restlichen Wikinger rangieren zwischen blechern gespielt und ganz lustig. Das Alien ist ganz brauchbar.

Die Entstehung dieses merkwürdigen Genres ist fast so unterhaltsam wie der Film selbst: Ursprünglich war einfach eine Verfilmung der Beowulfsaga angedacht. Regisseur und Drehbuchmitautor Howard McCain (sollte man nicht kennen) jedoch fand Monster zur Wikingerzeit unglaubwürdig, und zog die wesentlich glaubwürdigeren Aliens vor. Heraus kam der Welt erster Wikingerfilm mit Atombomben in einer Nebenrolle.

Alles in allem eben ein typisches Wikinger-versus-Aliens-Splatterepos.

[nest-pas-blog]

Gesehen: Monster vs. Aliens (USA 2009)

Bei Animationsfilmen bin ich immer ziemlich voreingenommen. Viele versuchen, eine schwache Geschichte mit tollen Bildern zu übertünchen, oder können im schlimmsten Fall nicht einmal die vorweisen. Unvermeidlich ist der nervige Sidekick, und statt professioneller Sprecher pflegt man lieber auf prominente Namen zu setzen.

Monster vs. Aliens gelingt es nicht ganz, diese Schwächen zu überwinden, aber sie werden hervorragend abgeschwächt. Der nervige Sidekick ist relativ sympathisch und trägt erfreulich wenig zur Handlung bei, darf sogar über weite Strecken schweigen. Der prominente Name ist Oliver Kalkofe, der aber als Radiojournalist weiß, wie man synchronisiert.

Die Handlung ist schnell zusammengefasst: Susan, eine ganz normale junge Frau, wird kurz vor ihrer Hochzeit von einem Meteoriten getroffen und mit einer außerirdischen Substanz kontaminiert, die sie zur Riesin mutieren lässt. Hier schaltet sich das Militär ein und schafft sie in eine geheime Einrichtung, wo die titelgebenden Monster von der Öffentlichkeit ferngehalten werden. Es treten auf: Ein riesiger Mothra-Verschnitt, ein narzisstischer Fischmensch, ein Gallertklumpen und der geniale, aber infolge eines fehlgeschlagenen Experimentes zur Kakerlake mutierten Dr. Kakerlake (wie einfallsreich!). Wenig später werden die Monster jedoch freigelassen, nachdem der megalomanische Außerirdische Gallaxhar die Erde zu erobern gedenkt und es insbesondere auf das Material, das Susan zur Riesen werden ließ, abgesehen hat.

Die Story als solche folgt gängigen Mustern und die Figuren entsprechen den klassischen Rollen des Genres, vielmehr lebt der Film von den vielbesungenen kleinen Details und einer vorbildlichen Selbstironie. Etwa von der Szene, die die oben erwähnte Voreingenommenheit beseitigte, als nämlich der auf die Erde zurasende Meteorit entdeckt wird und der Geheimdienst mit "Code Nimoy!" verständigt wird. Kenner der Klassiker werden eine frappierende Ähnlichkeit des War Rooms mit dem aus Stanley Kubricks Dr. Seltsam bemerken, und der Präsident tritt auf wie eine Figur des von mir sehr geschätzten Manfred Deix. Der Antagonist, der außerirdische Imperialist Gallaxhar, ist kein sonderlich einfallsreicher Bösewicht, erfüllt aber seine Aufgaben ganz passabel. Schlecht gezeichnet wurde Susans Verlobter - natürlich ein Arschloch, aber ein zu offensichtliches, um nachvollziehen zu können, was sie überhaupt an ihm findet.

Insgesamt ein recht liebenswerter, wenn auch nicht außergewöhnlicher Film. Das Bild ist exzellent, die Dramaturgie bewährt und ohne Experimente. Nur das Ende kommt ein wenig zu schnell und ist etwas unbefriedigend - Ich hätte so gerne noch Escargantua gesehen! - aber hier waren offensichtlich Leute am Werk, die ihr Handwerk verstehen.