Dec 7, 2025
Diseño de tatuaje galáctico psicodélico
Tatuaje De Galaxia #tatuaje psicodélico #galaxia #colores vibrantes #viaje espacial #diseño de tatuaje #estilo artístico #diseño original #arte abstracto #psicodelia #impacto visual
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Diseño de tatuaje galáctico psicodélico
Tatuaje De Galaxia #tatuaje psicodélico #galaxia #colores vibrantes #viaje espacial #diseño de tatuaje #estilo artístico #diseño original #arte abstracto #psicodelia #impacto visual
Fashion Look con Photoshop.
Cuando se habla de modas o estar a la moda, casi siempre viene a nuestra mente las super modelos, con sus peinados, vestimenta, accesorios y maquillaje. Antes de prestarle más atención a la fotografía, la moda y sus modelos formaban parte de un enfoque comercial, desde mi punto de vista.
Ahora pienso diferente, más aun que admiro el trabajo de edición que realizan las revistas en los rostros y cuerpo de las modelos…es un trabajo muy interesante.
Hoy vamos a desarrollar un tutorial paso a paso para tratar de imitar el tipo de apariencia que vemos en las revistas de moda, se trata de una secuencia de pasos que podría parecernos complicada, pero que en realidad solo es un poco larga.
El objetivo es crear un ambiente lleno de luz y terso.
Requerimientos
Para este tutorial, vamos a necesitar una fotografía en la cual la iluminación sobre el rostro nos ayuda a obtener la mayor nitidez en rasgos y detalles, como son las pestañas, los ojos, los labios, el comienzo del cabello en torno a la cara.
Este nivel de detalle también expone las imperfecciones en el rostro de la modelo, así que deben “limpiar” el área de trabajo, para lo cual pueden usar la técnica explicada en este otro artículo:
Retoque fotográfico de la piel con Photoshop.
Pasos.
1.- Una vez que han realizado el proceso de limpieza, estarán listos para empezar:
2.- Centraremos nuestra atención en la piel, así que lo primero será seleccionar la piel para poder trabajar de forma selectiva; del menú selección, hagan clic en la opción Gama de colores, para abrir esta ventana de dialogo:
3.- Una vez que se ha abierto la ventana, y que la han configurado como se muestra en la imagen anterior, muevan el mouse hacia la piel (sin cerrar la ventana), presionan la tecla SHIFT y sin dejar de presionarla, hagan clic sobre las áreas de la piel con diferentes tonalidades. Al terminar hagan clic en aceptar y si detectan que se han seleccionado zonas de la imagen que no son piel, seleccionen la herramienta de brocha de selección, hagan clic en el modo de eliminar selección y con mucho cuidado pasen la brocha sobre las zonas que no desean modificar.
A pesar que la versión CS6 tiene un modo especial para la piel, no lo usaremos.
4.- Una vez que tiene las zonas que desean editar, seleccionen la opción que les indica:
5.- Ajusten el radio de desvanecimiento a un valor bajo, por ejemplo 10:
7.- Para poder trabajar únicamente sobre la piel, vamos a crear una nueva capa con el área seleccionada, pulsen las teclas CTRL+J y llamen a la nueva capa piel:
8.- Lo siguiente será aplicar un filtro de desenfoque de superficie, para suavizar la apariencia:
9.- en la ventana de dialogo ajusten u radio de 85 y un umbral de 50; tengan paciencia, este proceso puede resultar lento:
10.- cuando termine, seleccionen la opción descubrir todas del menú capa:
11.- Para devolverle la nitidez al rostro, así como sus detalles y contornos, usen una brocha suave y pinten sobre los contornos de la piel, cerca de los ojos, la nariz, las cejas, el comienzo del cuero cabelludo, etc.
12.- Una vez que han terminado, hagan clic de nuevo sobre el icono de la piel pulsando la tecla CTRL, para volver a seleccionarla:
13.- Nuevamente creamos una capa con la selección pulsando las teclas CTRL+J y llámenla lista, esta capa la vamos a necesitar al final:
14.- Para continuar con el proceso, necesitamos una nueva capa, pero deben rellenarla con un color RGB:
15.- Durante el proceso de suavizado de la piel, perdimos detalles y poros, así que vamos a añadirle un poco de ruido:
16.- Y un poco de detalle:
Observación: Empiecen con estos valores y vean como luce con su fotografía.
17.- Para que se aplique sobre la fotografía únicamente cambien el modo de la capa a Luz suave:
18.- Para eliminar esta porosidad de las zonas que no deseen que lo adquiera agreguen una máscara y con la brocha pinten sobre estas áreas:
19.- El toque final consiste en recuperar el brillo y el contraste de la imagen, para hacerlo de forma selectiva vamos a cambiarnos al panel de Canales y pulsando la tecla CTRL hacemos clic sobre el icono de la imagen, para seleccionar las zonas correspondientes:
20.- Regresamos al panel de capas, seleccionamos la capa sobre la que estábamos trabajando y pulsamos las teclas CTRL+J, para crear una nueva capa, con las áreas seleccionadas:
21.- Del menú capa, seleccionamos la opción Mascara de capa y después Descubrir todas:
22.- En este paso deben tener mucho cuidado de tener seleccionado el icono de la izquierda, para llenarlo de Blanco con el menú editar:
23.- Ya mero terminamos. Vamos a ajustar esta capa, con la opción niveles:
Observación: Este ajuste depende de la luminosidad de su fotografía, por lo que será necesario que jueguen un poco con los niveles y con la opacidad de la capa, hasta obtener el resultado que les guste.
24.- Ahora vamos a seleccionar la capa que creamos en el paso 13 y que denominamos lista, y la vamos a duplicar pulsando CTRL+J y después la arrastramos y la colocamos sobre todas las capas. Para controlar el efecto disminuyan la opacidad:
25.- Vamos a hacer ajustes en el color, agreguen una nueva capa de ajuste:
Sombras:
medios tonos
iluminaciones:
Observación: Nuevamente será necesario que prueben los valores que mejor le funcionen a su imagen.
Comentario Final.
El ajuste es muy sutil, al ver el resultado final podrán observar ciertos detalles por ejemplo: en la tersura de la piel, en torno a los ojos, sobre la piel hay cierta luminosidad que no tenía, etc.
Tal vez les parezca demasiado trabajo pero este tipo de ajustes, no se puede realiza con una sola herramienta o en 3 pasos; al final yo disfrute mucho realizando este tutorial y estoy satisfecho con el resultado…les invito a probarlo, no sean flojos.
Suerte.
El momento de la verdad.
Podemos leer todos los libros sobre técnicas fotográficas, podemos asistir a todos los cursos que podamos costearnos, podemos visitar todos los Blogs y sitios donde encontremos material sobre fotografía…y solo conseguiremos aprender las bases, adquirir algunos consejos de expertos y de otros principiantes.
El momento de la verdad, es cuando nosotros tenemos la cámara ante nuestro ojo y debemos hacer algunas decisiones para obtener la mejor fotografía posible…estamos solos!.
Decisiones.
Fracciones de segundo después que hemos encendido la cámara, porque algo llamo nuestra atención, empezamos a pensar lo que vamos a hacer, mentalmente revisamos los parámetros que se necesitan ajustar para captar esa escena.
Algunos dicen que sucede de forma intuitiva, que ni siquiera piensan en nada, simplemente al ver la luz que baña los objetos y personas, saben de inmediato que hacer.
Incluso aquellos que afirman proceder de esa forma llevan a cabo decisiones valiosas, que deben hacerse lo más rápido posible, porque a menos que nos encontremos en un estudio, nosotros no controlamos la luz o los elementos.
Repaso mental.
Cuando empecé con este Blog, fue precisamente cuando me empecé a cuestionarme sobre lo que debería saber antes de poder presionar el botón del disparador. Quería saber que cruzaba por la mente de un fotógrafo profesional cuando apuntaba y disparaba.
Con el paso del tiempo he desarrollado una rutina personal, que repaso mentalmente cada vez que voy a fotografiar algo o alguien. Si son principiantes y aun se sienten un poco perdidos cuando colocan la cámara frente a su ojo y observan a través del pequeño recuadro la imagen que será captada, entonces este articulo puede serles de utilidad.
Importa el orden?
Imaginen que cada acción corresponde a una palabra, y que según el orden en que las coloquemos enviaremos un mensaje diferente; el orden e incluso los ajustes que realicemos son nuestra forma de decir las cosas, son nuestra forma de expresarnos.
Cada uno de nosotros tiene su forma de expresarse y tiene un mensaje importante que transmitir, lo único que necesitamos es encontrar las palabras correctas; pero para poder emplearlas apropiadamente debemos saber lo que significan.
Palabras para expresarnos y decisiones que debemos hacer.
Encuadre.
El mundo se desarrolla en tercera dimensión, como participantes podemos mirar en cualquier sentido, desde cualquier ángulo, donde sea que se deslice nuestra vista hay posibilidades de crear una imagen.
1.- Como fotógrafos contamos únicamente con un pequeño cuadro de dos dimensiones, en el cual podemos incluir más o menos contenido de la escena, únicamente cambiando la longitud focal.
2.- Este cuadro en realidad es un rectángulo, por lo tanto podemos cambiar la orientación de la cámara para que la imagen sea captada de forma horizontal o vertical.
3.- Desde nuestro punto de vista, podemos cambiar el ángulo, la perspectiva, la distancia entre lo que queremos captar y nosotros; unos cuantos grados, unos cuantos pasos, unos cuantos centímetros pueden hacer la diferencia.
Composición.
Simplificando lo que pudiera resultar tan complejo de explicar y tan controvertido de acordar, en este punto prefiero limitarme a considerar lo que se incluye en la fotografía y lo que se excluirá.
4.- Al ubicar en nuestro pequeño cuadro lo que vemos, debemos considerar donde juega un papel con mas armonía, en qué punto interactúa con los demás elementos presentes en la imagen con un papel protagónico.
5.- Debe estar aislado, o debe visualizarse en un lugar único dentro de nuestra imagen.
6.- Nuestra escena tiene profundidad, hay un primer plano, un área de enfoque (donde se encuentra lo que queremos fotografiar) y un tras fondo.
7.- Se trata de mantener un equilibrio en la relación de los objetos, las personas y todo lo que hemos considerado incluir.
Exposición.
Todas las fotografías tienen un punto de atención, se trata de la zona donde el enfoque luce más nítido, otorgándole a ese elemento de la imagen el papel principal.
8.- Enfocar algo consiste en captarlo con mayor nitidez, la profundidad del campo estará relacionada a la apertura que estemos usando; a mayor apertura, mas luz dejaremos entrar, pero también disminuirá la profundidad de la zona nítida.
9.- Aun que pueden pensar que las fotografías con la exposición perfecta son las mejores, en la vida real no es así, las personas responden con mayor interés en aquellas imágenes donde nos atrevemos a jugar creativamente con la velocidad del disparo, y con la apertura.
10.- Conforme he aprendido a usar el modo manual, me he aventurado a captar escenas con un ISO, una Apertura y una velocidad de disparo que no son precisamente un ejemplo de una perfecta exposición.
Después de todo lo que hicimos, en el momento en que ajustamos estos tres valores, es cuando realmente decidimos como lucirá nuestra imagen, decidimos la luz y las sombras que formaran parte de nuestra fotografía.
Comentario final.
No quise escribir un artículo con pasos técnicos, y valores a establecer, porque creo firmemente que la creatividad debe desarrollarse para obtener nuestra propia visión fotográfica. Cada fotógrafo tiene algo que decir, cada fotógrafo toma sus propias decisiones.
Cuando leemos como piensa otro fotógrafo, tenemos la oportunidad de compara nuestro propio proceso mental.
Suerte.
Expresar nuestra visión de la imagen con Lightroom.
Cuando se habla de herramientas para retocar o editar nuestras fotografías, podemos leer libros enteros sobre cada una de sus funcionalidades, sobre el significado de los términos que se emplean para nombrar esos controles sobre los diferentes paneles, sobre la explicación técnica, etc.
Sin embargo no he leído ninguno, que nos diga como emplear estas herramientas para expresarnos…así es traducir nuestra visión fotográfica en ajustes desde esta aplicación.
Introducción.
En este artículo tengo la intensión de despertar en ustedes la curiosidad que les motive a explorar su herramienta. En este caso es Lightroom, voy a darles una breve introducción a algunos de los controles dentro de los primeros 3 paneles del modulo de revelado.
Pretendo hacerlo con una visión más artística que técnica, hablándoles de lo que podemos lograr al deslizar un control. en busca de nuestra visión fotográfica.
La explicación técnica suele ser muy fría, sin que podamos identificar cual es la motivación artística de tras de cada ajuste.
A continuación algunos ejemplos:
De tras de cada ajuste.
Temperatura del color.
Cuando deslizamos alguno de los controles que tiene nuestra herramienta de edición, estamos afectando la impresión que recibirá el observador al estar frente a esta imagen.
Cada uno de los controles en Lightroom modifica algún aspecto de la imagen, desde la exposición, hasta la saturación de los colores presentes en la imagen.
Por ejemplo si deslizamos el control de la temperatura del color hacia la derecha estaremos creando un ambiente más cálido, mientras que si lo hacemos en el otro sentido el ambiente seria frio.
Exposición.
Cada fotógrafo tiene su propia visión, mientras que alguno pude parecerle más interesante una fotografía con un valor de exposición ligeramente desviado hacia la izquierda, para crear una atmosfera más dramática, misteriosa y oscura.
A otro podría parecerle más atractivo llenar de luz el ambiente para desvanecer las sombras y permitirle al observador disfrutar de todas las texturas y los colores en un ambiente etéreo, luminoso.
Después de todo, la misma escena puede enviar dos diferentes mensajes, según quien haya sido el creador de la imagen.
Presencia.
En Lightroom se usa el control de presencia para resaltar los detalles, para lograr que los bordes y contornos de los objetos sean más visibles.
Sin embargo, no a todos les parece atractivo ese efecto, a algunos podría parecerles más estético, desvanecer esas líneas, suavizar hasta casi desaparecer los límites entre las diferentes zonas o colores que tiene la imagen.
La viveza.
Los colores en la imagen representan un elemento que aporta valor grafico al mensaje que queremos enviar; hacer los colores más brillantes, más intensos tiene un impacto inmediato en la atención de quien observa
Aun que también al desvanecer su intensidad hasta convertirlos en escala de grises, o permitiendo que selectivamente uno o más colores conserven su esencia, puede crear una fotografía con un impacto visual único.
Blanco y Negro Clásico.
Con Lightroom no nos sentiremos limitados al convertir una imagen que captamos en color a escala de grises, porque a pesar que estaremos viendo una fotografía en Blanco y Negro, para Lightroom no se trata de una imagen clásica, se trata de una imagen digital a color, a la que le hemos cambiado únicamente la saturación del color, pero los colores siguen presentes en la fotografía..
Por lo tanto, nos permite ajustar los diferentes tonos del gris representados por los diferentes colores que se han transformado.
La curva de tonos.
Su principal función es permitirnos controlar el contraste de ciertos tonos específicos. Si somos observadores de seguro hemos visto el control deslizable denominado Contraste en el panel básico:
Este control aumenta o disminuye el contraste de forma general a toda la imagen.
La curva de tonos nos presenta un histograma que como todos ya han de saber, representa las diferentes tonalidades que se han encontrado en nuestra imagen.
Al ajustar esta curva estamos tomando el control de los valores tonales de las diferentes regiones de la imagen, podemos aumentar o disminuir las sombras o aumentar o disminuir las zonas luminosas en la imagen.
Comentario Final.
Lightroom es una herramienta de expresión artística, un fotógrafo que logre entender cada uno de los paneles y controles que se puede ajustar en ella, estará logrando una nueva habilidad, que le permitirá aumentar el impacto visual que su imagen puede lograr al ser admirada.
Algunos consideran a Lightroom el hermano menor de Photoshop, y en parte tiene razón; la diferencia radica en el enfoque de la herramienta:
Lightroom fue creado pensando en los fotógrafos, en su flujo de trabajo, pretende ser una herramienta fácil de usar.
Créanme cuando les digo, que a veces yo mismo me asombro, de lo que he logrado, al usarla en mi flujo de trabajo diario.
Suerte.
El ángulo de la toma.
Cada uno de nosotros ve la vida desde una altura que se rige por nuestra estatura, si estamos sentados, acostados o de pie, tendremos un ángulo de visión diferente de la misma escena, por ejemplo nuestra recamara. Al desplazarnos por la vida, nos movemos mirando el mundo desde la altura que nuestras posibilidades lo permiten…
Fotógrafo: Jeff Sullivan
Se han imaginado como seria ver la vida desde otro ángulo…
Punto de vista normal.
Se dice que una fotografía fue tomada desde un ángulo normal, cuando nos paramos frente a lo que queremos captar, si es un retrato nos ubicamos al nivel de los ojos, con la lente paralela al piso. Esto quiere decir que nosotros nos colocaremos a la altura necesaria, si se trata de un niño simplemente nos agachamos y si es alguien muy alto, nos subiremos en un banquillo.
Este tipo de fotografías nos ofrece una imagen sin distorsiones, donde podemos identificar de inmediato el sujeto principal, es una imagen descriptiva, estándar…sin embargo suele ser considerada una imagen poco original.
No me mal entiendan, algunas fotografías deben ser captadas de esa forma, por ejemplo un retrato para usar en un pasaporte, la fotografía de un presidente para colocar en las oficinas de gobierno, etc.
Cambiar el punto de vista.
Para crear algo diferente solo debemos cambiar el ángulo desde el cual estamos captando la imagen; pero debemos hacerlo consientes de las implicaciones visuales que se derivan de ese cambio.
Cuando digo cambiar el ángulo de la visión, me refiero a hacerlo usando la misma lente que estábamos empleando en el otro ángulo; ya que si cambiamos la lente, estaremos cambiando el ángulo visual que nos permite esa lente, o sea el área que se incluirá en la fotografía.
Si mantenemos la misma lente, y cambiamos nuestro punto de vista, la lente dejara de estar perpendicular al piso, creando nuevas oportunidades de composición. En el proceso nos desplazamos más abajo, a la izquierda, más cerca, hacemos lo que sea necesario hasta obtener un punto de vista que nos parezca más afortunado y original.
Cuando nos atrevemos a hacer este cambio de perspectiva, lo hacemos en la búsqueda de un mejor ángulo de lo que estamos fotografiando, un ángulo que cambie el mensaje que queremos enviar.
Ángulos principales.
Dentro de la fotografía y el cine, se usan al menos 5 ángulos que podemos considerar, el primero es el normal y lo comentamos previamente; los demás son:
Angulo: Picado.
Este ángulo lo podemos obtener al ubicar nuestra cámara en un plano superior a lo que queremos fotografía, sin llegar a ser perpendicular al piso. Es común que las personas los usen aun sin estar consientes, como por ejemplo al fotografiar a sus mascotas, flores e incluso niños.
Fotógrafo: Crezalyn Nerona Uratsuji
Mensaje: Este ángulo nos sitúa en un plano superior, ubicando al sujeto en una posición de desventaja, claramente inferior lo que podría ser interpretado como vulnerabilidad o debilidad.
Angulo: Contrapicado.
Para obtener este ángulo es necesario ubicar la cámara en un plano inferior al sujeto que vamos a fotografiar. Es un punto de vista muy extraño para la mayoría de nosotros, sería como ver el mundo desde la perspectiva de una hormiga. Sin tomar conciencia de esto es común que lo veamos en fotografía de edificios y monumentos.
Fotógrafo: Crezalyn Nerona Uratsuji
Mensaje: en esta posición estamos cambiando nuestro punto de vista ubicándonos en un plano inferior, otorgándole a lo que observamos en la fotografía un aire de superioridad, de grandeza.
Angulo: Cenital.
Este punto de vista es el que se obtiene cuando colocamos el objetivo directamente sobre el sujeto, de tal forma que la lente se encuentra perpendicular al suelo. Podríamos considerarlo un ángulo picado en extremo.
Fotógrafo: Bridget Brewer
Mensaje: La imagen que obtenemos es una imagen sin perspectiva, no hay horizonte y aun que abramos mas la toma, simplemente añadiremos un poco más del contexto en el que se encuentra. Podría resultar interesante o inusual.
Angulo: Nadir.
Es un ángulo contrapicado extremo, ya que se obtiene colocando la cámara apuntando hacia el cielo, se recomienda usar angulares para este tipo de ángulo, de ser posible un ojo de pescado; ya que este tipo de lentes incluirán en la imagen lo que se encuentra en los bordes, permitiéndonos un punto de vista único.
Mensaje: la grandeza del entorno.
Angulo Holandés.
Fotógrafo: Mark Whitaker
Así se denomina cuando inclinamos la cámara (generalmente 45°); en un principio este ángulo se empleaba en películas de los años 30, para expresar inestabilidad.
fotógrafo: Steve Graham
Aun que el ángulo proviene del cine, en años recientes algunos fotógrafos han recurrido a esta técnica, colocando la cámara en ángulos imposibles en la vida real, para crear escenas originales.
Angulo: Facebook. (Es broma!)
Ja, ja, tengo que empezar diciendo: “No es broma”, pero díganme si estoy equivocado, la verdad es que hoy en día los jóvenes (y no tan jóvenes) usan su celular para hacer fotografías que comparten en las redes sociales, el ángulo más común empleado en esas fotografías, es el que obtenemos cuando colocamos el celular en nuestra mano, extendemos el brazo y apuntamos la cámara del dispositivo hacia nosotros y hacemos un autorretrato.
Esto crea una fotografía donde a veces podemos ver el brazo (distorsionado), el rostro y parte del cuerpo con una distorsión que asemeja el ángulo picado.
Mensaje: Soy muy “cool”. ;-)
Ejercicio.
Tal vez han usado estos ángulos sin saber su nombre o el mensaje que envían al hacerlo, en esta ocasión les voy a sugerir jugar con los ángulos.
Súbanse a una silla o algún lugar seguro que les permita ubicarse por arriba de alguna persona y hagan dos fotografías: Una con ángulo picado y otra con ángulo cenital.
Ahora cambien posición con su modelo, pídanle que se suba donde ustedes estaban en la primera parte del ejercicio y hagan un fotografía usando el ángulo contrapicado, si pueden ubicarse más debajo de su modelo intenten el ángulo nadir.
Si se sienten aventureros prueben a hacer con su cámara una fotografía tipo Facebook.
Comentario Final.
Tal vez les parezca extraño o se sientan incómodos si tiene que hacer estos cambios de ángulo en algún lugar público, tal vez sean demasiado tímidos para ser fotógrafos, un fotógrafo comprometido estará dispuesto a acostarse en el piso, colgarse de un árbol como chango, si con esto obtiene una buena fotografía. Inténtenlo!!!.
Suerte.
Problemas con las reglas de composición?
No estoy seguro si es una realidad o simplemente me estoy exigiendo demasiado, pero quiero tener el control de la composición en mis fotografías; antes del curso sabía que era un aspecto importante, pero la verdad es que no me preocupaba mucho al respecto.
Como les dije en el articulo Mas allá de las reglas de composición:
Me dejaba llevar!....
La Teoría.
No se imaginan cuanto he leído sobre el tema, cuanto me he detenido a pensar mientras observo mis fotografías, o las de otros fotógrafos ya consumados.
Estoy consciente que si logro controlar la composición, mejorare dramáticamente las fotografías que obtenga…en todos los libros hablan de la composición como un proceso creativo que forma parte de la visión del fotógrafo.
Dicen que se obtiene con la experiencia, mientras más practiquemos será mejor, y sin que nos demos cuenta será parte de nuestros trabajos fotográfico. Yo quiero darme cuenta!. Quiero saber cuándo lo he logrado…es mucho pedir?
Qué debo hacer?
Ok, no soy experto en el tema, sin embargo ya leí todo lo que pude, ya se sobre los elementos, sobre los conceptos relacionados y también he leído los consejos de muchos sitios, donde fotógrafos profesionales, nos dan su punto de vista.
Y si el problema son las reglas de composición?
Queeee????....no se asombren, tal vez le estoy dando demasiada importancia a las reglas, tal vez las he entendido mal, tal vez no sean tan trascendentales, tal vez por ese motivo todos los fotógrafos te recomiendan ROMPER LAS REGLAS!
Entonces las reglas son simples lineamientos, para ofrécenos algo de estructura, algo de guía, no son el arte en sí; se basan en líneas, formas, figuras y distribución desde una perspectiva grafica.
No he encontrado en estas reglas alguna que incluya los demás aspectos involucrados en la creación de una fotografía, como pueden ser:
La luz.
La oscuridad.
El punto de enfoque.
La profundidad del campo.
Contraste.
Poses.
Punto de vista o ángulo visual.
Diseño o Arte?
Entonces que estoy haciendo? Porque me siento limitado?...la fotografía es mucho más que acomodar apropiadamente los objetos en nuestro encuadre de dos dimensiones, para lograr que se vean bien estéticamente.
No soy experto en diseño grafico o en arte, pero dentro de mi limitada visión, creo que si tratamos de crear una fotografía dejándonos guiar por las líneas, las formas y las figuras, estaríamos creando un diseño, como un bosquejo que se traza en papel.
Sobre el cual después realizaremos nuestro trabajo artístico, llenándolo de luz, de color, de contraste, de vida.
Cuando Walter revisa nuestras fotografías en el curso siempre dice:
“No me dice nada!”.
Esto quiere decir, que él espera que la imagen que está observando le comunique algo, que al verla reciba un mensaje subliminal oculto entre las líneas, las formas, los colores, la profundidad del campo, la nitidez, etc.
Romper las reglas o ignorarlas?
Puede parecerles que se trata de lo mismo, pero no es así, si hablamos de romperlas, es porque estamos dando por establecido que nuestro trabajo fotográfico se encuentra regido por estas reglas y cuando creemos que nos limitan las rompemos.
Ignorarlas, es hacer lo que hacía antes del curso…simplemente no las tomaba en cuenta y hacia mis fotografías dejándome llevar por el momento, considerando otros factores que para mí son más importantes.
Por ejemplo:
La dirección de la luz.
El enfoque.
La profundidad del campo.
Los colores.
La perspectiva.
El impacto visual.
En pocas palabras, me preocupaba del efecto que ejercía sobre mí lo que estaba observando, y lo que yo creía que obtendría al final si captaba la imagen justamente desde donde lo hacía.
Lo que hacía era dejarme llevar…simplemente dejaba que la imagen fluyera con toda la naturalidad que tenia, sin tratar de limitarla o encajonarla en alguna regla que al final de cuentas me aconsejan romper cuando me limite.
Mis propias reglas:
No quiero parecer muy presuntuoso, es probable que en algún lado estén escritas, es probable que las haya extraído sin darme cuenta de todo el material que he leído; eso no importa en este momento, para mí son la forma de hacer mis fotografías. Estas son algunas directrices:
Enfocar nuestra atención en el elemento más importante.
Aislar el sujeto, eliminando distractores.
Evitar el uso excesivo del espacio negativo.
Llenar el cuadro cada vez que pueda.
Cuidar la presencia de objetos o intrusos.
Jugar con los puntos de vista y la perspectiva.
Evitar poner en el centro al sujeto principal.
Usar una muy pequeña profundidad del campo.
Hacer fotografías horizontales, y solo en ocasiones necesarias hacia verticales.
Captando a la persona a la altura de los ojos, y después experimentaba desde otras perspectivas.
Evitar que el horizonte caído, pero experimentar de vez en cuando.
Siempre cuidar el punto de enfoque y la nitidez.
Comentario final.
Creo que he llegado a una conclusión muy controversial, tal vez tenga razón, tal vez esté completamente equivocado, pero debo ser honesto conmigo mismo, debo disfrutar lo que hago, debo sentirme libre, sin límites…
además si todos te aconsejan romper las reglas,
mejor ignóralas!.
Suerte.
Más allá de las reglas de composición. (Día 10)
La visión humana, abarca mas o menos 40° de la escena que tenemos ante nosotros, sin embargo el mundo se extiende a 360° a nuestro rededor en tercera dimensión; una cámara podrá captar según la lente que usemos mas de esos 40° o menos.
Fotógrafo: © Aliona Shevtsova
La composición consiste en lograr que en ese reducido espacio de dos dimensiones podamos incluir una pequeña porción de la escena donde puedan ser apreciada toda la belleza que estamos admirando…
Observación
La clase correspondiente al día 10 me la perdí por haber asistido al evento en el teatro, sin embargo a continuación les compartiré algunos links donde podrán leer sobre el tema:
La composición.
Tips de composición.
Una mirada diferente.
Ejercicio básico.
Elementos de la composición.
Técnicas de composición I.
Técnicas de composición II.
Romper las reglas.
Sin embargo después de haber escrito todo lo anterior, creo que algo falta, a continuación voy a tratar de explicar lo que siento.
Reglas de composición.
Algunos expertos en fotografía creen que las reglas de composición fueron creadas por un artista de la época posterior a la caída de Roma, sin embargo no es así, esas reglas se encuentran en la naturaleza, las podemos admirar en
la simetrías de las alas de una mariposa
en los círculos concéntricos que se forman en el tronco de un árbol
en la repetida espiral del caracol
en las vetas de minerales y
las formaciones rocosas.
Desde que empecé a prestarle más atención a los resultados que obtengo al crear fotografías, descubrí las reglas de composición; leí ávidamente sobre las líneas, los colores, las formas, las figuras, los patrones, las texturas y la importancia que tienen para la fotografía.
Dentro de mi muy limitada experiencia he interpretado lo que representan, pero debo ser sincero, aun después de admirar los hermosos ejemplos que acompañan a la teoría, aun siento que algo me falta para poder incluirlo en mi propio trabajo.
Más allá de la definición.
Lo cierto es que la definición de composición nos da únicamente una idea de lo que hay detrás, según wikipedia, la composición es:
“la forma en la que se ordenan los objetos vistos dentro del encuadre, dentro de lo que efectivamente queda en cuadro”.
Desde luego que hay mucho mas material en la página y en muchos otros sitios y libros, pero al final se trata de un conjunto de palabras que nos explican lo que es desde un punto de vista teórico y estoy de acuerdo que es necesario tener ese punto de partida.
Pero una vez que lo hemos leído y entendido, que hay después?
Qué debo hacer para mejorar mi composición?
Todos, incluso aquellos que no han escuchado jamás en sus vidas el término composición fotográfica, sienten algo cuando admiran una imagen llena de armonía. Esto quiere decir que de alguna forma ese sentido se encuentra en algún lugar dentro de nosotros.
Nos impacta cuando vemos un hermoso atardecer, nos roba el aliento cuando podemos disfrutar de la gracia natural en las flores.
El sentido de la composición es parte de nuestro sub consiente.
Este descubrimiento es sumamente valioso, esto quiere decir que cualquiera de nosotros puede aprender sobre composición fotográfica, solo debemos aprender a ver usando los elementos que se definen en las reglas de la composición.
Cuál es el secreto?
Sin importar el tipo de fotografía que estemos realizando, por intima que nos pueda parecer, por personal que la queramos considerar, cada vez que captamos un momento hay algo nos motivo.
El secreto de una buena composición se encuentre en identificar ese algo, para tratar de incluirlo en nuestra fotografía.
Para que lo entiendan mejor les voy a dar algunos ejemplos:
Animales
En esta fotografía se ha captado el temor, la admiración del poder que representa este animal.
Foto calle.
El mensaje oculto es el espíritu y la esencia del lugar, la gente, los objetos.
Un retrato.
La belleza de la modelo, su mirada diáfana y su expresión de confianza que proyecta.
Pero como identificar los elementos presente en la escena?
Para eso se requiere mucha práctica, se debe desarrollar la visión fotográfica que le permite a quien ha logrado dominarla, ver lo que tiene ante sí, de una manera muy diferente a como lo vemos los demás.
Se trata de balance, de equilibrio, de poder ver la fotografía antes de captarla, de pre visualizar lo que queremos, de saber cómo lo podemos lograr y de anticipar el momento.
Es un momento que requiere de toda la experiencia del fotógrafo, de su creatividad, de su habilidad técnica, de su visión personal.
No basta con echarle una mirada, se requiere ver más allá de la composición, más allá de las reglas, más allá de los colores, de las formas y las líneas.
Es aprender a ver el detalle, entre el caos del todo, es decidir el punto de vista que queremos captar, es saber a qué distancia debemos estar parados, es identificar el origen de la luz y saber cuál será su efecto si establecemos ciertos parámetros en nuestro equipo fotográfico.
Si cierran los ojos y se imaginan a un fotógrafo con la cámara frente a su ojo, no será difícil imaginarse que mientras hace todo lo que les dije previamente, lo podremos ver realizar un pequeño baile, un paso hacia adelante, uno hacia atrás, abajo, arriba, ese es el baile de la composición.
El resultado dependerá posiblemente de unos cuantos centímetros más o menos.
Déjense llevar.
Nuestra formación académica, religiosa y familiar, crea en nosotros una serie de límites y libertades que debemos conocer, es eso lo que nos detiene o nos anima a seguir adelante. La fotografía es un tipo de arte, y el arte es universal, está fuera de todos esos convencionalismos que hemos adoptado como estructura social.
Cuando tengan una cámara en sus manos traten de liberarse de todo, olvídense de sus temores, traten de sentirse libres, livianos, traten de ser uno con la naturaleza…déjense llevar.
Eviten sentirse presionados por las personas en su derredor, dejen que su sub consiente se ponga en contacto con su intuición, mientras más veces logren ese canal de comunicación, mas rápido están en camino de encontrar su propia visión dentro de las reglas de la composición.
Pero recuerden que estas reglas, no son mandamientos, úsenlas como principio creativo, pero cuando sientan que no basta, rómpanlas, remonten sus impulsos y déjense llevar.
Comentario final.
Cuando termino de escribir un artículo, siempre lo vuelvo a leer, porque mientras escribo trato de no pensar si lo que he escrito está bien o si he cometí algún error de ortografía o gramática.
Cuando escribo sobre composición casi siempre descubro mi lado filosófico o poético, mi lado artístico…
A pesar que he escrito otras veces del tema, creo que en esta ocasión logre transmitir lo que antes no pude….creo que ahora solo necesito el visto bueno de un profesional para saber si tengo razón o no.
Suerte.
Que es Perspectiva fotográfica?.
Si tienen la oportunidad de estar con otros compañeros fotógrafos principiantes, pídanles que todos al mismo tiempo fotografíen algo…resultara revelador en la mayoría de los casos observarlos mientras se preparan; pero todavía será más revelador ver el resultado de sus fotografías.
Smoky Eclipse © Neil D.
Solo los más aventurados presentaran una perspectiva diferente a los demás…
Que es perspectiva?
Según Wikipedía, proviene del latín y significa: “visión a través de”. En el arte grafico, la perspectiva se emplea para simular profundidad, mediante la ilusión óptica percibida por el observador; la cual aprovechando la ubicación de los objetos que nos son familiares le ayuda al cerebro a determinar tamaños, distancias y profundidad de los objetos presentes en una imagen en 2D.
Fotógrafo: Bruno Gerber.
Para nosotros la perspectiva es la traducción de lo que ha visto el fotógrafo a través de la cámara.
Parte de la visión del fotógrafo.
Un fotógrafo con experiencia, podrá identificar las diferentes perspectivas que se presentan ante él, cuando se encuentra observando una escena. Para el ojo inexperto, la primera perspectiva es la que el cerebro capta en cuanto colocamos la cámara frente a nuestro ojo.
Es por este motivo que en el experimento que les comente al principio, la mayoría de los fotógrafos obtendría imágenes similares. Un fotógrafo con experiencia descartara de inmediato la perspectiva tradicional, y analizara las otras posibilidades.
A la mayoría de nosotros nos cuenta trabajo identificar las otras posibilidades, sobre todo al comenzar en este mundo de imágenes, es mas muchos de los fotógrafos principiantes no tiene ni la más remota idea de lo que significa perspectiva y de qué forma podemos usarla en beneficio de crear imágenes diferentes a las tradicionales que haría cualquier principiante.
Perspectiva tradicional
Las personas estamos acostumbradas a ver la vida desde nuestra altura, por lo general viendo hacia el frente, el poderoso mecanismo visual que portamos nos permite ver las escenas en tercera dimensión
Piénsenlo un momento, si en este momento les pidiera que sacaran una fotografía, un retrato de alguien, cuál sería su primera perspectiva?. Sin temor a equivocarme les diré:
Tomarían su cámara (de la forma recomendada), se pararían frente al objetivo (de la forma recomendada), la colocarían ante ustedes y observarían a la persona frente a ustedes, tratarían de realizar un buen encuadre (si tuvieron cuidado detectarían que se debe eliminar de la escena), enfocarían y dispararían.
Ahora vamos a hacer un leve cambio, en vez de pararse frente a esta persona, coloquen la rodilla derecha en el suelo y coloquen el codo del brazo izquierdo que sostiene su cámara sobre la otra rodilla.
Que es lo que ven? Esa es una nueva perspectiva, un nuevo ángulo visual.
Impacto visual.
El impacto visual que se obtiene cuando empezamos a considerar otras posibilidades a parte de las tradicionales, se convierte en una nueva experiencia sensorial.
Fotógrafo: Jeppe Olsen
Al observar estas imágenes desde ángulos no tradicionales obligamos al observador a romper estándares y reglas lógicas que hacen que nuestras fotografías parezcan rígidas.
Fotógrafo: Christiaan Triebert
Para el fotógrafo significa un nuevo camino, lleno de oportunidades fotográficas, que le permiten ver lo cotidiano desde una perspectiva refrescante y renovadora.
Jugando con la perspectiva.
A veces la perspectiva nos obliga a mirar dos veces…
Parece que esta desnuda.
Parece que estuviera cubierta de pelo.
Es tan poderosa su acción en el cerebro que podemos jugar con lo que las personas perciben en primera instancia, obligándolas a volver a ver con más detalle lo que su cerebro ha captado.
Fotógrafo: Steph Goralnick
Ejercicios
Para poder ejercitar su propia percepción de la vida a continuación les presento algunas ideas:
Experimentar con la profundidad.
Experimentar con la altura.
Experimentar con la composición.
Fotógrafo: Marty Portier
Experimentar con el contexto.
Recomendaciones
Para poder experimentar con la perspectiva es recomendable lo siguiente:
Si pueden usen un Tripie o un punto de apoyo.
Prueben con lentes angulares.
Es recomendable saber controlar la profundidad del campo.
Comentario final
Cuando estamos empezando a descubrir el mundo visual de la fotografía nuestro cerebro debe romper paradigmas, debe liberarse de los convencionalismos, de los límites de lo lógico, para poder ver lo que no puede ver.
Suerte.