Una persona fanática del entretenimiento en general y que nunca cierra la maldita boca. Hago reseñas de libros, películas, series, animes y videojuegos.
No, no me hizo llorar. Pero sí es emotiva, eso se los concedo.
No me importan tus lágrimas. ¿De qué va?
De cómo el no tan pequeño Christopher Robin se reencuentra con sus amigos del Bosque de los 100 Acres.
¿Es todo?
No realmente, están los conflictos de saber en qué momento dejar de ser un adulto para de vez en cuando no hacer nada y dejarte llevar por una vida simple y menos estresada. De hecho, alrededor de eso gira la película: no olvidar lo que es verdaderamente importante para nosotros y lo que nos hace feliz. En este caso, la familia. O si eres Pooh, un globo rojo.
¿Por qué eso suena tan simple y meloso?
Porque lo es. No hay más sustancia aparte de una trama con moraleja genérica con un revestimiento de nostalgia marca Winnie The Pooh. Es simple, efectiva, bonita. No particularmente brillante. Sólo bonita. Aunque es interesante ver a Christopher Robin enfrentar a los personajes de su pasado de manera tan cruda. Nos demuestra que nuestro personaje ya ha crecido y no se tienta el corazón como lo haría de niño.
Vaya, eso es decepcionante. ¿Algo que agregar?
Bellisima traslación del mundo animado al físico. El diseño de las criaturas es muy atinado, y el tono general de la película ayuda muchísimo, porque fácilmente pudieron ser utilería de una película de terror genérica. Sí, para algunos pueden verse feos, pero hay que recordar que eran peluches (excepto por Búho y Conejo, porque esos nunca fueron juguetes de Christopher Robin) y que suelen lucir así.
¿Vale la pena verla?
Con tu familia. Para mí sólo vale la pena verla así.
100% libre de Matt Damon, sólo hablaremos de la novela y qué diablos me gustó de la misma.
El Marciano (The Martian) es una novela de ciencia ficción escrita por Andy Weir. Fue autopublicada en 2011 y reeditada por una editorial en 2014. No me sorprende, dada la gran calidad del producto.
Mark Watney, nuestro protagonista, se queda varado en Marte después de que una misión en el planeta rojo haya ido poco menos que mal. El tipo ahora buscará formas para... bueno, vivir. Lo anterior incluye comer, beber, respirar y estar más o menos sano. Ah, y lograr comunicarse con la tierra para ser rescatado y volver a casa.
La novela es ciencia ficción pura. En unas cuantas páginas podremos saber cómo carajos es que se logra montar una granja de papas. Y esto es en serio, la novela es pesada en algunos ratos por su gran carga de explicaciones científicas. Miren, me quejaría más de esto pero veo lógico que intente pasar ese bache y proceda a ser lo más minucioso posible para meter un pie con más fuerza en el campo de la ciencia ficción: da credibilidad al asunto y casi parece como el diario de un hecho real.
Ya que estamos en eso de “hechos reales”, la novela no sólo se queda con sus largas exposiciones científicas para mostrar veracidad en los acontecimientos. En paralelo, mientras leemos como Watney está viviendo en Marte, el libro relata los hechos que ocurren en la Tierra para intentar salvar a Watney. El libro no sólo se queda en mostrar las quebraderas de cabeza de los científicos, también busca exponer como sería la revelación de un hecho así al público, como reaccionaría una organización de este nivel, los protocolos que buscarían realizar.
Esta narrativa paralela es de gran ayuda para suavizar ese problema de las explicaciones científicas y eternas de Watney, sobre todo si observamos la forma presentada por ambas partes del libro. Las partes de Watney son en primera persona y escritas a modo de diario, mientras que las partes ocurridas en la tierra son en tercera persona. Esto provoca que el lector se pueda sentir cercano a Watney cuando se requiere y también logre entender la distancia en la que se encuentra de su hogar. El autor logra generar una empatía orgánica para con Watney: lo leemos a él y es como si estuviéramos a su lado, alegrándonos cuando algo le sale bien y frustrándonos cuando mete la pata; leemos los hechos de la tierra para darnos cuenta de la horrible situación en la que se encuentra realmente Watney.
Los personajes... creo que algunos de ellos terminan siendo devorados por la personalidad de Watney. No me malentiendan, están ahí y son agradables, nada fuera de lo lugar, pero el protagonista tiene tanto carisma que prácticamente nadie le puede hacer sombra: es un personaje capaz y preparado para superar cualquier adversidad que se le ponga, no sin antes poner a parir todo lo que se le ponga en frente. Watney sufre una especie de proceso de desmitificación de Marte, hasta el punto de insultar por todo lo alto al planeta.
De nuevo, el resto no están mal, pero incluso siento que el autor no tenía mucho que hacer con ellos. Algunos personajes de la Tierra están bien hechos, pero quienes palidecen un poco son la tripulación que dejó a Watney, que incluso podría catalogarla de genérica, a excepción de la comandante. Incluso dejan muy claro que el tipo alemán del grupo, a ojos de Watney, tenía todo el aspecto de un villano genérico. Sé que es una broma del protagonista, pero parece que se está burlando del propio autor. Tienen una función, nuevamente, ningún personaje es un inútil... pero la personalidad de algunos es incluso robótica (aunque tiene sentido, estamos hablando de la NASA, después de todo)
Las peripecias de Watney son geniales de leer: no es un personaje que mira la adversidad con una sonrisa en la cara. Mira esos problemas con enojo y muchas quejas, pero ayuda muchísimo que sea un personaje activo. Es irritante ver a un personaje quejica que no hace nada, pero Watney es todo lo contrario. La queja siempre viene acompañada de una buena sesión de actividad para solucionar el próximo problema a enfrentar.
En la Tierra, los problemas son pequeños debates morales, sobre las mejores formas de salvar a Watney. Digamos que son las partes más escasas en el libro pero también cargan una tensión, una diferente clase de tensión que implica saber qué piezas mover para salvar a Watney sin arriesgar al resto de la tripulación o desperdiciar el poco tiempo que tienen. Es una desesperación lenta, a diferencia de los agresivos problemas del marciano.
En conclusión: El Marciano es una joyita de la ciencia ficción que vale la pena leerse por lo menos una vez. Si no te gustan las chácharas científicas, mínimo te harán reír las tonterías que suelta Watney.
Hablaré de esta película porque la seguí desde que se anunció y NADIE me detendrá.
A H Q U É B I E N S E Ñ O R M A R A V I L L A. ¿Y de qué trata, eh?
Es un filme que retrata los desastrosos problemas detrás de The Room, una película de culto que todo cinéfilo debe conocer. Está basado en el libro homónimo escrito por Greg Sestero (Mark, en la película)
Ahh, ¿el “Oh, hi Mark” y el “I did not hit her”? ¿En serio? ¿Una película de eso?
Hey, el concepto puede sonar estúpido, pero la película trabaja como una carta de amor para el material original y entiende muy bien los problemas que pueden existir en la producción arriesgada de un filme independiente. Y mejor aún, no busca sacar una risa fácil al burlarse del material original, busca hacer entender al espectador el drama que existió en su realización.
Ajá, drama, ¿con Tommy Wiseau, no?
¡Claro! El papel que realizó James Franco encarnando a este excéntrico hombre es un deleite. Es una montaña rusa de emociones: lo entiendes, lo odias, te hace reír. Ni se diga del tratamiento que se le dio: alguien consciente de sí mismo y con la frustración de no poder ser tomado en serio. Respecto a Greg, que en teoría es el protagonista, es interpretado por el hermano de James Franco... y hace un papel suficiente. No es espectacular, pero suficiente para entender la desesperación de Greg por ver como el proyecto no iba para ningún lado
¿Me estás diciendo que una película basada en una película terrible es buena?
Sí, retrata bien los problemas, representa a los personajes de forma fidedigna (sobre todo Franco, wow, menuda actuación de 10), entrega una mezcla perfecta entre comedia y drama en la cual no puedes odiar realmente a nadie. Eso sí, la fotografía intenta ser “barata” y en ocasiones llega a cansar ese aspecto “shaky”. En todo lo demás, reluce.
En conmemoración de la nueva película que se lanzará de Godzilla, hablemos del remake japonés que salió hace un rato.
Shin Godzilla es el más reciente remake japónes de la primera película de la franquicia. Esta adaptación busca traer nuevamente ese sentimiento de indefensión ante una fuerza de la naturaleza que parece indetenible.
La trama es sencilla: Algo aparece en los mares japoneses y resulta ser una criatura gigante que amenaza con destruir Tokio y sus alrededores. Será deber del gobierno japonés salvar a su ciudadanía mediante la poderosa y amada BUROCRACÍA y su gran amiga, DEMOCRACIA.
Los dos elementos anteriores son clave para entender hacia donde está aspirando Shin Godzilla. A diferencia de su versión americana del 2014, Shin Godzilla toma total perspectiva desde el gobierno que se encuentra amenazado por tan gigantesco reto. Irónicamente, aquí es donde el filme suele brillar con más fuerza en sus intentos pero golpea muy fuerte en sus maneras.
Las pláticas entre los comités y representantes son verosímiles a puntos que dan miedo. Las alternativas y los métodos que ejecutan son realistas y aplicables (hasta cierto punto) en un gobierno que busca prepararse para la eliminación de la amenaza que representa Godzilla: dar un paso sin la aprobación del primer ministro sería algo imperdonable y riesgoso no sólo para el propio gobierno, también para la población. Sin embargo, esta imperiosa necesidad de mantener a la población en calma, también les orilla tomar medidas equívocas o poco viables.
Con lo anterior advierto que hay mucha plática y poco Godzilla, pero tiene un sentido: Patriotismo.
Shin Godzilla es la mejor película patriótica que he visto. A diferencia del estándar americano en el que todo explota porque AMERICA FUCK YEAH, los japoneses son mucho más sutiles en su mensaje de mostrar el esfuerzo y empeño qué es capaz de impulsar a su gente a sobresalir de entre las cenizas. Y todo esto sin la necesidad de mostrar una bandera japonesa ondeando por todo lo alto. Bueno... o al menos no recuerdo que haya pasado eso literalmente
Es decir, en una parte el gobierno japones está completamente destrozado, pero eso no los detiene a mantenerse firmes y decididos a salvar a su país. ¿Pero la película sólo se masturba en lo perfecto qué es su gobierno? ¡En lo absoluto! Cierto es que glorifican (y con razón) a la gente detrás del gobierno, pero esto no lo exime de mostrar sus fallas en sus decisiones o en su gente, que varias veces muestra que tienen pequeños conflictos de interés político. Que no exploraran estos conflictos políticos con mayor profundidad es una pena, aunque se rescata medianamente por la latente rotura de esperanza a la que se ven sometidos los personajes.
El patriotismo japonés se demuestra inclusive en los tratos con los gobiernos exteriores: en un determinado punto, el gobierno americano decide entrar al juego de “matemos al lagartote”, y los japoneses se mostraban medio agradecidos pero dudosos de las verdaderas intenciones americanas. Lo anterior se ve respaldado por las tomas que usan para los americanos: de espaldas hacia el público, con sus rostros total o ligeramente ocultos. ¿Pero que cara pública debe dar el gobierno de EUA? El del tipo “cool” que sólo quiere ayudarte... ¡y lo más gracioso es que la “embajadora” estadounidense así se comporta! Es alguien que intenta parecer graciosa pero que incluso ella tiene problemas de identidad entre EUA y Japón.
Y en efecto, EUA deseaba nukear nuevamente a Japón en beneficio del mundo. Pero Japón se niega, infla el pecho y organizan un bellísimo ataque final contra la criatura. El último ataque de Godzilla, créanme, esta compuesto de forma magnífica. Y la fuerza detrás de ese ataque, la de demostrar que Japón luchara hasta el final, hace que el mensaje patriótico se sienta de verdad.
Ahora, al tener en cuenta que el director es Hideaki Anno... sí, el filme se siente como Evangelion con un Godzilla en lugar de ángeles. ¿Es un problema? No realmente... hasta que mete mano de una fotografía que parece imitar al anime y DIOS MÍO, queda mal. No se ve agradable, incluso parece parodiarse a sí mismo. Aunque hay menciones honrosas, como ese final tan soberbio.
Ah, sí, y la película es lentísima a ratos, lo cual la daña severamente. Tanta burocracia cansa. Si eres como yo, que aguanta casi cualquier cosa, no parecerá tan pesada, pero verla una segunda vez sí que agota.
La recomendaría a los fans de Godzilla, nada más. Cualquier persona ajena al universo de Godzilla que quiera verla... que la agarre con cuidado.
Oh, no diré que es buena... solo que es muy, muy mediocre
Seamos honestos, el movimiento mediático generado por la reacción del público hacía la crítica es merecedora de su propio análisis. ¡Por Dios! ¡Es que han intentado eliminar Rotten Tomatoes! ¿Es qué se han vuelto locos? En fin, a costas de que me tachen de favoritista usando alguna estúpida etiqueta... la película me pareció regulera.
La trama en general es simple y llevadera. Puesto que Superman murió en la anterior entrega de la DCEU, se decide crear un grupo de personas para defendernos en caso de que el “siguiente sueperman” no sea tan bueno como el que acababa de morir.
El fallo general que tiene la película es que... no hay escuadrón. La película gravita sobre Deadshot y Harley Quinn, a veces en el Joker cuando tiene la oportunidad, pero el resto pasa a un terrible segundo plano, recordándonos apenas que existen hasta que dicen algo. Juro por Dios que Katana apenas tiene una linea en toda la puta película.
La cosa no mejora cuando tienen un personaje que sólo existe para morir y mostrar que “la gente del gobierno no andaba en broma”. Ugh, menudo desperdicio de personaje con posible potencial... aunque sacar cuerdas no era el mejor poder de todos.
Deadshot es el personaje mas desarrollado y mas agradable, junto con Diablo, que infortunadamente toma relevancia ya casi hasta el final (y que la película nos obliga a sentir lástima a pesar de que tampoco es tan inocente). Ambos están bien para los estándares, son personajes de comics de superhéroes después de todo. El resto solo están para apantallar... una pena ya que quería saber más de Killer Croc o Katana. Y, vamos, la única gracia de Boomerang eran sus “Wot m8?” y el que le gustarán los Ponys. No sé, pero no dejo de pensar que fue una jugada algo barata para dar risa.
Hablando de risas, no puedo obviar el enorme elefante en la habitación. Sí, el Joker de Leto no me impresiono NA-DA. No puedo sacarme de la mente la idea de que sobreactuaba o que se esforzaba demasiado en parecer amenazante y “aleatorio”. Entiendo que interpretar a este personaje puede resultar en toda una odisea, considerando que los únicos medios que lo ejecutan a la perfección son los impresos, es decir los comics. Pero... no deja de dejarme tibio. Pero de todos modos me adelanto a su defensa de que casi no actuó y esas cosas: No, casi no lo hizo. No, no hace falta salir mucho rato en una producción para generar un impacto positivo. Sigue siendo un Joker sin gracia.
Y... seamos honestos: esa escenita de Batman era sólo para hacer conexión rápida con BvS. Lo mismo va para la escena del final.
Otro problema que pega fuerte a la película es la forma es que no había una verdadera necesidad para crear un Escuadrón Suicida. Y lo más gracioso de todo es que pareciera que la creación de éste fue lo que desencadenó la creación del conflicto. Menuda coincidencia, ¿eh?
Lo peor de todo es que el conflicto que enfrentan esta bola de mequetrefes es demasiado para lo que pueden abarcar: ¡están peleando contra una bruja de gran poder! ¡En un universo dónde existe Flash y Batman usan a una pandilla de villanos de poder medio! Santo Dios...
En serio... y la cosa es que de alguna manera ganan. Sí, por puras idioteces terminan ganando. No deja de ser visualmente atractivo, pero tu mente grita: “Sí, claro. Ganaron sólo porque el escrito así lo quiso”
Oh, y no me hagan hablar del tema musical, que es un jodido y enorme desperdicio. Odié que usaran canciones conocidas sólo para que la gente sin criterio le gustara. Es una jugada sucia y baja, porque al final las canciones no tenían gran relevancia con lo que sucedía en pantalla... y creo que nunca la tuvo más allá de atraer a la gente.
Concluyo. Película mediocre a más no poder. Si eres fan del DCEU de seguro ya la viste, pero ciertamente no la recomiendo más allá de algunas escenitas apantalladoras. Mediocre hasta la médula.
Reseña del Entremés: Animales Fantásticos y Dónde Encontrarlos
HARRY POTTER VOLVIÓ PUT... esperen... ¿es una adaptación del librito? ¿El de como 50 páginas? Ahh, es una historia nueva en base al escritor ficticio de ese librito de 50 páginas... Pues bien, supongo.
¿Entonces de qué trata la película?
La historia nos hace seguir los pasos del mago inglés Newt Scamander en los Estados Unidos, mismos pasos que se ven interrumpidos cuando de improvisto una de sus criaturas se escapa, obligándolo a verse inmerso en una pequeña conspiración que deseaba exponer el mundo mágico.
¿Eso significa que va antes que toda la saga del cuatrojos mágico?
Sep, y en un país diferente. De hecho, esto es lo que hace fresca la película. Ese ambiente estadounidense mágico hace que la película incite a que quieras conocer más de su mundo. Y esto se ve favorecido por esas criaturas tan bellas que fueron creadas. Ame los efectos especiales.
¿Y que hay de la trama en general? ¿No era como un libro de 50 páginas?
Rowling debuta aquí como guionista, en donde crea una historia completamente nueva en base al mago Scamander. Así que no, es nueva. Aunque eso de meter a Grindelwald... me pareció forzado. De ahí en más, la trama está bien y es fácil de seguir a pesar de ser un poco predecible.
¿Y los personajes? ¿¡Y mi Putter?!
Hey... calma aquí no hay Potter, relájate. Pues... bleh. Están sencillos y se dejan querer, aunque el personaje no mágico es quien, irónicamente, se roba la pantalla cada vez que puede.
Eso fue rápido.
Meh, la película es entretenida y no hay mucho que criticarle. Se mantiene, es pasable, no insulta a la inteligencia y es palomitera en un buen sentido. Aunque... esperen. ¿¡SERÁN 5 PELÍCULAS!?
Que gracioso, justo pensaba pedirte una reseña de Buscando a Dory ya que fui a verla con mi sobrina, por lo pronto agradezco que contestaras mis pregunta así que por ahora no creo tener algún pedido.
Mi trabajo esta hecho en ese caso. *Se va volando mientras suena el tema de Superman de fondo*
Por los loles fui a verla. No tengo más que añadir aquí, ciertamente.
¿Cómo se sintió la nostalgia eh?
La nostalgia, afortunadamente en el filme, no tiene un peso fuerte, lo cual es una fortuna, pero vamos, es una secuela de una película muy querida por el público, pero vamos al grano.
Oye, es Pixar, de seguro es buena.
JAJAJAJA. No. La película no me pareció la gran cosa. Vamos, es divertida y entretenida, pero no llega a reinventar la rueda. Se esfuerza realmente por intentar mantener una identidad de la idea de la que partió, y lo logra... pero eso hizo que no intentará algo genuinamente arriesgado.
Eso... ¿eso es todo? ¿No te pondrás quisquilloso ni la alabaras?
Es que es una película estándar familiar. Cumple con su objetivo de hacerte pasar un buen rato y asombrarte por los niveles técnicos que esta alcanzando esta casa creadora. Así que tampoco fue un desperdicio total verla en el cine. ¿Fue buena?, sí, ¿una maravilla? para nada, ¿un bodrio? muy lejos de serlo.
Anda, ¿nada de nada?
Bueno... Dory llega a ser un poco exasperante, y esa es la razón por la que a este tipo de personajes se les da un rol co-protagónico como en el primer filme... misma razón que me hace sentir a los personajes de Nemo y Marlin como meros estorbos o personajes desperdiciados. Como aciertos podría agregar al pulpo. Ese maldito pulpo es un personajazo de principio a fin. También es un logro que la película no se aprovechara en demasía de la película anterior. Solo comparte la identidad, pero es una secuela sólida que no necesita de su primera parte para ser disfrutable.
Así que...
Es amena e inocente. Vela con tus hijos o padres. Pasarás un rato feliz y agradable.
Me alegra que contestaras mi pregunta, yo de nuevo, aun no tengo un tumblr pero me gustaría mucho, aunque quería saber si ¿recibes colaboraciones, pedidos o ayuda ?
Perdón por la demora. No he pensado nada en las dos primeras, supongo que las colaboraciones no estarían nada mal. En cuanto ayuda... si te refieres a un escrito o reseña, nah. Prefiero que sean ideas que salgan de mi cabeza. En cuanto a pedidos de que me pidan reseñas... sí... pero no las esperes pronto.
¿Vas a seguir escribiendo? ¿Has visto las pelis recientemente y cuál de ellas recomendarías? Deberías hacerle alguna reseña
Seguiré reseñando y escribiendo, solo que estoy ocupado con otras cosas en la vida real. Ciertamente intentare mantenerme atento a la cartelera... solo que no tengo la plata para ver todo lo que pueda en cine.
La cortísima secuela espiritual/capítulo preludio de To The Moon. Me lo pille gratis en Steam y creo que encaja perfecto para una reseña corta.
¿To The Moon tiene secuela? Esas son noticias nuevas para mi.
Que no te sorprenda, el juego es tan poco sustancial que no es sorpresa que no haya hecho mucho ruido. A Bird Story es un videojuego hecho por Freebird Studio a manera de prólogo de Finding Paradise, la prometida secuela de To The Moon. Disponible para PC únicamente.
¿Poco sustancial, eh? Adivino que no dura una nada.
Efectivamente, una hora cuando mucho. A pesar de que es parte del problema, no puedo culpar enteramente la duración del juego. Téngase en cuenta que es un prólogo para un proyecto mayor, cumpliendo en su misión de saborearnos la siguiente secuela.
Pero...
Pero es que el juego acarrea los problemas de la anterior parte a un nivel mayor. Juro que la mitad del juego es script, dejándonos siquiera interactuar con nada. En To The Moon esto ya era un problema, pero la duración de A Bird Story jugo en su contra, haciéndose sentir como un tráiler medio interactivo. Se siente un poco tedioso esperar a que te den el control.
¿No estas siendo algo cascarrabias?
Hey, se lo perdone a To The Moon porque era un juego más o menos extenso, acá abusaron un poco con la falta de interacción. Le puedo dar visto bueno en la historia, que es emotiva y tierna sin ser demasiado cursi (bueno, solo un poquito pero es pasable). También mejoraron un poco los efectos, que se sienten más variados y vistosos. Téngase en cuenta que está hecho en Game Maker, tampoco puedo exigir mucho.
Así que mejor me ahorro el dinero.
Si soy honesto, sí. Es mejor esperar hasta la salida de Finding Paradise, porque la verdad no le encuentro mucho propósito a esta pequeña aventura. No es mala per se, pero se siente hecha para bajar las ansias de los fans de To The Moon más que contar algo con verdadero significado.
“Kaiji” es un anime interesante de analizar por los mensajes que nos transmite y por quien nos lo transmite: el desgraciado paria de Kaiji Itou.
Antes de seguir, explicaré un poco de trama.
Kaiji es un fracasado: no tiene sustento y lo único que hace es pinchar autos. El glamour de la vida, sí señor. Un día, un hombre toca a su puerta reclamando el pago de un préstamo de un amigo Kaiji donde nuestro pobre protagonista fungió como aval. El préstamo, sumado a los intereses a lo largo de 14 meses, resulta en una deuda de 3 millones de yenes.
3 millones... wow. Como imaginaran, Kaiji no tiene esa plata, pero el cobrador le menciona un barco en donde la personas entran como pobres y salen como millonarios, el Espoir. Kaiji acepta entrar a ese barco y ahí empiezan las aventuras de nuestro apostador novato.
La mayor gracia de Kaiji es que, a pesar de ser un papanatas, es un personaje muy identificable en su sufrimiento; penas que nacen de la incompetencia, de la falta de realización en su vida, de la escasez de opulencia, injusticias que rigen el manejo del mundo o del fracaso en toda su extensión. Estas serán las razones de las lágrimas de Kaiji. Es más, es tan identificable que su diseño se pierde en el resto de personajes; resalta lo suficiente para saber qué es importante, pero no se come la pantalla: es una persona más. Tomen nota, con él no pueden hacer este chiste:
Propiamente, el anime nos dicta que Kaiji siempre ve que todo está lejos de su alcance, razón por la que ni siquiera se esfuerza en cambiar su situación, mucho menos si nunca ha ganado un centavo en su toda su vida. Son palabras crudas pero llenas de verdad. A pesar del riesgo y del latente fracaso en cada movimiento que hagamos, nadie se esforzará en ayudarnos si ni siquiera nosotros tenemos la motivación de cambiar nuestro circulo vicioso.
A partir del desarrollo de los arcos, podemos observar una accidentada evolución de Kaiji como personaje. Dejando de lado que hay un bajón muy fuerte en actitud justo entre la primera y segunda temporada, hubo algo que me gustó: la forma en que Kaiji inicia su vuelo en el mundo de las apuestas. Sí, cuando iniciamos la segunda temporada, Kaiji es muy similar a como lo conocemos por primera vez, pero con un poco más de experiencia.
La experiencia no es lo único que cambia, también los valores morales que decide manejar. Muchas veces lo vemos debatir entre lo correcto, lo incorrecto, lo que le conviene y lo que no. A pesar de que ciertos actos no los considera justos, se tiene que ver forzado a cambiar su propia actitud para seguir adelante por más que quiera que todos salgan bien librados.
Ciertamente, alguien que ha salido muchas veces del infierno con más heridas que recompensas terminará por intentar de dar un giro a su vida. Kaiji no lo hace y en un principio nos podría parecer un problema de desarrollo. No lo niego, a cierto nivel lo es, pero si lo perdonamos un poco, podemos ver un capa extra de lo que intenta representar nuestro protagonista.
La mediocridad es un ente poderosísimo, tanto así que nos puede quitar esos momentos de presión que sufrimos en el pasado, forzándonos a vivir de nuevo en nuestra inmundicia mental. Kaiji de nuevo cae en esto pero al ver como la situación vuelve a conspirar contra él, no se preocupa, sabe cómo tratar la presión y usarla a su favor para exprimir con mayor rapidez una estrategia ganadora para sobrepasar un problema. A principios del primer juego de la segunda temporada, vemos con grande ímpetu esta sensación: Kaiji solo necesitaba sentir de nuevo el calor de la apuesta para ponerse a las andadas.
El anime muestra rápidamente que Kaiji no es un “master apuestas”, es un hombre mediocre que al verse arrinconado es obligado a hacer algo por sí mismo por primera vez en su vida. Esto acarrea sus problemas, claro está. Las primeras veces que intenta generar estrategias ganadoras no saldrán como esperaba, y se verá forzado a cambiarlas nuevamente.
De esto último también podemos sacar un elemento importante en todo el anime: el azar. Para evitar arruinarles la experiencia, me limitare a decir que el azar es un elemento manejado desde la manipulación. En otras palabras, mientras el contrincante no se entere, seguirá siendo azar, ¿verdad? Para ser un anime de apuestas, el azar es un elemento muy transitorio, que llega a sentirse casi ausente.
La combinación de lo anterior junto con ese estilo de “juego simple, reglas complejas” hace que “Kaiji” se convierta en un tormento de presión y suspenso difícil de dejar, algo así como una droga fuerte bien metida en vena. Si no me creen, créanle a mis siestas del día siguiente por quedarme desvelado.
El suspenso que maneja raya en lo ridículo si consideramos que solo son juegos de cartas o apuestas con dados. Pero quiero decir algo que omití. Al avanzar, no solo estará en peligro el dinero de una apuesta, también la propia integridad de Kaiji. La forma en que se apuesta desde el dinero hasta la vida del protagonista es parte de la fórmula ganadora del suspenso.
Las enseñanzas son un punto y aparte en “Kaiji”. A pesar de lo negativo que puedan parecer, siempre tendrán un tono gris y un sabor agridulce, dejándonos a nosotros decidir con qué quedarnos y que tomar como herramientas para darle gusto a la trama. Entre las más importantes, están el valor del dinero como manipulador de las masas, la poca importancia del apoyo grupal a la hora de la verdad, la importancia de la estrategia, la implicación del azar junto a la falta de ésta y los instintos de salvación por sobre los valores morales.
Las enseñanzas van tan lejos que incluso ponen conceptos económicos básicos, como el que “si ganas, alguien saldrá perdiendo” o el oferta-demanda. También contrapone de manera inteligente la idílica idea de que se puede vivir sin tener la plata como ideal, de hecho el dinero lo ponen como un máximo objetivo para Kaiji, cosa sorpresiva para la época en que vivimos. No podemos vivir sin dinero, inclusive será causa de muchas alegrías, esto es una interesante lección que nos deja.
El final no tiene pierde. Es perfecto. Me limitaré nuevamente a decir que fue un cierre perfecto a la serie que no llega ser apremiante ni deprimente. Digamos que solo respeto los ideales del anime punto por punto.
El diseño es algo que atrae a primera vista. Es feo, no se diga más, pero es tan refrescante ver eso a ver monitos kawaii por todos lados; está lleno de trazos angulosos y bruscos, firma personal del autor del manga. Aunque si tengo que acotar algo, es que inclusive el diseño femenino es feo. Oigan, no me tomen a mal, es como en la vida real: todas las personas, sin excepción, ¡son feas! ¡Hey! ¡Dejen de lanzarme latas!
A sabiendas de que soy un ignorante de la animación, para mí cumplió, lo único incomodo fueron algunos modelos CGI que desentonaban demasiado del resto de la animación. A pesar de eso, no me puedo quejar, tuvieron que ahorrar un poco, supongo.
Respecto a la música, ameniza todas las situaciones sin fallar en ningún momento.
Algo de lo que me podría quejar es la constante cantidad de lágrimas que suele soltar todo el puto mundo en cada episodio. Hasta cierto punto es comprensible... pero a veces lloran por cosas que no lo valen.
Concluyo recomendando “Kaiji” a todo el que lea la reseña, aun si los animes no son de tu agrado. “Kaiji” usa el suspenso con maestría y arrastra al espectador al mismo sufrimiento que perturba a Kaiji, haciéndole partícipe del dolor a medida que aumenta el valor de las apuestas en cada arco.
Gyakkyou Burai Kaiji: Ultimate Survivor (Season 1) y Gyakkyou Burai Kaiji: Hakairoku-Hen (Season 2) son adaptaciones animadas por Mad House del manga Tobaku Mokushiroku Kaiji (conocido como Ultimate Survivor o Kaiji) creado por Nobuyuki Fukumoto.
Reseña del Celuloide: Batman V Superman: Dawn of Justice
Después de esa guerra campal entre crítica especializada y crítica casual, es momento de dar mi opinión respecto a este... ente maravillosamente desastroso.
¡Miren en el cielo, ¿será un ave? ¿un avión? Oh Dios... ¡ES SUPERMAN ACOMPAÑADO DE SPOILERS, CORRAN POR SUS PUTAS VIDAS!
Amigos, nunca tuve gran expectativa a esta película, no porque en un principio no la tuviera: no me la ponía como piedra pero tampoco la ignoraba. Digamos que su campaña de mercadeo de destriparte todo lo interesante... arruino todo lo que esperaba de ella.
Ahora, con pocas esperanzas que se mermaban aún más al ver la recepción de la gente... Batman V Superman me resultó en una explosión desastrosa: maravillosa de ver, pero sabes que acababa de destruir algo con gran potencial.
El filme se puede dividir fácilmente en la primera parte que se compone meramente de preparativos para que estos titánicos seres tengan razones para hacerse pedazos; si son listos, sabrán que la segunda parte son las peleas en sí.
Esto último atenta mucho al ritmo de la película, porque no se siente orgánica en ningún momento, zigzagueando de manera insoportable por todos los malditos puntos que nos quiere mostrar la obra al punto de volverse molesto. No infumable, pero sí que se siente molesto.
¿La trama? Bueno, no diré que no la entendí, pero la película hace un desastre al querer explicarla: Superman es visto como una amenaza por Batman y Luthor, este último empieza a experimentar con la kriptonita para matar a Sups, pero Batman le roba la kriptonita para matar a Sups pero Luthor saca su lado de marasalvatrucha y secuestra a Martha obligando a Sups a darse de golpes con el Bats.
Hay más cosillas por allí, como guerras que financia Luthor con munición experimental, metahumanos y la mujer maravilla oculta (claro, como si no fuera obvio cuál de los personajes era).
Aquí ya tenemos un problema: Hay muchas cosas. Es normal que con tal cantidad de exposición, la película se sintiera lenta y sumamente pesada. La gente dirá que eso es mejor, que la gente es demasiado estúpida para entenderla. Ehh, no. La película es compleja porque tiene una cantidad de información ridícula, obligándola a malabarear entre una exposición y otra. Es pesada artificialmente, no de manera natural como un elemento cinematográfico puesto con la intención de transmitir algo.
Si no fuera poco, el propio nombre también es un atentado contra la trama. Se hubiera llamado Dawn of Justice a secas y nos habríamos ahorrado problemas con el típico “pero casi ni pelean” que todos pensaron al salir de la sala de cine. Hablando de peleas… sí, se arregla todo con lo de Martha. Batman le da una especie de ataque de catarsis barata y recobra el juicio de no matar a Sups.
Mi siguiente conflicto con la trama son las referencias que el filme ofrece para los más avispados fans de DC. Hey, están bien, nada complicado de pillar, la verdad, pero pareciese que la película deseara autosustentarse en ello. Esto es común verlo en la comedia actual haciendo chistes con cosas modernas solo referenciándolas, sin jugar tanto con la referencia, solo poniéndola para que la gente diga: “AH MIRA, ESO HACE REFERENCIA A X COSA, QUE PROS”. Este pecado lo han hecho todas las películas de superhéroes y no esta tan mal, pero me dio la impresión de que la película lo hizo simplemente para que le dieran el visto bueno. No están mal... pero reitero con ese sabor de boca que me dejo, que es para mover la balanza a su favor de forma algo barata.
Además de esas referencias, tenemos los sueños o premoniciones de Bruce Wayne, que de seguro servirán para unir un par de nexos en el futuro... pero que si las ves ahora, te parecerán un añadido inútil o de poco valor, excluyendo la rápida aparición de Flash que es un cameo orgánico e interesante sin dejar de sentirse extrañamente repentino.
Siguiendo con la línea de misticismo, otro problema que le vi era la constante divinización que se le hacía a los personajes. Esta genial que intenten hacer eso, después de todo, DC se ha caracterizado por crear personajes casi divinos en sus habilidades, pero una cosa es que me lo muestren a que me lo atiborren en la garganta a la fuerza. Si, DC, ya pillamos que son dioses, no hace falta que seas cansino con eso.
Otra cosa, que es más bien personal y que servirá de paso para el siguiente punto, es Lois Lane. Discúlpenme, pero es que fue el personaje más irritante de la película, empezando con que hizo poco o nada a lo largo de esta, solo término investigando un tema que no fue a dar a ningún lado (lo de las balas de Luthor) y hacerse la dramática. Sí, es un apoyo para Superman y todo eso... pero tampoco es que se sintiera así por la poca química que hay entre los dos.
Personajes... tantos pero tan dispares entre ellos. Empecemos con el bueno de Luthor que realmente se siente como alguien a punto de explotar para convertirse en un genio desquiciado; la personalidad extrovertida es algo que no disfrute tanto, pero cuando daba en el clavo, se sentía realmente manipulador y con una presencia poco tranquilizadora. Bruce Wayne está OK, no superó al Wayne de Nolan por el hecho de que la interpretación de Affleck busca incesantemente verse misterioso, queda algo extraño porque parece que todo el rato está distraído... pero Dios santo, el Murciélago de Gotham jamás se había movido de la forma en que lo hace en esta ocasión, siendo un deleite verlo en pantalla.
Ahora los personajes sin gracia ni nada rescatable: Superman y Wonder Woman. Sups nunca llega a destacar de ninguna manera, de hecho queda muy a la sombra de Batman, reiterando mi idea de que la película debió llamarse Dawn of Justice. A Wonder Woman no la puedo culpar realmente, tuvo muy poco tiempo en pantalla, pero su aparición revitalizó los últimos momentos de la película, sintiéndose como un soplo de aire fresco para esta encajonado filme.
La música es excelente. Aunque una queja menor es que, en conjunción con los cambios molestos de escena a escena, la música cambió de ritmo de manera brusca y seguida, volviéndose inconsistente en ocasiones.
La acción fue agridulce; para estar jactándose cada 5 segundos de que son diferentes a la competencia, la acción se sintió genérica. Me explico, para ser un universo más “oscuro y adulto” esperaba más brutalidad en las peleas. No quiero chorros de sangre, sino que se sintiera el peso de los golpes. ¿Saben cuál es el mayor problema que tengo con Doomsday además de que es jodidamente enorme? Es que sus golpes no se sienten con peso ni con fuerza, es como si golpeara y por acción repentina alguien saliera volando. El altercado con Superman y Batman, aunque corto, emanaba más intensidad e incomodidad a los movimientos, sintiéndose más real e impactante a diferencia del mencionado Doomsday, que media mucho más y se movía igualmente de rápido.
Para acabar, Batman V Superman no fue ni de lejos la película que esperaba. Conforme avanzaba, se volvía más y más aburrida y cargada. El último tercio fue lo más recompensante de la experiencia, y diría que tampoco valió la pena. No recomendaría pagar por verla, espera a verla en televisión, aunque si eres un fan de DC, júzgala por ti mismo.
Aunque reitero, el que sea más disfrutable para fans, eso no la hace una mejor película.
Batman V Superman: Dawn of Justice es una película de 2016 dirigida por Zack Snyder y protagonizada por Henry Cavill, Ben Affleck, Jesse Eisenberg, Jeremy Irons y Gal Gadot.
Sí, ese juego del que todos hablaban hace meses… y del cual se sigue hablando, aparentemente.
Ohh, es el juego del niño que se cae en una montaña y…
Y se encuentra con un par de monstruos, exacto. Undertale es un videojuego indie lanzado en 2015 por Toby Fox, disponible para Steam. En otras palabras, sólo para los PC MUSTARD RACE, aunque hay rumores de un port para 3DS… pero nada seguro.
Bueno, explicame, ¿por qué es tan aclamado?
Eso es fácil de responder: cada aspecto del juego está hecho con genuino cariño. La trama, los personajes, la música; todo se siente vivo y con corazón. El mundo de Undertale parece que respira por sí mismo, respiración que se siente aún más palpable en los finales que se nos presentan, hablando en ocasiones directamente al jugador. Sabe que es un videojuego y usa cada artimaña para sorprendernos y restregarnos en la cara lo original que es.
Emm… ¿eso es todo? Vaya, fuiste concreto.
No es por ser concreto, es que Undertale no es un videojuego más, es una experiencia que se tiene que vivir por lo menos una vez, y mientras menos sepas de de lo que trata, mejor.
Al menos explica la trama sin spoilers, maldito vago.
Un niño se cae dentro de un agujero en una montaña, pero ahí abajo, los humanos encerraron a los monstruos después de una guerra que ocurrió hace muchos años. La única forma de salir es con un corazón humano… o eso hasta que nos revelan más cosas. En otras palabras, cierro la boca antes de los [SPOILERS]
Parece que no te sacaré nada más de la trama. ¿Algo destacable?
Los personajes son sencillos con una personalidad base que se exagera lo suficiente para volverlos cómicos pero no menos creíbles. Es curioso, pero para mi fue imposible no acordarme de alguien conocido con cada personaje, te encariñas con todos ellos aunque no quieras; son como personajes de fábula llevados al mundo actual.
La música...
LA MÚSICA LA COMPUSO DIOS.
Al menos dinos algo negativo, ¿no te haces llamar crítico?
De lo que me podría quejar es la falta de coherencia en la estética. En los personaje está bien, enfatiza un contraste entre las criaturas de ese mundillo… pero en los escenarios si se ve algo feo. Ni hablar de los sprites en blanco y negro que utiliza en pelea, los deteste personalmente.
JA, te saqué algo, ¿que eso de las peleas?
Oh, cierto la mecánica principal. Podría decirse que un RPG/Bullet Hell/shooter. Cuando te encuentras con un enemigo, aparece una representación gráfica de este y se te dan varias opciones para actuar: puedes matarlo sin más o intentar hablar con ellos hasta llegar a un acuerdo y dejar de pelear. Claro, el enemigo seguirá peleando, dependiendo de la acción realizada, allí es donde entra el elemento bullet hell, en el cual tendrás que esquivar los ataques del enemigo.
Hey, para ser una reseña corta, te estás alargando mucho.
Lo sé, es como hacer trampas, pero Undertale también es un juego un poco tramposo si lo analizamos bien (además de que no tengo una sección específica para videojuegos así que CIERRA LA BOCA). Como mencionaba, Undertale aprovecha al máximo que es un videojuego, porque sabe todo lo que hacemos. En caso de que guardemos y matemos a alguien de relevancia, podemos arrepentirnos y cargar partida de nuevo para salvarlos… pero nuestro rastro sigue allí, el juego sabe perfectamente lo que hicimos y no nos dejará impunes, ya sea con palabras reprochadoras o cuando recibamos nuestro juicio moral al final de la aventura.
¿Juicio moral?
Sí, sí. Dije que no diria spoilers, pero me estabas presionando, asi que cuidado, SPOILERS A PARTIR DE AQUÍ. Al final de cada ruta aparece el esqueleto favorito de internet, Sans. Dependiendo de qué tan belicosos fuimos, nos dirá si somos santas palomitas, gente de moral decente pero desviada, o asesinos asquerosos que van a PASAR UN MAL RATO!
Dicho sea de paso, esto afectará el tipo de final que recibimos. El final neutral no es la gran cosa, es eso, neutro. Si, tendremos un pequeño infarto porque el juego empieza a jugar con si mismo, pero es para darnos un “valor de shock“ muy creíble. Sin embargo, en el caso de un final pacifista, tendremos unas bonitas escenas finales del juego… pero lo fascinante entra en escena al final de todo esto. Cuando cerramos el juego y lo abrimos de nuevo, Flowey (el que nos introdujo a este mundo con la regla de “asesinar o ser asesinado”) nos dice que… paremos aquí, ya acabamos el juego, ¿para que seguir? Todos son felices, no hay razón de resetear la partida y jugar de nuevo.
Eso suena interesante, le daré una pro…
Oh no, ¡tú querías que hablara! Ahora soltare todo el spoilers. Al final de la ruta pacifista, Flowey nos da un pista que podríamos hacer algo diferente: en lugar de salvarlos a todos, matarlos. Aquí es donde surge lo fascinante de Undertale. Llegue a un punto en que sentía gran simpatía por todos… pero no me sentía capaz de realizar esto, no quería hacer daño a nadie, aunque solo fueran un montón de pixeles en la pantalla. Pero quería saber qué pasaba, qué cosas cambiaban entre este camino de sangre y el camino puro…
Vaya que me sentí vacío al acabar.
Cuando acabamos el juego en ruta genocida, acabamos con todo, entonces llega un personaje que no revelaré y nos dice que todos han muerto. No hay nada. Nosotros, acabamos con los personajes que amamos en una primera instancia, y que por un intrínseco instinto que tenemos de sacar el mayor jugo a todo lo que cae en nuestras manos… destruimos todo.
Este personaje nos dice que puede acomodar todo a como era bajo un precio: nuestra alma. Me negué. Recibí un screamer a cambio y… un ataque de ese personaje, la pantalla del juego se llenó de “9999″ y se cerró. Ahí caí en cuenta de lo que había pasado…
Atacó al propio juego.
Cuando lo volvi a abrir… no había nada, estaba en negro. Todo por mi culpa.
Me di a la tarea de investigar y de hecho, después de un rato con el juego abierto, te vuelven a ofrecer el trato y puedes aceptarlo y el juego vuelve a funcionar… excepto por una cosa.
Si realizas el final pacifista… se acabó. El juego mostrará una versión corrupta del final, dando a entender que Frisk, nuestro protagonista, mata a todos tarde o temprano. Tiene sentido, porque ahora el personaje al que le vendimos nuestra alma nos controla.
Undertale brilla por sobre el resto por una razón; es inmisericorde en nuestras decisiones. Sabe que si lo arruinamos por completo, se acabó y no hay forma de revertirlo. No es por ser cruel ni mucho menos, nos lo pide varias veces que paremos con decisiones negativas, pero por un egoísmo nuestro, seguimos hacia adelante y nos arrepentimos hasta que es demasiado tarde.
Hace poco tuve una discusión de porque Sans era un personaje moralista. A mi nunca me pareció así. Él sabe lo mal que pueden ir nuestros actos. Él nos dice que salgamos de esa ruta sin futuro no por un confort propio… sino para salvarlos a todos, incluido tú.
Emm… ¿fin de los spoilers?
Si, en resumidas cuentas: Undertale sale del confort del juego de poder cambiar las cosas cuando queramos, si metemos la pata hasta el fondo, no lo podremos sacar aunque queramos, no importa lo que hagamos, el juego no nos perdonará por nuestros actos erróneos. Por esa razón enloqueció a tanta gente, porque sale del confort de mantener al jugador como una persona pasiva a alguien activo dentro de la trama.
¿Conclusión?
Bajo mis estándares, Undertale es una obra maestra actual. Sonaré fanboy, lo sé, pero es mi impresión, aunque obviamente se puede quedar muy debajo de otras obras, pero argumentalmente hablando, es casi perfecto. Insisto en que merece por lo menos un par de jugadas.
Tan solo no terminen haciendo cosas malas… o pasaran UN MAL RATO!
