AdocPR

Asociación de Documentalistas de Puerto Rico

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Entrevista a Carmen Oquendo-Villar, co-directora de Camil (2012)

Como parte de la 3ra muestra de cine-documental Latinoamérica en Nosotros, AdocPR le envió 5 preguntas a los cineastas participantes. Aquí las respuestas de Carmen Oquendo-Villar. Su película Camil, que codirigió junto a José Correa-Vigier y es una de las 8 puertorriqueñas en la programación, será proyectada el martes 26 de agosto de 2014 a las 8:30pm en El Departamento de la Comida.

foto de Carmen Oquendo-Villar y José Correa-Vigier

Pregunta #1: ¿Cómo llegaron al tema o al personaje?

He trabajado retratos de personas transgénero en distintos países. José Correa y yo conocimos a Camil (también conocida como Kamelie) durante el rodaje de un proyecto documental en Puerto Rico titulado La aguja. Camil originalmente iba a ser un “personaje” de La aguja, pero en el montaje/edición nos dimos cuenta que no permitía el flujo de la historia que decidimos contar con el pietaje que teníamos. A la misma vez, sentíamos que lo que habíamos grabado con Camil era preciado y tenía su propio arco narrativo. Por tanto, decidimos hacer un retrato sólo de Camil.

Pregunta #2: ¿Alguna vez consideraron contar la historia, o las ideas expuestas, a modo de ficción? ¿Siempre supieron que sería documental?

Este proyecto en particular siempre fue concebido como documental. Hay reseñas de La aguja que la leen como ficción, en una acepción muy particular. Es un modo interpretativo que yo respeto, pero el ánimo fue siempre documental. Ahora sí estoy explorando un tema similar desde la ficción. Es un corto titulado Carmelo, que está en post-producción. Igualmente, estoy trabajando dos proyectos documentales en Colombia. Es posible que de ahí también salga una tercera versión de ficción.

Pregunta #3: ¿Qué decisiones estéticas tomaron y por qué?

Con Camil pudimos hacer lo que no logramos en La aguja: estilo cine directo completamente. En La aguja, incluimos una narración del “personaje” principal, lo cual no es un recurso estrictamente de cine directo.

Pregunta #4: ¿Qué descubrieron sobre la relación entre el documental y la realidad durante el proceso de realizar esta película?

La realidad puede ser tan alucinante como la ficción. Una vez tomé un curso de montaje con una de las editoras de Grey Gardens, de los hermanos Maysles, y recuerdo claramente sus ideas sobre la diferencia entre ambos. Decía, muy a grosso modo, que en la ficción se comienza con algo “falso” (un guión) y tratas de hacerlo verosímil, creíble. En el documental comienzas con algo “verdadero” y lo ficcionalizas al editarlo y otorgarle un arco narrativo. Entonces siempre van de la mano el documental y la ficción.

Pregunta #5: ¿Tienen algunas palabras para los espectadores que verán la muestra?

Este es un proyecto que hicimos con mucho cariño y que logramos sacar “a pulmón.” Espero que lo disfruten.

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Entrevista a Henrry Ramírez, director de La Marsha de los elefantes (2012)

Como parte de la 3ra muestra de cine-documental Latinoamérica en Nosotros, AdocPR le envió 5 preguntas a los cineastas participantes. Aquí las respuestas del venezolano Henrry Ramírez. Su película La Marsha de los elefantes será proyectada el lunes 25 de agosto de 2014 a las 7:00pm en La Beckett - Café, Teatro y Cine.

foto de Henrry Ramírez

Pregunta #1: ¿Cómo llegaste al tema o al personaje?

La Marsha de los elefantes nace de la relación que establecí con Stephen Marsh, amigo, músico y cantante, quien tocaba en un bar donde yo grababa conciertos. Él era uno de los artistas que se presentaban. Steve toca con una pasión única. Cada vez que lo veía tocar le decía que debíamos hacer una película juntos, él se reía. Con el tiempo, profundizamos nuestra relación y las conversaciones se tornaron personales. Entonces había un tema recurrente: su origen. Steve siempre contaba que había nacido en una base militar norteamericana en Trinidad y Tobago, que su madre era una músico trinitaria y su padre, un Marín estadounidense, pero que se vinieron a Venezuela y él nunca más supo de su padre.

Todo eso me parecía una historia que guardaba muchas paradojas: su madre, artista; él, artista; y su padre, militar. También el hecho identitario: nacer en un país dentro de otro y nunca vivir en ninguno de esos dos. Entonces le pregunté a Steve si le interesaba saber dónde estaba su padre, a lo que él me respondió: “puede ser, sí, quizá”. Entonces le propuse que hiciéramos un documental sobre él buscando a su padre.

Pregunta #2: ¿Alguna vez consideraste contar la historia, o las ideas expuestas, a modo de ficción? ¿Siempre supiste que sería documental?

Siempre pensé que La Marsha de los Elefantes se trataba de un documental, lo vi desde el principio como un documental donde la poesía y el arte eran los vehículos en los que viajaríamos por esas historias profundas, por esas sensaciones que guarda la memoria, La Marsha de los Elefantes es una metáfora de ese viaje que emprenden los elefantes a su lugar de origen, en este caso en busca de las raíces, de escuchar el eco de ese lugar que vio nacer a Stevie donde tal vez podíamos hallar el retrato de un padre.

Pregunta #3: ¿Qué decisiones estéticas tomaste y por qué?

La decisión estética fue quizá, buscar narrar la intimidad de un hombre visto desde la distancia, enmarcado en grandes paisajes, incorporando esa belleza topográfica como metáfora de su interioridad. Esto se fue dando, ya que encontramos que la mejor manera de Steve exteriorizar sus sentimientos y emociones era en la soledad.

Pregunta #4: ¿Qué descubriste sobre la relación entre el documental y la realidad durante el proceso de realizar esta película?

Con esta película logré descubrir cuanto de mi historia había en común a la de Stevie, reconocí el vínculo que tengo con su historia familiar y su búsqueda, entendí cuanto amo el arte, la música, la poesía y la libertad de crear. Durante la realización del documental sucedieron cosas que superaron en todo momento nuestras expectativas, nos mantuvieron en constante tensión, cuestionando siempre la manera y los elementos que queríamos narrar en el documental.

Pregunta #5: ¿Tienes algunas palabras para los espectadores que verán la muestra?

Espero que puedan disfrutar de la película y ojalá que este viaje les deje un buen sabor. ¡Salud, que viva la vida y que viva el cine!

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Entrevista a Felipe Degregori, director de No hay lugar más diverso (2012)

Como parte de la 3ra muestra de cine-documental Latinoamérica en Nosotros, AdocPR le envió unas preguntas a los cineastas participantes. Aquí las respuestas del peruano Felipe Degregori. Su película No hay lugar más diverso será proyectada el martes 26 de agosto de 2014 a las 7:00pm en El Departamento de la Comida.

foto de Felipe Degregori

Pregunta #1: ¿Cómo llegaron al tema o al personaje?

La idea de hacer este documental nace en el año 2000, cuando yo trabajé en Iquitos como asistente de dirección en la película “Pantaleón y las Visitadoras” de Francisco Lombardi. Cada día que salíamos a rodar veía estas enormes lanchas o barcos que llegaban al río Amazonas y llamaban mi atención por la cantidad de historias que imaginaba podían contener.

Estas embarcaciones, que son de carga también, alojan alrededor de 200 pasajeros y muchas veces llegan a transportar hasta 400 personas. Los pasajeros pueden estar varios días esperando la salida de estas lanchas hasta que se llene la carga y luego inician una travesía que dura 4 días de viaje con la corriente del río a favor y 8 días cuando está a contracorriente.

Pregunta #2: ¿Alguna vez consideraron contar la historia o las ideas expuestas a modo de ficción o siempre supiste que sería un documental?

Desde la primera vez que vi esas imágenes supe que sería un documental. Primero, como ya dije, por la cantidad de historias que podía contener un viaje de esa naturaleza, luego el viaje propiamente tal por los innumerables lugares, pueblos y aldeas donde  el “Henry” se detiene y  que son completamente desconocidos, sobre todo para los peruanos que vivimos en las ciudades. Solo conocemos el lado más bonito de nuestra Amazonía y nosotros queríamos mostrar al mundo esa selva poco conocida, cómo hacen esas personas para desplazarse en este único medio de comunicación que les da la posibilidad de conseguir algunos productos para asegurar su subsistencia y, por eso, rendirles un homenaje ya que ellos son el motor en sus  pueblos, contribuyen al desarrollo del  país, aunque el Estado los olvida.

Pregunta #3: ¿Qué descubriste sobre la relación entre el documental y la realidad durante el proceso de realizar esta película?

Primero, que la relación con el tiempo es cultural. En la cultura amazónica no existe "la urgencia de llegar a tiempo" porque la naturaleza siempre te juega malas pasadas. También que los plazos y las urgencias son otros. Para ellos lo normal es demorarse 4 días para llegar de una ciudad a otra, y sus actividades se aplazan y se acomodan a esos tiempos. Sucede lo mismo con la planificación que puede ser cambiada de acuerdo a las condiciones climáticas u otros factores relacionados a las distancias y dificultades para desplazarse. Esta relatividad temporal te hace ver el mundo con otros ojos, te ayuda a relajarte y a comprender que lo que importa es el momento presente.

Pregunta #4: ¿Tienes algunas palabras para los espectadores que verán la muestra?

La cultura amazónica es sabia porque se ha adecuado a su medio, hay una armonía que nos acerca a lo esencial. Sumérjanse en este viaje y déjense llevar por la experiencia de no tener prisa, de estar en contacto directo con el río y con mucha gente diversa que, a pesar de las evidentes incomodidades del viaje, sabe convivir de manera respetuosa y pacífica, dándonos una lección de tolerancia.

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Entrevista a Cristian Carretero, director de Bala Perdida (2011)

Como parte de la 3ra muestra de cine-documental Latinoamérica en Nosotros, AdocPR le envió 5 preguntas a los cineastas participantes. Aquí las respuestas de Cristian Carretero. Su película Bala Perdida, una de las 8 puertorriqueñas que incluimos en la programación, será proyectada el lunes 25 de agosto de 2014 a las 8:30pm en La Beckett - Café, Teatro y Cine.

foto de Cristian Carretero

Pregunta #1: ¿Cómo llegaste al tema o al personaje?

Siempre nos interesó el tema de las balas perdidas en despedida de año. Aunque es un fenómeno inoportuno, es algo particular en Puerto Rico y dice mucho sobre nuestra sociedad. En esa noche al Centro Médico de Río Piedras llega todo tipo de personas; sus pasillos congestionados capturan el microcosmos de la sociedad puertoriqueña. Decidimos ir a documentar la sala de emergencia durante despedida de año para explorar estas ideas.

Pregunta #2: ¿Alguna vez consideraste contar la historia, o las ideas, a modo de ficción? ¿Siempre supiste que sería documental?

Siempre supimos que iba a ser documental. No sabíamos que iba a pasar esa noche y era como "ir a pescar". Recrear algo así sería muy costoso y elaborado. Nuestro propósito era capturar una realidad.

Dada la naturaleza observacional del corto, la gente que vemos y perseguimos a veces parece ser personajes de ficción.

Pregunta #3: ¿Qué decisiones estéticas usaste y por qué?

Adoptamos un método observacional y tratamos de interferir en la realidad lo menos posible. El hospital nos dio acceso total. Grabamos sin parar toda la noche. Al principio la gente nos trataba con sospecha pero con el tiempo se interesaron en lo que hacíamos y entendieron que íbamos a estar toda la noche ahí, como la mayoría de ellos.

Pregunta #4: ¿Qué descubriste sobre la relación entre el documental y la realidad durante el proceso de realizar esta película?

En este caso no había mucha separación. Fue capturar la realidad. Luego en el editaje es cuando se trata de establecer un mensaje coherente con los pedazos de realidad; tratar de decir algo con los momentos encontrados.

Pregunta #5: ¿Tienes algunas palabras para los espectadores que verán la muestra?

De alguna manera documenten su día a día y estúdienlo para entenderlo mejor y así no dejarse llevar por las opiniones de otros.

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Entrevista a Mauricio Rial Banti, director de Overava (2012)

Como parte de la 3ra muestra de cine-documental Latinoamérica en Nosotros, AdocPR le envió 5 preguntas a los cineastas participantes. Aquí las respuestas del paraguayo Mauricio Rial Banti. Su película Overava será proyectada el sábado 23 de agosto de 2014 a las 7:00pm en La Hoja Eco Bar.

foto de Mauricio Rial Banti

Pregunta #1: ¿Cómo llegaste al tema?

La idea del proyecto la tenía hace tiempo y giraba en torno a realizar un trabajo que fusione el documental y el suspenso. "La búsqueda de plata yvyguy”, como le decimos en Paraguay a los tesoros enterrados, era un tema genial para eso. Al ser un tema popular en Paraguay, tenía cierto conocimiento, pero jamás pensé lo que implicaba este tema de una profundidad infinita.

Pregunta #2: ¿Alguna vez consideraste contar la historia, o las ideas expuestas, a modo de ficción? ¿Siempre supiste que sería documental?

Sí, claro, de hecho la propuesta original estaba mucho más pegada a la ficción, o al menos a una manera menos “documentalosa” –si me permiten el neologismo- pasa que en la investigación mucho de lo planteado fue viendo la luz y la idea se fue adaptando. Si miran la primera escena de la peli, pareciera incluso que está todo montado, hasta con efectos, rayos, lluvia, pero en realidad me encanta buscar la manera de contar esta “realidad” como si fuera ficción; de verdad llovía y los relámpagos los captamos como pudimos.

Pregunta #3: ¿Cuáles fueron las decisiones estéticas que te llevaron a desarrollar una puesta en escena tan afín al cine de misterio?

El planteamiento sonoro creo que ocupa el primer lugar, el cine de suspenso tiene un mundo sonoro único, y acá la descripción de lo que los entrevistados escuchaban o dicen escuchar, parecía la excusa perfecta para jugar con esto estéticamente. En segundo lugar la fotografía, que fue un gran desafío porque no podíamos hacer grandes puestas, con el DF (director de fotografía) nos propusimos trabajar solo con velas, lámparas o cosas muy simples que pudieran formar parte de la diégesis y que den al espectador la posibilidad de reconocerse dentro del género de suspenso que tomaba muchas más valor de “verdad” o poco lugar a dudas por ser un documental.

Pregunta #4: ¿Qué descubriste sobre la relación entre el documental y la realidad durante el proceso de realizar esta película?

Cada vez estoy más seguro de que no hay diferencia entre un documental y una ficción, creo que terminé de entender que al ser todo una puesta en escena, realmente existe una sola voz cantante, y es la del autor –cosa que nos hace responsables de todo lo que pase en la película, pero bueno, uno asume riesgos narrativos-.

Pregunta #5: ¿Tienes algunas palabras para los espectadores que verán la muestra?

Me encantaría que se dejen llevar, OVERAVA es el retrato de un mito, que no traten de entender científicamente que pasa o por qué pasa lo que pasa… Solo sueñen junto con los buscadores que es posible, que es posible encontrarse con el tesoro si uno cree, y mejor aún que ese tesoro tendrá la forma que nosotros queramos, así sea una piedra bañada en lodo.

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Entrevista a Betty M Park, directora de Mamachas del Ring (2009)

Como parte de la 3ra muestra de cine-documental Latinoamérica en Nosotros, AdocPR le envió 5 preguntas a los cineastas participantes. Aquí las respuestas de la coreana-estadounidense Betty M Park. Su película Mamachas del Ring será proyectada el domingo 24 de agosto de 2014 a las 8:30pm en Cinema Paradiso en La Calle Loíza.

**El idioma natal de la entrevistada es inglés y, para evitar tergiversar sus palabras, decidimos reproducir su entrevista en la manera que nos contestó.**

foto de Betty M Park

Question #1: How did you find the story or characters?

I first encountered the cholita wrestlers when I was traveling in Peru and Bolivia, through a photo essay in a magazine. Seeing the image of an indigenous Bolivian woman in her traditional clothing flying through the air completely captured my imagination: Who were they? How did they come to wrestle? How do those hats stay on their heads? I knew that I was staring at a documentary waiting to be made, and so I began researching and contacting the wrestlers. A few months later I flew down to Bolivia and began this epic journey.

Question #2: Did you ever consider the possibility of fiction for this particular story or were you always set on making it a documentary?

I never really considered telling this story in fictional form, and I definitely think something would have been lost if in its first iteration the audience was deprived of seeing Carmen Rosa as herself. She is such a charismatic, impressive person, and in my mind represents herself better than anyone else could.

Now that this story has been told in documentary form, I do harbor dreams of someday doing an animated children's series -the cholita wrestlers as modern-day feminist heroes fighting the good fight, alternative role models to all the pink and princess that young girls are currently exposed to.

Question #3: What were the aesthetic decisions that led you to incorporate stop motion animation into the film?

I knew very early in on the shoot that I wanted to include some form of animation to help tell this story. Initially, I was looking at using these handmade cloth dolls that you find in the markets of La Paz. Their polleras are made from the same cloth as the people-sized polleras, and the detail with which they are made is impressive and endearing. In the end, those dolls weren't quite flexible enough to animate, so I looked for an alternative that maintained a similar handmade vibe. Claymation seemed to be the perfect match.

Question #4: What did you discover about the relationship between documentary and reality during the realization of this film?

Every story has a beginning, middle, and an end, but life is much more abstract and messy. It's a difficult and beautiful thing to figure out where you are going to start the story you're telling, and where you will stop.

Ultimately, I've found that a documentary represents one telling of reality, but can never be the sum of all parts.

Question #5: Do you have any words for the audience that will attend the screening?

Now that I've had a bit of time to reflect on Mamachas and making my first film, I would say that the film you are about to see contains the hopes and dreams of not just Carmen Rosa, but also of myself as a filmmaker. I've sometimes said that there is a parallel between Carmen Rosa's struggles and my own as a filmmaker, and I would like to believe that her story represents the struggles of many others who are driven by a consuming passion, and are up against all odds to succeed. Somehow they push on despite the many, many obstacles that await them. So most importantly, I thank everyone who comes out to see the film for keeping this dream alive.

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Entrevista a Ricardo del Conde, director de Espantapájaros (2012)

Como parte de la 3ra muestra de cine-documental Latinoamérica en Nosotros, AdocPR le envió 5 preguntas a los cineastas participantes. Aquí las respuestas del mexicano Ricardo del Conde. Su película Espantapájaros será proyectada el viernes 22 de agosto de 2014 a las 7:00pm en La Fundación Nacional para la Cultura Popular.

foto de Ricardo del Conde

Pregunta #1: ¿Cómo llegaste al tema o al personaje?

Yo buscaba historias enmarcadas en lo extraordinario de lo ordinario (por decirlo de alguna manera). Estaba perceptivo y receptivo a que las formas y los temas se fueran generando y tenía claro que buscaba una exploración formal, personal que definiera el como quería que las historias se contaran. Intuía que tenía que ver con la tierra y con el hombre (mujer) y sus universos. Así que la película quería hablar en varios niveles.

Me uní a una expedición que mi padre (que es fotógrafo) hizo a los campos de arroz de la región donde habito y conocí al protagonista de la película, Alejandro. Sabía que había conocido a alguien extraordinario pero no fue sino hasta años después que entendí que todo lo que quería contar de la vida, de mí y de mis inquietudes, lo podía hacer en voz y energía de este hermoso individuo.

Pregunta #2: ¿Alguna vez consideraste contar la historia, o las ideas expuestas, a modo de ficción? ¿Siempre supiste que sería documental?

Siempre supe que me interesa más la riqueza de la vida misma que su propia interpretación. Por eso me valgo de trabajar con personas reales, auténticas y sensibles. Pero, desde que me acerqué al cine, he estado luchando por no catalogar, por no dividir el cine en géneros. Así es que no me gusta hablar de documental vs ficción. Es cine. Nos valemos de todas las herramientas del cine para generar emociones, sentimientos, reflexiones y la idea de retratar "La Realidad" me parece inocente. Así es que compartimos puntos de vista y nuestra propia percepción de la realidad a través de nuestra obra.

Pregunta #3: ¿Cuáles fueron las decisiones estéticas que te hicieron usar la foto, o sea la imagen estática, para representar a las otras personas del pueblo?

Fue una mezcla de decisiones no sólo estéticas, también fueron decisiones de ritmo, de proponer otros tiempos para detenerse a contemplar; a sumergirte en la imagen y construir la propia. A que no le diéramos digerido y preparado al espectador lo que tiene o no tiene que ver, pensar o sentir. Quisimos proponer, sugerir, hacer guiños. Y dejar que el espectador completara su experiencia. Lo que retratamos y escuchamos en la película tiene otro tiempo. Es un tiempo que responde a otra forma de vivir. A la hora de plasmarlo en una línea de tiempo creíamos que tenía que proponer otro tiempo igual.

Pregunta #4: ¿Qué descubriste sobre la relación entre el documental y la realidad durante el proceso de realizar esta película?

Creo que lo abordé en la pregunta #2... Espero

Pregunta #5: ¿Tienes algunas palabras para los espectadores que verán la muestra?

Me llena de gusto poder viajar a través de esta obra, con ustedes, hasta Puerto Rico. Esta pieza me representa porque me parece honesta con quien soy y quienes colaboramos en ella. Así es que me dejo con ustedes a través de ella. Les invito a que se sumerjan a otro tiempo, un tiempo del campo. Y que se les quede lo que ustedes permitan.

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Entrevista a Miguel Alvear, director de Más allá del mall (2010)

Como parte de la 3ra muestra de cine-documental Latinoamérica en Nosotros, AdocPR le envió 5 preguntas a los cineastas participantes. Aquí las respuestas del ecuatoriano Miguel Alvear. Su película Más allá del mall será proyectada el sábado 23 de agosto de 2014 a las 8:30pm en La Hoja Eco Bar.

foto de Miguel Alvear

Pregunta #1: ¿Cómo llegaste al tema o a los personajes? 

"Más allá del mall" toma como punto de partida mi libro "Ecuador bajo tierra" (en co- autoría con Christian León) en el que dimos cuenta de toda una producción de largometrajes de ficción producidas por autodidactas, que nunca habían circulado en salas ni en televisión. Todas habían sido realizadas con bajísimos presupuestos y eran más conocidas en los mercados de DVD que las películas de directores "profesionales" de la capital. Para el documental escogí a los más prolíficos.

Pregunta #2: ¿Alguna vez consideraste contar la historia, o las ideas expuestas, como un documental más convencional ó siempre supiste que entrelazarías el elemento ficcional del actor que te representa en pantalla?

Sabía que para igualar el terreno entre observador y observado, tenía que contar la historia en primera persona, poniendo mi carne en el asador, por decirlo de alguna manera. Al principio pensé que yo saldría en cámara pero el reto de filmarme y filmar lo consideré demasiado complicado y le pedí a Andrés Crespo, que había participado en la investigación de "Ecuador bajo tierra", que me interprete, y a él le encantó la idea.

Pregunta #3 ¿Cuáles fueron las decisiones estéticas que te llevaron a incluir una secuencia montada por una de los sujetos? 

A todos los personajes les propuse que hagan un cortometraje sobre cómo empezaron a hacer películas. Lo podían hacer como quisieran, en menos de cinco minutos. Nelson Palacios escribió un guión que luego nuestro equipo filmó bajo su dirección. Fernando y Nixon escribieron un guión imposible de filmar, por eso en su historia utilizo fotografías y extractos de sus películas.

Pregunta #4: ¿Qué descubriste sobre la relación entre el documental y la realidad durante el proceso de realizar esta película?

Que la realidad se construye. El documental no existe.

Pregunta #5: ¿Tienes algunas palabras para los espectadores que verán la muestra?

Los quiero mucho, nunca cambien.

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Entrevista a Alex Wolfe, director de Semitostado (2011)

Como parte de la 3ra muestra de cine-documental Latinoamérica en Nosotros, AdocPR le envió 5 preguntas a los cineastas participantes. Aquí las respuestas de Alex Wolfe. Su película Semitostado, una de las 8 puertorriqueñas que incluimos en la programación, será proyectada el martes 26 de agosto de 2014 a las 8:30pm en el Departamento de la Comida.

foto de Alex Wolfe

Pregunta #1: ¿Cómo llegaste al tema o al personaje? 

El proyecto comenzó como un retrato del pueblo de Adjuntas, donde vivía cuando era joven. Quise mostrar los aspectos de la vida cultural que estaban en vía de la extinción. Esto se enfocó en la vida y lucha de los pequeños agricultores porque eran y son creadores importantes en el desarrollo de la cultura puertorriqueña. El Jíbaro es icónico. Aunque podría decir que este sea extinto el ícono está basado en elementos aún existentes entre la gente de la montaña. El cultivo del café tiene un papel especial en todo esto porque, por varias razones, los pequeños cultivos siempre han podido existir al lado de los grandes y el café provee más ganancia al agricultor por área cultivada que cualquier otro cultivo. Resulta que el café sea profundamente vinculado con la identidad del Puertorriqueño, especialmente cuando la agricultura es en su auge. Ahora se acabó la caña, y el tabaco, y muchos otros cultivos importantes, y el café va por el mismo camino. Volviendo a la pregunta, cuando empecé a investigar encontré que este escarabajo, que se llama la broca, estaba en pleno ataque a estos mismos agricultores, y se formó el tema del documental en ese instante.

Pregunta #2: ¿Alguna vez consideraste contar la historia, o las ideas, a modo de ficción? ¿Siempre supiste que sería documental? 

Siempre supe que iba a ser un documental. Para mí los documentales son más directos. No tengo tiempo para disfraces y comediantes. Además, yo tengo un temperamento con tendencias melodramáticas. Se puede encontrar las tramas y los dramas en mis documentales rascando un poco. Este documental es un ejemplo claro de que "la verdad es más extraño que la ficción”. Imagínense si fuera ficción. Hubiera sido absurdo. Nadie lo hubiera creído.

Pregunta #3: ¿Por qué decidiste usar la primera persona en singular, o sea tu propia voz, para contar una historia colectiva?

Tengo una relación complicada con Puerto Rico. Me siento muy Puertorriqueño y muy comprometido con la isla, pero no nací aquí ni mis padres tampoco. No tengo sangre boricua. Digamos que soy inmigrante. Cuando Alexis Massol me presentó en Casa Pueblo de Adjuntas dijo algo que me dio mucho orgullo. Dijo que no es importante donde nace uno o que sangre tiene sino lo que uno hace para Puerto Rico. La colectiva es diversa. Quería usar mi propia voz para afirmar mi identidad y compromiso con Puerto Rico. También quería hacerlo (un voice over) porque no lo había hecho antes.

Creo que el hecho de usar la primera persona en singular es comprometerse y decir, voy a hacer algo. La voz colectiva es un concepto abstracto. ¿Cómo suena? Quizás suena come el "micrófono humano" de Occupy Wallstreet. La voz supuestamente objetiva del locutor anónimo, aún si sea Matt Damon, me suena un poco falso. También hay razones narrativas por usarlo. Se puede vincular escenas en maneras muy efectivas, sin mucho preámbulo. En fin, es otra herramienta del cine. ¿Por qué no usarlo? No entiendo porque hay una reacción tan fuerte en contra de esa técnica. Pregunta #4: ¿Qué descubriste sobre la relación entre el documental y la realidad durante el proceso de realizar esta película?

La realidad es desorganizada. El documental tiene que ser organizado. También, el documental no tiene el flujo de la realidad. El movimiento del documental es una ilusión. No tiene una verdadera dimensión temporal. Ver una película por segunda vez es como ver un cuadro por segunda vez. No cambia.  Sin embargo, mientras que uno esté organizando el documental la realidad sigue cambiando. Por eso hay que trabajar rápido. En otras palabras, si el UPR me quiere ofrecer trabajo como profesor, estoy disponible. Pregunta #5: ¿Tienes algunas palabras para los espectadores que verán la muestra?  

Pues, para mí es muy importante comunicar con los espectadores y saber lo que piensan de la obra y la temática. Que me escriban a [email protected]. También, quiero agradecer ADOCPR. Hacer documentales va a ser muy importante al proceso de crear el nuevo Puerto Rico. No hablo de publicidad ni propaganda, sino documentales que no temen de enfrentarse con las verdades incómodas de nuestra situación. ADOCPR es la vanguardia.

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Entrevista a Diego Mondaca, director de La Chirola (2008)

Como parte de la 3ra muestra de cine-documental Latinoamérica en Nosotros, AdocPR le envió 5 preguntas a los cineastas participantes. Aquí las respuestas del boliviano Diego Mondaca. Su película La Chirola será proyectada el martes 26 de agosto de 2014 a las 8:30pm en el Departamento de la Comida.

foto de Diego Mondaca por Alvaro Gumucio Li

Pregunta #1: ¿Cómo llegaste al tema o al personaje?

Son preguntas. Uno llega por inquietud, por cuestionamientos o quizás temas no resueltos que no necesariamente son personales, pero están ahí, rondándote.

Con La Chirola fui concretando preguntas, haciendo las directas. Me intriga mucho la capacidad del ser humano para levantarse, para recuperar su integridad después de pasar por periodos físico y psicológicos muy complicados y oscuros. Su polaridad. Su oscuridad como también su luminosidad. Así somos todos y también son nuestros mayores.

Pregunta #2: ¿Alguna vez consideraste contar la historia, o las ideas expuestas, a modo de ficción? ¿Siempre supiste que sería documental?

Sabía que era documental por que en verdad, La Chirola, estaba condenada a esto por causa de que es mi tesis de graduación de la EICTV en la especialidad de documental. Pero es justamente la “realidad”  la que nos empujó a hacer un filme que tiene matices y desbordes entre lo que las categorías llaman “documental y “ficción”.  Durante el rodaje no nos preocupamos que sea o no documental, simplemente queríamos contar algo de la realidad a través de Pedro, protagonista de La Chirola. Para nosotros es una película, que contiene emoción y mensaje. Eso es todo.

Pregunta #3: ¿Cuáles fueron las decisiones estéticas que te llevaron a filmar en blanco y negro?

Fueron más los impulsos narrativos. La necesidad de acompañar el relato de Pedro, su palabra y memoria, con imágenes que le ayuden y nos ayuden a nosotros a compenetrarnos y trasladarnos en su dolor y hacia los espacios desde donde justamente él nos reconstruyen su vida. A esto sumamos el sonido. La construcción de una película es la suma de muchos elementos, pero intentando que sean de la manera más sobria posible. Con el tiempo lo iremos puliendo.

Pregunta #4: ¿Qué descubriste sobre la relación entre el documental y la realidad durante el proceso de realizar esta película?

No descubrí mucho. Sigo pensando que sus definiciones son vagas y hasta inútiles. Uno simplemente debería preocuparse por hacer la película que uno necesita, reflejar sentimientos y puntos de vista que considera necesarios. Ya después que lo etiqueten de ficción o documental resulta secundario.

Pregunta #5: ¿Tienes algunas palabras para los espectadores que verán la muestra?

Primero les agradezco mucho que puedan disponer de su tiempo para asistir a ver La Chirola. Esto es un gran gesto en nuestros tiempos. Después, si les parece, les pediría que la compartan, que la conversen y difundan. La Chirola está gratis en internet, es muy sencillo y sería lindo que la distribuyan en su familia o sus amigos.

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Entrevista a Gonzalo Coffey, director de Hallaréis: AKA MORO (2014)

Como parte de la 3ra muestra de cine-documental Latinoamérica en Nosotros, AdocPR le envió 5 preguntas a los cineastas participantes. Aquí las respuestas de Gonzalo Coffey. Su película Hallaréis: AKA MORO, una de las 8 puertorriqueñas que incluimos en la programación, será proyectada el viernes 22 de agosto de 2014 a las 8:30pm en La Fundación Nacional para la Cultura Popular.

foto de Gonzalo Coffey

Pregunta #1: ¿Cómo llegaste al tema o al personaje?

Destino, igual se podría decir que ellos llegaron a mí. 

Pregunta #2: ¿Alguna vez consideraste contar la historia, o las ideas expuestas, a modo de ficción? ¿Siempre supiste que sería documental?

Interesantemente, la raíz de la palabra ‘ficción’ se asocia con un formar o un amasar. También vemos en la ciencia cuántica como el acto de mirar altera (crea) una circunstancia. Más, en cualquier 'documental' se puede encontrar un elemento ficticio igual como cualquier película de 'ficción' termina siendo un documento de su grabación.  Lo bueno del cine (hay mucho) es que, además de ser un contar, es un mostrar y el mostrar libera la ansiedad de la definición. Ahora, con todo eso dicho, si trabajo (confío) más en lo que se podría llamar “lo dado”, es porque, entre otras cosas, quiero celebrar esta vida y esta posibilidad, y paradójicamente (el marco de la verdad cinemática), limitarse así estimula la imaginación de una manera, como diría el caballero Jean Vallejo, “bastante chévere”. En fin, les refiero al Sr. Godard, quien elucide en su película (¿ficción?) "Passion" que es mejor vivir un cuento antes de contarlo, y eso sí lo entiendo. Eso lo entiendo del hueso al corazón.

Pregunta #3: ¿Cuáles fueron las decisiones estéticas que te hicieron usar la narración en off como contraste/comentario de los visuales?

Más que ser una decisión estética, fue una decisión de necesidad, de una necesidad que nace de una posición ética. Yo tenía ciertas imágenes, ciertos sonidos, y basado en esa selección absolutamente especifica, entré a un proceso de formar, no disimilar quizás del acto de un escultor que tiene frente de él una piedra especifica con ciertas grietas secretas etc. que le van a guiar más o menos a una forma final, una forma esencial que de alguna manera siempre le esperaba.

Pregunta #4: ¿Qué descubriste sobre la relación entre el documental y la realidad durante el proceso de realizar esta película?

¿La realidad de quién? En inglés se dice mucho, "Beauty is in the eye of the beholder" como expresión de la relatividad de la belleza, pero para mí, el dicho revela como la belleza pertenece al mirador, como una soberanía. "Behold" es un mirar particular, un mirar que aguanta, que se encarga de, que corporaliza lo que se mira, y es este acto de mirar que creó y seguirá creando este mundo. 

Pregunta #5: ¿Tienes algunas palabras para los espectadores que verán la muestra?

Entrégate.

[adocpr]

Entrevista a Luis Ospina, co-director de Agarrando Pueblo (1978)

Como parte de la 3ra muestra de cine-documental Latinoamérica en Nosotros, AdocPR le envió 5 preguntas a los cineastas participantes. Aquí las respuestas del colombiano Luis Ospina. Su película Agarrando Pueblo, que codirigió con Carlos Mayolo, será proyectada el viernes 22 de agosto de 2014 a las 8:30pm en La Fundación Nacional para la Cultura Popular.

foto de Luis Ospina por Valerie Massadian

Pregunta #1: ¿Cómo llegaron al tema o al personaje?

Mayolo y yo llegamos al tema cuando decidimos hacer una película sobre el cine mismo a raíz de la proliferación de películas nacionales e internacionales de lo que nosotros bautizamos en ese momento como “pornomiseria” (ver manifiesto anexo escrito por Carlos Mayolo y yo con motivo del estreno mundial en París de la película). Eran los años 70s y los temas sociales y políticos predominaban en el cine del Tercer Mundo con la bendición de los festivales de cine europeos ávidos de material para tranquilizar sus malas conciencias. Entonces nosotros decidimos hacer “Agarrando pueblo” como un antídoto contra la miseria usada como mercancía, con el fin de plantear el problema ético que implica filmar a las clases menos favorecidas. El dejarse filmar es uno de los actos de generosidad más grandes que un ser humano le puede conceder a otro y, por lo tanto, el cineasta tiene que actuar consecuentemente. Al personaje (Luis Alfonso Londoño) lo conocimos seis años durante el rodaje de “Oiga vea” cuando estábamos filmando en un barrio popular. Yo estaba haciendo el sonido mientras Mayolo filmaba y oímos que alguien de entre la multitud que estaba observándonos trabajar gritó “¡Con que agarrando pueblo!”. Yo reaccioné inmediatamente porque nunca había oído la expresión y pregunté quién era el que había gritado. Se acercó un personaje descalzo con aspecto esmirriado y yo le pedí que me explicara a que se refería. Me dijo que los cineastas y reporteros venían a países como Colombia a filmar la pobreza pero ellos, los sujetos, nunca veían el resultado. Desde ahí nos quedó a Mayolo y a mí rondando en la cabeza esa expresión y su significado. Cuando escribimos el guión de “Agarrando pueblo” en 1977 tuvimos en cuenta a Luis Alfonso Londoño y los buscamos en el barrio, con tan buena suerte que los encontramos y le propusimos ser el actor. Él gustosamente aceptó y, después de algunos ensayos preliminares, filmamos.

Pregunta #2: ¿Alguna vez consideraron contar la historia, o las ideas expuestas, a modo de documental “propio”? ¿O siempre supieron que sería un falso-documental?

En esa época casi se no se hablaba de “falso documental” (mockumentary). Quizá la única referencia que teníamos era “David Holzman’s Diary” de Jim McBride, una película que no habíamos visto pero de la que teníamos referencia por nuestras lecturas de revistas de cine extranjeras. Sólo muchos años después de rodar “Agarrando pueblo” la pude ver y no vi mucha relación entre las dos películas aparte de que las dos películas son reflexivas. “Agarrando pueblo” fue quizás el primer falso documental latinoamericano.

Pregunta #3: ¿Cuáles fueron las decisiones estéticas que te hicieron usar el intercambio de blanco y negro a color en algunas secuencias?

La decisión estética fue muy sencilla. Se usó el blanco y negro para documentar a los cineastas que están filmando, es decir, el making of, y el color para lo que ellos filman.

Pregunta #4: ¿Qué descubriste sobre la relación entre el documental y la realidad durante el proceso de realizar esta película?

Descubrí muchas cosas, entre ellas, que los mismos mecanismos que se utilizan en el cine para decir la verdad se pueden utilizar para la mentira. Este descubrimiento me llevó a hacer, treinta años después, el falso documental “Un tigre de papel”.

Pregunta #5: ¿Tienes algunas palabras para los espectadores que verán la muestra?

Hay que desconfiar de las imágenes.

[adocpr]

Entrevista a Víctor Orozco, director de Realidad 2.0 (2012)

Como parte de la 3ra muestra de cine-documental Latinoamérica en Nosotros, AdocPR le envió 5 preguntas a los cineastas participantes. Aquí las respuestas del mexicano Víctor Orozco. Su película Realidad 2.0 (2012) será proyectada el sábado 23 de agosto de 2014 a las 8:30pm en La Hoja Eco Bar.

 foto de Víctor Orozco

Pregunta #1: ¿Cómo llegaste al tema o al personaje?

En principio el cortometraje era acerca de la diferencias entre México y Alemania pero conforme pasó el tiempo empecé a concentrarme cada vez más en el tema de la violencia en México. Ya que esa era la diferencia más alarmante de todas.

 Pregunta #2: ¿Alguna vez consideraste contar la historia, o las ideas expuestas, a modo de ficción? ¿Siempre supiste que sería documental?

Desde el principio sabía que sería un documental, mi duda al principio era como manejar el documental; si algo más convencional donde analizaba el fenómeno del narco o como un ensayo fílmico. Y me decanté por la última opción ya que me di cuenta, que la perspectiva que tenía desde lejos era un privilegio. Cuando la gente vive rodeada de violencia llega un momento donde se hacen insensibles, lo cual es un método muy normal para poder seguir viviendo en ese ambiente pero para mi cada muerto y cada acto de violencia seguían teniendo la misma importancia. Para mi era como ver los toros desde la barrera, así es más fácil analizar la corrida, en cambio el torero se preocupa por salvar la vida.

Pregunta #3: ¿Cuáles fueron las decisiones estéticas que te hicieron usar la manipulación digital del material de archivo y el recurso de la animación?

Recolecté una gran cantidad de vídeos en los que los Narcotraficantes ejecutan personas y me di cuenta que era imposible mostrar esos vídeos. Además no quería que el morbo robará la atención de la temática. Es por eso que me decidí por utilizar la animación como un recurso que funciona como un velo, pero que aun así permitiera que el público percibiera la violencia que se está viviendo en México y entiendan el por qué la gente ha sido alienada por el poder de los Narcos.

Pregunta #4 ¿Qué descubriste sobre la relación entre el documental y la realidad durante el proceso de realizar esta película?

Lo que más me llamó la atención es como las redes sociales y el fenómeno de viralización son manipulados para generar una realidad totalmente artificial, pero, que al ser consumido por las personas se transforma mágicamente en una realidad palpable. Ese fue un poder que accidentalmente descubrieron los Narcos y que aun siguen utilizando para imponer terror a la población de México. 

Pregunta #5: ¿Tienes algunas palabras para los espectadores que verán la muestra?

Sí, no todo lo que vemos es real y si es real tal vez no todo pertenece a nuestras realidades personales.

[adocpr]

Miércoles 27 de agosto de 2014 en Conservatorio de Música de Puerto Rico (8pm)

1. Armonía (2014) – Dir. Gabriel Coss – 52 min – Puerto Rico

Sinopsis: Desde el 2011 Miguel Zenón, afamado saxofonista, innovador musical del jazz y embajador cultural del Kennedy Center, organiza “Caravana Cultural” en el que ofrece un concierto gratuito junto a una charla magistral sobre jazz e improvisación. Esta experiencia involucra a un maestro de música olvidado de la comunidad de Aibonito y a un grupo de ex-alumnos, quienes participarán de una sesión de improvisación junto a Zenón. Con el fin de lograr tocar junto a Zenón estos alumnos y su maestro se unen en una gesta comunitaria para rescatar el edificio de música y sus instrumentos. Los eventos desatan un singular encuentro entre un gran artista del jazz y una comunidad, donde la música resulta en puente cultural y lugar de exploración, aprendizaje y lucha social.

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Martes 26 de agosto de 2014 en Departamento de la Comida (7pm)

1. No hay lugar más diverso – Dir. Felipe Degregori – 52 min – Perú

Sinopsis: Narra el viaje que realiza el Henry 9, uno de los barcos que la empresa del mismo nombre posee para el transporte de pasajeros y carga pesada en la ruta Pucallpa-Iquitos. Ambas ciudades están ubicadas en la Amazonía peruana. "No hay lugar más diverso" es un documental que muestra la selva del Perú desde un lado poco conocido, desde la cotidianidad del poblador ribereño, lo que permitirá descubrir y conocer el valor natural y cultural de quienes día a día vencen el aislamiento y el olvido. Con una mirada contemplativa, el director hace uso de planos prolongados para expresar más cabalmente el viaje, la selva, su gente, y generar así una reflexión sobre la forma de vivir de los citadinos.

2. La chirola (2008) – Dir. Diego Mondaca – 25 min – Bolivia

Sinopsis: Pedro, ex convicto, nos sumerge en su mundo dándonos un paseo a través de sus recuerdos de la chirola (cárcel). Las emociones, cambios, incertidumbres y traumas que se generan en una situación límite, construyen su filosofía de vida y libertad.

3. Camil (2012) – Dir. Carmen Oquendo Villar y José Correa Vigier – 7 min – Puerto Rico

Sinopsis: Camil es el retrato de una joven transexual puertorriqueña que viaja a Ecuador a comenzar su proceso de transición. El corto aborda los anhelos de Camil, al igual que los giros -retantes y a veces confusos-, que la vida le presenta.

4. Semitostado (2011) – Dir. Alex Wolfe – 55 min – Puerto Rico

Sinopsis: En las montañas de Puerto Rico el cultivo del café está amenazado de muerte. Sus enemigos son la globalización de la industria alimentaria, el proceso de agroindustrialización, la corrupción, la dependencia de EE.UU. y la falta de mano de obra por cambios en los valores sociales. Cuando una plaga devastadora cae sobre las plantaciones, los agricultores muestran su firmeza de carácter enfrentando la crisis con una mezcla de activismo, guerra biológica y buen humor.

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Lunes 25 de agosto de 2014 en La Beckett (7pm)

1. La Marsha de los elefantes (2012) – Dir. Henrry Ramírez – 52 min – Venezuela

Sinopsis: Un road movie documental que narra el viaje de Stephen Marsh Planchart en busca de su padre cincuenta años después que partió a la guerra de Vietnam. Desde las montañas de los andes Venezolanos hasta Trinidad y Tobago nos adentramos en un recorrido en la memoria de un hombre que se hace eco en el pueblo Venezolano, constituido por un cruce de tradiciones y costumbres nacidas del mestizaje, una historia musical y poética sobre el legado de la inmigración, la figura del padre y el significado de la guerra.

2. Bala perdida (2011) – Dir. Cristian Carretero – 6 min – Puerto Rico

Sinopsis: Siguiendo la estética del documental observacional, Bala Perdida presenta alguna de las incidencias en la sala de emergencias de Centro Médico durante la noche de año nuevo.

3. Agua Mala (2012) – Dir. Ryan Pérez-Hicks – 15 min – Puerto Rico

Sinopsis: Documental corto que presenta una recopilación de evidencias de la contaminación del Caño Martín Peña en San Juan, Puerto Rico. Expone además los esfuerzos de líderes y residentes de las comunidades aledañas al Caño, así como del Proyecto Enlace del Caño Martín Peña y el G8, Inc. para mejorar la calidad de vida en la zona santurcina.

4. La muerte de Pinochet (2011) – Dir. Bettina Perut e Iván Osnovikoff – 67 min – Chile

Sinopsis: El 10 de diciembre de 2006, el general Pinochet muere en el Hospital Militar de Santiago. Su fallecimiento hace resurgir por 24 horas las divisiones políticas que marcaron con muerte y violencia la historia reciente del país. Mediante material original y los testimonios de cuatro personajes que vivieron a fondo esta jornada de profundos contrastes y matices surrealistas, el film relata el cierre de un capítulo clave en la historia de Chile.

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Domingo 24 de agosto de 2014 en Cinema Paradiso en la Loíza (7pm)

1. La bisabuela tiene Alzheimer (2012) – Dir. Iván Mora Manzano – 52 min – Ecuador

Sinopsis: "La bisabuela tiene Alzheimer" cuenta el encuentro entre la abuela y la hija del director, Iván Mora Manzano, en momentos en que una memoria, la de la niña, se formaba y la otra se desvanecía. Este punto de partida se toma como pretexto para hablar sobre otros temas como la importancia del recuerdo familiar y la búsqueda de la memoria.

2. El hijo de Ruby (2014) – Dir. Gisela Rosario Ramos – 15 min – Puerto Rico

Sinopsis: Este documental es sobre un hijo en un ejercicio de perdonar y sanar el recuerdo de su padre al bailar bomba en espacios emblemáticos de su relación.

3. Mamachas del Ring (2008) – Dir. Betty M. Park – 75 min – Bolivia/Estados Unidos

Sinopsis: Filmada en lo alto de los Andes bolivianos, Mamachas del Ring cuenta la historia de Carmen Rosa la Campeona, una cholita profesional de la lucha libre que valiéndose de sí misma busca permanecer y triunfar en un entorno predominantemente masculino de lucha libre.