James Stunt visita la galería en una flota de un millón de libras
El multimillonario, hijo político del magnate de la formula 1 Bernie Ecclestone, que actualmente se encuentra siendo juzgado en Alemania bajo acusaciones de soborno, ofreció el pasado día 25 de abril este espectáculo de derroche acudiendo a visitar la galería con una flota de vehículos valorada en más de un millón de libras, integrada por un Lamborghini, dos Rolls-Royce y otros tantos vehículos de alta gama, el magnate acudió de esta manera a visitar la galería de arte Daniel Hunt, con la intención de expandir su colección.
Stunt es conocido como coleccionista por su reciente intento de comprar un autorretrato de Anthony Van Dyck para su casa de los ángeles, hecho que generó gran rechazo popular y un movimiento para mantener el cuadro en Gran Bretaña, que ha conseguido que la galería nacional comience las negociaciones para adquirir este cuadro.
James Stunt es ayudado a bajarse de 350.000 libras
El pintor neoyorquino Alex Katz (1927), precursor del arte pop, inaugurará en la galería Thaddaeus Ropac de Pantin, al noreste de París. También en este inmenso espacio es donde el cineasta israelí Amos Gitai presentará sus creaciones multidisciplinares hasta el próximo mayo.
A continuación se presentan a ambos artistas hablando acerca de sus exposiciones en la Galeria Thaddaeus Ropac.
A sus 86 años, en vísperas de la apertura de la muestra, en la que expondrá un centenar de obras, Katz participará en un encuentro en el que se presentará el libro "AlexKatz. 45 years of portraits 1969-2014)" en la Librería Flammarion del Centro Pompidou.
Con el mismo título, mostrará hasta el próximo 12 de julio un centenar de obras en la segunda y enorme sede en París de esta galería internacional, cuya sede central se encuentra en Salzburgo (Austria).
Tomando el tema de "La silueta" como hilo conductor, la muestra reúne una selección de obras, algunas de ellas históricas, de este gran retratista de amigos y familiares, también pintor de paisajes.
Su exhibición en Pantin coincide con la dedicada al cineasta israelí Amos Gitai "Army Day Horizontal. Army Day Vertical" desde el 23 de febrero, centrada en una serie de fotografías inéditas y dos filmes en super 8, "Before & After" y "Black & White".
En el primero de ellos, Gitai retorna a un evento clave de su vida, cuando en 1973, a los 23 años, interrumpió sus estudios de arquitectura al ser destinado como camillero en la Guerra de Kippur, donde resultó herido.
Durante la convalecencia, el montaje de las imágenes de la guerra que había tomado con su pequeña cámara, que le había regalado su madre, le orientó definitivamente al cine.
Aunque continuó su formación de arquitecto, en Israel y en la Universidad de Berkeley, en Estados Unidos, su primera pasión sería ya para siempre el séptimo arte, que años después le hizo mundialmente célebre.
La galería subraya que las fotografías inéditas que expone ahora en Pantin son una continuación de su trabajo de "desciframiento y autopsia del instante en el que la experiencia del 'hecho vivido' se convierte en memoria personal".
Gitai recuerda así que su arte no solo se limita al cine, sino que se expande por diferentes medios de expresión, desde la arquitectura y la fotografía, al teatro o las instalaciones, estima la Thaddaeus Ropac.
Detenido el marchante de arte José Bergantiños Diaz
Filántropo y experto en arte durante las últimas dos décadas, José Carlos Bergantiños Díaz, que ronda la sesentena, se ha convertido desde hace unos meses -tras declararse culpable su mujer-, en un «refugiado» de la justicia estadounidense. El motivo, su presunta complicidad en la venta de obras de arte falsificadas, blanqueo de dinero y evasión de impuestos. ¿Pero quién es realmente Bergantiños?
De corta estatura y ancha personalidad, Bergantiños era y es un hombre con una extraordinaria capacidad para convencer de que lo que está vendiendo es realmente bueno y auténtico... «Es un gran fabulador», aseguran quienes le conocen. Disfruta además de grandes dotes para relacionarse con los más prominentes nombres del mundo del arte de Nueva York: galerías, museos, instituciones...
Personas cercanas a él lo definen como un «autodidacta con mucho olfato y muy listo» que tras su desembarco en la ciudad de los rascacielos aprendió rápido, «gracias a su relación con la sobrina nieta de la escritora Gertrud Stein, una importante galerista de la que fue asistente». Con ella conoció cómo funcionaba el mundo del arte y de las subastas, «en las que ganó mucho mucho dinero» una vez se instaló en Nueva York junto a su mujer Glafira Rosales, sobre la que pende una posible condena de 99 años de cárcel.
Bergantiños, que amplió sus contactos con la compra de la revista Art Notes a Florencio García Cisneros, «se especializó en Warhol y en el entorno de la situación pospictórica», explican fuentes consultadas por ABC, aunque no saben confirmar si conoció personalmente o no al artista pop, como en tantas ocasiones ha presumido el empresario. «A quien sí conoció mucho fue a Basquiat». Cuando logra establecerse sólidamente en Nueva York se dedica a la compra de cuadros de grandes artistas del entorno de los anteriores. «Posee una gran colección de Warhols que ha prestado en ocasiones para participar en algunas exposiciones en España».
Paralelamente a esto, Bergantiños cultiva una intensa vida social y participa en actos filantrópicos, tanto en Estados Unidos como en la República Dominicana y Haití, donde crea la Fundación Love-life -amor-vida.
En cuanto a su vida personal, aunque técnicamente no sean marido y mujer, Glafira y él han convivido durante más de tres décadas y tienen en común una hija. Una hija que se convirtió en una violinista precoz que llegó a tocar en la Casa Blanca y ante el Papa, de lo que el padre presume con orgullo. Las fuentes consultadas reconocen su «sorpresa» ante las informaciones desveladas sobre la falsificación de obras, y los delitos que se le imputan. ¿Nunca le preguntaron por ello?. «Bergantiños es un gran escapista y un gran fabulador», argumentan.
Fuente:
ABC
The guardian-Spanish art dealer arrested in Seville
ShanghART Gallery se inició en 1996 en Shanghai. Desde entonces ha crecido hasta convertirse en una de las instituciones de arte más influyentes de China y un recurso vital para el desarrollo del arte contemporáneo en China. Con dos plazas en el 50 de Moganshan Road (Main Space y H-espacio), un espacio de almacén público en el oeste de Shanghai (ShanghART Taopu), un espacio de la galería en Beijing, y un nuevo espacio en Singapur. En la actualidad ShangArt representa a más de 40 artistas.
Su importancia es ampliamente reconocida debido a que fué la primera y más destacada galería de China en participar en las principales ferias de arte internacionales como Art Basel (este año expondrá en Art Basel Basilea y en Hong Kong) y FIAC, París. ShanghART gallery también ha recibido el honor de estar entre las 75 galerías más influyentes seleccionados en la publicación en Thames & Hudson "Galerías de Arte Internacionales: de la posguerra a Post-milenio."
Cuando los actores tienen como público las galerías de arte
El actor James Franco exhibe fotografías basadas en el trabajo de Cindy Sherman en Pace Gallery en Nueva York
Pace Gallery presenta James Franco: New Film Stills desde el 11 de Abril hasta el 3 de Mayo (2014)
New Film Stills presenta una serie de fotografías de impresión de gelatina de plata realizados en 2013 cuya escala oscila entre 40x30 y 8x10 pulgadas. Las fotografías recrean la serie Untitled Film Stills de Cindy Sherman, Franco posiciona su cuerpo en la misma pose, la vestimenta y el escenario como Sherman .
"Al igual que los personajes de Sherman," afirma Bidart en la introducción al catálogo, "las figuras [Franco] retratan más aprisa que las propias expectativas naturalistas en su estoicismo y desafío, en su misterio. En algún lugar de sus expresiones mantienen una conciencia de "una conexión con el vacío." Con este libro Franco ha hecho algo profundo ".
La artista Cindy Sherman dijo sobre la reciente apropiación de James Franco de su aclamada serie " Untitled Film Stills ", que había recibido una acogida bastante escépticaen su debut en en Pace Gallery unos días antes. " Me sentí halagada , no puedo sino sentirme halagada , " dijo con un ligero suspiro. " No sé qué puedo decir que es arte, pero creo que es más raro que Pace las mostrara que que se hayan hecho estas fotografías ".
Opera Gallery es una red líder compuesta por 11 galerías de arte contemporáneo de todo el mundo, la primera sede abrió sus puertas por primera vez en 1994 en Singapur, y fué fundada por Gilles Dyan.
Hoy en día, Opera Gallery está presente en la mayoría de las capitales más importantes de arte del mundo: París (1994), Singapur (1994), Nueva York (2000), Miami (2003), Hong Kong (2004), Londres (2005), Venecia (2005 ), Seúl (2007), Dubai (2008) y Mónaco (2009).
Opera Gallery ofrece un escaparate para las obras de los famosos pintores como Picasso, Dalí, Miró, Braque, Warhol y Chagall. Además de la presencia de artistas perfectamente afianzados, Opera Gallery también da oportunidades y sirve de plataforma a jóvenes artistas como, por ejemplo, Ron English, Lita Cabellut, Lori Earley o David Mach. Los cuales han formado parte de sus exposiciones más recientes.
-Aquí os dejamos la presentación de la exposición en Opera Gallery (Londres) del artista Gérard Rancinan
Galerías y artistas del Perú, Alemania, Argentina, Bolivia, Brasil, Colombia, Cuba, Chile, España, México, Uruguay, EE.UU. y Venezuela se reúnen en ParC. Esta feria está organizada por Gastón Deleau,,director de la editorial Arte al Día y Lima Photo.
ParC (o Perú Arte Contemporáneo) celebra su segunda edición y abre sus puertas este miércoles 23 de abril. Es más ambiciosa que el año pasado y, esta vez, reúne a 42 galerías provenientes de Alemania, Argentina, Bolivia, Brasil, Colombia, Cuba, Chile, España, México, Perú, Uruguay, EE.UU. y Venezuela.
Además de las habituales espacios para la exposición de las obras, durante el evento se realizará un ciclo de conversaciones sobre temas como el arte contemporáneo, el coleccionismo, la filantropía, las genealogías del arte latinoamericano, etc.
El arte peruano comienza a tomar conciencia de su importancia ascendente, y la feria ParC busca evidenciar y dar valor a esa conciencia de arte propio, reforzando su creación. Refiriéndose a Perú, Fernando de Szyszlo ha declarado: “Nuestro arte contemporáneo se ha vuelto colonial: los artistas jóvenes están imitando lo que, en Europa, se hacía hace 30 o 40 años. Se cree que lo viene de fuera es lo mejor y hay que imitarlo, cuando lo que debemos hacer es mirar adentro. Un artista solo se desarrolla si mira dentro de sí”. ParC será un buen lugar para desmentir o darle la razón al pintor.
El evento tendrá lugar entre los días 23 y 27 de abril en el MAC-Lima de la capital peruana.
STAMPA Gallery fue fundada por Gilli y Diego Stampa en 1969. Desde sus inicios, se ha producido un concepto de la exposición permanente de arte contemporáneo internacional y suizo, incluidas las presentaciones iniciales de Vito Acconci, Miriam Cahn, Marlene Dumas, General Idea, Zilla Leutenegger, Dorit Margreiter, Marcel Odenbach, Pipilotti Rist, Roman Signer, Erik Steinbrecher, Gerda Steiner & Jörg Lenzlinger así como Rosemarie Trockel en Suiza.
Las exposiciones están concebidas y realizadas en estrecha colaboración con los artistas representados por la galería. La mediación de las formas contemporáneas de un tema central en sus actividades, entre otros, incluyendo pionero presentaciones de vídeo y performances desde principios de 1970, presentaciones de libros, servicios de consultoría de arte y cooperaciones con instituciones académicas.
Basel. A conversation with Gilli Stampa from NOMAD Magazine on Vimeo.
Zona MACO, la feria mejicana de arte contemporáneo internacional, llega a su 11ª edición del 05 al 09 febrero en el Centro Banamex de la Ciudad de México.
Participarán 111 galerías de 22 países diferentes: Alemania, Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Cuba, Dinamarca, España, E.U.A., Francia, Islandia, Italia, México, Perú, Portugal, Reino Unido, Suecia, Suiza, Turquía, Uruguay y Venezuela.
Los curadores para esta edición son: Mirjam Varadinis, de Nuevas Propuestas; Juan A. Gaitán, de Zona MACO Sur; Montserrat Albores Gleason de Arte Moderno y Cecilia León de la Barra de Diseño.
El comité de selección estuvo a cargo de José García (PROYECTOS MONCLOVA, México DF),Patricia Ortiz Monasterio (OMR, México DF) y Ben Loveless (GALERIE NORDENHAKE, Berlín/ Estocolmo).
Sección Principal
Como en años anteriores, la Sección Principal alberga las galerías internacionales y nacionales de mayor trayectoria, aprobadas previamente por el Comité de Selección.
Adrián Villar Rojas, vista de la exposición Today we Reboot the Planet, en la Serpentine Gallery, Londres, 2013. Cortesía: kurimanzutto, Ciudad de México
Zona MACO 2014 (videos)
Entrevista con Zélica García, fundadora y directora de Zona MACO
Algunos de los galeristas de MACO 2014 nos explican la selección de obras presentadas en esta además de una pequeña visión de sus galerías.
Galería Isabel Aninat ha sido seleccionada para exponer en la sección Statements de la edición 2014 de Art Basel Suiza, con el proyecto Estratigrafía de la Memoria, de la artista Paula de Solminihac.
Esta selección, a la que concurrirán sólo 14 galerías de todo el mundo, constituye un hito, ya que es la primera vez que una galería chilena presenta a un artista oriundo del país y radicado en él en la que se considera es la la feria de arte contemporáneo más importante del mundo.
Con más de 40 años de trayectoria, Art Basel congrega anualmente a más de sesenta mil coleccionistas, galeristas, directores de museos, curadores, artistas y amantes del arte de todas partes del mundo.
Durante los últimos años la Galería Isabel Aninat ha reforzado su apuesta en los más relevantes eventos del arte contemporáneo mundial con una consistente presencia en Londres, Nueva York, Singapur, Madrid, París, Miami, Corea, Sao Paulo, Colombia, Buenos Aires y el resto de Latinoamérica.
Paula de Solminihac, Zona3, 2012, modelado en arcilla de letras tipográficas, madera terciado y yeso, 54 x 58 cms. Cortesía Galería Isabel Aninat
Isabel Aninat:
Nacida en 1952 en Santiago de Chile, y hermana del que fué en los 90 ministro de estado en el país, Eduardo Aninat. Se licenció en Filosofía y estética por la universidad católica de Chile, ejerciendo como profesora en esta universidad. En 1982, bajo el emblema “agrandando el círculo, crea la Galería Isabel Aninat, un espacio de exhibición, debate y reflexión, en Santiago de Chile. Los objetivos de la galería son difundir, comercializar y proyectar el arte contemporáneo chileno y latinoamericano, manteniendo un especial énfasis en la consolidación de un grupo de artistas chilenos tanto a nivel local como internacional.
La Galería Isabel Aninat cuenta con tres espacios de exhibición; salas 1 y 2, sala de proyectos y un espacio de exterior, para promover la producción artística, proveer la experimentación y entregar un espacio flexible de libertad para a los artistas.
Galería Isabel Aninat busca ampliar las fronteras mediante nexos con importantes galerías extranjeras, curadores, instituciones y coleccionistas, por ello participa en Ferias de Arte Internacionales exhibiendo y promoviendo el trabajo de los artistas que representa.
Las 10 mujeres más poderosas del arte por la revista AD
Marina Abramovic, Marian Goodman, Barbara Gladstone o Yayoi Kusama, Patricia Phels de Cisneros... son algunas de las mujeres más poderosas del mundo del arte según la revista AD, en el número publicado este febrero.
Entre ellas se encuentra la arquitecta Zaha Hadid, que ha diseñado The Serpentine Gallery.
Serpentine Galleries
The Serpentine comprende dos galerías situadas a ambos lados del lago Serpentina, en el corazón del Royal Park en Kensington Gardens, en el centro de Londres. The Serpentine Gallery y la recién abierta Serpentine Sackler Gallery, diseñada también por Zaha Hadid Architects, presentan exposiciones de arte de renombre mundial, arquitectura y diseño.
The Serpentine Gallery fue fundada en 1970 y se encuentra en un antiguo pabellón de té construido en 1934. Entre algunos de los artistas destacados que han expuesto sus obras se incluyen Man Ray, Henry Moore, Jean-Michel Basquiat, Andy Warhol, Paula Rego, Bridget Riley, Allan McCollum, Anish Kapoor, Christian Boltanski, Philippe Parreno, Richard Prince, Wolfgang Tillmans, Gerhard Richter, Gustav Metzger, Damien Hirst y Jeff Koons. En la planta en la entrada de la galería hay una obra permanente hecha por Ian Hamilton Finlay, en colaboración con Peter Coates, y dedicada a Diana, Princesa de Gales, ex patrona de la galería.
La conferencia "El artista y el galerista" , presentada en Art Basel,ofrece un vistazo detrás de la cortina de la relación única y esencial en el mundo del arte entre los artistas y sus galerías que representan. Esta conferencia se da en cada una de las 3 sedes con la presentación de distintos ponentes en cada una de ellas.
Miami Beach
Video lanzado en la inauguración de Art Basel espectáculo 2013 en Miami Baech
Abraham Cruzvillegas, Artista, Ciudad de México; José Kuri, co-fundadores de la galería kurimanzutto, Ciudad de México Moderador: Mark Rappolt, Editor, ArtReview, Londres
Filmada en el lugar en Art Basel en Miami Beach, Sábado, 07 de diciembre 2013
Basilea
Conversaciones | El artista y el galerista
Filmado el 15 de junio de 2013 Art Basel
Dan Graham, Artista, Nueva York
Massimo Minini, Galleria Massimo Minini, Brescia, Italia
Moderador: Mark Rappolt, Editor, ArtReview, Londres
Hong Kong
Conversaciones | Premiere | El artista y el galerista
Filmado el 23 de mayo de 2013 a Art Basel Hong Kong
Zhang Xiaogang, artista, Beijing, en una conversación con
Leng Lin, Socio y Presidente de Pace Beijing, fundador de Beijing Comuna
En esta conferencia se muestran las conversaciones que se han abierto tradicionalmente con un artista en diálogo con un conservador prominente o crítico. Este año, el artista Zhang Xiagong y el galerista Leng Lin.
Art Basel es una feria de arte moderno y contemporáneo que se celebra anualmente. Actualmente tiene tres sedes, Basel, la sede original, Miami desde el 2002 y Hong Kong desde el 2013. Fundada en 1970 por los galeristas Trudi Buckner, Balz Hilt y Ernst Beyeler, pronto se convirtío en una de las más pujantes e importantes ferias de arte contemporáneo. Albergando a los tres años de su lanzamiento 281 exhibiciones y recibiendo 30000 visitas. Cuando en los años 70 varias galerías alemanas emergentes comenzaron a fusionarse, Art Basel se mantuvo independiente.
Art Basel en Miami:
La edición americana de esta feria se localiza en Miami Beach,
Una selección de más de 260 de las principales galerías de arte moderno y contemporáneo patrticipan en e el sector principal, también podemos encontrar el sector Nova, diseñado para galerías nuevas con artistas ascendentes, y la sección de posiciones, para la presentación de proyectos de artistas individuales. Cada año se selecionan galerías para participar en el sector público, pudiendo exponer sus obras en el entorno, incluyendo esculturas en la calle, intervenciones y performances, transformando los espacios públicos de Miami.
Todo esto se ve complimentado con las visitas a las principales galerías establecidas en Miami, como por ejemplo la fundación Cisneros, la colección De la Cruz o la colección Margulies, que abren sus puertas para esta ocasión.
(De izquierda a derecha: Perrotin disfrazado por Maurizio Cattelan/ Perrotin por Karl Lagerfeld / Perrotin disfrazado por el colectivo Gelitin)
Emmanuel Perrotin es uncomerciante de arte francés especializado en arte contemporáneo. Posee la Galería Emmanuel Perrotin, cadena de galerías, con dos en París ,una en Hong Kong y otra en Nueva York.
W Magazine Marzo 2014 – Fragmentos de la entrevista realizada por Christopher Bagley
El mundo del arte , como cualquier subcultura exótica, tiene sus propios códigos de conducta, sus propias reglas no escritas sobre cómo deben hacerse las cosas . Y en París , estas reglas evolucionan muy lentamente , cuando evolucionan. Durante generaciones , los principales comerciantes de arte de la ciudad tienden a presumir de los pedigríes de bonne famille y educación de lujo , y manejaron sus empresas con un cierto tipo de discreción del viejo mundo. Entre las principales no-no : cualquier cosa que oliera a arte de vender o autopromoción, o lo peor de todo , la tontería .
Es por eso que muchos parisinos se sorprendieron cuando, en 1995 , un ambicioso comerciante de 27 años de edad, llamado Emmanuel Perrotin acordó que pasaría varias semanas en su galería vestido con un traje rosado de pene gigante con orejas de conejo. El atuendo era parte de una exposición por el entonces poco conocido Maurizio Cattelan , que estaba mofándose en tanto la relación artista -dealer y la reputación de Perrotin de mujeriego . Cattelan había propuesto tretas humillantes similares a otros comerciantes , pero todos lo habían rechazado.
Perrotin , de hecho, tiene un don para decir sí cuando todo el mundo dice que no. El septiembre pasado, cuando abrió su primer espacio en Manhattan, en el emblemático Banco de Nueva York construyendo en la Avenida Madison en la calle 73 , se habló mucho de la audacia de la empresa. ( Las Galerías de París tienen una trayectoria muy pobre en comparación con el despiadado Nueva York. ) Pero en su Francia natal , Perrotin ya es considerado el más américain de los marchantes de arte , con todas las ventajas y desventajas asociadas a ese término . En un momento en que la línea entre el arte y el comercio se ha vuelto tan borrosa como para ser a menudo inexistente, Perrotin ha sido uno de los destructores de límites más entusiastas de la época , forjando nuevos vínculos entre los artistas y el mundo de la moda, la música y el diseño , mientras que de manera constante levantando su propio perfil (y beneficios) en el proceso.
[...]
Ahora mismo parece estar haciéndolo bastante bien. Además de la apertura de la galería de Manhattan y un hôtel particulier del siglo 17 restaurado en París , que servirá como una sala de exposición VIP , Perrotin acaba de celebrar su 25 aniversario como distribuidor con una retrospectiva masiva en la ciudad norteña francesa de Lille . La exposición de 65.000 metros cuadrados, presentó el trabajo de varias superestrellas de arte alas que a Perrotin se le atribuye su descubrimiento: había seis piezas de Takashi Murakami , algunas de ellas propiedad de Perrotin , junto con un cuarto lleno de obras de Damien Hirst , la mayor parte cedida por el artista, que fue arrebatada por el distribuidor Londres Jay Jopling poco después Perrotin le dio su primera muestra comercial , en 1991. (Perrotin dice que él y Hirst son todavía amigos y han discutido la posibilidad de volver a trabajar en equipo.)
Si 45 parece un poco joven para que alguien tenga una retrospectiva de su carrera autocomplaciente, hay que señalar que Perrotin tiene un comienzo temprano. El hijo de los suburbios de clase media, que apenas terminó la escuela secundaria y con 17 años trabajaba como ayudante del distribuidor de Paris Charles Cartwright , a los 18 años fue director de la galería, y a los 21 había abierto un espacio en su sala de estar. Perrotin pasó su tiempo de inactividad visitando los clubes nocturnos de París y frecuentaba ventas de la muestra de Kenzo , donde iba a arrebatar la ropa para el 90 por ciento de descuento y revenderlos, utilizando las ganancias para comprar más. También usaría sus hallazgos : Uno de su elección se ve desde el momento aparece una capa de seda púrpura de gran tamaño y un collar de perlas . "La gente siempre ha querido darme una paliza cuando cambiaba de tren de camino a casa ", recuerda .
Perrotin , con su intensa unidad y el arte de vender sin complejos , a veces se llama el galo Larry Gagosian .
(Damien Hirst con una cabeza humana)
(Izquierda:Perrotin con el artista Murakami/Derecha obra de Murakami expuesta en Versailles )
A parte de as declaraciones de la moda de la new wave, había algo en Perrotin que hizo experimentados conocedores del mundo del arte - a lo largo del mundo del arte con jóvenes promesas como Cattelan , Murakami y Hirst -quieren darle una oportunidad . Y Hirst, cuyo trabajo Perrotin vio por primera vez en una exposición colectiva en Londres en 1989 , accedió a dejarle el transporte de dos de sus piezas a París en la parte superior de Peugeot de su madre 205 . Murakami se reunió Perrotin en 1994 en una feria de arte en Yokohama, Japón, en donde todo del joven comerciante con problemas de liquidez social estaba representado por las obras de arte que había traído en su equipaje. "Pensé, Oh , Dios mío, esto es una revolución ! " Recuerda Murakami .
Un año más tarde, los dos hombres se encontraron en Nueva York, en la feria de arte Gramercy , y esta vez Perrotin hicieron espacio en su stand para tres camisetas impresas con figuras Hiropon manga de Murakami . Cuando las camisetas se agotaron, propuso una exposición individual en París. De acuerdo con la versión corta de la historia que a menudo se dijo, en poco tiempo Murakami fue uno de los artistas más grandes del planeta, en colaboración con Marc Jacobs en una línea de bolsos de Louis Vuitton , que exhibe en el Palacio de Versalles, y la venta de sus esculturas defibra de vidrio gigantes de Hiropon de más de $ 2 millones cada una .
Pero esa cuenta pasa por alto los muchos años cuando Perrotin trataba de ganarse la confianza de Murakami. Las primeras dos exposiciones del artista en la galería en Parísse vendió mal, e incluso después de que Perrotin ayudó Finagle gran oportunidad de Murakami en Occidente, una exposición individual de 2001 en la Fundación Cartier en París, su relación era a menudo tensa cuando Perrotin hizo de intermediario entre el cada vez artista más famoso y los curadores y coleccionistas más exigentes. En una disputa sobre la financiación con un curador del Museo für Moderne Kunst MMK de Frankfurt semanas antes de 2008 la retrospectiva de Murakami estrenará allí, el artista estaba listo para retirarse de la exposición. "Honestamente , yo quería decirles , ' Vete a la mierda '", Murakami recuerda. Pero Perrotin lo calmó y negoció una solución. " Emmanuel nunca se rinde - nunca", dice el artista .
Tal vez sea inevitable que Perrotin , con su intenso impulso y su arte de vender sin complejos , a veces se llama el galo Larry Gagosian . Pero Murakami, quien es representado por separado por ambos distribuidores , rechaza la comparación. " El estilo Gagosian es muy simple" , explica. "Larry dice , ' Oh , me encanta esa pieza. Y Te amo , Takashi . Y yo soy el mayor comerciante de arte, así que siguéme . " Perrotin , con su imperio mucho más pequeño, es por necesidad un pretendiente más asiduo y con recursos, sumergiéndose en las minucias del proceso artístico en todas las etapas , desde la concepción hasta la exposición. Murakami, que a menudo envía a Perrotin primeros bocetos de nuevas piezas para su retroalimentación , compara el papel del distribuidor a la de un productor musical , alguien que está siempre presente en el fondo. " Si un músico va a un buen productor , cambia todo", dice Murakami .
[...]
Aunque el centro de atención en general, brilla en la mayoría de los artistas pop orientada y mediático del racimo, como Murakami y KAWS , el listado de Perrotin de 40 artistas también incluye conceptualistas ( Michael Sailstorfer y Sophie Calle ) . Perrotin , que es completamente autodidacta, reconoce que su eclecticismo es más instintivo que intelectual . Pero si hay una falta de coherencia a su establo , él insiste en que trabaja a su favor. "Mi programa crea puentes entre artistas muy diferentes ", dice . " Cuando los artistas de la galería son una especie de" total look ", todos ellos están compitiendo entre sí . "
En estos días , por supuesto, el instinto de Perrotin para poner el arte contemporáneo más a la moda y más democrático- algo que inicialmente le había marcado como un peso ligero en París - ha demostrado ser visionario , como los museos de élite y las instituciones adoptando un enfoque de acercamiento más amigable. Claramente tomó cargo de la toma de riesgos financieros , ya que significa el transporte de las cebras de una montaña cubierta de nieve para una fotografía Paola Pivi o la apertura de un gran puesto de avanzada en Miami ( resultó poco rentable y se cerró en 2010 ) . Menos visible , pero no menos costoso , Perrotin dice , son los innumerables gastos mundanos y obligaciones que los principales distribuidores raramente discuten públicamente . " Hay artistas que no han estado con mi galería en 10 o 15 años , cuyo trabajo que tengo en grandes espacios de almacenamiento que estoy pagando ", dice . "Ellos me dicen que no tienen espacio. Entonces, ¿qué haces tú , destruyes las obras ? "
No hace mucho tiempo , Perrotin confesó Murakami que a veces fantasea con retirarse. Cuando le pregunto por qué, él cita las presiones de su calendario, que ha sido particularmente frenético últimamente.[...]
(Pierre Soulages con una de sus pinturas)
Soulages , 94 años, ha pasado la mayor parte de su carrera como productor en silencio el trabajo que explora los matices de color negro. Contactado por teléfono en su estudio en el sur de Francia , recuerda cómo Perrotin le hizo una visita hace dos años y lo ganó con su dinamismo ; Soulages finalmente accedió a hacer un gran espectáculo en el espacio de Nueva York en abril, co -organizado con Dominique Lévy , cuyas acciones la galería del edificio. En cuanto a los mauvaises langues que critican Galerie Perrotin por ser demasiado tendencia impulsada y orientada a las ventas , notas de Soulages secamente que el punto central de una galería, después de todo, es la venta de obras de arte. "Cuando una galería como Perrotin de éxito, que se ha criticado como ' comercial '", dice Soulages . " Galerías - también sin éxito , son menos comerciales, eso seguro .
Aparentemente, la Galería Perrotin estará presente este año en Art Basel, tanto en Basilea ( 19-22 junio) y también en Art Basel en Hong Kong, donde se encuentra una de sus galerías, que será en Mayo del 15 al 18. Además irá a Frieza New York en Mayo del 9 al 12.
A continuación video del 25 aniversario de Perrotin al servicio del arte:
Ayer, día 27 de marzo, la galería madrileña Galería Eva Ruiz anunció oficialmente que pasaba a formar parte de la galería Ponce+Robles, ahora referida como PRO GALLERY-Ponce-Robles-Ruiz, la galería emitió el siguiente comunicado explicativo por sus medios oficiales.
"Queridos amigos:
Queremos informaros de que próximamente la Galería Eva Ruiz, formará parte del nuevo proyecto PRO GALLERY-Ponce-Robles-Ruiz, con equipo renovado y mucha ilusión, situado en nuestro actual local de la Calle Doctor Fourquet.
Os podeis dirigir para informaros de exposiciones y eventos a partir del mes de Septiembre en el siguiente enlace o en el email [email protected].
Agradeciendo vuestra fidelidad.
El antiguo equipo de la Galería Eva Ruiz.
Natalia Brizuela
Iñaki de Isasa
Eva F. Ruiz"
Soledad Lorenzo: «Me voy con la conciencia de que no me he equivocado»
http://www.soledadlorenzo.com/
El 20 de Diciembre de 2012 cerraba la Galería Soledad Lorenzo que junto con Juana de Aizpuru , Helga de Alvear y Elvira González , formaba parte del cuarteto estrella de galeristas mujeres que llevan años luchando por la promoción del arte contemporáneo en España.Desde 1986, había ejercido de marchante para artistas como Antoni Tàpies, Palazuelo, Barceló, Sicilia, Pérez Villalta, Louise Bourgeois, Anish Kapoor o Tony Oursler.
Soledad Lorenzo recibió en 2012 el Premio Arte y Mecenazgo en la categoría Galerista.El resultado es Soledad Lorenzo. Una vida con el arte, una obra que rinde homenaje a esta mujer que ha jugado un papel relevante en el mundo del arte en nuestro país. El volumen, de 248 páginas y editado por EXIT Publicaciones, cuenta con la participación de Antonio Lucas y Mariano Navarro, así como con un prólogo a cargo de Rosa Olivares.
Soledad Lorenzo, en el video que mostramos sobre el galerismo en España, ya nos hacía entrever que su etapa como galerista iba a concluir y que deseaba que continuasen adelante los jóvenes galeristas emergentes. El mensaje que dio en el video era de apoyo para los jóvenes que piensan o están introduciéndose en el mundo del arte y del galerismo español.
La galerista resume su experiencia en una entrevista concedida al diario EL MUNDO (extracto de su relato):
"En España, casi todas las galerías de arte contemporáneo nacieron sin tradición previa. Pienso en Juana Mordó, en Juana de Aizpuru, en Elvira González, en Helga de Alvear... Cuando empezamos, todo sucedía a pequeña escala, desde las ferias al interés de los coleccionistas... Tuvimos que aprender solas, equivocándonos. En aquel presente de entonces no sabíamos cómo iban a salir nuestros proyectos... Y parece que salieron bien, sí. Pero era un riesgo en un país tan frágil. Echando la vista atrás parecemos más interesantes". "Lo que soy como persona se lo debo a ellos [a su familia]. Me considero una privilegiada. Viví algunos de los peores momentos de la historia reciente de este país sin dramas. Mi padre, alcalde republicano, fue encarcelado y condenado a muerte (condena que luego fue conmutada). Pero, (…) en mi casa, el miedo no fue lo normal. Fui muy feliz sin tener nada. Y eso determinó mucho mi actitud, que es fundamentalmente positiva". "Enviudé muy joven. (…) En uno de mis mejores momentos, cuando vivía con mi marido en Londres. Y después, en seis años, fueron muriendo todos los miembros de mi familia. Eso, que fue tan duro de asimilar, me hizo mejor. [Mi relación con el arte] comenzó tras la muerte de mi marido. Eso determinó mi biografía. Si él no hubiese muerto no sé qué estaría haciendo ahora. Yo he sido una inconformista, pero no una rebelde... Abrí mi propia galería con una exposición de Alfonso Fraile... No sabía cómo iban a salirme las cosas, pero yo no he tenido metas. Tan sólo he vivido el presente. Soy inteligente para la vida. (…) Salí de la muerte de los otros sin estrategias. Este proyecto [la galería] no me sobrevivirá. Lo que he querido es vivir una vida interesante y lo he conseguido con mi galería. Para qué más... A diferencia de lo que se ha dicho, no tengo una fecha concreta. Pero sé que será muy pronto. No quiero morir encima del escenario. Me quiero marchar con energía. Tengo 74 años. Es hora de ir alejándose. He programado las exposiciones de todo el año próximo, pero queda poco. Ya se lo he comunicado a los artistas con los que trabajo. Pienso en lo mucho que he aprendido con Palazuelo, con Tàpies... Y lo que me impresionó, en otro aspecto, Louise Bourgeois, a la que conocí en su casa de Nueva York... He colaborado con creadores muy variados en todos los sentidos. Y de eso me he aprovechado".
Mariano Navarro definió a Soledad Lorenzo como "una extraordinaria mediadora de las cosas; siempre me ha maravillado el respeto que siente por todos los que han participado en el mundo del arte". "Tengo la idea de que en nuestro país, las mujeres galeristas tenían que dejar reflejada su memoria", añadió el crítico.
"Si no ha sido la galería de arte más importante del país, sí ha sido, desde luego, la más famosa y la más conocida de las españolas, incluso por parte de quienes no se interesaban abiertamente por el arte contemporáneo. Y lo ha sido, de manera permanente y sostenida, durante los veintisiete años de su existencia.
Son muchos los rasgos inscritos en tan larga andadura, pero hay uno consustancial a su éxito: un estilo, un modo de hacer las cosas que la distingue desde antes de la existencia misma de la sala, cuándo era sólo un proyecto y ya tenía ciertas exigencias físicas y arquitectónicas, y que se prolonga más allá en el tiempo que su fecha de clausura, como una huella impresa o un aire que hace respirar a empeños semejantes. Un estilo que es, a la vez, la marca de su propietaria, su manera". (Mariano Navarro)
Antonio Lucas recordó también que Lorenzo ha sido "quien ha ayudado a dos generaciones a entender el arte contemporáneo", y aseguró que el mundo de la cultura sin Soledad sería un mundo más pobre y peor.
En los 2 años transcurridos desde la emisión del programa de TVE sobre las galerías de arte ha habido varios cambios en la trayectoria profesional tanto de la Galería de Arte Raquel Ponce y la Galería Soledad Lorenzo. Al buscar en internet la situación actual de la Galería Raquel Ponce descubrí que se había fusionado con galerista José Robles, uno de sus compañeros dentro del sector del arte con los que hablaba en el video anterior, junto a Max Estrella y Damián Casado acerca de lo positivo del mercado del arte español y de la necesidad de apoyarse unos a otros mediante la unión, para tener más presencia en el mercado internacional, y dicho y hecho, tanto la galería Ponce como la galería Robles, en 2013 decidieron llevar a cabo lo comentado en frente de las cámaras.
La Galería Raquel Ponce fundada en 1991 en Madrid, ha participado en ferias nacionales e internacionales y ha celebrado más de 150 exposiciones de artistas tanto de fuera como dentro del país. Además es tesorera del Instituto de Arte Contemporáneo (IAC) y vocal de la asociación de Galerías de Arte Madrid. Por su parte, José Robles comenzó su trayectoria como galerista en el año 2000. Tras una primera etapa en la calle Doménico Sacarlatti, en 2009 se traslada a la calle Belén. En total ha realizado más de 80 exposiciones y participado en ferias como Estampa, Just Mad, Just Mad Miami, Arte Santander o ARCO. Desde su comienzo, la galería se ha dedicado a la búsqueda de jóvenes artistas españoles y extranjeros.
La nueva galería, situada en el número 5 de la calle de la Alameda, inició su andadura con la primera exposición en España del artista ecuatoriano José Hidalgo-Anastacio, titulada Feel at home : “La muestra de Hidalgo-Anastacio es una clara apuesta por generar un diálogo entre los nuevos lenguajes del arte emergente internacional con el realizado por los jóvenes artistas españoles representados por nuestra galería, de manera que se puedan generar redes entre ambos que faciliten la visibilidad e integración del arte contemporáneo español en el circuito internacional así como el acercamiento a los coleccionistas españoles del arte emergente realizado fuera”, comentan los directores de Ponce + Robles. A continuación un enlace del pdf de la exposición de José Hidalgo- Anastacio en la galería Ponce+ Robles:
Exposición de José Hidalgo- Anastacio en la galería Ponce+ Robles
Entrevista realizada por la revista de decoración Nuevo Estilo organizado por la directora Marta Riopérez y Carlos Urroz, director de la feria ARCOmadrid, con motivo del número especial de Nuevo Estilo dedicado a la feria ARCOmadrid. Aquí podemos observar el apoyo que reciben estos geleristas dentro de su círculo de influencias y como llegan a unir el arte a la decoración de tal forma que siguen a flote en su negocio.
barra galerias @artecogalerias - Tumblr Blog | Tumgag
