Bitácora del explorador @bitacoraespacial - Tumblr Blog

DISEÑANDO UN PROBLEMA

La siguiente actividad final se basa en el análisis del origen de los problemas y las metodologías de resolución de éstos.

SILLA THONET

1. ¿De cuántas formas podemos enumerar la forma en que Michael Thonet simplificó el diseño de sus sillas? Lístalas, todas las que halles, y descríbelas bien.

· Cambio de materiales- El uso de madera como el material principal

· Cambio de técnica – Emplea una nueva tecnología para la curvatura de los palos de madera por medio devapor, cosa que no se hacía en los procesos de producción de mobiliario antiguos

· Cambio en la forma – El uso de curvaturas para con una sola línea crear una estructura firme en vez de utilizar diferentes elementos

o Las patas posteriores y el respaldo como una sola pieza

o Asiento redondo de una sola pieza

o Sólo seis piezas en lugar de 16 o más

· Cambio en el proceso de producción – Con su diseño simple y elegante, el proceso de producción en masa se convirtió en una posibilidad, fabricando hasta 6000 sillas por día y vendiéndose a las masas.

2. ¿Cuál fue su proceso de creatividad o de innovación?

A través de la observación y la simplificación logró revolucionar la silla por completo, haciéndola más económica, práctica, ligera y accesible para todo el público.

3. ¿Qué símbolo consideras que pueda representar el tener en casa una silla de manera curvada Thonet?

Al ser una silla revolucionaria en su época, carga con mucha historia y prestigio. No sólo por su forma, sino por todo el trabajo que representa. Es increíble que, aunque sea un diseño antiguo, se siga produciendo y consumiendo en nuestra época, considerándose como una pieza clásica.

4. ¿Cómo puedes describir la rigurosa coherencia formal de la producción Thonet de sillas de manera curvada?

Claramente, la silla Thonet fue un producto con diseño funcional en su época. El propósito fue el de consumir menos material y poder hacer de la silla un objeto que se pudiera fabricar en masa.

PRELIBROS

1. ¿En qué forma consideras que un prelibro, con su diseño, podría ayudar a iniciar a un niño el gusto por los libros?

Los pre-libros diseñados por Munari están especializados en atraer la atención del niño mediante colores, formas simples y actividades didácticas. No se aburren o confunden con los párrafos de letras incomprensibles, sino que ayudan a que el niño se acerque solo a los libros y empiece a interactuar con ellos, creando una relación sana con la lectura.

2. ¿Por qué un prelibro sería adecuado para la etapa de la infancia, más que el de la adultez?

Porque en esta etapa es cuando el niño comienza a descubrir y experimentar con todo lo que hay a su alrededor para posteriormente aplicarlo a sus propios conocimientos, haciendo de su mente un lugar más complicado y sabio. El pre-libro da esas herramientas básicas de exploración que el niño necesita.

3. ¿Cuál o cuáles son los elementos de creatividad o de innovación en el diseño de estos prelibros?

Bruno Munari da con los pre-libros a través de la metodología proyectual, en la cual, a través de pasos establecidos, se consigue el mejor resultado con el menor esfuerzo.

4. ¿En qué forma ayudan esos elementos anteriores a que el prelibro cumpla su objetivo de llamar la atención del niño? ¿Por qué será así?

Porque se necesita de una solución simple y rápida, ya que los niños no reparan en detalles y complejidades. Si el producto les atrae, lo usan.

DISEÑANDO UN PROBLEMA

- DEFINICIÓN DEL PROBLEMA –

1. Necesidades en esta época contemporánea que sean para niños (didácticas, de uso cotidiano).

-Balance entre una educación digital contra la tradicional

-Buen uso de los recursos electrónicos

-Dinamismo en clases para una mejor atención

-Atención y trato psicológico para los trastornos mentales a temprana edad

-Educación y concientización ambiental

-Actividades / juegos especiales para adolescentes (no son niños, pero tampoco son adultos)

-Salones amplios y dinámicos que propicien el aprendizaje.

2. Elegir 3 de estas necesidades·

Salones amplios y dinámicos que propicien el aprendizaje· Actividades / juegos especiales para adolescentes·

Balance entre una educación digital y tradicional

3. Definir la necesidad (problema)

Salones amplios y dinámicos que propicien el aprendizaje

4. Artistas y diseñadores de los 60

Vico Magistretti

Ettore Sottsass

Verner Panton

5. Creaciones (2 o 3)

VICO MAGISTRETTI-

Lámpara Eclisse

Estantería Nuvola Rossa

ETTORE SOTTSASS-

Librería Carlton

Westside Lounge

VERNER PANTON-

Living Tower

Panton Junior

6. Plantilla del problema-

PROBLEMA: La falta de atención de los niños en las aulas de clases debido al mal diseño de éstas

DEFINICIÓN DEL PROBLEMA: La educación primaria es una de las más importantes para el crecimiento de una persona. Normalmente un grupo permanece en un mismo salón, con siete o más materias al día. Se requiere de un espacio que propicie la concentración y el aprendizaje, por medio de una buena organización, un fácil acceso a los materiales de clase y un diseño de interiores adecuado.

SE DISEÑÓ UN PUPITRE QUE SEA DESPLAZABLE, AJUSTABLE A LAS ALTURAS DE LOS ALUMNOS DE PRIMARIA Y QUE TENGA UNA CAPACIDAD DE ALMACENAJE

CONCLUSIONES

Tengo que admitir que este proyecto me resultó confuso y largo, ya que no tenía idea de quiénes eran los diseñadores de los 60. Fue mucho trabajo de investigación y pude entender un poco del proceso por el que pasan diseñadores industriales.

JUEGO DE MESA: VCHUTEMAS

Una parte de nuestro proyecto final se basó en la idealización y fabricación de este juego de mesa. Lo realicé junto con mi compañera Ana Marisol Valdez, y utilizamos como inspiración el juego de mesa “Cranium”. Nuestra investigación (que se encuentra en las publicaciones anteriores) de la escuela Vchutemas fue de suma importancia para poder obtener las preguntas y el juego en general.

Primero iniciamos con el cuadro de investigación, en el cual obtuvimos las preguntas y respuestas del juego.

¿De qué se trata?

Se decidió hacer un juego parecido a ‘’Cranium’’ pero la versión rápida y portátil donde el jugador tiene 4 distintas categorías para que el jugador puede dibujar, moldear, adivinar, conocer datos curiosos y resolver juegos de palabras. Su mejor atributo es que libera el talento y creatividad.

GUION

PROCESO

CONCLUSIONES

En este trabajo aprendí mucho sobre Vchutemas, porque en realidad no sabia que era, ni de donde tomaba parte la escuela. Aprendí sobre como la escuela fue fundada por Vladimir Lenin y el gobierno Ruso. Que el juego de mesa tiene varios elementos a crear y especialmente el tipo de diseño que se le va a implementar ya sea en la caja, como en las tarjetas. Cambien se dio mucho la responsabilidad que le tocaba a cada uno de los integrantes del equipo o como seria más cómodo para cada uno trabajar, como dividimos en secciones o cada quien trabajar un poco en cada paso. Algo bueno de trabajar de esta manera es que puedes conocer las actividades de cada uno de los integrantes para poder dividir el trabajo por igual para que todos puedan tener sus propias responsabilidades. Algo que en si no me gusto fue la falta de tiempo que se nos dio al construir el juego de mesa, porque creo que el desempeño de cada uno se puede realizar mas adecuadamente conforme tengamos más tiempo en nuestras manos.

Bauhaus

*LO SIGUIENTE ES NUESTRA INVESTIGACIÓN SOBRE LA ESCUELA BAUHAUS*

HECHOS

*La Bauhaus, escuela creada por Walter Gropius en 1919 y cerrada por el nacionalsocialismo alemán en 1933, fue una de las experiencias más interesantes del siglo XX en el campo del arte y del diseño, y célula germinal del diseño industrial. * Dada su importancia, las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1996. * El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, "construcción", y Haus, "casa"; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia. *La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían como tales y fueron concebidas dentro de esta escuela * La Bauhaus fue también un gran experimento vital de una pequeña comunidad de jóvenes (1400 aproximadamente) que, tras la quiebra del viejo orden y la traumática experiencia de la recién acabada Primera Guerra Mundial, se lanzó llena de entusiasmo a la construcción de una utopía social, de nuevas formas de convivencia.

SECUENCIAS TEMPORALES

1919 – Walter Gropius fusiona la “Escuela Granducal Sajona de Artes Plásticas” y la “Escuela Granducal Sajona de Artes y Oficios”, fundando la Bauhaus. 1926 – La Bauhaus intenta formar un tipo nuevo de colaboradores, apareciendo términos nuevos sobre el oficio: diseño, medio ambiente, demanda de masas, màquina, etc. 1956 – Gropius establece que el objetivo de la Bauhaus era formar hombres dotados de talento artístico, cuyo plan tenía como eje la estética del funcionalismo y la racionalidad. el suizo Johannes Itten (1888-1967), quién en la fase fundacional fue, junto con Gropius, la persona más destacada de la Bauhaus. 1923 – Johannes Itten renuncia. La Bauhaus sufre de un cambio en cuanto a su visión y su filosofía de enseñanza. La exposición de 1923 marca un cambio en la Bauhaus que se fija como objetivo principal la creación de prototipos para la industria. 1925 - se abre una nueva etapa. El decidido apoyo del intendente social-demócrata de Dessau permite que la Bauhaus se reinstale en esa ciudad, ahora no como institución estatal, sino comunal. 1928 – Renuncia Walter Gropius 1930 – Meyer es acusado de politizar la escuela y es dado de baja. Mies Van der Rhoe se hace cargo de la escuela. Como consecuencia de la derrota de los socialdemócratas en las elecciones municipales de Dessau en 1932, la fracción nazi del concejo municipal exige la clausura de la escuela a partir del Io de octubre, la exigencia es aceptada y la escuela clausurada. La llegada del nacionalsocialismo al poder en 1933 señala el fin definitivo de la Bauhaus; acusada de comunismo y bolcheviquismo la SS y la Gestapo la clausuran el 20 de julio de 1933.

REDES CAUSALES

* La Bauhaus, fue la escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas en manos del Partido Nazi. * Walter Adolph Georg Gropius, fundador de la Bauhaus, nació en Berlín el 18 de mayo de 1883. Fue hijo y nieto de arquitectos, estudió arquitectura en Múnich y en Berlín. Uno de los principales ideales de Gropius era representado mediante la siguiente frase: "La forma sigue a la función". * Dada su importancia, las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1996.

PROBLEMA - SOLUCIONES

*Enmarcada en un rígido racionalismo buscó, dentro de un contexto técnico, la simplificación de la forma de los objetos y la reducción a sus elementos geométricos, revalorizando la función. *Esta vuelta al ideal del medievo, en lo artesanal, en las ideas sociales de los gremios, etc., estaba en contradicción con los planteos progresistas de Gropius antes de la guerra. Las condiciones de guerra en el país causaron que Gropius planteara una formación artesanal, eligiendo como modelo las cofradías medievales.

EPISODIOS

* La escuela Bauhaus fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas en manos del Partido Nazi. * Walter Adolph Georg Gropius, fundador de la Bauhaus, nació en Berlín el 18 de mayo de 1883. Fue hijo y nieto de arquitectos, estudió arquitectura en Múnich y en Berlín. * Walter Adolph Georg Gropius, fundador de la Bauhaus, nació en Berlín el 18 de mayo de 1883. Fue hijo y nieto de arquitectos, estudió arquitectura en Múnich y en Berlín. * Dada su importancia, las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1996 * El edificio de la Bauhaus de Dessau (1925-1932) de Walter Gropius, es el más emblemático de entre sus escuelas. Se despliega en varios volúmenes, independientes entre ellos, y diseñados según la función para la que fueron concebidos.

GENERALIZACIONES

*La Bauhaus, escuela creada por Walter Gropius en 1919 y cerrada por el nacionalsocialismo alemán en 1933, fue una de las experiencias más interesantes del siglo XX en el campo del arte y del diseño, y célula germinal del diseño industrial, allí se elaboraron y aplicaron nuevas y revolucionarias concepciones pedagógicas en el campo de la educación estética. *Enmarcada en un rígido racinalismo buscó, dentro de un contexto técnico, la simplificación de la forma de los objetos y la reducción a sus elementos geométricos, revalorizando la función. *la Bauhaus estaba impregnada del espíritu y los principios del movimiento Arts and Crafts, que planteaba la recuperación de la artesanía medieval. * Los objetivos de la Bauhaus eran: suprimir las barreras entre el arte, la artesanìa y la industria y poner en común estas actividades al servicio de la construcción del futuro.

PRINCIPIOS

* En 1919, Walter Gropius fundó el movimiento Bauhaus en Weimar con el objetivo de desarrollar y enseñar un estilo modernista de arquitectura y diseño. La Universidad Bauhaus y la Escuela Superior de Música Franz Liszt Weimar atrajeron a muchos estudiantes de arte, diseño, arquitectura, ingeniería civil y música. * Hay varios ejemplos de arquitectura Bauhaus en Dessau, algunos de ellos incluidos en el Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. el propio Colegio de la Bauhaus fue construido según esbozos de Walter Gropius. * Organizado por tres directores * En 1919, Walter Gropius funda una escuela de diseño, arte y arquitectura en Weimar. Antes de la Primera Guerra Mundial, Gropius ya formaba parte de un movimiento de renovación estética, representado por la Deutscher Werkbund, que pretendía unir el arte con el diseño industrial.

Vchutemas

*Una de las metas del método pedagógico del Vchutemas, que nació y se formó bajo la influencia de las nuevas ideas estéticas ligadas al constructivismo y al productivismo, fue fundamentar sobre bases científicas la formación artística *Se plantearon controversias teóricoideológicas, fundamentalmente dentro del campo de las artes; por un lado estaban los "puristas", en su mayoría docentes de la Facultad de Pintura, que rechazaban en forma categórica todo encargo de diseño para la artesanía o la industria, que querían restablecer el sistema tradicional de educación artística y entre otras cosas planteaban una reestructuración del curso básico; por otro lado estaban los "aplicados" que buscaban revalorizar las artes decorativas; y finalmente los "constructivistas y productivistas" que se oponían al arte de caballete y a las artes decorativas y propugnaban la integración del arte en el campo de la producción y en la vida cotidiana * El Vchutemas plantea la fusión del arte con la artesanía, participación de los artistas en los trabajos de diseño, creación de talleres de producción. * El suprematismo es el reencuentro con el arte puro, con ese arte que, en el transcurso del tiempo se ha vuelto invisible, escondido bajo el espesor de las "cosas” * los suprematistas han abandonado la representación del rostro humano y del objeto naturalista en general y han buscado nuevos signos para interpretar la sesibilidad inmediata y no los reflejos hecho "formas" de las diversas sensacionesSe realizó una actividad en clase en la cual tendríamos que fabricar un juego de mesa en base a la escuela Rusa de diseño Vchutemas. Sin embargo, al no tener información sobre el tema, hicimos un cuadro de información para poder entender mejor la dinámica que nuestro juego tomaría.

HECHOS

* El nombre Vchutemas corresponde a las siglas (en ruso) de los "Talleres Estatales de Enseñanza Superior del Arte y de la Técnica", institución creada en Moscú, en 1920, con el objetivo de "formar artistas-plásticos altamente calificados. * Con maestros como Kandinsky, Rodchenko, El Lissitzy o Tatlin, en sus diez años de vida despertó el interés internacional por la arquitectura y el diseño rusos. * En 1927 el Vchutemas fue rebautizado Vchutein . En 1913 Michel Larionov (1881-1964) plantea el Manifiesto del rayonismo, en el cual reclama para el cuadro la presencia de una cuarta dimensión: la luz. * Larionov y su esposa Natalia Goncharova (1881-1962) descomponen los objetos en abstractos diagramas de haces de rayos. * El nacimiento del rayonismo está ligado a la influencia que tuvieron en Rusia las propuestas del teórico italiano Filippo T. Marinetti (1876-1944), adalid del futurismo, que en 1909 había publicado en París el Manifiesto del futurismo, en el que planteaba la necesidad de un arte anti clasista orientado al futuro. * Tatlin, discípulo de Larionov, había estado en París en 1913, donde se encontró con Picasso y Braque y vio sus collages; a partir de allí comienza a trabajar en sus contrarrelieves, que son las primeras manifestaciones del constructivismo. La figura líder del arte suprematista, Kazimir Malévich, se unió al staff docente de Vjutemás en 1925,11 sin embargo su grupo UNOVIS, de la escuela de arte de Vítebsk, que incluyó a El Lissitzky, exhibieron en Vjutemás antes, en 1921. * Una muestra reúne en Berlín obras de alumnos y profesores de Vjutemás, clausurada en 1930 a causa de la creciente represión soviética de las vanguardias.

SECUENCIAS TEMPORALES

* 1920 – Surge la escuela VCHUTEMAS 1927 –La escuela es rebautizada como Vchutein, Instituto Estatal de Enseñanza Superior del Arte y la Técnica, disminuyendo el sector de las artes plásticas y transformando la enseñanza en una más científico-tecnológica. 1930 –Se disuelve la escuela y se reemplaza por una serie de institutos especializados: El Instituto de Arquitectura de Moscú, el Instituto Poligráfico de Moscú, la Facultad de Bellas Artes, el Instituto Textil de Moscú, etc. 1917 –El nacimiento del Vchutemas está inserto en las reformas de la educación artística de Rusia como consecuencia de la revolución de Octubre (1917). 1913 –Michael Larionov plantea el Manifiesto del Rayonismo, en el que reclama la presencia de una cuarta dimensión: la luz. De esta manera, transforman los objeto en rediación pura. 1909 –Filippo T. Marinetti publica en París el Manifiesto del Futurismo, en el que plantea la necesidad de un arte anticlasista orientado al futuro. 1915 –Kasimir Malevich publica el Manifiesto del Suprematismo, el cual es la primera teorización del abstractismo, entendido como “supremacía de la sensibilidad pura en el arte”. 1913-1915 –Vladimir Tatlin plantea el constructivismo 1913-1915 –Alexander Rodchenco plantea el no-objetivismo (ambos movimientos plantean el deseo de abandonar todo lo referente a objetivo y a partir de cero para construir una nueva realidad. 1919-1920 –Torre de Tatlin. Monumento a la Revolución Rusa. “Monumento a la tercera Internacional” (Torre que nunca llegó a construirse) - Cuando los constructivistas (Tatlin, Rodchenko, Lissitzky, Pevsner, Gabo, etc. Anuncian la muerte del arte mismo y se declaran productivistas, tratan de transformar el arte uno de los sectores del trabajo manual t de la producción económica. 1918 –“Programa del Arte” dirigido por Anatoli Lunatscharski , en el cual planteaba dar una nueva definición básica a la función del arte en la sociedad socialista, reorganizar las instituciones artísticas, elevar la artesanía a la categoría de arte, fecundar la artesanía con la colaboración de artistas innovadores, etcétera. 1920 – Se creó el Instituto de Cultura Artística (Inchuk) con Kandinsky como su presidente. 1920 – Se crea el Vchutemas por medio de los Talleres Estatales Libres. 1930 – Se disuelve el Vchutemas 1932 – Stalin prohíbe el arte y el diseño abstracto, aceptando el Realismo Socialista.

REDES CAUSALES

*En 1918, por una iniciativa del Departamento de Arte (IZO), se crea un Programa del Arte que planteaba dar una definición básica a la función del arte en la sociedad socialista, reorganizar las instituciones artísticas, elevar la artesanía a la categoría de arte, etc... * Vchutemas fue una escuela estatal de arte y técnica de Moscú, Rusia, creada en 1920 por decreto del gobierno soviético. Los talleres fueron establecidos por un decreto de Vladímir Lenin con la intención, en palabras del gobierno soviético, de preparar maestros artistas de las más altas calificaciones para la industria, constructores y administradores de la educación técnico-profesional. *Vchutemás fue formada por la fusión de dos escuelas: la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú y la Escuela de Artes Aplicadas Stróganov. * Los principales movimientos en el arte que influyeron en la educación de Vchutemás fueron el constructivismo y el suprematismo.

PROBLEMA - SOLUCIONES

* Revolución de Octubre de 1917 – Reformas en la educación artística en Rusia . * Malevich publica el manifiesto del suprematismo como respuesta a la liberación de la determinación sensorial. * El constructivismo de Tatlin y Rodchenco plantean el abandono de todo lo referente objetivo y a partir de cero para construir una nueva realidad. (contrarrelieves) *Los contrarrelieves y la Revoluciòn Rusa dan paso a la torre de Tatlin como monumento a la Tercera Internacional. (Nunca llegó a construirse, pero se emitió una estampilla postal con su imagen. * (Tatlin,Rodchenko, El Lissitzky) anuncian la muerte del arte mismo y se proclaman productivistas, toman una posición extrema con una intención positiva precisa; querer hacer del arte uno de los sectores del trabajo manual y de la producción económica. *El “Programa del Arte” daba una nueva definición básica a la función del arte en la sociedad socialista. * 1920 – Se crea el Instituto de Cultura Artìstica como respuesta a la reforma de la educación artística. *Los Talleres Estatales Libres se crean en reemplazo a las academias enmarcadas en la rutina del clasicismo. *1920 – Se fusionan ambos Talleres, implicando la superación entre las diferencias entre el arte y la vida cotidiana. *Unidad didáctica para la gráfica - Esta unidad tenía como función posibilitar la adquisición de una flexible capacidad perceptiva, dentro de este contexto se impartía a los alumnos conocimientos sobre la fisiología de la visión. *Unidad didáctica para el estudio de la superficie y el color - El objeto de esta unidad era analizar las propiedades del color, la relación entre color y forma, los efectos del color sobre las representaciones volumétricas y sobre las superficies, etc. Paralelamente los estudiantes analizaban el color desde el punto de vista físico, fisiológico y psicológico. *Unidad didáctica para la representación del volumen - Aquí los alumnos analizaban los volúmenes como medio de organizar el espacio, las interacciones entre volumen y espacio circundante, etc. *Unidad didáctica para la configuración del espacio - El objeto de este curso era analizar las cualidades elementales de las formas espaciales, la forma del espacio como tal, el ambiente circundante, el punto de vista del observador, etc.

EPISODIOS

*Vchutemas fue una escuela estatal de arte y técnica de Moscú, Rusia, creada en 1920 por decreto del gobierno soviético. *El surgimiento del Vjutemás está rodeado de hechos históricos como la Revolución rusa de octubre de 1917, las reformas y crisis de la educación artística como consecuencia de ésta y los movimientos de vanguardia artística de principios del siglo XX. *El programa, intentaba cubrir una necesidad de establecer Talleres Estatales Libres en reemplazo de las academias (con una marcada doctrina clasicista y rutinaria). Así surgen los dos Talleres Libres de Moscú: Escuela Industrial Stróganov y la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura. *Hubo muchos éxitos para los departamentos, que luego irían a influir en el futuro pensamiento del diseño. En la Exposición de Artes Decorativas de 1925 en París, el pabellón de la Unión Soviética diseñado por Konstantín Mélnikov y su contenido, atrajo tanto las críticas como las alabanzas por su arquitectura económica y de la clase trabajadora.

GENERALIZACIONES

PRINCIPIOS

* En 1913 Mijaíl Lariónov plantea el Manifiesto del rayonismo, una síntesis del futurismo, el cubismo y el orfismo, en el cual reivindica la presencia de la luz en la composición considerada como una cuarta dimensión. Junto con su esposa, Natalia Goncharova descomponen los objetos en abstractos diagramas de haces de rayos, liberando a los objetos de la realidad física transformándolos en radiación pura *Malévich consideraba que había que liberar el arte de todo el peso inútil del objeto, evidenciándose en su obra con el empleo de formas puras como círculos, rectángulos o triángulos, colores básicos. Así se alejó de la pintura figurativa y sentó las bases del neoplasticismo holandés y del constructivismo ruso. *Al mismo tiempo, pero por otro lado, Vladímir Tatlin plantea el constructivismo y Aleksandr Ródchenko el no-objetivismo, que tienen en común el abandono de todo referente objetual y la construcción de una nueva realidad a partir de la nada. *En el comienzo del año académico 1920/1921, Ladovski, junto con sus seguidores los instructores Dokucháyev y Vladímir Krinsky crearon Obmas. Ladovski era conocido por sus métodos de enseñanza innovadores, en particular, por su declaración de que "el material básico de la arquitectura es el espacio".

Después de esta ardua investigación, planeamos el juego, el cual verán en el siguiente capítulo.

A pesar de empezar desde cero con esta investigación, descubrimos que la escuela tuvo mucho que aportar, y que incluso estuvo antes de la tan renombrada Bauhaus.

Abstract: Cristopher Niemann

Se vio en clase el primer capítulo de la serie de diseño Abstract, en el cual un ilustrador llamado Cristopher Niemann habla sobre la técnica de la abstracción a través de imágenes.

Es importante tener un balance entre lo realista y lo exageradamente abstracto por medio del “abstract - o - meter”. Además, comenta cómo se pueden representar íconos famosos o ideas generales por medio de figuras básicas y representaciones simples.

Cultura decimonónica: Revolución industrial

Cultura decimonónica – Siglo XIX

Revolución Industrial

Secuencias de cambios que generan controversia con el surgimiento de la máquina.

PROTOINDUSTRIALIZACIÓN: (La industria antes de como la conocemos ahora)

Sistema doméstico – combina el trabajo agrícola con la producción de textiles. Un comerciante contrataba mujeres para el trabajo. La producción destinada a la exportación.

Supuso el tránsito de una economía agraria y artesanal a otra basada en la industria y la producción mecanizada.

Inicios: Inglaterra a mediados del S. XVIII. Se extiende en el S. XIX

1765 – Watt perfecciona la máquina de vapor desarrollada por Papin

Ingeniería y cambio social, el transporte

- La locomotora y sus avances

- Las máquinas no estaban influenciadas por el movimiento artístico de la época.

- La bicicleta de madera

Comunicación y telecomunicaciones

- Los primeros aparatos fueron resultados de la investigación científica. Carecían de pretensiones estéticas.

- Su fabricación se encomendaba a antiguos fabricantes de instrumentos y su tosco diseño no empezó a experimentar cambios hasta que se vislumbraron sus posibilidades de uso y consumo popular.

- Fonógrafo tiende a ser más decorativa

**Raymond Loewy – Principio MAYA (Most Advanced, Yet Acceptable)

Con los nuevos avances, las personas y su producción masiva no tuvieron barreras. Las grandes máquinas generaban grandes nubes de contaminación que aún permanecen en nuestros cielos. Sin embargo, esta época fue un parteaguas para los avances que se han generado hasta ahora con mayor rapidez cada día. Si bien es verdad que el fácil acceso a estas nuevas máquinas dio como resultado productos y arte de mal gusto para la mayoría de aristócratas y clases altas, permitió que personas de todas las clases sociales las disfrutaran y tuvieran un mayor acercamiento.

-Teniente Dan

Entrega parcial: Pop-Up Book / Investigación

1. Gran Bretaña - William Morris fundó una compañía en 1861 con la que pretende crear Una unificación entre artistas y artesanos.2. El trabajo de Hector Guimard con la fundición y forjado del hierro produjo una variación local en Francia del art nouveau llamada style metro. 3. Alemania - Durante la década de 1890, Hermann Obrist, August Endell, Richard Riemerschmid, Bernhard Pankok y Bruno Paul se enfocaron en las artes aplicadas. En 1897 fundaron el Vereiningte Wekstatten Fur Kunst Im Handwerk (talleres unidos para las artes y oficios).4. América - Stickley fundó en 1901 la revista "The Craftsman" en la que sostenía los propósitos de los diseñadores británicos de las artes y oficios.Para esta entrega parcial, se desarrollará un libro Pop Up en equipos de dos, relatando sucesos específicos acerca de una época. Mi compañera es AnaMary Valdez y juntas realizaremos un pop-up book acerca del modernismo en Europa y América y la aceptación de la máquina en los nuevos procesos.

A continuación, nuestra investigación:

HECHOS

1. Gran Bretaña - William Morris fundó una compañía en 1861 con la que pretende crear Una unificación entre artistas y artesanos.

2. El trabajo de Hector Guimard con la fundición y forjado del hierro produjo una variación local en Francia del art nouveau llamada style metro.

3. Alemania - Durante la década de 1890, Hermann Obrist, August Endell, Richard Riemerschmid, Bernhard Pankok

y Bruno Paul se enfocaron en las artes aplicadas. En 1897 fundaron el Vereiningte Wekstatten Fur Kunst Im Handwerk (talleres unidos para las artes y oficios).

4. América - Stickley fundó en 1901 la revista "The Craftsman" en la que sostenía los propósitos de los diseñadores británicos de las artes y oficios.

SECUENCIAS TEMPORALES

1. En 1861 Morris fundó Morris & Co., llevando a cabo la unificación entre artistas y artesanos. Su compañía animó a otras empresas similares en Gran Bretaña que llevaban el término general del "Movimiento de Artes y Oficios".

En 1895, Van de Velde inició con su trabajo a través de la tipografía y construyó su primera casa, para la que diseñó todo el mobiliario, mezclando características de arts and crafts y el estilo curvilíneo de orca.

1896 - Los Cuatro de Glasgow (Charles Rennie Mackintosh, Margaret Mackintosh, Herbert Macnair y Frances MacDonald) fueron invitados a enviar mobiliario, trabajo artesanal y carteles a la Sociedad de Exhibición de Artes y Oficios para mostrar su trabajo.

2. 1897 Les Six- llevó a cabo una exposición en parís con el mobiliario diseñado por los artistas, su trabajo era art nouveau mezclado con un sentido del rococó y relieves en bronce y dorado.

1900 - Desde este año, Hector Guimard trabajó en la fundición y forjado de hierro, diseñando numerosas entradas de metro y taquillas, creando el Style Métro.

1925 - Eugene Valline trabajó para Gallé y produjo obras de mayor importancia que las de su maestro.

(1846 - 1904) - Aparte de Guimard y sus contemporáneas en parís, Francia tenía una segunda escuela de arquitectos de art nouveau que trabajaban en Nancy, Lorraine, la cual fue dirigida por emile Gallé

4. (1856 - 1924) Louis Sullivan y Frank Lloyd Wright (1867 - 1959) introducen el Art Nouveau en un sistema de decoración arquitectónica.

1901 - Stickley fundó la revista "The Craftsman", en la que sostenía los propósitos de los diseñadores británicos de las Artes y Oficios y que pedían un arte democrático nacional.

1890 - Uno de los primeros en asimilar las tendencias europeas en los diseños fue Charles Rholfs, que abrió un taller en Buffalo cuyo trabajo reflejaba tanto el ''mission style'' de california como el art nouveau.

PROBLEMA - SOLUCIONES

1. Debido a la gran variedad de estilos regionales se creó una confusión de nombres para el estilo - Art Nouveau y Modern Style en Francia, Modernismo en España, Stile Liberty en Italia y Belgische Stil en Alemania.

Morris inició siendo seguidor de los prerrafaelistas, con una interpretación medieval. - - - Concibió una visión más práctica al intentar recrear un idilio de pintores, arquitectos y escultores trabajando en conjunto --- Movimiento de Artes y Oficios

La aparición de la máquina creó una revolución en la calidad de vida de las personas --- Los productos y el mobiliario de las Artes y Oficios hizo hincapié en la presentación de los materiales, la construcción y su realización, despreciando a la máquina al igual que cualquier estilo decorativo que copiara estilos pasados.

Los trabajos de los artesanos y artistas no estaban involucrados entre sí --- Por todo el país los gremios de artesanos se fundaron para involucrar al trabajador como a las mujeres desempleadas.

2. El movimiento de Artes y Oficios se enfocaban en una era preindustrial sin el uso de las nuevas tecnologías --- El Art Nouveau abarca con entusiasmo los nuevos materiales producidos industrialmente, siendo la base para el movimiento moderno.

En Inglaterra, John Ruskin y su aversión hacia los avances tecnológicos y el hierro hicieron que su uso fuera poco desarrollado --- En Francia, en cambio, este material se utilizó para la construcción de altas bóvedas de estilo gótico y elementos estructurales.

Las teorías de Viollet - le - Duc respecto al uso honesto del hierro consistían en demostrar la influencia de los arquitectos franceses en el Art Nouveau.

3. El movimiento de Artes y Oficios crearía un auge hacia el trabajo manual, haciendo los diseños más caros y menos accesibles para todo el mundo --- Las intenciones de los Alemanes era crear un mobiliario barato para el público en general; teniendo en cuenta las nuevas máquinas trabajadoras que se usaban entonces.

4. Alrededor de 1890, con la importación del estilo del Movimiento de Artes y Oficios, los artistas americanos se vieron influenciados por los ideales, dedicándose a la artesanía y negándose al uso de las máquinas porel arte. --- Las interpretaciones alrededor de los Estados Unidos fueron diferentes, siendo de un estilo más británico en el lado oriental y de un estilo romántico en el occidental.

El proyecto sigue en proceso, entrando a la etapa de producción manual. La investigación fue sacada de la biblioteca de la universidad y fue dividida en zonas, siendo el 1 Gran Bretaña, 2 Francia, 3 Alemania y 4 América. Definitivamente encontré más información detallada sobre el movimiento de Arts and Crafts y el Art Nouveau, dos corrientes que se mezclaron y lucharon una en contra de la otra pero con ideales bien establecidos. Me impresionó saber sobre la controversia que la máquina generaría a su arribo, siendo que ahora tomamos esta herramienta como algo esencial.

- Teniente Dan

Cultura decimonónica: artesanía

Descubrimientos históricos y tecnológicos. Cambios en la forma de producción y de consumo. Supervivencia de la artesanía. El exceso de industrialización generaría un impacto mayor en el futuro.

S.XIX

La figura del diseñador no estaba profesionalmente definida.

Los ingenieros y técnicos industriales que diseñaban debían procurar que el público las aceptara, las adquiriera y las usara.

Se guiaban por cuestiones intuitivas y prácticas.

Diseños para la comunicación, transportes y utensilios comunes.

PROBLEMAS ESTÉTICOS Y CULTURALES Había sido estéticamente confuso debido a su complejidad. Se consideró que la confusión de estilos era una consecuencia directa a la mecanización y que el historicismo y el eclecticismo eran sinónimos de decadencia. 1. Historicismo. Se descubrieron muchas ruinas arqueológicas. El enciclopedismo. Se reunió todo el saber después de la ilustración en libros con el uso de la imprenta. Publicación de volúmenes con la información de historia.

2. Eclecticismo. Se toman varias tendencias y se mezclan en una sola 3. La ornamentación. Exceso de adornos. 4. Neoclásico. Surge como respuesta al exceso de ornamentación. Relacionado con la cultura griega.

LA REFORMA INSPIRADA EN EL IDEAL ARTESANO. Surgió como crítica al optimismo productivista de la segunda mitad del S. XIX y en oposición al internacionalismo ilustrado. Recupera el gótico y lo medieval, en la que el arte y la producción convivían armónicamente.

JON RUSKIN. LA NATURALEZA DEL GÓTICO Autor reconocido. Ejerce una influencia sobre arqs, y diseñadores en base a lo que escribe. Surgen los primeros estudios del diseño.

Al investigar más sobre el tema, me doy cuenta de las influencias de cada artista sobre los nuevos sucesos durante ese tiempo. La máquina y la industrialización habían llegado al mercado y cada país forjó una idea diferente acerca de su uso e implementación en los procesos de producción. Jon Ruskin y William Morris, en específico, tuvieron una filosofía en contra de la modernización, teniendo el movimiento de Arts and Crafts como un movimiento en contra de los nuevos procesos, conservando el trabajo manual.

- Teniente Dan

Toulouse-Lautrec y el cartel

Uno de los pintores más importantes en su movimiento, convirtiendo al cartel como una muestra artística y siendo de los primeros que dan paso a los carteles como publicidad.

ACTIVIDAD

Se realizó un mapa mental para analizar la historia de cartel y sus principales autores, dentro de los que se encuentran:

Jules Chéret: Pintor francés conocido como “El padre del cartel publicitario moderno”. Llegó a realizar más de 1000 carteles, con una técnica muy distintiva: sus composiciones eran en formato vertical, asimétricas y de dinamismo. En sus carteles destaca la figura de una mujer llamada “La Chérette”. N sus trabajos evitaba los detalles superfluos, concentrándose en el servicio principal. Sus carteles anunciaban polvos de tocador, parafina, bicicletas o crema de calzado. Introdujo en gran formato.

Henri de Toulouse-Lautrec: Pintor y cartelista francés. Se destacó por sus retratos de la vida parisina. Con el uso de la litografía en muchas de sus obras, eleva la técnica como arte y ayudó a que el cartel se convirtiera en uno de los medios publicitarios más importantes. Al establecer su propio estudio en Montmartre, creó carteles para lugares como el Moulin Rouge, Le Chat Noir, Moulin de la Galette, entre otros. Al ser vecino de Edgar Degas, se ve influenciado por sus obras, adquiriendo el estilo de este pintor. Su arte supone un punto de partida para el expresionismo.

Alfons Maria Mucha: Artista checo. Sus obras se distinguieron por su incorporación de los elementos del art nouveau. Durante diez años fue el representante de los carteles para Sarah Bernhardt, quien halló en él a su intérprete más afín.

Peter Behrens: Grafista alemán reconocido como el fundador del diseño industrial y el concepto del branding. Inspirado por la corriente del art nouveau trabajó como pintor y dibujante publicitario. Su estilo se torna a ser geométrico y austero, creando los primeros carteles de objetos con superficies extensas y coloración sutil. Precursor en el moderno cartel de objetos.

Lucian Bernhard: Grafista alemán, revelador del estilo Plakatstil (estilo de cartel). Su estilo, al igual que Behrens, se limitaba a utilizar la imagen del producto y complementarla con su nombre en tipografía.

Cassandre: Originalmente llamado Adolphe Jean-Marie Mouron, es un grafista francés que se dedicó a realizar obras publicitarias como el cartel, la tipografía y los retratos. Su estilo se ve influenciado por el Art Déco y el cubismo, constructivismo, futurismo y un poco de Bauhaus.

EL MAPA MENTAL

PELÍCULA

No sabía mucho sobre Toulouse Lautrec. Lo único que sabía era que sus obras fueron aquellas que dieron paso al cartel e incluso al diseño gráfico como lo conocemos, pero al ver la película pude ver su historia y las dificultades que surgieron durante ese movimiento, en especial el rechazo que tuvo por muchos de los artistas. Sin embargo, Henri de Toulouse-Lautrec se convirtió en un gran artista para los diseñadores hoy en día.

- Teniente Dan

#toulouse #Cartel

Cultura decimonónica: arte

Inicia una rebeldía en el manejo de la imagen. Con los cambios políticos y sociales, el arte se distancia un poco de lo estético para pintar escenarios polémicos con técnicas no tradicionales.

FRANCISCO DE GOYA Inspirado por Velázquez. (1746-1828) Obras: Majas en el balcón, Saturno devorando a su hijo, etc. El rey Fernando VII en un campamento (1814) El coloso – aguatinta – brujas y seres míticos. Durante esta serie de pinturas, Goya transmite su desesperación ante una España en guerra. Los caprichos- serie de grabados en madera e impresas – últimas obras después de morir – grabado y aguatinta.

- El 3 de Mayo en Madrid, Goya.

WILLIAM BLAKE

Uno de los primeros artistas del Romanticismo. Uso de colores fuertes y escenarios fantásticos, especialmente religiosos.

- El anciano de los días, Blake.

WILLIAM TURNER

Criticado por su estilo, pero inició con las técnicas del impresionismo. Los paisajes y la atmósfera eran los personajes principales de la pintura. Comúnmente conocido como “El pintor de la luz”.

- Canal de Chichester, Turner.

CLAUDE MONET (1840 – 1926)

Pintura impresionista. – el único que vivió disfrutando de la fama de sus cuadros. OBRAS: Impresión, sol naciente. La estación de aint-Lazare. La catedral de Ruan. Inicios de la fotografía y teoría del color. Eliminan el negro de su paleta.

- Impresión, sol naciente. Monet

LOS INICIOS DEL CARTEL

Gracias a la litografía, la producción de carteles aumentó y su precio de producción bajó. La producción de carteles de diversos tamaños y colores dio paso a una gran selección de artistas.

1. Gavami y Daumier

Ellos fueron de los primeros en hacer carteles artísticos.

2. Edouard Manet

Su único cartel fue para el libro "Les Chats", de Champfleury.

3. Toulouse Lautrec

Con sus carteles para el Molino Rojo, Lautrec se convertiría en el artista más reconocido en cuanto a la historia del cartel. Sus obras adquirieron carácter normativo gracias a su cuidada técnica.

- Divan Japonais, Lautrec.

Durante esta época surgen movimientos revolucionarios sin la necesidad de usar armas. Las propias armas fueron las expresiones artísticas que trataban de cambiar la manera en la que se percibía a la sociedad. Tal vez en su momento eran criticados y considerados como mal arte, pero ahora vemos que son obras necesarias para el progreso social y humano de la civilización.

- Teniente Dan

#arte #historia #impresionismo #cartel

La historia como proceso

La importancia del invento depende de su fecha, su lugar y lo que representa técnicamente. Los dos ejemplos más comunes para este tema son la pólvora y la imprenta: dos inventos que, si bien fueron utilizados por civilizaciones por años, realmente tuvieron una importancia de utilidad cuando se dieron a conocer estos inventos en el extranjero. Los inventos adquieren importancia cuando se llega a una verdadera necesidad.

- La pólvora fue utilizada por los chinos para la producción de fuegos artificiales, pero su clímax llegó cuando otras culturas la empezaron a utilizar como ingrediente para explosivos letales.

Al crear un nuevo invento, existen tres técnicas con las cuales la idea o el procedimiento nuevo surgen:

Técnica del azar El azar produce el invento, por algo que puede parecer por casualidad. Es la técnica primitiva del hombre pre y protohistórico y del actual salvaje. Ex. Fuego, flechas, etc. No se tiene conciencia con el surgimiento de nuevas técnicas. Relacionan las nuevas creaciones con la magia.

Técnica del artesano De la Grecia clásica, de la Roma pre imperial y de la Edad Media. Los actos técnicos han crecido, pero no son sustantivos de los actos naturales. Hay conciencia de que hay personas especializadas (artesanos) tienen capacidades diferentes. No se concibe la conciencia del invento ( no hay un proceso establecido con los pasos y las especificaciones ). Hay instrumentos y no máquinas. El artesano es técnico y obrero.

Técnica del técnico El ser humano es completamente consciente de que tiene una capacidad diferente a aquellas capacidades naturales o animales. Separación radical entre el obrero y el técnico. Sabe que la técnica no es un azar y tampoco algo dado y limitado como en el artesano.

ESTUDIO DEL HOMBRE

El crecimiento relativamente rápido de la cultura humana se ha debido a la capacidad de todas las sociedades de intercambiar elementos entre culturas. A esto se le conoce como difusión. Ha contribuido en dos aspectos al adelanto de la humanidad. Ha estimulado el crecimiento global de la cultura y a su vez, enriquecido el contenido de las culturas individuales. Mientras más oportunidades tengan una sociedad para adquirir elementos culturales, más rápido será su avance cultural.

ACTIVIDAD

Primeramente utilizamos una rama de espinas, una piedra y un palo o rama. Estos objetos tienen una función primitiva, dada por el hombre y su razonamiento lógico.

1. Piedra. La piedra se puede utilizar como un arma o un martillo.

2. Espinas. Sirven como una herramienta filosa, para cortar algo como si fuera un cuchillo o incluso como arma.

3. Rama. La rama sirve como un objeto para colgar o agarrar cosas, por ejemplo tunas u objetos cuya superficie sea perjudicial para nuestras manos.

Con estos objetos, se creó un objeto nuevo, con un uso diferente a los demás. Nosotras creamos una espátula con la rama y utilizando algunas hojas y fibras para crear una base que soportara la comida.

Con el paso de los años, el ser humano ha evolucionado de una manera que tal vez se creía imposible. Hemos adquirido conocimientos, establecido clases sociales y calidades de vida diferentes, y todo esto gracias a la ayuda de los nuevos artefactos que cada minuto salen al mercado. Sin embargo, todo esto no podría ser posible de no ser por el azar, que ha dotado a muchas personas con inventos y nuevas perspectivas, siendo esta técnica la base de nuestros descubrimientos. Esto se puede comparar a un niño; sus primeros años de vida son de descubrimiento, ya sea voluntario o, como la mayoría de las veces, accidental. Posteriormente, con sus conocimientos ya adquiridos, el niño se aventura a hacer sus propias creaciones, teniendo como herramientas objetos e ideas previamente instalados en su cabeza.

- Teniente Dan

#Historia #Proceso #Inventos #Ideas

Contextualización: Las civilizaciones antes del siglo XIX

#1 PREHISTORIA

PINTURA: Tiene sus inicios con la pintura paleolítica, la cual se ubicaba en el interior de las cuevas, utilizando colores naturales o terrosos. Las temáticas de las pinturas eran descripciones grandes de signos y animales (la figura humana todavía no aparece hasta la etapa del mesolítico.

Con el inicio del periodo mesolítico, las representaciones rupestres aparecieron en las superficies rocosas, ya no tanto en el interior de las cuevas. Las pinturas eran monocromas y planas, representando escenas de cacería con animales un poco más pequeños y con la presencia de la figura humana.

ARQUITECTURA: La arquitectura megalítica consiste en el uso de grandes piedras (litos) con funciones mágico-religiosas. Dentro de sus diferentes tipos de construcciones se encuentran: Menhir, Dolmen y Cromlech.

#2 MESOPOTAMIA

Mejor conocida como “la cuna de las civilizaciones”. Crearon el arco de ½ punto y utilizaban estructuras en forma de trapecio para sus construcciones. Invención del ladrillo y relieves en piedra.

#3 EGIPTO

PINTURA: Las pinturas eran de una temática religiosa, con la vida después de la muerte como escenario principal. Los colores que se utilizaban eran variados, con tonalidades brillantes y contornos marcados en color negro. Las escenas representaban a los dioses, faraones y nobles, con una clara jerarquía de cada uno de los personajes.

ESCULTURA: Se utilizaba mucho la técnica de relieve sobre piedra. Las esculturas eran de tamaños grandes para representar la grandeza de los líderes. Temáticas: faraones y nobleza.

ARQUITECTURA: Utilizaban materiales como el adobe y la piedra. Las estructuras eran en forma piramidal (tumbas y templos) y de grandes dimensiones.

#4 GRECIA

ESCULTURA: La Grecia antigua se caracteriza por la importancia que se la da a la belleza y a la figura humana. A este fenómeno se le denomina antropocentrismo. Los materiales que se utilizaban eran la piedra, el mármol y el bronce. Utilizaban cánones de belleza, como el de Policleto (7 cabezas). Las esculturas eran teatrales y representaban escenas de la mitología y de la figura humana en general.

ARQUITECTURA: La arquitectura, al igual que la escultura, buscaba la perfección en sus composiciones. El uso de la proporción áurea era elemental al momento de hacer una nueva construcción. El mármol era el material principal que se utilizaba para ellas y surgen nuevas tendencias y formas, por ejemplo las columnas (dórico, jónico y corintio).

#5 ROMA

Roma le daba mayor importancia a la construcción de ciudades y a la expansión de su imperio.

ESCULTURA: Los romanos tomaron los cánones y técnicas de los griegos, pero le agregaron una vibra más realista, además que el uso de las esculturas ya no eran por el estudio de la belleza, sino por intereses del gobierno. Los personajes ya no eran mitológicos, sino líderes políticos. El busto, el cuerpo entero y el ecuestre eran los diferentes tipos de representar a sus líderes, utilizando mármol como su material principal.

ARQUITECTURA: La arquitectura romana se enfocaba en la construcción de edificios funcionales. Creación del foro, las calles y una ciudad con distribución rectilínea.

#6 EDAD MEDIA

En la edad media surge una época de oscurantismo; todo aquello que tuvo un auge en la época Griega y Romana de repente se esconde y el los altos mandos se quedan a cargo de la religión, con todo el conocimiento dentro de sus monasterios. Surge la corriente gótica.

PINTURA: Surgen los frescos, la pintura sobre tablas, los vitrales; todo en torno a la iglesia. Las escenas predominantes eran escenas sobre la vida de Jesús. Las pinturas sobre libros eran también importantes, aunque éstos eran escasos durante la edad media.

ARQUITECTURA: Uso de arcos, pilares, remates y muros. Con el hierro como nuevo sistema de construcción, los edificios toman mayor altura, como símbolo del hombre tratando de llegar al cielo en contacto con Dios. Uso de vitrales como símbolo de debilidad. El simbolismo predomina.

#7 RENACIMIENTO

Se retoman los estudios de la belleza griega. La investigación y la curiosidad llevan al hombre a nuevos descubrimientos.

PINTURA: Los temas son religiosos, mitológicos y de la vida diaria. Los materiales y técnicas que utilizaban eran principalmente la pintura en óleo sobre edificios como templos y muros. Como el estudio de la figura humana se retoma, la pintura toma una característica más tridimensional y de perspectiva, cuidando las luces y sombras.

ESCULTURA: Al igual que las corrientes griegas, se revalora el cuerpo y la forma humana. El uso del mármol y el bronce predominan y además retoman las técnicas grecorromanas.

ARQUITECTURA: Igualmente se retoman las estructuras griegas y romanas. El uso de elementos como el arco de medio punto, la bóveda de cañón y las cúpulas predominan.

#8 BARROCO

El barroco fue una época en donde la exageración de los elementos formaba parte tanto en la pintura como la escultura y la arquitectura, incluso en la literatura. Representa la exaltación de lo dramático y la oposición a lo racional.

PINTURA: Uso del claroscuro, exageración en las sombras, contrastes fuertes de color y composiciones diagonales.

ESCULTURA: Expresiones faciales fuertes y marcadas y exageración de las formas.

ARQUITECTURA: Exageración de elementos en las iglesias.

#9 NEOCLÁSICO

PINTURA: Se origina en Francia. La estética es simple y con un lenguaje comprensible. Las escenas son relacionadas con la política y la patria.

ESCULTURA: Los volúmenes y figuras se simplifican, al igual que las poses y los personajes. Se retoman los cánones griegos pero se le quita el drama en las posturas y expresiones de los personajes.

ARQUITECTURA: Brinda mayor importancia a la distribución urbana y a edificios relacionados con la vida de ciudad.

#10 IMPRESIONISMO

Se rompe con lo establecido.

-Teniente Dan

Arte, artesanía o diseño?

En esta actividad se discutieron las definiciones y diferencias entre el arte, la artesanía y el diseño. La siguiente es mi postura:

Al final del debate se creó un diagrama de Venn en el que se analizan las definiciones de arte, artesanía y diseño, al igual que las similitudes entre términos.

CONCLUSIONES:

Considero que en México es muy remarcado el tema sobre la separación de estos tres elementos, pero no concuerdo con este pensamiento. Cada uno se deriva de los otros dos y hoy en día con el diseño contemporáneo el diseño se va fusionando cada vez más con el arte y la artesanía al punto de que no se puede diferenciar o catalogar en un solo término. Obviamente es importante saber sus orígenes, pero creo que incluso ahí existió cierta relación entre los tres.

- Teniente Dan

#contextualizacion #arte #historia #corrientes

Acerca de...

Bienvenidos a la bitácora espacial, un archivero de todos los conocimientos descubiertos por el hombre acerca de la historia del diseño. Esta es una compilación de los trabajos realizados para la materia de Historia del Diseño de cuarto semestre del ISAD, puerto rebelde de la alianza en pro de la estética.

Utilizen esta bitácora como un arma en contra de la ignorancia, ya que la información que se encuentra dentro de este portal es de suma importancia para la sobrevivencia de la raza humana.

10/4, Danya Estrada (Teniente Dan)

#acerca de mi #bitacora #diseño

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