cc. Tonos

· ambient para el pueblo ·

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david casper - night crossing

lo poco que puede encontrarse en internet sobre david casper es similar a la historia de jd emmanuel. casper comenzó a sacar música bajo su propio nombre en 1981. creó su propio sello, hummingbird records, para publicar discos de new age en los que él grababa todos los instrumentos en su estudio casero. pero lo que distingue a casper es su sonido de new age oscuro o dark new age, un género que no sabía que existía hasta que escuché su disco night crossing. 

la reedición de night crossing por el sello numero group en 2018, incluye un tracklist diferente al de su edición original en cassette en 1981. estos seis tracks son casi minimalistas, tienen solo algunas percusiones rudimentarias, flautas y cuerdas. las texturas de estos instrumentos sorprende mucho, generan una sensación asmr muy fuerte. el silencio y aire que hay en estos temas me hace imaginar a casper grabando solo en su casa, en la oscuridad de la noche, tocando y escuchando sus propias grabaciones. el disco dice que todo fue tocado y grabado por él mismo, pero hay algo en estas grabaciones que hace difícil creer que no se trate de una banda.

- eric olsen. 23 de septiembre de 2019.

night crossing de david casper salió en 1981 a través de hummingbird records y reeditado a través de numero group creo que en 2018. llegué a este disco por una recomendación de spotify. se puede escuchar en bandcamp, youtube y spotify.

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ashra - new age of earth

new age of earth es el primer disco solista del guitarrista y tecladista alemán manuel göttsching después de separarse de su banda ash ra tempel. es un disco de 1976, pero en vez de asociarlo al krautrock de esa época y esos discos de psicodelia progresiva, pienso en new age of earth como un disco de ambient rave. dos de sus cuatro tracks, “ocean of tenderness” y “nightdust” son piezas largas de contemplación; pero sus otros dos tracks, “sunrain” y “deep distance”, incorporan beats rápidos y constantes. la new age a la que su título se refiere no me parece que tenga mucho que ver con el movimiento new age-hippie de los 70; la new age de ashra está más cercana a la utopía de la rave de los 90. captura el momento posterior a la euforia del boliche, el chill-out, por eso lo siento como un disco veraniego de playas infinitas.

- eric olsen. 21 de agosto de 2019.

new age of earth de ashra salió en 1976 a través de isadora records. llegué a este disco por la lista de los 50 mejores discos de ambient de pitchfork. se puede escuchar en bandcamp, youtube y spotify.

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j.d. emmanuel - wizards

daniel emmanuel es un músico electrónico que empezó a grabar sus composiciones de teclados y sintetizadores en los 80. editó sus primeros discos de manera independiente a través de su propio sello north star productions, en ediciones de cassette y vinilo. su obra quedó por mucho tiempo olvidada e inaccesible hasta que en 2005 un crítico musical encontró una caja de sus vinilos en una librería y disquería de texas. esto desencadenó una serie de eventos que logró la reedición de los discos de emmanuel y una revisión de su obra.

wizards es un disco de sintes con momentos que inducen al trance pero también a la tranquilidad. el tema uno, attaining peace, produce una calma profunda. no sé si es por el sonido del teclado, la lentitud de la composición, o lo inocente de su melodía. emmanuel se encargaba de un taller de “creative stress management” en el que enseñaba cómo la repetición puede servir para calmar la mente. el disco sigue y construye un aura medio mística y esotérica, pero también de soledad, se lo escucha a emmanuel componiendo solo en su cuarto, rodeado de máquinas y teclados pero con la mente en blanco.

- eric olsen. 20 de agosto de 2019.

wizards de jd emmanuel salió en 1982 a través de north star productions. llegué a este disco por su inclusión en la lista de 20 mejores discos de new age de fact. se puede escuchar en bandcamp, youtube y spotify.

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john carroll kirby - meditations in music

escuché sobre diferentes formas de meditar. la más clásica habla sobre vaciar la cabeza, dejar que todos los pensamientos se vayan y no fijar la mente en nada. hay otro tipo de meditación que es con una palabra o símbolo que se fija mentalmente durante la práctica. la idea es que no estás meditando con nada en la cabeza, sino que estás meditando con ese símbolo en mente. en la cábala por ejemplo se medita sobre el árbol de la vida, sobre cada esfera y sus relaciones entre sí. en la meditación trascendental se medita con un mantra que se repite. esta forma de entender la meditación está relacionada con expresiones como “voy a meditarlo” o “voy a meditar sobre eso”. es una manera menos ascética de entender la meditación, una forma de practicarla a través de un símbolo que puede servir de herramienta o guía.

“meditations in music” de john carroll kirby no es un disco para meditar, como lo son muchos discos de ambient new age. es un disco sobre la meditación. el colaborador del último disco de solange usa sus dos teclados para meditar, como si los sonidos fuesen su mantra. con una mano crea texturas de teclado, sonidos agudos de campanas que construyen un fondo brillante; con la otra mano toca un teclado que suena como flauta. este sonido es lo que hace que el disco a veces se sienta demasiado new age, pero las texturas de fondo lo mantienen en una especie de nube meditativa.

- eric olsen. 30 de julio de 2019.

meditations in music de john carroll kirby salió en 2018 a través de leaving records. llegué a este disco por recomendación personal. se puede escuchar en bandcamp, youtube y spotify.

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ana roxanne - immortality

el yoga y el ambient comenzaron su amorío a finales de los 60, cuando el hippismo entró en una etapa de madurez y la idea del new age como género tomó fuerza. desde entonces se produjeron muchos discos de ambient relacionados al yoga, algunos más cerca de ser muzak, pero otros muy buenos como el reciente tides: music for meditation and yoga de kaitlyn aurelia smith. todos estos discos son pensados como acompañamientos para la práctica de yoga, música que se puede dejar de fondo para crear una ambientación. pero immortality de ana roxanne se relaciona con el yoga de una manera más esencial. de fondo suena una especie de om que se mantiene invariable y ligero, y sobre esa ambientación aparece una voz, la del gurú o el poeta, que se distingue del fondo y comienza a dar instrucciones. en este sentido, immortality no es música para yoga, sino que recrea la sensación de calma para instar a concentrarse en la fuerza de una voz.

- eric olsen. 22 de julio de 2019.

immortality de ana roxanne es una canción que salió en el disco ~​~​~ en 2019 a través de leaving records. llegué a este disco porque salió en la lista de lanzamientos de primavera de 2019 de pitchfork. se puede escuchar en bandcamp, youtube y spotify.

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mount eerie - (fireworks & wind)

las grabaciones de campo son un género propio dentro del ambient. como dice lawrence english en su nota para fact, es un género que habla más sobre hábitos de escucha que sobre hábitos de composición, pone el foco en lo que el músico escucha y no lo que el músico hace. todo el día nos rodean una cantidad innumerable de sonidos, y de forma automática filtramos qué escuchar y a qué prestarle atención. una grabación de campo es una forma de escuchar los sonidos en los que una persona se concentró, de enfocar en el ruido de fondo que nos rodea y que nunca escuchamos con atención.

mount eerie subió (fireworks & wind) el 5 de julio a su bandcamp, un día después de los festejos por la independencia de usa. el track de 5 minutos registra los fuegos artificiales explotando a lo lejos de su estudio de grabación. el viento pega contra el micrófono, “the wind gradually increases” dice un texto en el bandcamp. las grabaciones de campo también sirve para construir un lugar a través del sonido, un espacio físico real. phil elverum va a dar un show de the microphones en unas semanas. me lo imagino solo, encerrado en su estudio de noche, repasando las grabaciones de su viejo proyecto, volviéndose a conectar con el material que este septiembre cumple 18 años. y entre todo ese material, esas horas de grabación, aparece una canción vieja que recién ahora cobra un nuevo sentido. i want the wind to blow.

- eric olsen. 5 de julio de 2019. 

(fireworks & wind) de mount eerie salió el 5 de julio de 2019. se puede escuchar en su bandcamp.

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verano 2019

para escuchar en spotify

gas - pop 1 huerco s. - a sea of love dirty beaches - water park theme (take 2) basic channel - radiance iii deepchord presents echospace - ocean of emptiness grouper - i’m clean now software - island sunrise terekke - swim niño de elche - saetas de san juan de la cruz @all - alles fließt nichts bleibt federico durand - la tarde ronda por la casa pariah - here from where we are

playlist : gabriel giménez + eric olsen arte: designer drugs

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yellow swans - going places

La belleza es una noción abstracta. Implica la interpretación de una entidad en equilibrio y armonía con la naturaleza dentro del campo de la experiencia subjetiva. Lo bello es aquello que dentro del ojo del observador, o del oído del oyente, y se destaca por sobre el resto por diferentes cualidades atractivas o emotivas. Pero el debate sobre qué es bello y qué no, puede traer discusión. 

Mireille Suzanne Francette Porte, mejor conocida como Orlan, en su obra rechazaba todo lo que la sociedad intentaba vender y juzgaba los estereotipos de belleza y perfección. De forma similar, Fernando Botero alteraba las proporciones en sus figuras modificando el canon de la belleza desde una perspectiva muy propia. 

En la música, llamar a un género “noise” lo hace parecer antiestético. La palabra “ruido” generalmente se relaciona con algo molesto. Para Luigi Russolo el noise funcionaba como un re-entrenamiento y re-elaboración de nuestros oídos, e imaginaba un futuro en donde el noise sea aceptado como música. 

¿Cuánto hay de ambient en el noise? ¿Y de noise en el ambient? Al igual que el ambient, el noise es liberación, es imagen y sonido, es textura, y también es belleza. La belleza del ruido. 

Desde sus comienzos, Pete Swanson y Gabriel Saloman supieron atribuir un carácter radiante a la música de Yellow Swans. Como grupo, trabajos como “At All Ends” y “Deterioration” dejaron una marca en el vasto expediente de trabajos de la última década, pero “Going Places” es esencial. Es un disco que desborda de esplendor, logrando que uno tenga que replantearse su antigua percepción de la belleza. Desde las campanas de “Limited Space” hasta el crescendo de “Going Places” y pasando por el harsh excitante de “Opt Out”, Yellow Swans encuentra la despedida más encantadora posible, bajo los términos de su propia naturaleza. Cualquiera podría pensar lo contrario, pero “Going Places” es sin dudas el estruendo más hermoso que escuché en toda mi vida.

- Gabriel Giménez. 23 de enero de 2019.

going places de yellow swans salió en 2009 a través de Type. Se puede escuchar en YouTube y Spotify.

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mix 2018

escuchar en soundcloud

grouper - the races graham lambkin - ballon days autechre - mirrage ian william craig - idea for contradiction 1 pendant - OXI-GKK dedekind cut - equity exael - glass in plastic (excerpt) terekke - arrpfaded yves tumor - hope in suffering (escaping oblivion & overcoming powerlessness) evitceles - intuition christoph de babalon - meditate gersemi - gazelle graham lambkin - mask

mix : gabriel giménez arte : designer drugs

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bing & ruth - tomorrow was the golden age

¿Cómo suena el ambient interpretado por una banda? Bing & Ruth es el proyecto del pianista y compositor David Moore, un ensamble compuesto por distintos músicos según el disco. Para Tomorrow Was the Golden Age redujo su formación clásica de 11 músicos a 7: un pianista, dos clarinetistas, dos bajistas, un cellista y un operador de cinta. Por eso el sonido de Bing & Ruth pasó de ser el de una orquesta sinfónica a algo más parecido a una banda, una banda tocando ambient en una sala.

En la reseña de Pitchfork, Larry Fitzmaurice rechaza llamar a este disco como ambient, y argumenta que su sonido no es algo estático ni lento ni para escuchar de fondo, sino que tiene un movimiento constante. Más allá de esta forma reduccionista de entender el ambient, Fitzmaurice tiene un punto: Tomorrow Was the Golden Age tiene la fuerza de una banda en vivo, su sonido entra en primer plano con la escucha. Es también un trabajo muy emocional, sus notas se alargan como autopistas extensas, erguidas sobre los brillantes ríos que crean sus pianos. Hay algo muy norteamericano en su sensibilidad por crear paisajes áridos, pero de pueblos hogareños y hospitalidad cálida, como una película de Kelly Reichardt (Certain Women, Wendy & Lucy).

El ambient no tiene por qué ser un género para escuchar de fondo. El ambient puede ser intenso, aplastante (por no encontrar una mejor traducción de “embracing”). Cuando en el centro del disco aparece “The Town We Love Is Our Own”, la emoción te pega en el pecho, te envuelve la cara y te levanta del suelo. Escuché este disco saliendo de la estación de Retiro con ganas de ser arrollado por la manada de personas que todos los días cruzan la avenida para llegar a su trabajo o su casa. Cientos de caras desconocidas, cada una con su familia, sus amigos, su hogar. Una marea de gente que me desarme en un millón de historias. 

- Eric Olsen. 4 de diciembre de 2018.

tomorrow was the golden age de bing & ruth salió en 2014 a través de RNVG Intl. Llegué a este disco porque la canción TWTGA fue incluida en la playlist para Kajitsu de Ryuichi Sakamoto. Se puede escuchar en YouTube y Spotify.

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autechre - all end

“All End”, el último track de la inmensa NTS Session de Autechre, no solo es un cierre celestial para uno de los materiales más extensos y ambiciosos del último tiempo. Por ejemplo, me gusta pensar que este track es un resumen: llega fin de año e imagino un trayecto en el que el soundtrack es el tema en cuestión. 

También me gusta pensar en “All End” como el fin de un ciclo, que en sí mismo alberga un comienzo y un final. 

Me gusta pensar en “All End” como un mensaje, uno simple y desgarrador. Pero también me gusta pensar en “All End” como un juego de antagonismos. Hay porciones que recuerdan al sonido de GAS, y otros momentos al de William Basinski. El primero es un sonido continuo en el espacio y tiempo, y el segundo es un sonido que tiende a desprenderse y desaparecer. 

“All End” puede ser muchas cosas.

- Gabriel Giménez. 29 de noviembre de 2018.

all end de autechre es una canción que salió en el disco nts sessions 1-4 en 2018 a través de Warp. Se puede escuchar en Spotify.

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raum - event of your leaving

¿Qué tan importante es el volumen a la hora de escuchar música? ¿Un nivel máximo de sonido implica una experiencia superior a la escucha común? ¿O es un simple acto de poderío? 

Cada uno con su equipo de sonido ajusta el volumen a su antojo, pero la escala siempre es ascendente en el momento en que el oyente encuentra el punto culmine de su escucha. Pero lo curioso es preguntarse: ¿cuándo el accionar es al revés? ¿Qué tal si encuentro una mejor experiencia con un volumen más bajo?

Empecé a comprender la importancia del volumen descendente una vez que escuché Raum, el proyecto colaborador entre Jefre Cantu-Ledesma y Grouper. Su único álbum, Event of Your Leaving, no funciona de la misma manera con los estándares normales de volumen sino que encaja mucho mejor a un grado menor. El álbum delicado, tibio y ligero se ensambla con la serenidad, descartando cualquier interacción con lo brusco. Es un material de bajos decibeles.

- Gabriel Giménez. 4 de noviembre de 2018.

event of your leaving de raum salió en 2013 a través de Glass, House. Se puede escuchar en YouTube y Spotify.

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gigi masin - clouds

Descubrí “Clouds” de Gigi Masin porque una vez Diosque compartió un link a una web que permitía hacer loops y remixes online con videos de YouTube. La herramienta era un teclado en el que podías tocar botones que llevaban a momentos aleatorios de la canción del video. Sería difícil que esto quede bien con cualquier tema, pero con “Clouds” quedaba increíble, toques la tecla que toques. Como si la canción fuera un plano de momentos intercambiables que no permitían una mala combinación.

Parte de la calma de “Clouds” está en que se trata de un loop natural, una melodía de piano que se loopea de forma lógica, como “Avril 14th” de Aphex Twin. Pero la experiencia no es estática, y cada vez que se repite la melodía genera un efecto acumulativo de trance y tranquilidad al mismo tiempo.

- Eric Olsen. 12 de octubre de 2018.

clouds de gigi masin es una canción que salió en el disco les nouvelles musiques de chambre vol. 2 junto a charles hayward en 1989 a través de Sub Rosa. Se puede escuchar en Bandcamp, YouTube, Soundcloud y Spotify.

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william basinski - cascade

Me gusta pensar en cómo algunos discos pueden ser manipulables. No desde el lado de la interpretación, sino desde el concepto de finalidad, o sea, el cómo quiero que funcione determinado material. Hay algo que encuentro especial en Cascade de William Basinski porque, en mi experiencia, no actúa como un álbum. A veces es un anti-estrés, un acompañante en la lectura, un estimulante, un cuento antes de dormir. Además de celebrar el estilo piano-tape-loop de Basinski, Cascade cuenta con ls que probablemente sea su melodía más hipnótica, por lo que adherirse al material es tarea sencilla.

Lo increíble de Cascade es que no se siente repetitiva, y su rango de 40 minutos de duración es anecdótica: a veces solo necesitamos 10-20 minutos de loop, o hasta 2 horas. ¿Por qué no? Todo depende de los fines. 

Para el más ortodoxo, también existe una versión de este trabajo en una puesta más estructurada llamada The Deluge, que también recomiendo.

- Gabriel Giménez. 8 de octubre de 2018.

cascade de william basinski salió en 2015 a través de 2062. Se puede escuchar en YouTube y Spotify.

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burial - forgive

Si bien se describe a Burial como un artista que reinventa el dubstep, el future garage y el UK bass, no hay que olvidar que al mismo tiempo es un maestro del ambient. La búsqueda de la atmósfera perfecta lleva consigo una dedicación extrema por el ambiente y, antes de tirar su inconfundibles beats, Burial piensa en el trasfondo. El sonido crujiente del vinilo, el carácter desolado y hasta las field-recordings son pilares en su creación.

“Forgive” tal vez sea el mejor ejemplo de esto, y acá se puede apreciar dos de los mejores recursos de Burial: el sampleo y el entorno. Con fragmentos de An “Ending (Ascent)” de Brian Eno y “Stone in Focus” de Aphex Twin, “Forgive” es un paraíso sonoro, el tipo de canción en la que quisiera meter mi alma y vida para siempre. Se siente como cerrar los ojos e imaginar el elíseo ,o sumergirse en alguna parcela angelical. Burial tal vez haya encontrado la cúpula emotiva.

- Gabriel Giménez. 5 de octubre de 2018.

forgive de burial es una canción del disco burial que salió en 2005 a través de Hyperdub. Se puede escuchar en YouTube y Spotify.

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dedekind cut - ☯Ambient Essentials¬

A finales de año pasado Dedekind Cut empezó a subir novedades y clásicos del ambient en una playlist de Spotify que ya alcanza los 3.000 seguidores. Ded entiende la playlist como una obra viva que se mantiene en constante transformación, y por eso Ambient Essentials se actualiza regularmente. Lo suficiente como para estar al tanto de las últimas novedades o redescubrir clásicos del género. Además de algunos auto-bombos, se puede encontrar una afición por el Brian Eno más clásico, las novedades de Grouper y Visible Cloaks, algunos guiños hacia James Ferraro y Oneohtrix Point Never, y otras joyitas escondidas como Meg Blumberg y Loscil.

- Eric Olsen. 4 de octubre de 2018.

☯Ambient Essentials¬ es una playlist creada por dedekind cut. Se puede escuchar en Spotify.

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tom rogerson con brian eno - idea of order at kyson point

Muchos artistas ambient trabajan con la niñez como una época de inocencia pura e imágenes que quedan eternizadas en la memoria. Pero ese conjunto de recuerdos se puede volver una melaza compleja, una mezcla de imágenes y palabras y sensaciones y lugares que no siguen una narrativa lineal. En esta línea trabajan artistas como el productor GAS, el escritor Hernán Arias, y el dúo de Brian Eno y Tom Rogerson en su disco Finding Shore.

Eno y Rogerson se conocieron hablando sobre los barrios de infancia que tenían en común, aunque habían vivido la infancia en épocas distintas. Siento a Idea of Order at Kyson Point, la apertura del disco, como un esfuerzo por hacer sentido de esos recuerdos encontrados, de una forma ordenada. Su estructura está dividida en dos partes, como una primer presentación de los motivos que la canción pretende ordenar, y la conclusión con la idea ordenada. También se puede entender como una manera de replicar las sensaciones de la infancia pero en la adultez. Como si los timbales del principio se asociaran a la niñez, el grand piano a la adultez que repite pero a la vez expande, con la experiencia de lo vivido y la fuerza de lo recordado.

- Eric Olsen. 4 de octubre de 2018.

idea of order at kyson point de tom rogerson con brian eno es una canción del disco finding shore que salió en 2017 a través de Dead Oceans. Llegué a esta canción porque fue incluida en la playlist ☯Ambient Essentials¬ de Dedekind Cut. Se puede escuchar en YouTube y Spotify.