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Apocalypse Now Kurtz's Death

Video relacionado con: La crueldad hacia los animales en el cine. *IMÁGENES FUERTES*

La crueldad hacia los animales en el cine, por Sofía Gutiérrez

A través de la historia del cine, el uso de animales ha sido presente y de gran utilidad para la industria. Estas creaturas ayudan a llamar la atención del publico y crear un mejor espectáculo, lamentablemente hay cineastas y producciones completas que abusan de estos seres, los maltratan y en ocasiones los asesinan. Algunas películas culpables de esto son: Apocalypse Now, Ben-Hur, Manderlay, Pink Flamingos, entre otras. Esto sucede la mayoría del tiempo por descuidos o falta de conocimientos sobre el cuidado de estos animales. Varias muertes de estos han sucedido porque se abusa de el rendimiento de ellos o por descuidos llenos ignorantes o intencionales. También existen aquellos que quieren apantallar al publico asesinando a un animal frente a la cámara, como en Berlin Alexanderplatz por ejemplo. En ella, hay una secuencia en donde se asesina a un borrego, refiriéndose a un momento “bíblico”. Otra película que causó un gran impacto por asesinar a un animal fue Apocalypse Now, en la cual varios hombres atacaron a un búfalo con muchos machetes de manera cruel y haciendo sufrir al animal terriblemente. La excusa de el director, Francis Coppola, fue decir que de igual manera iba a ser sacrificado por una tribu Filipina. Otro caso que no fue tan serio fue dentro de la producción de Life of Pi, en la cual se estaba grabando una escena de el tigre nadando en un tanque de agua para simular el mar y por poco se ahoga porque no alcanzaba la orilla, por suerte, su entrenador lo pudo rescatar justo a tiempo. Aunque este caso no termino en algo trágico, ese tipo de descuidos pasan todo el tiempo porque a la producción no le interese el bienestar del animal sino conseguir la toma perfecta. En noviembre de 2012, se hizo una investigación por parte de PETA (People for the Etical Treatment of Animals) sobre la película The Hobbit, ya que hubieron reportes de que habían muerto alrededor de 27 animales durante el rodaje. Después de una investigación, se descubrió que esto era cierto y que varios animales más habían sido maltratados, por ejemplo un caballo llamado “Shanghai” al cual le amarraron las patas para que se quedara quieto porque “estaba muy enérgico para ser controlado” lo que causo que la cuerda le quemara la piel de las patas y no pudiera caminar correctamente. La producción ocultó sus heridas con maquillaje y pelaje falso. El director Peter Jackson negó en todo momento las acusaciones y nunca se llevó a la corte. En fin, hay una cantidad impresionante de casos sobre cosas horribles pasándole a estos animales y deberían de ir disminuyendo si se crea una conciencia sobre esto.

Dado a que no existía ningún tipo de protección para estas creaturas, se creó la AHA (American Humane Association) la cual se encarga de regular la manera en la que los animales son tratados en el set. El problema con esta asociación es que solo puede operar dentro de los Estados Unidos y no es obligatoria su participación, aunque solo ellos pueden otorgar el crédito de “Ningún animal fue dañado en esta producción”. En realidad, no existen muchas fundaciones que se encarguen del cuidado de los animales en el set y eso en mi opinión está muy mal. No pienso que esté mal usar animales en películas, pero se tiene que tomar en cuenta que es algo muy complicado y que son creaturas que sienten y necesitan cuidado al igual que los humanos. También, hay que tener muy claro que no se debe maltratar al animal para conseguir lo que se quiere, es decir, pegarle para que obedezca o para lograr que el animal se vea de cierta manera. Hay que tenerles mucho respeto a los animales y pensar en ellos como un actor más, no como creaturas inferiores que tenemos a nuestra disposición para lo que se necesite.

Los 5 actores mejor pagados de Hollywood, por Alejandro Pinedo.

Todos conocemos a diferentes estrellas de cine; pero lo que no sabemos es todo lo que existe detrás de una simple película o una producción. Cuando un como espectador va al cina a ver una película, no piensa todo el proceso por el que la producción tiene que pasar para llegar a ese momento y esto requiere de gastos en pagar alimentos, equipo, gente de Staff, al director y obviamente a los actores. Podemos pensar que ser actor es algo que puede hacer cualquier persona, al final parece ser que solo llegas, dices cosas y te vas, pero no es así. Un actor debe saber como reaccionar a diferentes situaciones dependiendo del clímax en el que se encuentre el personaje que está interpretando y desarrollando; y cada actor tiene diferente rating o reputación dependiendo de que papeles haya interpretado y si supo interpretarlos de la manera adecuada. Hablaremos acerca de esos actores que ganan mas de lo que uno puede imaginar o esperarse a pesar de parecer el trabajo mas sencillo del mundo pero que no lo es. Robert Downey Jr. Es un actor, compositor y cantante estadounidense que ha sido reconocido por los papeles que ha interpretado a través de los años, a pesar de que ha rodado 60 películas no todas han sido de muy buen gusto, y aunque no sabemos la cifra exacta que este gran actor gana anualmente, podemos asegurarte que es uno de los actores mejor pagados de Hollywood. Chaning Tatum. Es un actor y productor estadounidense que ha llegado a la fama recientemente con películas como 21 jump Street, Magic Mike, The Vow, entre otras. Se ha convertido en uno de los actores mas famosos del momento, y a pesar de que las películas en donde el es el interprete son producidas por el, es uno de los actores mejores pagados de Hollywood por el momento y de los mas solicitados para hacer toda clase de películas, desde un superhéroe hasta ser el hombre mas torpe y comediante del mundo. Anne Hathaway. Es una actriz estadounidense que se ha inspirado en diferentes actores como Meryl Streep quien afirma que es su ídolo, Anne Hathaway se ha convertido en una increibe actriz a través de los años y varias criticas afirman que su gran bum fue después de su papel en Los miserables que la llevo a ser como una de las actrices mas reconocidas en Hollywood y mejor pagada. Hugh Jackman. Es un actor de teatro, cine y televisión de nacionalidad australiana. Se le conoce también por su interprete de Wolverine en las películas de x-men y por su gran estelar en Los miserables que llevo a este gran actor, asi como a Anne Hathaway, a ser un actor muy reconocido por su gran talento como actor y cantante, además actúo en la obra The Boy From Oz que también tuvo un gran éxito y quiero suponer que fue gracias a la interpretación de Jackman. Es uno de los actores mejor pagados de Hollywood. Adam Sandler. Es un actor y productor estadounidense que se ha desarrollado a través de los años en el medio cinematográfico con estelares en películas como Un papa genial o Como si fuera la primera vez y al parecer a crecido hasta llegar a fundar su propia productora conocida como “Happy Madison”, pero antes de esto el ya era un actor muy bien pagado y gracias a su productora comenzó a ganar miles de dólares con películas como Son como niños, click, no te metas con zohan, entre otras películas que lo llevaron a ser otro de los actores mejores pagados de Hollywood. Aún hay mas actores que son muy bien pagados dentro del medio cinematográfico y mas si hablamos de Hollywood que es 100% cine comercial y gracias a eso gana miles de dólares con una sola producción. Surgirán muchos actores que harán que las criticas de estos vayan cambiando y tengamos una mentalidad completamente diferente acerca de quien será el mejor actor pagado pero por el momento hasta el día de hoy, estos son los 5 actores mejores pagados de Hollywood.

Historia del cine argentino, por Michelle Arandia.

La historia del cine argentino nace con las proyecciones de los hermanos Lumiere en 1896. A partir de entonces, los franceses comenzaron a destacarse en la realización cinematográfica. Gracias a la importación de cámaras desde Francia a Argentina, Eugene Py, por ejemplo, se convirtió en el primer director y camarógrafo en ese tiempo. Su cortometraje que llevó por título La Bandera Argentina, lo hizo famoso. Posteriormente en 1989, el doctor Alejandro Posadas dio pie al cine quirúrgico, al realizar grabaciones de sus cirugías. En 1900 se empezaron a construir espacios dedicados específicamente para las proyecciones. Y el cine argentino empezó a producir mucho mas rápido, un ejemplo es La Revolución de Mayo, considerada como el primer filme de ficción, y Amalia, el primer largometraje. La nobleza Gaucha fue la que más ganancias logró, se convirtió así en el primer gran éxito. Pronto surgiría el cine sonoro dispuesto a crear una industria mucho más avanzada y con más producción. Un ejemplo de este progreso fue Argentina Sono Film, una empresa que produjo películas de gran difusión como: Tango y Los tres berretines. Con el tiempo fueron surgiendo más empresas que lograron películas de: Sandrini (comedia), Libertad Lamarque (melodrama) y Niní Marshall (comedia). Para 1929 ya existían alrededor de 29 galerías fílmicas. Como principales cineastas: Mario Soficci, Francisco Mujica y Luis Cesar Amadori, entre otros. La formación de los Artistas Argentinos Asociados fue un acontecimiento importante y necesario. Surgió como consecuencia de algunos sucesos como la crisis de películas virgen. Leonardo Favio fue otro personaje muy importante por su trabajo de actor, director y cantante. Su obra más importante es Crónicas de un niño solo. Entre 1973 y 1975 Argentina tuvo una época estable para la producción, pero años después decayó por la crisis económica. Para contrarrestar este fenómeno, en 1995 se decretó una ley que obliga, hasta la actualidad al campo del video y tv, a financiar los gastos de producción.

Charlton Heston, por Ricardo Pereyra.

John Charles Carter, mejor conocido como Charlton Heston, consagrado actor de cine clásico estadounidense, ganador del premio y mundialmente conocido por realizar diversos papeles; como, Moises y Juhah Ben Hur (una de las primeras superproducciones de la época del cine de oro).Nació en Evanston, en el estado de Illinois, hijo de un molinero, con un destino común, su vida cambio al mudarse a Chicago, donde comenzó a estudiar artes dramáticas, especializando en el teatro de Shakespeare. En 1944 se casó con una estudiante de arte dramático de la universidad, y en el mismo año fue llamado a filas; para servir en la fuerza área. Al regresar de la guerra, Heston y su esposa se mudaron a Nueva York para convertirse en modelos y posteriormente recibir una oferta para actuar en una obra de Broadway, comenzó a tener mucho éxito en el teatro, lo que lo hizo tomar la decisión de trasladarse a Hollywood y ser contratado tiempo después por la Paramount Pictures, dos años después de establecerse en Hollywood, Heston obtuvo su primer gran éxito en El mayor espectáculo del mundo. Una gran elección de papeles le permitió prolongar su carrera a edad madura, sin limitarse a ser encasillado solamente en el papel de galán. A finales de los años setenta, el actor realizo principalmente películas de ciencia ficción, como; El último hombre vivo y el planeta de los simios, saga que se ha convertido en un clásico del género, Heston también participo en el cine de catástrofe, protagonizando películas; como, Aeropuerto 75 y terremoto, películas en la que trabajo con Ava Gardner una de las mejores actrices nominada a los premios oscar y más aclamadas por su gran belleza, se dice de ella que fue “el animal más bello del mundo”, pareja de Frank Sinatra (1951-1957). El actor siempre lucho por intervenir en las decisiones respecto a las películas que siempre realizaba, en 1958 presiono a los estudios Universal para que Orson Wells fuera el director de Touch of evil, película que resulto dirigida por Orson Wells, considerada por muchos unos de últimos filmes de cine negro, con una duración de 108 minutos y presupuesto de 829 mil dólares. Heston además de ser un gran actor y estrella de cine participo en otro tipo de actividades; como, en 1963 Heston marcho a lado del Marlon Brando, Paul Newman, James Graner y otros actores, para apoyar e integrar marcha en la cual Martin Luther King tuvo la oportunidad de dar su discurso acerca de los derechos civiles: “I have a dream” (Yo tengo un sueño). El actor se dio a conocer también, por ser presidente de la National Riffle Asociation, con la cual defendió arduamente el derecho a la libre posesión de armas en los Estados Unidos. Fue así, que Charlton hizo historia, trabajando como actor hasta su último halito, en 2002 declaro tener una demencia degenerativa similar al alzhaimer, razón por la cual, no podría continuar maravillando con su gran talento la audiencia, hasta un día, en el año de 2008, un 5 abril, el actor murió a lado de quien fue madre de su hijos y su esposa durante 64 años.

Los miserables y Anne, por Mariana García.

Los miserables es una producción basada en el musical de Alain Boublil y Claude-Michel Schönberg, que a su vez está basado en Los miserables, novela de 1862 escrita por Victor Hugo; ésta trata sobre los deterioros y virtudes de la sociedad francesa de la primera mitad del siglo XIX. [1] Historia llena de gracia y verdad, es interpretada por actores como Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway y Sacha Baron Cohen, entre otros, todos ellos grandes profesionales, si bien en este articulo hablaremos específicamente de Anne Hathaway y su experiencia al ser parte de esta producción. En esta película, Hathaway interpreta a Fantine, quien es una chica huérfana parisina, que al quedar embarazada y abandonada por su pareja debe de cuida de su hija ella sola. El personaje sufre una transformación que va de ser una chica ingenua a convertirse, dadas las circunstancias, en prostituta; termina vendiendo su pelo y pierde su belleza y salud. Anne, actriz estadounidense, pasó de ser “una princesa” a ser “una prostituta”. En su trayectoria ha interpretado papeles que lo mismo incluye una chica que anhela casarse, una villana clásica, hasta una drogadicta rehabilitada que incomoda en la boda de su hermana. Luego de haber perdido peso para su papel como Gatúbela (en Batman), Hathaway ya tenía ventaja en su personificación a Fantine. El papel de Fantine no únicamente exigía de una apariencia física como la que se le demandó, sino que realmente requería de una empatía total con el personaje para lograr transmitir lo “miserable” de éste. Ganó el premio Oscar, el Globo de Oro, el BAFTA y el SAG a la Mejor actriz de reparto por su interpretación en Los miserables. Otro reto para la actriz fue interpretar “I Dreamed a Dream”, ya que esta canción ha sido interpretada un sin fin de veces antes, lo cual aumentaba la presión para la actriz, porque debía cantarla como si nunca antes hubiera sido cantada, como si nunca la hubiésemos escuchado. [2] Además de la presión que podía tener a causa del gran clásico que cantaría, Anne debía, no solo súper a quienes antes habían cantado esta canción sino, superar en ella misma a los recuerdos de su madre cantando " I Dreamed a Dream". Así es, a la edad de 7 años Hathaway presenció la interpretación de Fantine hecha por su madre (como suplente en la primera gira de Los Miserables). La actriz recuerda que, aunque no era consciente, en el momento que vio a su madre interpretar a Fantine: el musical y su alma se fusionaron. [3] El secreto de los buenos actores es vivir al personaje, más allá de una semejanza física, debe existir una unión emocional y mental con el personaje. Hathaway lo entendió al grado de terminar agotada luego de la filmación, ya que dio todo de sí: le dio vida a Fantine. Bibliografía: 1. http://www.elespectador.com/entretenimiento/agenda/cine/los-miserables-pelicula-cambio-anne-hathaway-articulo-388608 2. http://www.elespectador.com/entretenimiento/agenda/cine/los-miserables-pelicula-cambio-anne-hathaway-articulo-388608 3. http://www.cinepremiere.com.mx/27689-anne-hathaway-y-hugh-jackman-hablan-de-los-miserables.html

Stanley Kubrick, por Andrea Gaytán.

Stanley Kubrick (1928-1999) es uno de los directores de cine más valorados de todos los tiempos. Su ambición y deseo por innovar lo llevaron a producir obras cinematográficas que hasta hoy son icónicas e inolvidables para quien las haya visto. Con tan sólo trece años, Stanley Kubrick recibió de su padre un regalo que le cambiaría la vida por completo, una cámara profesional Graflex. A partir de este momento, Stanley comenzó a fotografiar todo lo que estaba a su alrededor. Recorría las calles de su ciudad buscando objetos y personas que tuvieran algo que captara su atención para inmortalizarlos en una de sus fotografías. Stanley pasaba horas en busca de una buena imagen. Le llamaban la atención los rostros de las personas que no conocía, las expresiones de la vida cotidiana de personas con vidas muy distintas a la suya. Stanley no quedaba conforme con únicamente capturar una buena imagen, sino que además le gustaba experimentar con los químicos al momento de revelar la imagen en el cuarto oscuro. Como cualquier amante de la fotografía, Stanley tenía a sus propios héroes: fotógrafos con trabajos que marcaron su vida. Uno de los fotógrafos que más lo influenció fue Arthur Felling, mejor conocido como Weegee: fotógrafo y reportero gráfico caracterizado por captar la vida cotidiana en las calles de Nueva York. Teniendo como influencia a Weegee, Stanley fotografió a un vendedor de periódicos en las calles de su ciudad y ésa imagen fue publicada en la revista “Look” cuando Stanley apenas tenía dieciséis años. Esto fue únicamente el principio. A partir de este momento, comenzó a vender sus fotografías a distintas revistas, quienes, a pesar de su corta edad estaban dispuestos a comprarlas por la calidad de las mismas. Nunca se le veía sin una cámara en las manos, siempre estaba preparado para tomar una buena fotografía. Gracias a su talento fotográfico, Stanley publicó su primer acercamiento al cine, Prizefighter (1949). Un reportaje fotográfico sobre dos boxeadores de la época. Para la realización de este reportaje, utilizó todas las fotografías que él mismo tomó durante los años que trabajó para la revista “Look”. Unos años después, en 1951, Kubrick realizó su opera prima titulada “Day of the Fight” que aborda el mismo tema que el reportaje fotográfico, pero ahora con un enfoque más cinematográfico que fotográfico. En 1960, Stanley tiene su primer éxito al dirigir la película “Espartaco” con un presupuesto de doce millones de dólares y una enorme producción. La película ganó cuatro premios Óscar y un Globo de Oro, entre otros premios. Con el éxito de la película, los proyectos cinematográficos comenzaron a lloverle. Entre ellos, Lolita en 1962. Un largometraje basado en la novela de Vladimir Nabokov. De hecho, fue Nabokov quien escribió el guión de la película y se lo entregó personalmente a Kubrick. El guión equivalía a nueve horas de película, pero Stanley logró transformarlo creando una película con actores de renombre que a pesar de causar polémica en el público, fue bien recibida ante las críticas. A partir de éste momento, Kubrick convertía cada guión que recibía en un éxito cinematográfico. Muchas de sus películas causaron polémica a lo largo de los años. Algunos de los títulos más importantes son 2001: A Space Odyssey, Dr. Strangelove, The Shining (basada en un libro de Stephen King) y A Clockwork Orange, además de las que mencioné anteriormente. Kubrick tiene un total de trece películas de las cuales más de la mitad se consideran hoy en día clásicos del cine. Fue nominado infinitas veces en los premios Óscar, BAFTA y Venecia. Ganó un total de 21 premios a lo largo de su carrera. En fin, la influencia de Kubrick en el cine contemporáneo es inmensa y la temática de sus películas ha marcado a muchas generaciones a lo largo de la historia. Sus obras siguen y seguirán siendo admiradas hasta por los más grandes. Estas son sólo algunas de las razones que convierten a Stanley Kubrick en uno de los directores de cine más influyentes en la historia del cine.

La crisis existencial en El Septimo Sello, por Javier Carrillo.

Hay preguntas sobre su existencia que cualquier ser humano llega a hacerse en un punto de su vida. Surgen dudas sobre el significado de la vida y qué hay, si es que hay algo, después de la muerte. El Séptimo Sello (Suecia, 1957) alza estas preguntas en el espectador al terminar de verla. El filme se sitúa en la Edad Media durante los tiempos de la peste. Pero fue producido en 1957, a 12 años del bombardeo de Hiroshima y en plena Guerra Fría. También cabe destacar que en 1946 Jean-Paul Sartre publica El existencialismo es un humanismo, libro en el que presenta sus teorías sobre la existencia humana y la falta de significado inherente en la vida. Lo que ambos momentos históricos comparten es el miedo de la humanidad por la posibilidad de dejar de existir en cualquier momento. Podría decirse que en ambas épocas parecía abierto el séptimo sello y se estaba dando paso al Juicio Final. ¿Y a qué se aferra el ser humano en estos tiempos de crisis? La película nos presenta tres posturas. Tenemos la postura espiritual que consiste en tener una fe ciega y asumir que habrá algo mejor después de la muerte. Esta es la postura de la familia de juglares. Aunque en un principio podría considerarse que el personaje de Raval, al ser teólogo, sería el espiritual, esto se desacredita después de verlo a punto de violar una mujer. Es válido asumir que representa otro concepto. Probablemente funciona como una crítica a la corrupción y podredumbre (si pensamos en su muerte) que ocurre dentro de la iglesia. La segunda postura es la del cínico pragmático, la de Jöns. El escudero no encuentra el sentido de hacerse preguntas sobre su existencia. Si no hay nada o hay algo después de la muerte, eso no es importante. Para él, en lo que debemos enfocarnos es en sacarle provecho al día a día. La tercera manera de pensar es la del hombre que se encuentra entre las dos líneas de pensamiento previas sin lograr conciliarse con ninguna. En mi opinión, aquí se encuentra el personaje más interesante de la película, Antonius Block. No importa cuanto lo intente, para él no es posible tener una fe ciega. Es como Tomás el Apóstol, quien solo después de tocar las heridas de Cristo creyó en su resurrección (Juan 20:28). Block no tiene la dicha de creer sin haber visto. La crisis de Antonius Block surge después de su encuentro con la muerte. Es en ese punto cuando se da cuenta que su vida carece de buenas acciones. Es probable que los diez años de cruzadas estuviesen llenos de todo lo contrario. Ahora, el caballero tiene muchas preguntas sobre su circunstancia mortal. Le intriga saber si les espera “algo” o “nada”. En uno de los mejores diálogos de la película, La Muerte le reclama “¿Qué nunca dejas de preguntar?” a lo que Antonius le responde que nunca lo hace. Solo para que la contestación de su interlocutor sea: “Pero nunca obtienes respuesta.” Es cierto, son preguntas de las que no se puede obtener respuestas sencillas y generalizadas. Cada quien tiene una respuesta propia. Para el caballero, el significado de su existencia yacía dentro de él y en su capacidad para realizar una buena acción. Decide perder la partido cuando tira las piezas de ajedrez para así ayudar a la familia de juglares a escapar de su mortal destino y él así poder conciliarse con el final de su existencia. Cuando Ingmar Bergman filmó esta película, venía de hacer una serie de comedias que le habían traído éxito comercial pero ya no lo satisfacían como artista. El director inclusive confiesa: “Ya he hecho muchas comedias. Es momento de otra cosa. Ya no debo dejarme descorazonar por el miedo. Es mejor hacer esto que una mala comedia. No importa el dinero.” ("The Seventh Seal." The Seventh Seal. N.p., n.d. Web. 09 Feb. 2015.). Por ello, el símil de Bergman en la película es el pintor en la escena de la iglesia. Ambos buscan sacudir a su audiencia, no hacerla feliz. Para el director sueco, es preferible presentarle al espectador películas que hablan sobre su muerte y la falta de certezas existenciales. Por lo menos la angustia ocasionada puede provocar una reflexión que llega para quedarse.

Slapstick, por Sofía Téllez.

Persecuciones alocadas, golpes y algunas tartas que se estrellan en la cara son los elementos que son asociados a la comedia llamada slapstick, aunque el término suele referirse también a un sentido más amplio y abarca a todas las comedias del cine mudo, donde son ejemplares los actores Charlie Chaplin, Buster Keatin, Harold Lloyd y Harry Langdon. Pero de donde viene el término, Slapstick toma su nombre de los postes de madera que los payasos en el circo usaban para indicar al espectador que tenía que aplaudir. Ahora este término es usado para referirse a la comedia visual que no requiere de sonido para hacer reír. Podemos decir que la primera comedia que sucedió en la historia del cine fue El regador regado, filmada por los hermanos Lumiere, donde se ve que un jardinero al estar regando el jardín recibe un chorro de agua en su cara cuando un niño travieso entra a su jardín, cierra la manguera y el jardinero al checar la manguera, el niño vuelve abrir la llave de la manguera y sale el chorro de agua. Al principio todas las comedias eran francesas, hasta que en 1907 una compañía de cine llamada Pathé realizo una serie de cortometrajes, los cuáles eran protagonizados por André Deed, supuestamente la primera estrella cómica del cine mudo. Un comediante francés de los mas exitosos por su talento y la influencia que tenía era Max Linder, a quien Chaplin reconocía como “el maestro a quien debo todo”. Otros artistas de la comedia optaban por lo grotesco, Linder hacia otro tipo de papel, interpretaba a un dandi con aspecto perplejo y una cabellera bien peinada, un bigote pulcro y usaba un sombrero de seda, el cuál sobrevivía todas las catástrofes que le sucedía. Luego hasta en 1912 surgió la comedia estadounidense, con Mack Sennett, en los estudios Keystone, donde había un grupo de agentes policiacos alocados llamados Keystone Kops, ellos actuaban en numerosas comedias mudas. Los recursos que utilizaban cinematográficamente era el uso de cámaras rápidas, la marcha atrás y otros mas. Sennett marcó las bases para lograr una comedia ágil e irreverente donde será asociada con su nombre. Las películas terminan por lo general con una carrera desafiando la muerte y proezas gimnásticas. A Sennett se le atribuye el primero en rodar una tarta de crema estrellándose contra un rostro, el actor Mabel Normand se la lanzó a Roscoe Arbuckle Fatty, en la película A Noise from the Deep (1913). También dirigió el primer largometraje estadounidense de comedia Las aventuras de Tillie (1914), con los actores Marie Dreisler y Chaplin. Otro director que era la competencia de Sennett fue Hal Roach, el cual su estudio tenia a los actores Harold Lloyd, los chicos de Our Gang, Stan Laurel y Olive Hardy. Habia cuatro actores que eran los mas importantes para la comedia muda y eran Chaplin, Keaton, Lloyd y Langdon, empezaron haciendo cortometrajes pero en 1920 pasaron a la industria de largometrajes. Chaplin cambio lo que se iba haciendo en las películas, pasó de las técnicas algp groseras de la comedias de Sennett por el patetismo y un detallado trasfondo social a farsas de carácter mas ambicioso. Una de las películas mas reconocidas de Chaplin fue Luces de la ciudad (1931). Los numerosos gags funcionan a base de distintos ángulos de enfoque y tensiones espaciotemporales, su máximo exponente es El maquinista del general (1926). Langdon era nombrado “el hombre niño” término que se lo puse el escritor y crítico James Agee, el era reconocido por la comedia de acción, donde sus acrobacias lo llevaban a aparecer colgado de lo alto de un rascacielos. Aunque la llegada del sonido logró disminuir la producción del slapstick, continuó la tradición de los gags visuales con Laurel y Hardy, después con algunas parejas populares como lo fueron Budd Abott y Lou Costello, Dean Martin y Jerry Lewis. Peter Sellers encarnó al inspector Clousseau en La Pantera Rosa, y Jacques Tati y Pierre Étaix, en Francia y Toto en Italia mantuvieron vivo el género. En 1963 Stanley Kramer rindió un homenaje de tres horas de dureción al slapstick en su película El mundo esta loco, loco, loco.

Spider-man y sus reboots, por Alejandro Pinedo.

Todos conocemos al gran trepador de muros y gran vecino de Nueva York, Spider-man. Quizás todos recuerden al Spider-man de Tobey Mcguire, de quien todos piensan fue el primer trepa muros de la franquicia de Marvel pero en realidad fue así. El 19 de abril de 1977 se emitió el primer capítulo llamado “piloto” de la primera serie de Spider-man, y la serie apareció más continuamente el 5 de abril de 1978, con el segundo capítulo, llamado “The deadly dust”. La serie tuvo mucho éxito durante la primera y la segunda temporadas, hasta que se decidió cancelarla por dos motivos: El primer motivo se debe a que su costo de producción, que era muy elevado, alcanzó hasta la segunda temporada, hasta que dejaron de tener ganancias y se decidió cancelar la serie. El segundo motivo se debe a que la CBS quería desprenderse de la etiqueta de “Canal de serie de superhéroes”, pues ya emitían también “El increíble Hulk” y “Wonder Woman”. Muchos años después se decidió retomar la franquicia del trepa muros, pero esta vez se le llevaría a la pantalla grande. En el año 2002 se estrenó “El hombre araña”, una película dirigida por Sam Reimi y protagonizada por Tobey Mcguire. Esta película era muy apegada al comic creado por Stan Lee y Steve Ditko. La película tuvo mucho éxito y esto permitió hacer otras dos películas que no tuvieron tanto éxito; debido a esto, Sony decidió cancelar las películas y despedir al director porque no tenía la disposición de tiempo para hacer otra película. Poco tiempo después, Sony decidió retomar la franquicia del trepa muros otra vez, pero con un reparto completamente diferente al anterior. En el 2012 salió la película de “El sorprendente hombre araña”, protagonizada por Andrew Garfield y dirigida por Marc Webb. La película tuvo un presupuesto de 230 millones de dólares y recaudó más de 757 millones de dólares, una gran suma de dinero para poder llevar a cabo otra película. En el año 2014 surgió la película “El sorprendente hombre araña 2”, protagonizada por Andrew Garfield y dirigida también por Marc Webb. Desgraciadamente, la película no tuvo muy buena crítica, así que Sony decidió ceder parte de los derechos a Disney y compartir las ganancias de algunas otras películas en mente; esto fue malo para el actor debido a que Disney no lo quería como el hombre araña en las próximas películas, así que se decidió despedir a este actor. Sabemos que el cine, al final es un mundo de negocios y lo que se busca es ganar mucho dinero produciendo este tipo de películas, asi que Disney y Sony decidieron sacar otras películas del trepa muros que darán fecha de estreno al 2018, estas películas serán protagonizadas por Tom Holland y aun no se sabe quien dirigirá las nuevas películas. En mi opinión, las películas del hombre araña han sido muy buenas, desgraciadamente las personas que mueren por estos personajes están enojadas debido a que las productoras no concluyen las historias que llevan las series o las películas del trepa muros, espero que las nuevas películas si concluyan con una buena historia.

Say What Again al estilo de Tarantino, por Daniel Ramírez.

Pulp Fiction, Jackie Brown, Perros de Reserva, Bastardos sin Gloria, entre otras, la colección maestra de Quentin Tarantino, un director poco convencional que nos trae una serie de narraciones entrelazadas, violencia, drogas, y gangsters. Ya sea en distintas épocas, la técnica y el estilo de este prestigioso director siguen siendo las mismas y aquí analizaremos cuales son sus técnicas más usadas. Una buena película de Tarantino no puede tener su sello sin una selección de actores y un cast adecuado a la película, lo más importante es asignarle a cada actor un dialogo adecuado para su personaje, y sin duda darle cierta libertad para dejarlo ser. Lo más destacado de una película de este director son sus diálogos tan destacados y con un tema siempre en particular. En Pulp Fiction recordaremos el diálogo de Samuel L Jackson y John Travolta sobre los masajes de pies, otro diálogo peculiar es el de Hugo Stiglitz en la caverna con los naziz, mientras juegan un partido de adivinanzas. No cabe duda de que los diálogos a pesar de no estar relacionados directamente con la película le dan un humor y un ambiente de ironía a la escena. ¿Quieres hacer una película como Tarantino? bien, hay ciertas tomas que nunca puedes dejar pasar, los puntos de vista son unas de ellas, pero no cualquier punto de vista, siempre debe haber un encuadre en two shot, viendo hacia arriba enfocando a los personajes. Las escenas mas clásicas son de alguien abriendo una cajuela, alguien tirado en el suelo viendo hacia arriba, alguien abriendo algo y el punto de vista desde ese algo, la escena más icónica es en Bastardos Sin Gloria, donde Brad Pitt le coloca una esvástica nazi en la frente al coronel Hanz Landa. Bien, estamos a la mitad del camino para ser un gran director de películas de Tarantino, pero ¿qué nos falta? Hay algo que desde luego aparece sutilmente en todas sus películas, pero tal vez no nos demos cuenta, una toma en la que no importa el ángulo en el que aparezca, lo importante es que aparezcan pies. Tal vez sea un fetichismo del director o simplemente su sello personal pero siempre debe haber pies. Recordaremos en Kill Bill cuando Uma Thurman se encuentra en la camioneta y tiene una charla con sus pies, o en Death Proof la escena inicial de créditos donde sólo vemos unos pies en un carro. Ahora vamos a aspectos mas técnicos: en cada película hay ciertos encuadres o tiros de cámara que no nos podemos saltar, como un diálogo alrededor de una mesa, en two shot, un following de espaldas mientras alguien camina y travelings hacia cierto spot. Pero lo más importante es que antes de hacer una película con el estilo de Tarantino debes ver muchas películas, el secreto más grande y tal vez el más importante no es la violencia o el humor salvaje que utiliza, sino que en cada película utiliza algo que podríamos decir son guiños de otras películas, películas que son mas viejas y que tal vez nadie haya visto, pero siempre recrear escenas de otras películas como tributo ha sido uno de los mayores éxitos de este director. Y como cereza del pastel y para terminar de desglosar el estilo de este director, sólo necesitamos, armas, disparos, trajes, y drogas en algún punto. En estas películas siempre habrá alguna escena que culmine en una balacera, un Mexican stand up, o simplemente una secuencia donde alguien muere de forma violenta. Y listo, ya tienes tu guía personal para hacer una película al estilo de Quentin Tarantino.

Cómo escribir un guión para un cortometraje, por Sofía Gutiérrez.

Normalmente, si hay un buen corto existe un buen guión detrás de él. Uno de los componentes principales de cualquier trabajo cinematográfico es el guión, ya que es la estructura narrativa de donde se deriva este proyecto. Escribir para un cortometraje es muy diferente a un mediometraje o largometraje, puesto que se requiere una historia más corta y sintetizada. En mi opinión es más complicado porque no es posible extenderse aunque vengan muchas ideas. Normalmente, la duración máxima de un cortometraje es de 10 minutos, lo que equivale aproximadamente a siete hojas de guión. Hay que tener eso en mente al escribir para no sobrepasar el limite de tiempo que nos requiere el cine. Después, hay que pensar al escribir en cómo se va a grabar y los movimientos de cámara que se van a efectuar. Es importante visualizar la escena en sí para poder transmitir de manera más clara la narrativa que se intenta exponer. Un elemento clave para el guión son los personajes, hay que tener muy claras las personalidades y maneras de comportarse de cada uno para así definir en el poco tiempo a estos individuos. Un ejercicio que podría funcionar para conocer mejor a los personajes que se intentan describir es ponernos en los zapatos de ellos y suponer que es lo que harían ellos en una situación especifica. Por ejemplo, si yo tengo a un personaje que es una niña de 8 años que está haciendo un berrinche porque no le compraron lo que ella quería, entonces me intento imaginar cómo hubiera reaccionado yo cuando tenía esa edad y cómo hubiera reaccionado ante mis papás. En mi opinión esto funciona para tener situaciones más reales y creíbles dentro de la narrativa. Después, hay que pensar en atrapar al público, es decir, ¿cómo voy a captar la atención de mi audiencia por 10 o menos minutos? Para esto es importante crear una estructura de planteamiento, conflicto, desarrollo y conclusión. También, es esencial pensar en una historia que no sea tan común para llamar más la atención, por ejemplo, un padre amoroso que decide asesinar a su familia. Aquí cabe mencionar que generalmente se deben de evitar clichés, ya que aburren y no aportan mucho a nuestra historia. Otro elemento para considerar es el tono de el cortometraje, es decir, si tiene una sensación feliz, triste, bizarra, o monótona. Esto es importante, ya que con esto se pueden tomar muchas decisiones técnicas para la grabación, por ejemplo el balance de blancos y los movimientos de cámara. Finalmente, hay que escoger un titulo para el cortometraje. Yo decidí poner esto hasta al final porque en mi opinión es mucho más fácil decidir esto después de haberlo concluido. Se tiene una idea más clara de lo que trata y de la esencia de la narrativa y así se puede decidir mejor que nombre debería llevar. Normalmente, se debe de escoger un nombre corto y directo que diga sobre que trata el cortometraje pero que no diga demasiado sobre él, es decir, que revele un poco pero se mantenga misterioso. Hay que tomar en cuenta que usualmente el guión se va alterando mientras se graba o se discute el guión técnico, ya sea porque se van generando nuevas ideas o porque hay que cambiar cosas para adaptarlas a las necesidades y posibilidades. Otro ejercicio que funciona para saber si va a funcionar o no el guión, es enseñárselo a desconocidos, ya que pueden dar una opinión más honesta y pueden aportar correcciones.

Imágenes relacionadas con: Ingmar Bergman.

Ingmar Bergman, por Mariana García.

Ingmar Bergman, director sueco, no fue únicamente director de cine, sino también fue director y guionista de teatro. Comenzó como ayudante de dirección en el Teatro de la Ópera Real de Estocolmo, poco después de haber terminado su licenciatura en Letras e Historia del Arte. Trabajó como guionista un par de años y, en 1943, la productora Svensk Filmindustri (SF) lo contrató para el departamento de guiones; fue así que en 1944, el guión que hizo basado en su cuento Tortura (Hets) fue concebido en un filme producido por Alf Sjöberg; con este filme Bergman tuvo un gran inicio. Estuvo como responsable artístico del teatro municipal de Helsingborg, al mismo tiempo que dirigía su primera película Crisis. Durante este periodo, Bergman trabajaba para Lorens Malmstedt, productor independiente, y fue aquí donde las preocupaciones del director se hacían notar. Algunas de las películas que dirigió en los años siguientes fueron Llueve sobre nuestro amor (Det regnar på vår kärlek), Prisión (Fängelse), Noche de circo (Gycklarnas afton) y Un verano con Mónica (Sommaren med Monika). Pero no fue hasta 1955, con la creación de la comedia Sonrisas de una noche de verano (Sommarnattens leende), que el nombre de Bergman empezó a ser internacionalmente reconocido. Esta película tuvo éxito en el Festival de Cannes de 1956, lo que ayudó a que los filmes hechos anteriormente por este director tomaran importancia. A lo largo de su carrera, las ideologías aprendidas de su padre (pastor luterano) se vieron reflejadas en sus obras, y es que Ingmar hizo del teatro y del cine su manera de expresarse. A pesar de ser ya un adulto con sus propias ideologías, Bergman aún conservaba conceptos aprendidos en su niñez; algunos de éstos, como son la muerte, la autonomía, el dolor y el amor se ven reflejados en su película El séptimo sello (Det sjunde inseglet), cuyo título incluso data de un capítulo del libro de Apocalipsis (en la Biblia), y el filme comienza y termina citando fragmentos de este libro. En la década de 1960, Bergman logró una plena estabilidad como director. A través de su trabajo seguía explorando el alma humana, y su incapacidad para comunicarse, para amar y recibir amor. [1] En los setenta logró éxito internacional, recibiendo premios en Cannes, Hollywood, Venecia y Berlín. Además de esto siguió trabajando para el teatro y la televisión. Por asuntos fiscales, Bergman dejó su país y se mudó a Munich, Alemania, en donde fundó su propia productora. En 1982 estrenó su última película Fanny y Alexander (Fanny och Alexander) de la cuál comentó: “Por fin quiero dar forma a la alegría que, a pesar de todo, llevo dentro de mí y a la que tan rara vez y tan vagamente doy vida en mi trabajo.” Con esta obra ganó el Oscar, el Globo de Oro y el César a la mejor película extranjera, además de otras nominaciones. Y fue así como cerró con broche de oro su exitosa y productiva carrera y vida. Bibliografía: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/bergman.htm https://es.wikipedia.org/wiki/Ingmar_Bergman

La pintura en el cine, por Michelle Arandia.

Las ramas que constituyen el arte están relacionadas entre sí y sirven como base para la producción de cada una. Por ejemplo la pintura, fotografía y cine son tres de éstas que al mezclarse pueden llevar a crear muchos resultados creativos y experimentales. Desde finales del siglo XIX la pintura, el cine y el teatro estuvieron estrechamente relacionados. En el teatro muchas veces se hacía presente en la escenografía el estilo de los cuadros clásicos. Siguiendo esto el cine también empezó a inspirarse en la composición de pinturas que le servían de base para crear una atmósfera más estética y llamativa. Poco a poco lo anteriormente mencionado fue cobrando más importancia y profundidad a tal punto que las técnicas pictóricas ya no solo se utilizaban como medio estético sino que servían como apoyo a la narración en cuanto a colores, iluminación y encuadres. La influencia de la pintura en el cine tiene mucho peso y por más de que cada director le de un enfoque diferente, es fundamental reconocer su importancia, ya que hace posible una mejor elaboración del proyecto. Para poder apreciar más a detalle lo antes mencionado, utilizaremos algunas películas en las que se hace presente la estética de la pintura o que muchas veces hacen honor a cierta obra o artista en específico. Moulin Rouge es una película en la que se narra la vida, de Tolousse Lautrec, lo apreciado y apoyado que era por la gente que lo rodeaba pero también se presentan sus problemas personales. La fotografía e iluminación se basa en las obras impresionistas francesas. El loco del pelo rojo es otra de las películas que expresa claramente un estilo pictórico. Dirigida por Vincent Minnelli, se caracteriza por estar llena de colores que Van Gogh usaba al igual que la presencia del cielo y la utilización de cuadros del artista. En Andrei Rubliev, de Tartosvky hace referencia a la vida del artista y su labor social relacionándolo con el poder. La jóven de la Perla, de Peter Webber es una película que se basa en una obra de Vermeer. En este proyecto se procura recrear la escena lo más fielmente posible de como está proyectado en el lienzo, lo más parecido posible y con el mismo estilo. En cada uno de estos análisis podemos observar, la influencia de ambas ramas artísticas. La pintura sirve de base para el cine y tienen semejanza en muchos aspectos a la hora de plasmar. Ambas requieren de iluminación, tonalidades, cuadros y composición para transmitir algo. El cine por otra parte puede llegar a ser de gran apoyo para la preservación de artistas y pinturas, no sólo en la utilización de ese estilo sino también por medio de películas, en las cuales se cuente la vida y obra de éstos como se mencionan en algunos ejemplos anteriores.

Cómo fue el rodaje del mundo pos apocalíptico de Mad Max, por Alejandro Pinedo.

Mad Max es una película dirigida por George Miller que fue estrenada en 1979 en Australia y un año después se estrenó en el resto del mundo, fue protagonizada por Mel Gibson. George Miller quiso retomar la franquicia y llevarla a la pantalla grande de nuevo con las nuevas tecnologías y trata sobre un mundo post-apocalíptico en donde vive Max, interpretado por Tom Hardy, que quiere escapar de esas tierras donde la democracia nunca existió, así que decide unirse a los rebeldes que son liderados por Imperator Furiosa, interpretada por Charlize Theron, y se lleva a cabo una guerra en automóviles para salir de ese territorio. A continuación hablaremos de cómo se llevo acabo de grabación de esta película y los métodos utilizados por George Miller para darle mas realismo a su película. Para crear esta película utilizaron un presupuesto de 100 millones de dólares y fue grabada en Namibia que se encuentra ubicada en África y al parecer todos los momentos de acción que vemos en la película son 100% reales, no se utilizó CGI para estas secuencias de acción. Para poder llevar acabo esta producción, se necesitaron 1700 personas contando actores principales, extras y personal técnico. Para que se pudiera ver mas real el mundo post-apocalíptico, un grupo de diseñadores decidieron hacer nuevos diseños para los automóviles, vestuarios, mascaras y también 60 pinturas corporales diferentes para los actores. Todos los artículos utilizados eran reciclados. Lo mas sobresaliente de esta película son sus complicadas escenas de acción que se llevaron acabo con mucho cuidado y planeación, se utilizaron muchos dobles, diferentes sistemas de cuerdas y contrapesos para los actores que se hallaban en la cima de unos tubos, que tienen la finalidad de agarrar a las personas que se encuentran en el automóvil de alado; las personas que yacían en estos tubos eran acróbatas profesionales para que les fuera mas sencillo maniobrar con este tipo de secuencias. George Miller no quería llenar la película de efectos especiales así que decidió voltear los carros con una técnica que consiste en romper una de las mangueras de presión de los automóviles y esto hace que el automóvil se voltee y en algunos casos hicieron explotar los autos para poder tener mas realismo en lugar de dejarlo todo al editor de efectos especiales o CGI y todas las escenas de persecución, que son casi el 100% de la película, fueron grabadas a no mas de 60 kilómetros por hora para prevenir algún tipo de accidente. George Miller quedo muy satisfecho con su trabajo y el de todo el personal de producción ya que pudieron darle realismo a las escenas tomando en cuenta que todas las secuencias de acción son reales y no son CGI. Creo que este director es bastante bueno haciendo secuencias de acción porque le da mucho realismo y hace que el espectador no se de cuenta de las cuerdas y todo el desarrollo que se llevó acabo en esta película.

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