Mi viaje a través de la historia del cine

Mijal Medresh

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An Angel at My Table, 1990

Jane Campion

Hay algo en esta película que me dice que solo una mujer la pudo haber hecho de esa manera, creo que un hombre si pudo haber tomado esta historia, pero hay algo en ella, la forma de retratar a la mujer, un tipo de intimidad que solo pudo haber venido de una sensibilidad femenina.

Aunque la película está basada en una historia real, creo que es muy ambicioso querer retratar tantas épocas de la historia de una persona en un solo largometraje de 2 horas y media, creo que el progreso del desarrollo del personaje a veces por la velocidad o la intensidad puede llegar a ser inverosímil, se siente extraño que la protagonista este en un hospital psiquiátrico, y que poco tiempo después se encuentre sana.

An Angel at My Table es una producción ambiciosa, filmada en varios países, con muchos actores, muchos extras, y aún así encuentro en ella un formato artesanal.

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Hambre, 1966

Henning Carlsen

El hecho de haber leído la novela es un privilegio, ya que me puede permitir hablar de la adaptación de la película, a la narrativa original. Creo que el personaje principal del hambriento está muy bien manejado, hay una comprensión del personaje por parte del director, y hay una buena dirección de actor. El libro es denso, y describe mucho el interior del personaje, y veo como un gran acierto que la película se ocupe de él todo el tiempo, temáticamente, atmosféricamente y fotográficamente, utilizando telefotos.

Considero difícil la labor de llevar este libro a la pantalla, ya que aunque está lleno de imágenes, su belleza más grande son las palabras, sin embargo, me parece que Carlsen hace una adaptación fiel al significado de Hamsun, y seleccionó los fragmentos del libro más ricos visualmente.

Me parece inteligente que el director haya tomado las decisiones fromales que tomó para hacer que la película sea verosímil en el sentido temporal, los escenarios si parecen de Cristanía a finales de Siglo XIX, principios del XX. y creo que es una gran lección poder lograr esto, sin tener una producción carísima,simplemente siendo creativos con lo que el cine tiene, usando telefotos, filmando en el lugar orgiinal, aprovechando lo que ya hay.

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Sedmikrásky, 1966 Věra Chytilová Margaritas logra ser una película de contrastes, por un lado es abstracta, y por el otro es meticulosamente concreta, por un lado es extremadamente intelectual, y a la vez es infantil, juguetona, y “simple”. Y creo que detrás de esta gran obra está la mente de una persona que tenía muy claro lo que quería hacer y expresar. Muchas veces las películas experimentales fallan en el sentido que están tan abiertas a cualquier posibilidad, que elementos que quizás no van con el discurso que se desea generar, se cuelan, y la película se vuelve confusa, sin embargo, mi impresión al ver Margaritas, es que la directora, tuvo mucha claridad de lo que quería hacer, y de la manera en la que lo quizo transmitir, aunque su modo fuera extraño y diferente. La fotografía, el diseño de producción, el sonido, y el maravilloso montaje, tienen una dirección.

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Oh Lucky Man!, 1973 Lindsay Anderson Lindsay Anderson desde una perspectiva inglesa y de su tiempo, con humor y a la vez crueldad hace Oh Lucky Man!, una crítica social muy fuerte, y nada sutil. De manera muy completa, Anderson, reflexiona sobre ciertos vicios sociales a través del personaje principal, Malcolm McDowell, que toma distintos papeles durante la película. La película lleva a la reflexión, nos hace cuestionar la sociedad en la que vivimos, y su estructura, así como confronta nuestra propia participación en ella. Me parece una buena aproximación a el mensaje que el director desea dejar, ya que por un lado tiene un formato muy clásico, es bastante entretenida y lúdica, utiliza mucho humor, y a la vez es una demoledora social, no es fácil hacer que una crítica social sea digerible.

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Au Hasard Balthazar, 1966

Robert Bresson

Bresson logra crear una obra de arte muy intensa y profunda, con una historia muy sencilla, la historia de un burrito y una niña. Nada sobra y nada falta en esta película, en el sentido que  no es una película barroca, ni ornamental, y sin embargo esa sencillez la convierte en mágica. La película no tiene una línea narrativa, simplemente son fragmentos de la vida del burro y de Marie, y sin embargo la elipsis está manejada con maestría.

La película es muy simbólica, por un lado la figura del burro representa la pureza, inocencia, y por otro lado la humanidad representa la crueldad, el vicio, y estos aspectos le da a la película una dimensión trascendental y religiosa.

Las actuaciones son distintas a lo que he visto en cualquier otra película, parece que los personajes no tienen ninguna emoción, al principio me pareció complicado y extraño, sin embargo creo que lo que propone Bresson una actuación realista, sin exageraciones, y sin sobre interpretaciones, simplemente honestas y humanas.

La fotografía es bellísima, con una textura y una gama de tonos preciosa. Y por otro lado la música está elegida con mucha precisión, con una pieza de Schubert que la acompaña. El sonido me pareció extraordinario, me hace falta prestarle más atención para poder decir qué fue aquello que me maravilló del sonido.

“No filmar para ilustrar una tesis o para mostrar a hombres o mujeres limitados a su aspecto externo, sino para descubrir la materia de la que están hechos. Alcanzar ese ‘corazón’ que no se deja atrapar ni por la poesía, ni por la filosofía, ni por la dramaturgia” decía Bresson

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Zazie dans le Métro, 1960

Louis Malle

Considero que este largometraje está adelantado para la época en la que se realizó, creo que el humor, la comedia, es uno de los artes más subversivos que pueden haber, ya que permite burlarse de la sociedad y de los valores de la misma, de una manera digerible y lúdica, que es inocente superficialmente, pero realmente ataca y desafía. La película parece ser muy simple, tiene muchos gags, trucos de cámara, viejos recursos de efectos especiales del cine, sin embargo detrás de estos inocentes trucos hay una crítica social bastante fuerte, t aunque parece que la película no tiene nada de sutilidad, en realidad hay mucha maestría e inteligencia en su realización. Llegó un momento en la película que sentí que el humor se había sobrepasado, y los chistes dejaron de surtir efecto en mi, sin embargo la escena final recupera la fuerza de la película, y de nuevo se vuelve grandiosa.

Me parece admirable la versatilidad del autor, que es tan diverso en sus contenidos, No he visto su filmografía completa, pero las tres o cuatro documentales largometraje que he visto de él, son completamente distintos entre sí, sin embargo siempre encuentro en el fondo de sus películas, una persona con una buena energía, que hace cosas bellas.

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Ordet, 1955

Carl Theodor Dreyer

Ordet es un largometraje con distintas capas, por un lado es una historia de amor tipo Romeo y Julieta, un amor casi imposible por las ideologías religiosas de cada familia, por lo tanto también es una historia de religión, por otro lado es el retrato de una familia granjera de Dinamarca, Por otro lado es la historia de un miembro de esta familia que está medio loco y cree que es Jesús, por otro lado la fé de otro hijo que no cree en Dios, por lo tanto puedo decir que Ordet más allá de tener una trama, es más bien un poema con muchos motivos, temas, dramas, que finalmente concluyen y se armonizan con la resurrección de Inger.

La religión es el tema que permea a toda la cinta, cada personaje tiene una percepción distinta de Dios y de la religión, la familia Borgen tiene una fé distinta a la de los Petersen. Johannes representa una espiritualidad desvinculada del mundo, una espiritualidad pura, pero nada práctica. En cambio Inger representa un espiritualidad en el reino de lo material, una cristiandad con cuerpo y alma. Sorprendentemente en esta película tan realista, bajo ningún concepto el milagro o la idea del mismo, queda ridiculizado, es tan válido como la realidad concreta. Dreyer parece proponer en la película que todos, inclusive el nuevo pastor de la iglesia, no tienen una fe completa en Dios, nadie, excepto Johannes y la hija de Inger, creen que Dios puede hacer milagros, y es allí cuando se aborda el terreno de la religión institucional contra la religión individual, y Dreyer propone que le religión individual es más trascendente, finalmente la creencia más importante del cristianismo es la resurrección, y un cristianismo que no puede creer en una resurrección contemporánea, qué tan cristiana es.

La fotografía es quizás la más bella que he visto, con un cuidado en cada plano, con atención a cada detalle, y cada luz, es tan perfecta la fotografía, que hace que la película tenga un aura metafísica. El manejo de las luces conforme a los espacios es una obra maestra, aunque de cierta manera las luces son artificiales, imponen un hiperrealismo calculado, que le da a la película una estética que embellece al propio realismo. Los movimientos de cámara son paneos bastante teatrales, que dentro de muchas cosas, también proponen que el espectador sea un testigo en tiempo real de lo que sucede, se siente que uno como espectador es capaz de dirigir su mirada hacía donde quiere, y la película obedece. También la fotografía al mismo tiempo que explora el interior de las casas, con tanta meticulosidad, logra explorar la interioridad de los personajes.

El ritmo de la película es poético, pautado por el tiempo real de la vida, por el reloj, por la respiración, y quizás eso es lo más hermoso de la película, brindarnos una imagen ordinaria, práctica y física de los que es la vida, de una manera tan bella y espiritual.

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Killer of Sheep, 1978

Charles Burnett

Película dirigida, escrita, fotografiada, producida y editada por Charles Burnett; irónicamente es interesante por que cuenta una historia que no lleva a nada. Se podría considerar una especie de documental, dado que la mayoría de los documentales tienen una parte falsa implementada, o están hechos de actuaciones de momentos que pudieron haber sucedido o que sí sucedieron, como es el caso en Nanook of the North. La narrativa no es compleja, ni trata de contar algo muy interesante; por lo que no siempre parece coherente ni lineal. Nos muestra la belleza en lo mundano, y logra sacar lo poético en las situaciones tan complicadas en las que se encuentran los personajes. Se muestra un ambiente en el cual no se presentan oportunidades y sobrevivir es complicado, haciendo que salir adelante sea casi imposible. La película fue hecha con muy bajo presupuesto, y yo pienso que esto la benefició, obligándola a mantenerse humilde y así retratando una realidad con las mismas características.

Algo grandioso de la película es la música que utiliza, y los momentos en los que está presente. Tristemente fue gracias a esto que la película no fue distribuida, porque el director no pudo pagar los derechos de la música. Me da gusto que él no se haya vendido, quitando la música y poniendo algo que si le alcanzara, ya que la selección, al ser música hecha por negros, nos lleva a esta realidad y nos transmite mucho, dándonos el ambiente y los sentimientos necesarios. Es interesante saber que este largometraje fue hecho como su tesis para graduarse de su maestría en UCLA.  Burnett filmó muchas escenas que terminaron en la película, que originalmente no tenía planeadas y fueron improvisadas, dándonos más razones para que esta “ficción” sea una especie de documental.

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Walkabout, 1971

Nicolas Roeg

Con una narrativa muy sencilla, se logra hacer una reflexión profunda del ser humano, y una crítica social bastante demoledora. Cuando dos elementos distintos conviven, el discurso sucede solo, el contraste ya por sí mismo dice muchas cosas. y durante toda la película nos enfrentaremos a contrastes sociales, raciales, culturales, físicos, biológicos, etc.

Nicolas Roeg, es el director, y el fotógrafo de la película, y la relación entre ambas es fundamental para el desarrollo de la película, hay tomas increíbles y muy complejas de la naturaleza, aves volando, animales corriendo, animales escondiéndose en el desierto, y tomas de paisajes y luz natural muy hermosas, que contribuyen al significado de la película.

Nicolas Roeg hace una crítica severa a la sociedad “mainstream” globalizada. De manera incomprensible un padre intenta matar a sus hijos y se suicida, más adelante lo contrastamos con los valores del joven aborigen, que por mas primitivo que sea, tienen un sentido más sano de protección y cuidado por los demás. Así se van construyendo diferencias, y parece haber una brecha entre ambos mundos que nunca va a desaparecer si no es que la joven ve al aborigen como un ser humano, en lugar de una conveniencia y el aborigen desea entender, y pensar más allá de su modo de vida.

Me parece que Roeg se mantiene objetivo, en el sentido que no condena a la Joven como racista, o clasista, sin embargo sí critica el ambiente que genera que ella sea tan utilitarista o indiferente, mientras que el niño, menos contaminado por este ambiente, tiene mucha más curiosidad, empatía y es capaz de comunicarse mejor. Roeg condena al sistema, como uno, no orgánico, no natural, desconectado de sus raíces, pero aunque insinúa que si es mejor el modo de vida del aborigen, también demuestra como su ambiente también parece no encontrar una forma para comunicarse con algo distinto en el mundo, el aborigen no es capaz de conquistar a la joven por otro modo que no sea un ritual aborigen.

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Distant Voices, Still Lives, 1988

Terence Davies

Distant Voices, Still Lives, es una película permeada por nostalgia, su foto, su sonido, su música, su diseño de producción, su iluminación, evocan pasado. Y por su factura y la intimidad que tiene, creo que es bastante autobiográfica. De manera muy inteligente decide tomar un formato musical para desarrollar la película, creo que es una decisión inteligente por dos motivos principales, el primero, que dijo mi maestro, es que el pueblo inglés canta, y aunque un musical siempre va a parece algo artificial, en este caso, los cantos son muy orgánicos, y hacen una referencia cultural, el segundo motivo por el que creo que el formato musical funciona bien, es porque personalmente, la música es lo que más me remite al pasado, lo que más me hace evocar recuerdos y sentimientos, y creo que eso es parte de lo que desea hacer Davies.

Davies hace un retrato de una familia tradicional de clase media baja de Liverpool, tenemos la oportunidad de conocer distintas épocas en la vida de la familia, y a su varios integrantes, con una narrativa no lineal, fragmentada, construimos una collage y creamos una relación íntima con esta familia, conocemos a un padre abusivo, a una madre bondadosa, a los hijos, a veces contentos, a veces miserables, a veces golpeados, pero sobre todo, reales.

El estatus de la mujer en la película, me parece importante de recalcar, todas las mujeres están sometidas de algún modo, incluso las más independientes y conscientes, son oprimidas por su maridos, en ocasiones es cierto que las propias mujeres son violentas con sus parejas, no de manera física, si no, verbal, pero creo que la película es acertada en la manera que desarrolla este tema.

La plástica de la película como mencioné anteriormente es nostálgica , con una paleta de colores desaturada, que tiende a los marrones. La fotografía está muy cuidada, con un diseño de producción minucioso, y un diseño visual de cada plano, los movimientos, más la puesta en escena, aportan al significado de la película

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Fata Morgana, 1971

Werner Herzog

Me es complicado descifrar esta película, o este ensayo visual o este documental. Y creo que es porque yace en un nivel diferente, si todas las películas son el nivel consciente, Fata Morgana está en el subconsciente. El desierto para Herzog es un escenario en el que caben todas las posibilidades humanas, la mitología maya, los fósiles, vestigios de guerra, Leonard Cohen, etc. Por un lado encuentro, al igual que Lessons in Darkness una visión alienígena respecto al ser humano y su mundo extraño, hay un aura de maravilla que rodea las imágenes que vemos, el ser humano aunque extraño y patético,  más que nada, es sorprendente.

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Auch Zwerge haben klein angefangen (Even Dwarfs Started Small), 1970

Werner Herzog

Quizás fue mi extremo cansancio que no me dejó entrar en el ambiente que genera la película, pero la película me pareció casi insoportable. 

Aristóteles habla del balance de las cualidades humanas como el bien, es decir, respecto a la cualidad de Dar, ser extremadamente generoso a un nivel en el que uno se queda sin posesiones es malo, y ser extremadamente tacaño a un nivel en el que uno solo está interesado en retener sus posesiones es malo, así que el bien es el balance de ambos extremos, que sería dar con mesura. Sin embargo la crueldad es intrínsecamente mala, no tiene un extremo positivo, ni uno negativo, tener placer del sufrimiento del otro es una respuesta emocional maligna. Sentí mucha crueldad en la película, crueldad hacia los animales, crueldad hacia los enanos, y yo creo que ese fue mi obstáculo más grande hacia el humor. No se cuál fue la intención de Herzog al hacer esta película, pero creo que si fue hacer una reflexión sobre la crueldad humana, lo hizo bien.

El ambiente que se genera es caótico, con alusiones a Zero de Conduit de Vigo, pero de manera surrealista, con enanos en una isla volcánica, debo de admitir que encuentro una gran creatividad en la película. Espero verla algún día sin tanto cansancio y poder ver otros aspectos de ella.

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Lektionen in Finsternis, 1992

Werner Herzog

Foto: Rainer Klausmann

Nunca pensé ver tanta intensidad en un documental/ensayo visual, la película llega a unas dimensiones muy profundas, el monumentalismo de estos fuegos asusta. Hay un acierto muy grande en hacer de lo que ya hay, y creo que Herzog eligió un escenario correcto sobre el cual reflexionar y ahondar, de manera parecida a Fata Morgana, Herzog encuentra en el desierto un basto terreno para observar a la humanidad, y su impacto en el mundo, con enfoques distintos, pero de manera análoga, parece que en este ensayo Herzog mira a la tierra, como un alienígena que observa con maravilla y a la vez con horror a la humanidad. Más allá de enfocarse en el aspecto político de la Guerra del Golfo, este escenario es una excusa para exponer los vicios humanos, el desierto obscuro, de fuego, parece ser una síntesis de toda la humanidad que es autodestructiva y que está terminando con su mundo. los encuentros que tenemos con personas de manera cercana son devastadores, una madre que no puede hablar después de haber visto la tortura y muerte de sus hijos, y una madre que carga a su pequeño, que ha quedado afectado para siempre por la guerra, son momentos muy dolorosos, que penetran en el alma humana.

La fotografía con tomas aéreas y amplias, que retratan la obscuridad de manera monumental, aunado a la gran selección musical de piezas de Grieg, Verdi, Mahler, Prokofiev y por último Wagner, le otorgan a Lektionen Finisternis, una dimensión de profundidad épica y apocalíptica que asusta.

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Alambrista! , 1977

Robert M. Young

Young logró hacer una película que documenta y expresa muy bien la situación de los mexicanos indocumentados que entran ilegalmente a Estados Unidos.  Es una película inteligente, que aparte de tener una estructura narrativa clara y buena, también está llena de mensajes sutiles, manejados con inteligencia.

La película es objetiva y realista, no todos los americanos son malos, de hecho hay muchos que son muy buenos, no todo es miseria y rudeza, también hay humor y romance, no hay drama en todo, el individuo solo existe y está allí en las circunstancias complicadas. Y creo que es un gran acierto del director no caer en las exageraciones y en el dramatismo que casi todas las películas que abordan el tema de los mojados, generan.

La foto es simple, pero es muy bella, la mayoría de las secuencias suceden con luz natural, y el fotógrafo aprovecha y capta momentos muy hermosos, como atardeceres.

Quizás lo único que tengo que criticarle a la película es la escena en la que el protagonista llega a un lugar en el que su padre está muriendo, aunque si creo en los milagros, me parece muy forzada esa escena, y creo que es el peligro que querer recopilar varias historias que le sucedieron a varios personajes, en una sola que le sucede a un solo personaje.

Creo que el final es muy bueno, La mujer que da a luz a su hijo en la frontera del lado de Estados Unidos, el aferramiento que tiene a tenerlo allí, y como de verdad el lugar en el que nace uno representa una diferencia tan grande para el resto de la vida, es una manera elíptica de terminar la película, ya que comienza con un nacimiento en un contexto y termina con un nacimiento en otro contexto.

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Días de Santiago, 2004

Josué Méndez

Méndez en lugar de ignorar al sujeto y la realidad que no nos gustaría enfrentar o conocer, lo toma y se adentra a él, es a través del personaje de Santiago que conocemos una realidad muy compleja que permea a Latinoamérica. Hay una exploración profunda y bien hecha del personaje de Santiago, ex militar, muy joven, pobre, con traumas de la guerra, que regresa a su casa y se enfrenta a un mundo que no comprende y que no lo comprende a él, las oportunidades para que crezca y mejore son pocas, su familia es muy disfuncional, y el contexto constantemente lo desea absorber en su caos y su miseria. A través de la exploración de un solo personaje somos capaces de conocer la realidad de la mayoría de Latinoamérica.

La película opera a través de la verdad, a tal nivel que raya entre el documental y la ficción, La actuación es muy buena, los personajes son reales, y la cámara en mano es un recurso bien elegido para crear un ambiente realista y seguir cercanamente al personaje de Santiago.

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Orfeo, 1950

Jean Cocteau

Cocteau hace una reinterpretacion del mito griego de Orfeo, y lo transforma de manera elocuente, toma la figura de Orfeo, la de Eurídice y la del inframundo, y genera un mundo y una realidad difícil de alcanzar. El personaje de Orfeo es interesante, por un lado, creo que alude a Cocteau mismo, siendo Orfeo un poeta, como lo era Cocteau, pero por otro lado existe una crítica a Orfeo que está tan obsesionado por la muerte, que abandona a su mujer, y que está completamente ensimismado en sus ideas y sus obsesiones. El personaje de la Muerte, es llamado la Princesa, que es un personaje pasional, hermoso, erótico. por otro lado el personaje de Euridice es noble, mundano y tierno, y el de Heurtebise es parecido a la muerte en el sentido que es sumamente pasional, parece haber un mensaje que los muertos sienten mas que los vivos.

Un tema central de la película gira en torno a la poesía y la muerte. Orfeo, el poeta, esta obsesionado con la muerte, sin embargo más allá de la búsqueda del poeta a la muerte, parece que la muerte acecha al poeta, y está enamorada con él “The Death of a poet must sacrifice itself to make him immortal,”

De manera parecida a Pasollini, que siendo un poeta, tiene una creatividad desenfrenada y es capaz de crear cosas nuevas, y de reinventar el cine, también Cocteau lo hace, me parece increíble que utilice el radio como un medio de difusión de poesía e interfaz con el inframundo, así como que use espejos como portales al más allá.

Respecto a los recursos formales, la fotografía es bellísima, muy cuidada, cada cuadro es realmente hermoso, el contraste y la textura hacen de orfeo una obra plástica divina, aparte de esto, las escenas que transcurren en inframundo, siendo ruinas de la Segunda Guerra Mundial, tienen un manejo de luces increíble, y esto aunado al manejo artesanal de efectos especiales y la música sensible de Georges Auric, se crea un ambiente onírico hermosamente confeccionado. A uno puede no gustarle la historia, o simplemente no entenderla, pero creo que cualquiera que vea Orfeo, puede reconocer en ella una belleza sublime.

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I Soliti Ignotti, 1958

Mario Monicelli

Me parece que esta película puede ser considerada una comedia neorrealista, en el sentido que tiene mucho sentido de humor y ridiculiza a los personajes, pero a la vez tiene un formato realista  y muestra una Italia con desempleo y miseria.

La película tiene una construcción narrativa sencilla y clara, y sin tener una construcción muy compleja de personajes, (los personajes son transparentes) logra ser sorprendentemente sensible y acertada a lo que es la humanidad, que más allá de estar realizando operaciones de robo perfectas o crímenes maestros, agujera tuberías, rompe paredes equivocadas, y sobre todo prefiere comer sobras frías. También logra crear una reflexión acertada acerca del desempleo y la pereza.

Respecto a recursos formales, la fotografía es muy buena, tiene un gran manejo de luces en exteriores de noche, que es realmente complicado, y también mantiene contrastes en blanco y negro muy bellos. La música es buena y ayuda a la creación de atmósferas.