Coletivo Ágata

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Dizer sim à existência

Um dos motivos de existirmos enquanto coletivo foi a vontade de um fazer compartilhado, de muitas mãos e para além das que compõem o Ágata. Por isso os projetos colaborativos nos são tão caros, engrossados por muitas vozes, fazem parte de um contexto em que buscamos relações mais horizontais de trabalho e criação. Ao nos aproximarmos, cada vez mais, do feminismo e de suas implicações passamos a entender melhor nossas práticas, fomos aprendendo como nos definir e como podíamos viver junto e construir mundos possíveis dentro desta perspectiva generosa.  

Primeiro, realizamos a exposição coletiva "Sou uma mulher de tijolos à vista" (2015), uma reunião de 16 mulheres dividindo seus questionamentos, suas dores, seus posicionamentos e a necessidade de falar, ouvir e se reconhecer na história da outra. Depois veio "O corpo não aguenta mais tudo aquilo que o coage", um ciclo de conversas sobre fascismo, feminismo e arte, que se configurou como uma reação política tanto ao contexto social brasileiro, quanto a falta de protagonismo das mulheres no universo das artes. 

Agora, propomos um novo projeto, "Dizer sim à existência", uma residência artística que pretende pensar a arte na intersecção do fascismo e dos feminismos, com a intenção de fazer parte do debate público e proveniente da necessidade de nos posicionarmos a favor da emancipação e da construção de relações mais amorosas e igualitárias. 

O título é o mesmo do artigo escrito pela professora Margareth Rago, onde ela exalta o caráter positivo da obra de Foucault em relação a vida - não àquela totalizante e que nos assujeita, mas a que possibilita a criação de si, das singularidades e diferenças. 

A arte nos permite habitar lugares ainda não habitados, não sistematizados, possibilitando outras experimentações estéticas, sociais e políticas. Esse potencial revolucionário que desestrutura a ordem é justamente o que faz esse tipo de produção ser cerceada pelo poder e vista como um desvio. Não é a toa que os regimes ditatoriais censuram artistas e suas obras e se utilizam da cultura de massa para disseminar seus ideais. 

Pensando nisso, convidamos as artistas Caroline Kielmanowicz, Daniele Queiroz, Júlia Milward, Paola Ribeiro e Suelen Pessoa para nos acompanhar durante a residência e fazer desse desvio um campo frutífero para novas ideias e resistências.  

A história nos mostra que os regimes totalitários nascem em momentos de crise política e econômica, encontrando em um certo nacionalismo e na criação de um inimigo do Estado o seu modus operandi. Fato que podemos observar nas manifestações pró-impeachment, que, majoritariamente, difundia um discurso ufanista. Entretanto, se pensarmos que as estruturas de poder criam suas próprias resistências, podemos localizar na força que os feminismos vem ganhando uma reação a essa emergência fascista no nosso país. Parece não haver dúvidas de que lado queremos estar e a vontade de nos posicionarmos de maneira positiva e propositiva frente a isso.

Esse projeto propõe uma residência entre os meses de agosto, setembro e outubro, em que acontecerão encontros, trocas de ideais, exercícios e falas de convidados com o objetivo de produzir uma intervenção urbana na Vila Anglo Brasileira, onde trabalhamos e temos nosso ateliê. 

Escolhemos essa região e espaço para serem habitados por nós por também serem lugares combativos. O Condomínio Cultural é uma ocupação artística onde trabalham, alem de nós, mais de 60 pessoas em regime de autogestão, driblando todas as dificuldades que novos modelos de convivência em meio a um mundo capitalista pode enfrentar. A Vila Anglo Brasileira por ser um bairro que ainda não foi completamente engolido pelas grandes incorporadoras, preservando suas características históricas e de comunidade. 

O feminismo, a arte e a rua são lugares de resistência e onde queremos transitar com o "Dizer sim à existência". Para frisar ainda mais o caráter público e coletivo desse projeto, vamos tentar que ele seja viabilizado por meio de financiamento coletivo, contando com o engajamento daqueles que também acreditam que sejam urgentes tais problematizações e desejem se posicionar politicamente. Além disso, é uma maneira alternativa de viabilizar projetos culturais em um momento em que as políticas públicas para esse segmento estão em questão. 

Em breve vem mais informações por aí!

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Isso se dá porque

(No último sábado, dia 4/06, fizemos uma entrevista aberta com o artista Bruno Kurru, durante o encerramento da exposição "Isso se dá porque", na Zipper Galeria e que teve a curadoria de Galciani Neves. Deixamos aqui registrado o caminho do nosso pensamento a partir da observação das obras e de conversas anteriores com o artista. As "respostas" estão no vídeo que pode ser visto no https://www.facebook.com/zippergaleria/)

"Não posso me impedir de pensar em uma crítica que não procurasse julgar, mas que procurasse fazer existir uma obra, um livro, uma frase, uma ideia; ela acenderia fogos, olharia a grama crescer, escutaria o vento e tentaria apreender o vôo da espuma para semeá-la. Ela multiplicaria não os julgamentos, mas os sinais de existência; ela os provocaria, os tiraria de seu sono. Às vezes, ela os inventaria? Tanto melhor, tanto melhor. A crítica por sentença me faz dormir. Eu adoraria uma crítica por lampejos imaginativos. Ela não seria soberana, mas vestida de vermelho. Ela traria a fulguração das tempestades possíveis."

Michel Foucault

Nós começamos a criar uma aproximação com o seu trabalho há pouco tempo, mas nos arriscamos a dizer que a problematizacão da linguagem é o seu fio condutor. Você nos levou pra este lugar e é por isso que antes de começarmos esta entrevista, gostaríamos de avisar a todos que ela não vai ser bem uma entrevista, já que entrevista pressupõe perguntas e respostas. O que queremos fazer são provocações para disparar reflexões. Então não esperamos sair daqui com certeza de nada.

Esse lugar da incerteza também nos é muito caro, pois é onde localizamos o processo criativo; e ao nos depararmos com o seu trabalho e a maneira como você se posiciona, percebemos que existe uma grande preocupação em não se apegar aos lugares estabelecidos, ao totalitarismo das palavras e dos conceitos, mas um impulso de  habitar o entre, esse não-lugar que ainda permite a criação de novas gramáticas e relações.

Gostamos de pensar essa postura como resistência. Daquele que está sempre atento e forte as imposições do mundo, que cria suas próprias estratégias de enfrentamento, de insubordinação, mas que também está sujeito as falhas. E é a partir desse lugar da resistência que elaboramos nossas reflexões.

* Nossas mentes foram para muitos lugares depois das conversas que tivemos, dos conteúdos que nos passou e também a partir dos trabalhos aqui na exposição. Ficamos pensando sobre as limitações que a materialidade impõe e como você é obrigado a se render a isso, fazendo concessões. Ficamos com a impressão de que você lida melhor quando é barrado pela materialidade dos elementos que compõe as obras do que com os embates com o cotidiano. Será que isso faz sentido? Quais outras estratégias você desenvolve para lidar com inquietações não consegue traduzir por meio dos trabalhos aqui presentes?

* Você criou este momento. Convidou o Ágata para essa fala e o Ariel para fazer uma intervenção poética, além de outras pessoas com quem dialoga e são interlocutores com conhecimentos distintos. Para você e seu trabalho, o que estamos fazer aqui agora? Sabemos que você já criou este tipo de momento antes, como exemplo na residência em Brasilia. Você usa estes momentos como insumo para novas criações? 

* Neste lugar da fala que você tanto aprecia, toma cuidado com cada palavra por conta dos conceitos e potências que elas carregam, você não teme que as vezes esta "verborragia" possa te levar para lugares não espontâneos, improdutivos ou até mesmo didáticos? 

* Também pudemos observar que esta postura da resistência se reflete no seu comportamento ao lutar contra uma posição de artista profissional, ou seja, aquele já apreendido pelas estruturas do circuito. Para citar alguns exemplos, podemos falar na busca de uma maior horizontalidade na relação com a curadoria, privilegiar o conteúdo do trabalho perante questões comerciais nos embates com a própria galeria ou mesmo na forma como você se mostra nas redes sociais. Ficamos nos perguntando se isso também faz parte do seu trabalho. O que acha? 

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Do que ficou em nossos corpos

Algumas experiências são difíceis de serem traduzidas em palavras, ainda mais quando vêm carregadas em intensidade. Resolvemos promover o encontro "O corpo não aguenta mais tudo aquilo que o coage: trocas sobre feminismos, fascismos e arte" apenas 15 dias antes do seu acontecimento, contando com a disponibilidade e engajamento dos convidados, com o interesse do público e sem nenhuma verba. Não é a toa que só agora, depois de quase 10 dias e o que foi vivido um pouco mais assentado, conseguimos parar para rascunhar algo. 

 Como já pontuamos, esse evento foi uma tentativa de fazer parte do debate público em meio a um cenário político de instabilidade - ou para quem não tem medo de falar o bom português, de golpe contra a democracia -, e com a vontade de transformar o pessimismo em um desconforto criativo e potente. Dizem que é nos momentos de crise, quando tudo parece perdido (no caso a presidenta eleita e alguns ministérios, como o da cultura), que a capacidade de agir se renova, se reinventa. Sem contar a nossa já tradicional reivindicação pela participação e protagonismo feminino nas artes e o fim das abordagens sexistas. 

 Começamos no dia 10/5 com uma mesa compartilhada entre a crítica de arte Ana Luisa Lima e a escritora Isadora Krieger. Por meio da leitura da peça "amadeleite" e do livro "Memórias da Bananeira", ambos de Isadora e que criticam de maneira escrachada a sociedade machista, conservadora e burocrática na qual vivemos, o bate-papo se enviesou pelos caminhos das identidades, aquelas que precisam ser criadas e as que precisam ser desconstruídas. O que significa ser mulher, mãe, ativista, feminista, negra, lésbica, profissional? Quanto dessas identidades são marcadas por uma ideia concebida de gênero e quanto saímos perdendo quando essa está sempre sendo colocada em comparação ao gênero dominante, o masculino? Seria o feminismo uma revolução necessária para que relações em pé de igualdade sejam construídas e uma nova ficção escrita? É por meio da arte que conseguimos despertar da entorpecência do dia-a-dia e nos manter críticos à realidade absurda? Foram essas algumas das questões deixadas.  

Priscilla Davanzo abriu o dia 12/05 com uma fala seguida da performance pour être une seductrice. Em oposição ao corpo fascista, aqueles cultivados para serem produtivos, disciplinados, higiênicos, a artista reivindicou o corpo-alienígena, mutável, que se afeta: o corpo-trans, o corpo-refugiado, o corpo-mulher, o corpo-negro, ou seja, o que o sistema chama de minoria, mas que na verdade formam a grande parte da sociedade e suas forças. Com isso ela também problematizou o que se entende por diversidade e sua real potência. Enquanto editais, festivais etc tratam essa questão apenas burocraticamente, pensando na paridade de participação das mulheres e outras minorias, por exemplo, a artista lembrou que na biologia quanto mais diversidade mais vida, mais ajuda mútua e é exatamente isso que é podado na nossa sociedade capitalista. 

 Na performance, em que ela costura uma cinta-liga em sua própria perna por meio de um procedimento cirúrgico, nos deparamos com o atravessamento do corpo tão comentado por Priscilla, a dessacralização dessa matéria que é capturada e transformada em algo útil, mas que carrega muito mais força e afrontamento do que acreditamos. Além disso, nos damos conta como fala e ação constituem o trabalho da artista. Seu discurso é seu trabalho que é a sua vida. 

 Em seguida, a pesquisadora e professora da PUC-SP, Carla Cristina Garcia, nos mostrou a necessidade de construirmos uma genealogia das mulheres artistas para que, então, elas sejam devidamente inseridas na história da arte. Quando lemos sobre a história contada por homens, europeus e brancos, não encontramos as personagens femininas, ao ponto de acreditar que artistas mulheres não existiam. Entretanto, essa versão oficial omite que a própria história e os papéis sociais atribuídos aos gêneros negaram as condições materiais para o desenvolvimento artístico das mulheres. Ou seja, a função doméstica e a falta de autonomia financeira, impossibilitou o acesso aos materiais adequados e a especialização, o que muitas vezes as impediram de serem selecionadas para os salões de arte. Mesmo assim, muitas artistas produziram e suas obras estão perdidas, sem conhecimento público. É ai que nasce a necessidade de ir atrás desses nomes, do que foi deixado e como ato ético imputá-los seu devido valor histórico. E seguindo o mesmo raciocínio, a importância de buscarmos novos espaços e inserções na história que se constrói aqui e agora. 

 Já no dia 13/05, último dia do evento, Lívia Aquino nos trouxe um estudo de caso que materializou muitos dos conceitos discutidos até então. Por meio da personagem Kodak Girl, pudemos nos deparar com a imagem da mulher criada por George Eastman para as suas campanhas publicitárias que pretendia vender câmeras para o público feminino. Sempre sozinha, sensual e com ares bucólicos, a Kodak Girl rodava o mundo viajando, entretanto, essa imagem idealizada nada condizia com a realidade das mulheres, já que faltava independência financeira e autonomia para realmente comprar uma câmera e dar esse passo rumo a independência. Por fim, a pesquisadora leu um manual de fotografia escrito nos anos 60 ensinando como fotografar mulheres. A proposta foi uma leitura participativa, em que os ouvintes anotassem os adjetivos que eram atribuídos às mulheres no texto. O resultado foi um painel com palavras como: elefante, inimiga, velha, exagerada, entre outras. 

Por fim, quem encerrou o ciclo de falas e ideias foi o filósofo e professor da PUC-SP, Peter Pál Pelbart, que comentou o texto Biopolítica, da onde pinçamos a frase "O corpo não aguenta mais tudo aquilo que o coage". Eles nos contou sobre como o poder das instituições está impregnado em todas as camadas da nossa subjetividade, uma condição de coerção contemporânea que nos torna sobreviventes. Torna-se necessário, portanto, resgatar a potência de nossas vidas, a nossa capacidade de afetar e ser afetado, recuperar a porosidade do nosso corpo que está blindado e retornar a ele aquilo que lhe é mais próprio: a dor do encontro com outros corpos, com outras forças do mundo. 

Algumas ideias e conceitos pontuados pelos artistas, professores e pesquisadores, desde então, passaram a conviver com a gente e nos servem como impulso para a pesquisa e processo de concepção da exposição coletiva que queremos fazer em outubro. A ideia é que no mês de julho, além de promover outro encontro aberto como esse, já tenhamos definido quais serão as artistas participantes e a proposição, para que durante os meses de agosto e setembro se desenvolva um acompanhamento de processo entre elas e nós, como aconteceu no ano passado na exposição "Sou uma mulher de tijolos à vista". Agradecemos muito a participação de todos e, principalmente, dos condôminos por ter nos apoiado na realização desse evento. Avante!

Foto: Betania Dutra

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Somos mais um coletivo

“Somos mais um coletivo”, alguém disse com tom de ironia enquanto pensávamos no texto de apresentação do Ágata para a revista Old, publicação brasileira especializada em fotografia na qual, durante um ano, publicamos uma coluna sobre processo criativo. Era 2012 e assumir esta posição não era fácil, nem confortável, já que o formato coletivo estava na moda e começando a ganhar sentidos variados dentro do universo fotográfico.

foto: Garapa

Hoje, escrever sobre coletivos de fotografia, para o Ágata, é partir do lugar da experiência. Ou seja, das nossas vivências e impressões sobre este modo de produção e também da interlocução com outros coletivos, trazendo suas vozes para essa reflexão. A História nos ensina que é preciso ter um distanciamento do objeto estudado para, então, entendermos suas implicações no mundo. Evidentemente, não temos este distanciamento, mas para nosso alívio, o filósofo italiano Giorgio Agamben,  diz que quanto mais “contemporâneos” tentamos ser, menos nos tornamos aptos a fazer parte desta rubrica. Sendo assim, livres da ambição de traçar qualquer tratado sobre coletivos atuantes no cenário da fotografia brasileira, damos luz a um apanhado de vivências em torno de uma prática que se fortalece a partir dos anos 2000 e que ainda não parou de gerar modelos e formatos de trabalho variados.

De fato, não existe um discurso uniforme que dê conta de tudo o que é chamado de coletivo aqui no Brasil. Quem disse isso, antes de nós, foi Ronaldo Entler, pesquisador e crítico de fotografia. Este, também se tornou o nosso entendimento a partir de entrevistas que fizemos com os coletivos: Trema (SP), Sô Coletivo (MG), R.U.A Foto Coletivo (SP, RJ, PE, França), SCO2 (SP), Coletivo Pandilla (RJ), Garapa (SP), Erro 99 (MG), 7 Fotografia (PE) e Cogito Coletivo (RS). Além desses, tentamos acessar outros coletivos da região sul e norte do país, mas não tivemos retorno a tempo da feitura desse texto.

Diante destes relatos, alguns pontos se mostraram importantes para pensarmos a forma de organização dos coletivos de fotografia nos dias de hoje: a) Não consideramos, por exemplo, práticas que possuem processos coletivizados de comercialização de obras ou de uso de infraestrutura - como é o caso dos fotoclubes e das agências; nem mesmo das experiências coletivas artísticas que apareceram no Brasil durante os anos 80 e 90 - onde a necessidade de fortalecer cada elemento do grupo individualmente era apelo à produção coletiva; b) A coesão dos grupos se dá à medida que compartilham de um posicionamento político e cultivam a amizade, esta também em seu sentido político.

Sobre esse último item, discorremos um pouco mais. Talvez seja bastante natural pensar que, havendo mais oportunidades de contaminação dentro da cadeia de produção, compartilhamento dos processos, pouca ou nenhuma hierarquização das funções de trabalho, existam também, mais chances de construção de uma afetividade que una os integrantes desta prática. Trabalhar em coletivo, neste contexto, é uma decisão política quando entendemos esse termo no seu sentido clássico: a dinâmica das relações entre os envolvidos na sua coexistência. Chamamos o Agamben para nos ajudar mais uma vez. Ao recuperar Aristóteles, ele diz: "A amizade é a condivisão que precede toda a divisão, porque aquilo que há para dividir é o próprio ato de existir, a própria vida. E essa partilha sem objeto esse com-sentir originário é que constitui toda a política.

foto: Trema

Se admitirmos os coletivos como agrupamentos políticos, entendemos melhor as motivações que levam, por exemplo, nós e os entrevistados, a não colocarmos razões mercadológicas como pretexto fundamental da criação e/ou manutenção do grupo. Por isso, também é mais fácil entender a disponibilidade para que novos acordos e arranjos sejam criados a qualquer momento, opondo-se, essencialmente, à idéia de um cotidiano fragmentado e de relações de trabalho endurecidas e competitivas. 

Agora, se partimos para as particularidades - o que nos faz acreditar que não exista apenas uma maneira ou uma fórmula para ser um coletivo - encontramos diversos motivos para a criação conjunta. Como a vontade de produzir trabalhos autorais que não cabem dentro dos espaços comerciais (Trëma, Garapa, Cogito), a independência em relação à mídia tradicional (R.U.A), as novas possibilidades de criação artística (SCO2, Erro99, Sô Coletivo), o somar de forças e potencialidades (Coletivo Pandilla, Garapa, Erro 99, 7 Fotografia, Ágata) etc. Com objetivos também distintos: criar narrativas críticas sobre o país (Trëma, R.U.A.), problematizar a própria fotografia (Sô Coletivo, 7 Fotografia, Ágata) e a pesquisa artística e de novas linguagens (SCO2, Garapa, Ágata).  

Voltamos para a nossa experiência. Para o Ágata, a nossa principal força vem da multidisciplinaridade, junto de uma criação colaborativa que tenta tirar proveito, justamente, das diferenças. Isso que nos permite tatear diversos campos de ação, como a crítica, a curadoria, acompanhamento de projetos, produção audiovisual, produção de textos e concepção de oficinas, também gera certo impasse quando precisamos definir formalmente o que somos ou o que fazemos. Por isso, gostamos de dizer que somos um coletivo multidisciplinar que atua na crítica de arte, produção de conteúdo e no agenciamento de novas relações e interfaces no campo da cultura.

Isso é importante, sobretudo, por tratarmos de ações de naturezas diversas, com necessidades igualmente distintas, realizadas em ambientes nem sempre integrados ao universo da arte, com público nem sempre familiarizado na linguagem fotográfica.

Mesmo que o debate em torno dos coletivos tenha estimulado - mais no início do que hoje - a discussão em torno da figura do autor, suas delimitações, suas definições num tipo de produção contemporânea, não é possível dizer que esta seja uma bandeira dos coletivos com quem conversamos, nem a nossa. Ao passo que tampouco é cabível considerar que estejam superadas todas as implicações existentes na tentativa de diluição de uma assinatura, de um fazer autoral. No entanto, tudo parece estar em experimentação e construção no campo de uma produção coletiva.

foto: Erro99

Vale ressaltar ainda, que embora este tipo de criação seja favorecida pelo uso das mídias sociais, pela ocupação de espaços públicos para criação, pelos espaços de co-working ou ocupações artísticas, ela não é meramente um reflexo deste cenário, assim como não é uma reação ou oposição a modelos individuais e solitários de produção, se é que eles existem. Além do posicionamento político e da afinidade como elementos essenciais de coesão, a criação para nós e nossos entrevistados se dá em um espaço sólido de convívio e compartilhamento em que trocas de idéias e experiências resultam em um todo sempre maior que a soma das partes ou contribuições individuais.

Entler vai dizer que “com a capacidade de produzir conexões, sua atuação política [a dos coletivos] pode ser efetiva, sem ser necessariamente escandalosa ou panfletária”. Quando fala isso, menciona a potência de ativação dos coletivos frente, especificamente, às redes sociais. Mas, se ampliarmos a idéia de rede para o lugar do compartilhamento, vamos enxergar também um campo fértil de ações que podem, por pontuais que sejam, criar espaços privilegiados de reflexão e expressão do que representa este fazer coletivo.

(texto originalmente publicado no site da Yet Magazine: https://www.yet-magazine.com/post/focus-on-brazil-we-are-one-more-collective)

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Acreditamos nas brechas que possibilitam a criação. Se nos negam espaços ou oportunidades, cabe a nós criá-las. Já que há alguns meses pedimos por maior participação de mulheres em festivais de artes, por que não viabilizar um encontro onde essa demanda seja o disparador para uma série de conversas, uma série de reflexões que problematizem como o poder invadiu nossos corpos?  

A vontade de resistir é grande. O corpo não aguenta mais tudo aquilo que o coage. O corpo não aguenta mais. O corpo.

A frase que pegamos emprestada do filósofo Petel Pál Pelbart, deu potência a nossa vontade. Se existe favorecimento e privilégio determinados por sexo, raça ou sexualidade, o interesse político e econômico de alguns ameaça a democracia e torturadores são homenageados na casa do povo, temos que nos manter impiedosamente críticos.

É por meio da arte, sua capacidade de problematização do mundo e reverberações subjetivas que queremos discutir o momento histórico que vivemos. Para isso convidamos artistas, críticos e pesquisadores cujos trabalhos partem de assuntos que consideramos essenciais na busca pela construção de novas relações: o feminismo, a construção de gênero e o fascismo.

Com esse encontro, também damos início ao processo de criação de uma exposição coletiva que faremos no mês de outubro, ainda sem lugar ou artistas definidas, mas com a investigação desse cenário como tema.

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#3 Pílula I Jonathas de Andrade

O que acontece quando você está em processo criativo? 

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#2 Pílula I Júlia Milward

O que acontece quando você está em processo criativo? 

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VER-SE

O ano de 2015 trouxe a palavra empoderamento para a comissão de frente das causas feministas. Movimentos virtuais de denúncias e passeatas nas ruas pelos direitos das mulheres, criaram um ambiente de debate e encorajamento com o objetivo de fortalecer o feminino e a construção de novas relações de gênero.

Movidas por estas questões, criamos o projeto Ver-se. Desenvolvido entre março e abril no Sesc Itaquera, procuramos trazer o protagonismo para as mulheres frequentadoras da unidade, ouvindo suas histórias e trabalhando junto delas as noções de representação, autorepresentação e apontando a arte como um catalizadora da discussão em torno dessas questões.

Com caráter de residência artística, procuramos trabalhar com as discussões que permeiam o feminino na contemporaneidade. Partindo do retrato fotográfico, propusemos momentos de conversa, de intervenção no espaço e experimentação estética em três fases distintas: Café com elas, Decantar o que ficou e Ateliês criativos.

Para esta primeira fase, foi montada uma mesa de café e um estúdio mambembe próximo ao lago da unidade, local cobiçado pelo público em dias quentes de verão. Enquanto as mulheres passavam, nós as convidávamos para conversar, para contarem suas histórias, suas impressões sobre o que é ser mulher nos dias de hoje.

Elas se sentiram à vontade para falar sobre os assuntos mais diversos: amor, violência, superação, identidade, trabalho, maternidade, homossexualidade, temas que as atravessam no dia a dia. O momento do retrato constituiu-se como uma espécie de celebração, um enlace entre aquilo que foi conversado e a forma como elas se colocavam no mundo, representada ali pela câmera que se colocava diante delas. Essencialmente, o uso do retrato também procurou sintetizar a forma como elas gostariam de ser vistas.

Na segunda fase, Decantar o que ficou, propusemos uma intervenção artística a partir da experiência da primeira fase. Depois de conviver um tempo com as histórias colhidas, absorvemos o que havia de universal nos diferentes discursos e pensamos em uma instalação que pudesse provocar sentimento de identificação nas pessoas que travariam contato com ela.

Escolhemos o jardim da sede social do Sesc Itaquera para abrigar a instalação, local de grande fluxo de pessoas, usado como descanso, mas também como cenário de “selfies” e de recepção para quem adentra o prédio. A instalação foi composta de retratos impressos em folhas vegetal, que ficavam emoldurados por bastidores de bordado e pendurados com linha de nylon. Como o espaço era aberto, com boa circulação de ar, os móbiles balançavam, proporcionando também o encontro de olhares entre as retratadas e o público.

Para completar, um áudio com quatro histórias ficcionais escritas a partir das narrativas que ouvimos ficaram disponíveis em looping, preenchendo o som ambiente com a intenção de provocar a sensação de uma conversa entre os retratos. Por fim, fizemos uma ação de mediação entregando cartas pela unidade que continham as mesmas histórias narradas no áudio, a fim de que a instalação também pudesse acessar as pessoas que estavam distantes da sede.

Na terceira fase do projeto - Ateliê Criativo "A imagem da mulher: do auto-retrato ao selfie" - as participantes puderam exteriorizar o que são e como se sentem por meio das imagens. Acabamos atendendo famílias inteiras que se engajaram na atividade, mães acompanhadas de filhos e filhas, filhas com seus pais etc. Enquanto todos trabalhavam em suas imagens, o nosso papel foi o de conversar e tentar identificar os gestos, escolhas de materiais que pudessem disparar conversas em torno do tema. A intenção foi fazer com que o ateliê não se restringisse apenas à experiência estética da intervenção na imagem, mas também um meio para uma conversa mais próxima acerca do feminino.

Um público que nos chamou a atenção foi o adolescente. Ao que nos pareceu durante o projeto, estas questões são introjetadas de maneira orgânica no cotidiano das adolescentes, quase como uma reivindicação natural de suas experiências, ao passo que para as mulheres adultas e idosas o tema se convertia em algo delicado, polêmico, doloroso e, por vezes, em tom conformista. Esta experiência valeu ao coletivo um diagnóstico de público interessante e um desejo de potencializar estes diálogos intergeracionais.

Além disso, saimos dessa experiência transformadas enquanto pessoas e coletivo. O processo imersivo que uma residência artística proporciona, faz com que as premissas e diretrizes do projeto que está sendo executado não dê folga ao próprio corpo, que vive intensamente cada dia dia dedicado a isso. Agradecemos de coração ao Sesc Itaquera por essa oportunidade.

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Festival, cafezinho e pílulas

Um festival de fotografia pode ser apenas um lugar comum para alguns de nós: aquele que voltamos ano após ano para reencontrar nossos pares, falar sobre assuntos de que gostamos e até participar daquele workshop que não tinha vaga no ano anterior. Uma fórmula que se repete, agrada, mas que ao mesmo tempo deixa a vontade de viver novas experiências em um ambiente que se propõe tão fértil. Foi em busca dessa nova experiência com o Festival de Tiradentes e a vontade de acessar artistas que moram fora de São Paulo, que seguimos para a cidade histórica mineira.

Com um pouco de pretensão e cara de pau, a nossa intenção foi criar uma espécie de discussão paralela a do festival, trazendo à baila o processo criativo, assunto que nos propomos investigar para, então, mapear quais são os seus diferentes modos de fazer. Neste contexto, o nosso trabalho se deu por meio de entrevistas para a gravação de uma série de vídeos que chamamos de Pílulas. Em cada uma delas, o artista é provocado a falar sobre seu processo de criação a partir da seguinte pergunta: "O que acontece quando você está em processo criativo?".

Pela arte do encontro e a disponibilidade inerente daqueles que se permitem viver a intensidade de um festival, conseguimos agendar cinco bate-papos que se dividiram entre sexta e sábado acompanhados de um cafezinho ou uma cerveja artesanal. Eles aconteceram entre nós e Eustáquio Neves, Cao Guimarães, Alexandre Sequeira, Jonathas de Andrade e Pedro David, artistas que se utilizam da fotografia dentro do campo das artes visuais.

Eustáquio Neves diz que, durante seu processo de criação, encontra um fio condutor capaz de ligar um evento criativo a outro, permitindo que ele reconheça quando algo novo aparece. Já para Alexandre Sequeira o processo toma conta de seu corpo e, muitas vezes, o dirige a encontrar seus personagens e parceiros de trabalho. Ele conta que entra em uma espécie de TPM criativa, um estado mais sensível do existir. Cao Guimarães também sente seu processo no corpo, chega a ficar com febre e sua percepção do mundo se altera, fazendo com que a sua poética se torne sua grande companheira de viagem. Se para Pedro David o processo criativo é solitário e silencioso, para Jonathas de Andrade é alimentado por seus amigos, por conversas e ideias que compartilha, vivência que começou numa espécie de casa-ateliê onde viveu.

Na busca por semelhanças e diferenças entre os processos criativos, desejamos identificar, em um universo caótico, linhas de força que evidenciem modos do fazer artístico. Estas pílulas vão formar, ao longo do tempo, uma coleção de falas de processos, valorizando a voz do artista como parte integrante do seu trabalho, da constiuição de si como autor. Nossa aposta é que este material possa nos ajudar a enxergar tendências gerais da criação que caracterizem nossa época ou geração.

Se a experiência foi rica para a nossa pesquisa, foi ainda melhor porque ficamos hospedadas na casa de Helena Leão, fotógrafa mineira que, entre um café e uma cerveja, nos brindou com seu senso crítico e sua forma de enxergar as artes, a literatura e, claro, a fotografia.

A parceria com o restaurante Gourmeco também foi importante para recebermos os nossos entrevistados como manda a tradição mineira: com café e pão de queijo. A chef Juliana Ferreira ainda nos mimou com um maravilhoso grand finale risoto de gorgonzola com favo de mel.

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O fim de um projeto e o querer mais

Finalizar um projeto gera uma sensação de alívio, ao mesmo tempo que traz consigo um vazio. Interprete este vazio, entretanto, como algo positivo, uma ânsia por mais: mais diálogos, mais encontros, mais trocas, mais desdobramentos. É este o sentimento que fica com a abertura de exposição "Sou uma mulher de tijolos à vista", no último sábado.

Depois de 35 dias em constante convívio e acompanhamento com as interlocutoras convidadas, a exposição conta com 16 trabalhos, entre fotografias, instalações, videoperformance e um roteiro. Muitos produzidos a partir da proposta e outros que foram resignificados para tal.

Em um primeiro momento, a maior preocupação curatorial era encontrar caminhos para que obras tão variadas habitassem o mesmo espaço. Só fomos lidar com essa diversidade formal nos dois dias de montagem. Com isso percebemos outra questão: por mais que tivéssemos feito uma expografia prévia, quem ditava os lugares e as limitações era a própria Sala de Cirurgia, cômodo do Condomínio Cultural que escolhemos para abrigar a mostra.

Paredes com azulejos, alguns deles faltando, buracos recém abertos, fiações frágeis e antigas. Problemas que aparecem quando não estamos lidando com um lugar próprio para exposições e que revelam quais são as dificuldades e as necessidades de ser criativo quando se trabalha fora do cubo branco. Alguns ruídos foram incorporados, como a "janela" aberta entre as duas salas que serviu como suporte para o trabalho da Andrea D’Amato, mas outros deram muita dor de cabeça, como uma parede que misteriosamente derrubava todos os trabalhos que tentávamos prender ali com fita banana.

O Ágata se interessa por espaços-obras, lugares-questões em que a princípio são hostis para uma exposição de arte, mas inserem os trabalhos em outros contextos e exigem um tempo e uma disposição maior para relacionar-se com eles.

Outro ponto importante foi a reafirmação do processo criativo como o grande tema do Ágata. Claro que é um grande orgulho ver a exposição montada, entretanto, o que fica de mais valioso para nós foi observar o desenrolar de ideias e propostas, como elas cresciam e podiam até tomar caminhos distintos a partir da interferência das outras interlocuções. A fala unânime era a da vontade de compartilhar pesquisas e deixar um pouco de lado a experiência solitária da criação. Tudo isso nos alimentou e trouxe novas ideias a serem investigadas.

Como nem só de de arte vive o ser humano, queremos também agradecer a todos que compareceram na abertura e transformaram esse dia em uma grande festa com cerveja gelada, comida da boa e conversas interessadas. É impossível escrever e expressar aqui o tamanho da nossa felicidade. Obrigada!

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Uma proposta, 17 mulheres

Fomos ensinadas a pensar dicotomicamente: o bem e o mal, o céu e o inferno, a razão e a natureza, o ocidente e o oriente, o branco e o preto, o homem e a mulher. Pares opostos que carregam, junto de si, a valorização de um em detrimento do outro, o ideal e o desvio na construção de uma conduta e da maneira de estar no mundo.

O que demoraram para nos contar é que a simplificação dessas relações antagônicas sustentou e ainda sustenta as desigualdades e opressões, inclusive as de gênero. A construção da identidade do homem provedor instantaneamente atribui fragilidade à mulher e, com isso, a legitimação de abusos que são cometidos cotidianamente. Coisa que aprendemos na prática.

O motivo de termos reunido 17 amigas, interlocutoras e artistas com o objetivo de problematizar essas questões soa como um grito de basta e vem compor o coro que já temos escutado nos últimos anos. Não há como negar; o cenário que coloca a mulher em vulnerabilidade nas diferentes esferas está na agenda de discussão e cabe a quem se sente motivada pelo tema endossá-lo.

A nossa motivação começa a ganhar forma com a exposição “Sou uma mulher de tijolos à vista”, que tem como ponto de partida uma pesquisa sobre a qual o coletivo vem se debruçando há cerca de um ano. Inspirado na história da Santa Ágata, uma santa da igreja católica que teve seus seios amputados por não aceitar um casamento, foi proposta uma correspondência de trabalhos. Agora, essa temática se apresenta apenas como um disparador para que cada interlocutora convidada direcione seu olhar ao aspecto que mais lhe inquieta na condição da mulher na contemporaneidade.

Indo ao encontro da nossa vontade de horizontalizar as relações, propusemos encontros semanais para que tanto os processos artísticos, quanto o curatorial, fossem compartilhados. Já nesse primeiro momento, um aspecto se mostrou como norteador dos trabalhos e discussões: o corpo. E aqui, entendemos tanto o físico, quanto a sua expansão nas esferas sociais e culturais.  

Nesse pequeno grupo, algumas já sofreram a pior das subjugações, a violência sexual. É unânime a crítica à pressão desmedida do padrão de beleza estigmatizado pela mídia e também a hostilidade sofrida em seus ambientes de trabalho pelo fato de serem mulheres.

A sensação em comum, que acontece independente da classe social, é que por nascermos com determinado órgão sexual, uma condição de vulnerabilidade nos é atribuída, sem contar a pressão de estarmos sempre à prova, algo como “por ser mulher eu tenho que me esforçar por dois”.

É no corpo, portanto, que se localiza a prerrogativa para uma política, uma conduta que institui diferentes comportamentos para cada gênero, que indica, até, qual vida deve ser valorizada e qual pode ser violada, hostilizada, punida. É por ele também que se dividem as funções sociais, o direito de estar nos espaços públicos ou privados, as faixas salariais.   

Ao transpor estas e outras questões para uma proposta artística, a nossa intenção é universalizar histórias e experiências vividas por cada uma de nós e que podem ser de qualquer mulher, em qualquer lugar do mundo (que acontecem enquanto escrevemos esse texto e também enquanto você o lê). Afinal, essa epidemia que atinge a todas está não só nos casos mais explícitos de violência, mas também nos tratos mais corriqueiros, sustentados pela perversidade da ignorância.    

No mundo em que vivemos, as regras do jogo foram construída por homens, brancos e ocidentais. A própria dicotomia reflete uma visão masculina do mundo. Buscamos com a exposição manifestar a complexidade dessas questões e como elas nos atravessam e nos unem.

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Na iminência de um sertão

 (Há um ano Alexandre Severo partia. Ainda é difícil entender essas peças que a vida prega na gente. Compartilhamos abaixo um texto que escrevemos sobre o seu trabalho em 2013, depois de um jantar regado a risada, cerveja e comida árabe)

Eternizou-se pela literatura que o sertanejo é, antes de tudo, um forte. Já o fotógrafo é um inquieto, um personagem movido pela aventura. Figuras que rondam o imaginário, alimentado por um histórico de representações que escritores e fotógrafos ajudaram a criar.

Nessa imbricação entre imagens e palavras, impossível não nos lembrarmos de nomes célebres como de Euclides da Cunha e João Guimarães Rosa. No universo das imagens, Thiago Santana é um autor sempre citado quando o assunto é sertão. Mais recentemente, outro nome desponta dentro dessa temática, o jovem fotógrafo Alexandre Severo, de quem falamos nesta coluna.

Trabalhando para o Jornal do Comércio, o maior jornal de Recife, Severo saiu pelo sertão nordestino em busca de “tipos” como o vaqueiro, o padre, a carola, o messias, além de novos personagens que hoje habitam esse ambiente, como o traficante, o líder sem terra, o travesti. O resultado foi o premiado trabalho “Sertanejos”, publicado em caderno especial no ano de 2009.

Os retratos fechados buscavam uma tipografia clássica e atualizada da região, mas, ao abrir o quadro e incluir o fundo infinito, os tripés, flashes e sombrinhas, o fotógrafo encontrou um contraste interessante entre seus personagens e seu próprio ato de fotografar. As cenas retratadas ganharam notoriedade para além do mundo jornalístico e fizeram o trabalho circular em outros meios, da academia ao mercado da arte, o que pegou o fotógrafo de solavanco.

Conta Severo que, ao ouvir as pessoas analisarem seu próprio trabalho, percebeu que lhe faltavam mecanismos para entender tal repercussão. Partiu, então, para a construção de um novo repertório que mudou essencialmente seu processo criativo e que, hoje, desemboca em um caminho poético e consciente do fazer artístico.

“Quando você está fazendo um trabalho, você usa todo o tipo de repertório que tem. Todas as suas referências, sejam elas intelectuais ou de vida. Quanto mais repertório, mais mecanismos para a criação”, ele diz.

É dessa troca com os autores, somada ao ato fotográfico, que Severo deu um novo tom às suas imagens, mergulhando na sua subjetividade, no seu mundo interior, ao passo que se afasta da linguagem direta e arquetípica do fotojornalismo.

O tema de sua investigação continua o mesmo, só que agora, o sertão não é mais aquele do imaginário, da identidade brasileira, ou da curiosidade fetichista, mas o catalizador de um desabrochar artístico, de um amadurecimento que acontece junto das imagens e por causa delas.

Em seu novo trabalho, ainda em andamento, Severo vai ao encontro de um novo sertão, de uma reconciliação consigo mesmo e com sua profissão. Os retratos de antes dão lugar às paisagens e aos rastros de existência que elas carregam. O calor previsível do sol sertanejo é substituído pelo ambiente noturno, desmistificando o senso comum que deseja encontrar a terra rachada e seca. As imagens desaturadas parecem acompanhar o barulho da vida, minimizado pelo silêncio e pela busca incessante do fotógrafo que se atirou em direção ao seu sertão particular.

Foi sozinho e distante dos estereótipos - criados por ele e pela própria fotografia - que Severo conseguiu se descobrir, por fim, na iminência de sua própria poética, entre tempos e em plena transição, assim como o sertão o ensinou.

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O espaço independente em debate

Na semana passada, do dia 27 à 30 de julho, o Ágata acompanhou o ciclo de debates "O Artista gestor e a potência independente": uma série de conversas com artistas, curadores e gestores que atuam e pensam a cena da arte independente, organizado pelo Ateliê397 em São Paulo.

Entre os participantes estavam Thais Rivitti (Ateliê397, São Paulo/SP), Camila Fialho (Associação Fotoativa, Belém/PA), Benjamin Seroussi (Casa do Povo São Paulo/SP), Renan Araujo (Bordel Ribeirão Preto/SP), Ricardo Basbaum (Rio de Janeiro) e Samantha Moreira (Ateliê Aberto, Campinas/SP) entre outros. O encontro também contou com a participação de gestores de outros países da América Latina, como Sally Mizrachi (Lugar a Dudas, Colômbia), Giuseppe Bernardi (Tupac, Peru) e Jorge Sepúlveda (Curatoría Forense, Chile, que participou também como co-organizador do evento).

Em todas as mesas foi inevitável esbarrar no que tais espaços e agentes entendem com o termo “independente”. Como era de se esperar, não houve consenso, pelo contrário, alguns dos participantes até recusam esse rótulo e acabam apresentando novas denominações, que também geram uma pluralidade de interpretações. Uma dessas propostas é chamá-los de espaços autônomos, caso da Curadoria Forense Latinoamericana. O que mais se aproximou de um consenso sobre ser independente, entretanto, foi a capacidade de auto-gestão, com todas as dificuldades que isto implica, respondendo à demandas e preenchendo lacunas que o mercado de arte não consegue suprir.

Se por um lado a falta de definição do que é ser um espaço independente gera desconforto em alguns, para outros reforça a potencialidade que eles carregam. Não ser completamente capturado por um termo, permite que cada lugar e gestão encontre seu modo específico de funcionamento, de trocas, de prioridades, de papéis. Uma flexibilidade que ganha protagonismo na cena artística contemporânea e que tem respaldo na fala de Ricardo Basbaum e seu artista-etc.

O termo criado nos anos 80, foi uma resistência ao congelamento de papéis que vinha sendo propagado pelo mercado da arte e que atribui ao artista o papel de funcionário das galerias, além de o subordinar aos críticos e a emergente figura do curador. Ao cunhar o artista-etc, Basbaum propõe uma atuação sem fronteiras, onde o ato poético do artista está tanto na produção de sua obra, como no discurso crítico sobre ela: o artista como gestor de si, capaz de atuar no circuito como um todo.          

As discussões levantadas foram de encontro aos nossos questionamentos do dia-a-dia. Desde o surgimento do Ágata houve a necessidade, muito mais externa do que interna, de encontrar em qual categoria o coletivo se enquadraria. Este tema é recorrente em nossos debates, já que acreditamos ser de extrema importância que cada coletivo ou espaço independente encontre o seu próprio DNA, sua metodologia de trabalho, sua maneira de se engajar com o entorno, a sua relação com os artistas e, por fim, como compartilhar suas reflexões.

Tendo como foco de pesquisa o processo criativo, uma ferramenta de aproximação entre nós e o artista e entre o artista e o público, percebemos que nossa atenção enquanto coletivo está voltada para os artistas e seus percursos e não para as obras como objetos finalizados. Por outro lado, muito nos interessa refletir sobre o espaço e as nossas ações enquanto obras.

A partir de agosto estaremos sediadas  no Condomínio Cultural, na Vila Anglo, mas já estamos atuando desde 2012 e não faz parte da nossa configuração, necessariamente, ter um teto fixo. Talvez por esta razão nos identificamos bastante com as reflexões da Curatoria Forense Latinoamericana sobre sua metodologia de trabalho e, em especial, quando eles discutem a produção de conhecimento como experiência site and time-specific, encarando as exposições, obras e publicações como excedentes dos processos vivenciados.  Outro ponto de identificação é o cuidado para que as trocas aconteçam de forma horizontal, espontânea e que não produza hierarquia.

Nos encontramos também nas discussões sobre o entendimento do lugar da arte contemporânea na nossa sociedade, indicada por Jorge Sepúlveda, como uma área de conhecimento, de conceitualização, de produção da realidade, um lugar de repensar a forma de se viver junto, de investigar antigos acordos e as influências que exercemos uns nos outros.

Para o Ágata, atuar coletivamente é estar conectado ao nosso tempo, desconstruindo hierarquias e experimentando novas maneiras de nos relacionar de modo mais horizontal e flexível, de forma afetiva e efetiva. Independente dos pontos positivos ou negativos da atuação independente, o que nos move e está acima de qualquer outra questão, é a vontade de contribuir ativamente para a construção da realidade em que estamos inseridas.

Parabéns ao Ateliê397 por fomentar o importante debate!

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Caixa Potência - estudo para uma metodologia

Entre 2013 e 2014, o Ágata participou da residência em fotografia do LABMIS, no Museu da Imagem e do Som, em São Paulo, coordenada por Ronaldo Entler, Lívia Aquino, Pio Figueiroa e Carol Lopes. Entre os residentes, oito deles eram artistas e dois eram críticos, grupo do qual fazíamos parte.

Foi lá que nasceu a Caixa Potência, uma metodologia para o estudo do processo criativo que coloca em interação os documentos de processo do artista, uma entrevista e a nossa análise depois de nos depararmos com esse material. A tal Caixa Potência funciona como um dispositivo de reflexão. Lá o artista é convidado a reunir tudo àquilo que consciente e inconscientemente cruzaram seu momento de processo criativo, como esboços de desenhos/roteiros/pinturas, cadernos de artista, filmes, criações em meios diferentes do que o artista costuma a trabalhar, entre outras coisas.

O segundo passo da metodologia é um encontro entre nós e o artista, onde ele abrirá a sua caixa e comentará as coisas que estão ali. É importante ressaltar que a partir desse momento tudo passa a ser filmado, já que o nosso objetivo é ter um arquivo audiovisual sobre processo criativo.

Depois desse encontro e conversa, cabe a nós fazermos a crítica de processo, ou seja, analisar os documentos presentes em busca de linhas de forças, tendências e tomadas de decisões que constituíram determinada obra.

No momento, a nossa maior dificuldade é descobrir como vamos transportar para o vídeo a parte da crítica, atividade que tradicionalmente é feita pela escrita. Por isso que admitimos que a Caixa Potência é ainda uma metodologia em desenvolvimento, em processo de construção. Entretanto, no começo desse ano tivemos a oportunidade de fazer a curadoria da exposição Fragmentos, de Alan Oju, e uma primeira experiência da nossa proposta.

Seria ótimo saber o comentário e a opinião de vocês.    

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Notação #1: algumas reflexões sobre Carne

Segundo o filósofo americano Richard Rorty em "Filosofia como política cultural", os intelectuais do ocidente vem procurando solucionar questões existenciais percorrendo um caminho que passa primeiro pela religião, depois pela filosofia, para então chegar à arte. A religião oferece redenção através de uma relação sobre-humana. Já a filosofia conta com teorias nas quais se torna necessário a aquisição de um conjunto de crenças que representem a realidade. A arte enfim, reúne conhecimento e interpretações da realidade por meio da multiplicidade de seres humanos.

Ao encontro do pensamento de Rorty, o filósofo Merleau-Ponty, aponta que por meio de uma cisão entre sujeito e objeto, a herança deixada pelas filosofias reflexivas foi colocar em oposição corpo e alma, matéria e espírito, mundo e consciência, fato e ideia, sensível e inteligível. Nessa perspectiva, a natureza seria o universo de coisas em estado bruto, carentes de significação, dotadas de movimentos espontâneos; enquanto a cultura seria a superação dessa realidade bruta pela vontade humana, por meio da imposição de valores simbólicos e utilitários.

Essa relação de oposição não considera o fato de que muitas das construções simbólicas que marcam a cultura são reelaborações de formas e dinâmicas emprestadas da natureza, à qual o homem efetivamente pertence, como corpo biológico que, mesmo constrangido pelas regras de convivência social, cobra também a atenção às suas próprias necessidades e reações. Por sua vez, a própria natureza nos convida a repensar essa polaridade.

"Carne" trata de tais questões ao evidenciar, a partir da relação entre natureza e indivíduo, a necessidade de criação de uma nova consciência que reconstrua a conexão entre estes universos, por meio dos ciclos de nascimento e morte que os habitam.  

A narrativa "Carne" foi desenvolvida especificamente para a espacialidade e temporalidade próprias ao livro. As imagens são pensadas como palavras num arranjo poético, em que cada uma carrega individualmente um sentido próprio, mas é pela composição e arranjo ritmado entre elas que seus significados e impactos se expandem. O livro propõe uma experiência sensorial, estabelecendo diálogos não só através das imagens, mas principalmente através dos espaços criados entre elas, onde talvez possam surgir as interpretações particulares de acordo com o imaginário de cada leitor.

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Gestos e fotolivros

<p align="justify">O Fábio Messias, junto do Walter Costa e da Renata Baralle, organizam o Trama, um grupo que se propõe a discutir o fotolivro e as suas potencialidades. Eles são agitadores deste cenário e defendem o fotolivro não apenas como um suporte, mas como linguagem. Ele também é trabalho. </p>

Por isso achamos que uma conversa entre o Fábio e o Alexandre Furcolin seria interessante tanto para o processo do Alê, que ainda está em dúvida sobre a edição final do livro (algumas poucas imagens e passagens), e também para a criação do nosso texto. Se existe um motivo para trabalharmos em coletivo é esse, agregar pessoas, trocar experiências, tecer uma rede.

Carne ou Carne do Mundo, é o terceiro fotolivro do Alê e podemos afirmar que, até este momento, toda a sua produção de imagens foi pensada para esse formato. Um dos argumentos que ele dá para isso é o fato da sua temática trazer a intimidade e relações pessoais, o seu entorno, que são melhores abrigados nas páginas de um livro.

“Quem tem uma fotografia que conta história vê no livro o seu habitat natural. Esse tipo de fotografia tem o mesmo pertencimento do álbum, que já contava a história das pessoas. O fotolivro também dá um ritmo diferente às imagens do que quando elas estão na parede, já que o autor consegue controlar as viradas de páginas e os espaços em branco”, pontuou o Fábio.

O cansaço da relação com o mundo digital e a busca por uma experiência mais tátil e sensorial, também é um dos argumentos que o Fábio nos apresentou dentro desse contexto efervescente da produção dos fotolivros.

Depois dessa troca, ao voltarmos para o trabalho do Alê, conseguimos observar que o controle da narrativa é uma das suas questões principais, tão relevante quanto a temática do trabalho. Por isso também tanto cuidado com a proposta de diagramação, tamanho e escolha do papel, que caminham junto às imagens e constituem o gesto do artista. 

Fábio, obrigada pela companhia, pelo conhecimento e a disponibilidade em participar da nossa conversa.

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Sobre Carne

Na nossa pesquisa sobre processo criativo, o mais comum é sair em busca de artistas que nos deixem entrar em seus ateliês. Entretanto, o movimento contrário também vem acontecendo e nos proporcionando boas experiências. Primeiro, a convite de Alan Oju, fizemos a curadoria da exposição “Fragmentos”, na Oficina Cultural Oswald de Andrade, em São Paulo.

Agora, Alexandre Furcolin, que está fazendo residência artística na Tofiq House,  nos convidou para escrever o texto crítico e conceitual do seu novo fotolivro,  provisoriamente chamado de Carne. Já fizemos duas visitas ao seu ateliê para saber mais sobre o trabalho e as tendências que norteiam o projeto poético do livro, que está em fase de finalização.

Pelas falas do Ale, seu trabalho nos proporciona duas (complexas) possibilidades de entrada: a relação inseparável entre homem e natureza, e com a sua subjetividade, ou como o próprio artista descreveu, os ciclos de vida e morte/amor e desamor. Não é à toa que, ao percorrer as suas bancadas, vemos livros de biologia, anatomia, folhas e reproduções de geleiras dividir o espaço com clássicos de filosofia e da literatura, que trazem em seu título o verbo amor.

Com as referências e os documentos de processo da obra em mãos (entre eles as três versões anteriores do foto-livro e o carderno de artista do Ale, que tem uma dinâmica bem específica e que vale um post no futuro)  nosso próximo passo é devolver em forma de texto uma primeira impressão sobre seu argumento, um embrião crítico e conceitual sobre seu processo.

Ao mesmo tempo, esse exercício também reflete como será o nosso procedimento daqui pra frente, ou melhor, como vamos estruturar um trabalho feito a 12 mãos e muitas impressões. Dois processos caminhando juntos. É disso que gostamos.