Danchu Taipei

門市地址：台北市大安區東豐街52-1號 服務專線：[phone] 營業時間：週一至週日 12:00-19:00 不定休

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． 陳御〈沉潛於鏡頭彼端的內斂謙遜〉 ． 人物 @yuchen1993_ 採訪 @4d_feng 妝髮 @st2102 攝影 @bobby913 ​後製 @kimberlytanjy ． 服裝 @balenciaga 服裝 @commedesgarcons 服裝 @greglauren 服裝 @rafsimons 服裝 @rickowensonline ． #DanchuTaipei #YuChen（在 Danchu Taipei）

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🔥 廖俊裕〈力、氣合一的創作拳腳〉 人物 @godkidlla 採訪 @4d_feng 攝影 @bobby913 服裝 @christiandada @commedesgarcons @greglauren #DanchuTaipei #Godkidlla（在 Danchu Taipei）

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Greg Lauren 2017 春夏男女裝系列

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江宥儀〈透視，服裝與藝術的交織奇想〉 從《修龍》這支參加倫敦設計雙年展的前導影片中，我們看見了影像與文化奇想碰撞出來的火花，照亮了我們對於未來烏托邦的想像，其中除了導演引人入勝的影像敘事功力外，片中的角色造型，除了帶有時裝與街頭文化的特色外，細節上更加入了不少台灣文化裡獨有的細節與亮點，從不同元素激盪後的視覺中，我們可以感受到一種打破以往我們對於傳統裝束既定的思維，並喚起年輕世代對於過去文化的情感連結 畢業於實踐大學服裝設計系的江宥儀，在還沒進大學前總是對服裝抱有極大的憧憬，不過真正進入學校就讀後，除了必須面對壓力極大的專業訓練，還有同儕間在作品與服裝競賽中的強烈競爭，這些歷練雖然成就了某一部分的她，但同時也消磨了內心中的部分熱情，對於自我要求甚高，且極度執著於創作的她來說，在經歷了愉悅與痛苦參雜的大學四年後，讓她決心要準備更多的作品，去申請紐約的工作簽證。一開始她用黏土創作了一系列名為「CLAY PROJECT」的實驗性的作品，並且把它印在色彩鮮明的泳裝上面，原本只是用來當作品集的創作沒想到竟然受到熱烈的反應，也為她往後的創作打下良好的基礎。到了紐約後她開始了一系列以「紋身貼紙」做為創作媒材的時期，把文字、圖樣、社群軟體上的截圖等，這些現代人生活中既私密又暴露的情緒轉化成一張張的紋身貼紙，轉印在人體、物件、冰塊、花草甚至是生肉上面，強烈又直白的視覺感，讓這些創作在網路上被瘋狂地轉載，也因此迅速地在社群上累積了大量的粉絲，連國外的知名雜誌I-D和DAZED&CONFUSED也進而報導了她，讓她有機會在紐約和台灣辦展，並且在一次機緣下來到日本，在Instagram中，她私訊給水原希子的妹妹水原佑果詢問合作的機會，沒想到對方竟然馬上答應，讓她又驚又喜，也促成了在日本創作拍攝的機緣 對於江宥儀來說這些創作的過程都是偶然的，很多時候的創作動機，只是為了撫平她自己在某個時期或狀態下的傷痛或焦慮，然而就是因為那些真實的情感被赤裸地反映在她的創作中，反而能在這個網路資訊爆炸的時代，用圖片短暫掠過的霎那間，跟觀者引起共鳴，這些都是她始料未及的 因為在創作上大獲成功之際，而被《修龍》導演謝宇恩邀請創作影片中的服裝造型，雖然時間上較為緊迫，但因為整個劇本的角色設定非常有趣，而且故事的時間背景是設定在未來的烏托邦，因此讓她在造型上有更多元的發揮空間。根據導演的角色安排，影片中的五大族群分別是代表原住民的「鐵山一族」、代表閩客的「聖獸機動隊」、代表日本的「鬼連邪娛樂場」、代表新住民的「煉獄散擊流派」與代表庶民的「電鳳交易市場」，她為這些族群與角色注入了許多來自於時裝與街頭的元素，並且在細節上暗藏許多代表台灣性格的符號象徵。例如：用台啤罐製成高跟鞋的鞋跟、將飛龍刺繡融入北一女中的綠色制服、用毛筆直接在襯衫上書寫硬派風格的文字、以五金飾品融合道教旗幟製成的面罩、用青箭口香糖做成的耳環、用LED妝點的頭飾與褲子、以HELLO KITTY圖樣的眼罩、用90年代火焰風格圖樣製成的傳統肚兜、或是把Stussy紋身貼紙融入到原住民黥面的設計中，可以看出在造型上有許多結合傳統，並且與當代潮流碰撞後的產物，那樣的風格既非過去，也非現在，而是一種對於未來台灣族群輪廓交融後的一種幻想，用想像力去試圖掙脫那些過去刻板的印象，用一種近未來式的全新造型，詮釋出一種屬於台灣的形象 江宥儀的創作除了用了很多不同的形式作為她個人抒發的媒介，同時也能讓我們感受到她強烈的個人情感，她提到很多《修龍》裡的造型單品都是她最後打算拿回去穿的，她很私心地在創作過程裡頭把自己的慾望一顧腦地丟進去，其中最有趣地莫過於那件在詐欺師金龍身上用毛筆書寫的襯衫，佈滿整件衣服上的字句，暗藏的是她對於情人的一段告白，從這邊就可以看出她在創作上的恣意與大膽，她把那些最日常性的符號去蕪存菁後，大剌剌的晾在我們眼前，而我們彷彿都可以從中找到自己 從她的創作裡頭我們看見了人終其一生都在跟自己的情緒、每天遇到的人、內心的情慾，還有和這個世界「修龍」，那些不經意的碰撞過程，最終成就了現在的我們，就像她說到，她從來沒有想過自己會有這樣的一天，可以做服裝設計師、藝術家或是模特兒，對她來說，她不過就是在人生未知的旅程裡，讓自己去感受一切，並且接受那些外來的挑戰，最後反而找到了自己想要走的路。俯瞰這一切，其實每個人都像是一座島，如同名為福爾摩沙的島，我們必須擁抱所有來自外在的衝擊，尊重且珍視從四方而來並在這個地方相遇的緣分，一同創造出屬於我們自己的未來 人物：江宥儀 攝影：何劦 採訪：陳丰 服裝1：Ottolinger 服裝2：Yang Li 門市地址：台北市大安區東豐街52-1號 服務專線：[phone] 營業時間：週一至週日 12:00-19:00 不定休 #DanchuTaipei #YuYiJohn ►DanchuTaipei.com

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謝宇恩〈直視，修龍世代的影像嚎叫〉 「修龍」一詞在閩南語中代表著「碰撞」的意思，對台灣的文化脈絡而言，那是一種連續性的狀態，在台灣特殊的時空背景下，隨著時代的更迭，許多不同的民族和文化在這個名為福爾摩沙的島嶼上彼此交互碰撞著，我們無法預知在這些衝擊過後會殘存什麼，但那些激盪的過程引領了台灣的過去、現在甚至是對於未來的遙想 2015年以台北「食」文化為出發點的「EATAIPEI」計畫，導演謝宇恩與不同領域的設計師及國際級的廚師合作，重塑台北食物與人們之間的關係，透過一支三分鐘的影片，將時下最具話題性的食物設計與分子料理呈現在國際的舞台上，並參與了在TENT舉辦的倫敦設計節，受到國際上很多的好評與迴響。延續這個「食」的文化觀點，他的最新作品以更龐大的世界觀帶來《修龍》這支影片，參加了2016年9月首次在英國舉辦的倫敦設計雙年展，並以台灣館的名義在當地展出 從9/7到9/27為期20天的「倫敦設計雙年展」（London Design Biennale），將在英國薩默塞特府舉辦，屆時將有40個國家共襄盛舉，雖然這是第一屆在倫敦舉辦的國際級雙年展，但其規模跟等級都與威尼斯藝術雙年展、巴西聖保羅雙年展相同，所有的參展單位都是受到國家級認可的，在展覽的聚焦上也更有深度，例如這一次的大會主題「UTOPIA BY DESIGN」（設計烏托邦），便是希望各個國家以自身的文化背景，用設計的觀點去詮釋對於國家未來的想像，希望藉由各國設計人才之間的交流與激盪，帶領世界邁向並貼近「烏托邦」的美好願景 從小在台灣長大的謝宇恩，在大學時就到英國深造，當時的他還處在摸索自我的階段，索性選擇純藝術這個範疇廣泛的領域來探索未來想要走的路。他憶起在校時，老師並不會給他太多的幫助，所有在創作上遇到的問題都必須自己去鑽研解決，因此養成了他獨立思考與批判的能力。在英國時，他對一個名為「INVISIBLE」（隱形）的展覽印象非常深刻，在一個偌大的空間中空無一物，只有文字敘述這些「看不見」的作品，訪客必須用想像的方式，利用視覺以外的角度，去感知這個空間裡頭「不存在」的畫面。事後他理解到原來很多時候人們的思維不應被既有的框架所侷限，因此他在研究所時選擇了表達能力更為直接的影像創作領域，並且不設限的參與各種類型的拍攝企劃，累積了許多與國際夥伴的合作經驗；而《修龍》這支以族群的碰撞交融為出發點的影像創作，正是在這樣的一個氛圍之下應運而生 對於導演謝宇恩而言，台灣島就像是一個帶有豐沛故事性的載體，乘載了多樣民族各種「修龍」（碰撞）後的結晶，他以這樣的角度切入，以劇場式的鮮明輪廓，親自設定了片中所有的角色及故事背景，並將對未來的奇幻想像投射於影片當中。他在短短一個多月的時間內就招集了服裝、音樂、影像、平面等各個領域的人才，以有限的預算孕育出這支約兩分半鐘的影片，在馬不停蹄的拍攝過程中，整個團隊走遍七個場景，動用將近70位工作人員，並於一天內完成所有的拍攝進度，其緊湊的程度可想而知。要在如此短的片長中完整詮釋台灣各個族群間複雜的特性實屬不易，因此他希望觀看的大眾可以先把這部影片當作前導片欣賞，或許接下來他會透過集資平台上籌眾的方式，加入更多劇中人物的刻畫，將《修龍》這部影片發展成完整的電影，進而用更多足夠的時間去表述他對於族群、文化和未來社會的幻想 一部建立在「烏托邦」式遙想的短片，帶著強烈的美術風格及平面視覺，加上歌手李英宏一手包辦的地道配樂，在躁動的夏季時分為台灣社會帶來了一場豐富的文化碰撞，所有不同的討論聲浪，都是帶領台灣成長的一部份，謝宇恩希望藉由《修龍》這部影片，讓國際間對台灣這塊擁有深厚文化底蘊的島嶼，擁有多一些的不同想像。片中所傳達的碰撞，一直都是存在於族群或國家之間的重要議題，而我們的日常中也常會遭遇到跟自己相異的人產生碰撞，或許在那些當下我們無法去定義好與壞，但撞擊後所產生的火花會引領著我們去思考和感受，並轉化成一個使我們進步的能量，當一個國家或族群有著接受來自四方衝擊的器度時，相信更美好的「烏托邦」將在不久的未來到來 平面攝影：何劦 服裝選用：Drkshdw, Raf Simons, Rick Owens, Ximon Lee 門市地址：台北市大安區東豐街52-1號 服務專線：[phone] 營業時間：週一至週日 12:00-19:00 不定休 #DanchuTaipei #YuEnHsieh ►DanchuTaipei.com

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謝宇恩〈直視，修龍世代的影像嚎叫〉 「修龍」一詞在閩南語中代表著「碰撞」的意思，對台灣的文化脈絡而言，那是一種連續性的狀態，在台灣特殊的時空背景下，隨著時代的更迭，許多不同的民族和文化在這個名為福爾摩沙的島嶼上彼此交互碰撞著，我們無法預知在這些衝擊過後會殘存什麼，但那些激盪的過程引領了台灣的過去、現在甚至是對於未來的遙想 2015年以台北「食」文化為出發點的「EATAIPEI」計畫，導演謝宇恩與不同領域的設計師及國際級的廚師合作，重塑台北食物與人們之間的關係，透過一支三分鐘的影片，將時下最具話題性的食物設計與分子料理呈現在國際的舞台上，並參與了在TENT舉辦的倫敦設計節，受到國際上很多的好評與迴響。延續這個「食」的文化觀點，他的最新作品以更龐大的世界觀帶來《修龍》這支影片，參加了2016年9月首次在英國舉辦的倫敦設計雙年展，並以台灣館的名義在當地展出 從9/7到9/27為期20天的「倫敦設計雙年展」（London Design Biennale），將在英國薩默塞特府舉辦，屆時將有40個國家共襄盛舉，雖然這是第一屆在倫敦舉辦的國際級雙年展，但其規模跟等級都與威尼斯藝術雙年展、巴西聖保羅雙年展相同，所有的參展單位都是受到國家級認可的，在展覽的聚焦上也更有深度，例如這一次的大會主題「UTOPIA BY DESIGN」（設計烏托邦），便是希望各個國家以自身的文化背景，用設計的觀點去詮釋對於國家未來的想像，希望藉由各國設計人才之間的交流與激盪，帶領世界邁向並貼近「烏托邦」的美好願景 從小在台灣長大的謝宇恩，在大學時就到英國深造，當時的他還處在摸索自我的階段，索性選擇純藝術這個範疇廣泛的領域來探索未來想要走的路。他憶起在校時，老師並不會給他太多的幫助，所有在創作上遇到的問題都必須自己去鑽研解決，因此養成了他獨立思考與批判的能力。在英國時，他對一個名為「INVISIBLE」（隱形）的展覽印象非常深刻，在一個偌大的空間中空無一物，只有文字敘述這些「看不見」的作品，訪客必須用想像的方式，利用視覺以外的角度，去感知這個空間裡頭「不存在」的畫面。事後他理解到原來很多時候人們的思維不應被既有的框架所侷限，因此他在研究所時選擇了表達能力更為直接的影像創作領域，並且不設限的參與各種類型的拍攝企劃，累積了許多與國際夥伴的合作經驗；而《修龍》這支以族群的碰撞交融為出發點的影像創作，正是在這樣的一個氛圍之下應運而生 對於導演謝宇恩而言，台灣島就像是一個帶有豐沛故事性的載體，乘載了多樣民族各種「修龍」（碰撞）後的結晶，他以這樣的角度切入，以劇場式的鮮明輪廓，親自設定了片中所有的角色及故事背景，並將對未來的奇幻想像投射於影片當中。他在短短一個多月的時間內就招集了服裝、音樂、影像、平面等各個領域的人才，以有限的預算孕育出這支約兩分半鐘的影片，在馬不停蹄的拍攝過程中，整個團隊走遍七個場景，動用將近70位工作人員，並於一天內完成所有的拍攝進度，其緊湊的程度可想而知。要在如此短的片長中完整詮釋台灣各個族群間複雜的特性實屬不易，因此他希望觀看的大眾可以先把這部影片當作前導片欣賞，或許接下來他會透過集資平台上籌眾的方式，加入更多劇中人物的刻畫，將《修龍》這部影片發展成完整的電影，進而用更多足夠的時間去表述他對於族群、文化和未來社會的幻想 一部建立在「烏托邦」式遙想的短片，帶著強烈的美術風格及平面視覺，加上歌手李英宏一手包辦的地道配樂，在躁動的夏季時分為台灣社會帶來了一場豐富的文化碰撞，所有不同的討論聲浪，都是帶領台灣成長的一部份，謝宇恩希望藉由《修龍》這部影片，讓國際間對台灣這塊擁有深厚文化底蘊的島嶼，擁有多一些的不同想像。片中所傳達的碰撞，一直都是存在於族群或國家之間的重要議題，而我們的日常中也常會遭遇到跟自己相異的人產生碰撞，或許在那些當下我們無法去定義好與壞，但撞擊後所產生的火花會引領著我們去思考和感受，並轉化成一個使我們進步的能量，當一個國家或族群有著接受來自四方衝擊的器度時，相信更美好的「烏托邦」將在不久的未來到來 平面攝影：何劦 服裝選用：Drkshdw, Raf Simons, Rick Owens, Ximon Lee 門市地址：台北市大安區東豐街52-1號 服務專線：[phone] 營業時間：週一至週日 12:00-19:00 不定休 #DanchuTaipei #YuEnHsieh ►DanchuTaipei.com

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Danchu 2017 春夏發表會 英國男裝設計師Martine Rose，以「Previous Owners」為主題，搜羅各式各樣的服裝款式，把所有款式從風格中抽離，進而解構重組出一個「沒有風格」的服裝系列；其中每個單品都是獨立的存在，但經過重新排列組合後，我們看到的是一套套看似不協調，輪廓上卻有著異常突出的造型；承接品牌從2007年創立至今維持一貫的標誌性Oversized輪廓，其中的亮點之一是品牌的特色手法，像是反面刺繡外露的Sweater，還有極為寬版落地的寬褲、解構落肩的MA-1外套，這些屬於早期Martine Rose的創作元素，依舊以她個人的語彙，在這個系列所呈現的故事中，被娓娓道來 她說這一季中的每個款式都可以是任何人的，可以是搖滾歌手、攝影師、光頭黨或是同性戀，沒有年齡也沒有性別上的限制，因為服裝穿在不同人身上，最終反射的還是那個人的特質，可能是他的工作、身形、生活習慣甚至因為左、右撇子的區別，都會把一個人的生活軌跡留在衣服上，經年累月後，它可能是縮水的、色落的、被修改的、破洞的或被DIY的方式車上貼布或印上圖案的，這一切都取決於服裝最根本所依附的「人」本身，而不同款式服裝之於不同的的人，所代表出的意義也會大不相同 另外，Martine Rose也提及這個系列的靈感有一部份是來自於攝影師Cindy Sherman於70年代拍攝的「Bus Riders」系列攝影作品，她拍攝了15個在巴士上觀察到的人們，當他們被呈現在同一個畫面中，你會發覺不管男女老幼，每個人都是獨一無二的，就像這個系列中的每件單品，都可以是屬於任何一個人的 回歸到服裝的本質，Martine Rose引導我們去思考人跟服裝、甚至是物質之間的關係，如同電影Fight Club中著名的一句話：「the things you used to own, now they own you」，這句話從另一面讓我們理解到，是因為每個人最私密的特質成就了服裝的獨特性，並非服裝本身 活動時間：7/1-7/5止 (門市限定) 門市地址：台北市大安區東豐街52-1號 服務專線：[phone] 營業時間：週一至週日 12:00-19:00 不定休 #DanchuTaipei #MartineRose ►DanchuTaipei.com

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Danchu 2017 春夏發表會 由Melvin Tanaya與Lyna Ty兩人一同創立，來自澳洲的設計師品牌Song For The Mute，早期以極簡的先鋒設計聞名，其拿捏得宜的服裝比例輪廓，與細膩的面料挑選，配合內斂且詩意的設計手法，深受人們的喜愛；這一次春夏系列以莫內的油畫為設計靈感，油畫跟一般繪畫不同的是，一般水彩或水墨畫，如果筆觸或水分沒有拿捏好就很難有修改的機會，而油畫卻可以一層一層地用不同的筆觸與色彩堆疊下去，藉由掌握松節油份量的多寡，可以在畫布表面形成微妙的立體層次，所以對一般人來說，油畫可能就同如其他繪畫般，是一種點與線構成的平面，不過如以微觀的角度來說，它其實更像是服裝面料與層次的搭配一樣，帶有立體的紋理與結構 本季春夏系列中，可以看到設計師運用面料的厚薄、不同長短的剪裁與色彩紋理的堆疊，構築出整個系列如同油畫般的氛圍，輪廓上以東方寬鬆剪裁為設計基礎，融合了西方正裝與街頭元素，讓整個系列蘊含了禪意靜謐的底蘊外，疊加上色彩與層次間錯落的視覺效果，引伸出系列主題「BEAU」所要呈現的優雅自適氣息；系列款式裡頭有和服般的袍式外套、寬肩西裝外套、改量式的短袖棒球衫、無領西裝，還有偏向街頭風格的飛行外套、連帽外套與輕薄的軍裝大衣，下身褲裝部分則多以不同長度的高腰寬褲做搭配，把視覺中心往上提升，令整體比例雖然寬鬆卻因此顯得修長 面料上，設計師憑藉著多年的豐富經驗，把適合春夏季節的棉、麻、嫘縈結合布料表層的提花織紋，將除了平面以外的視覺層次突顯出來，而最特別的則是選用了一種以干邑酒後加工處理過，棉與仿草紗混紡的面料，此種布料的表面會呈現出如油畫般起伏的紋理，為此系列中的一大亮點；除了專注在剪裁與面料的形塑上，在細節上也有令人意想不到的驚喜，設計師特別染製了一系列的水牛角釦，並且以手工的方式一顆顆獨立燒制而成，讓品牌初始的先鋒精神，由內而外的流瀉於整個系列之中 在現今網路發達的時代，人們的視覺總是被誇張的圖片與影像豢養著，但當你走進位於法國巴黎的橘園美術館，凝視著莫內的畫作，依舊會被他的筆觸和畫布上的肌理所震懾，而服裝的創作也是一樣的道理，就像Song For The Mute每一季由設計師親手製作的衣服，從版型的製作、過程中的一針一線，到串連起各式的面料，都有他的脈絡存在，如同品牌名稱所隱含的道理，一個扎實的創作，就算只是寂靜的存在，他所給人的衝擊，也足以蓋過那些喧囂 活動時間：7/1-7/5止 (門市限定) 門市地址：台北市大安區東豐街52-1號 服務專線：[phone] 營業時間：週一至週日 12:00-19:00 不定休 #DanchuTaipei #SongForTheMute ►DanchuTaipei.com

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Danchu 2017 春夏發表會 「即興創作」這個概念貫穿了高橋盾的2017春夏系列，從他過往的設計可以理解到他不是一個侷限自己眼界的設計師，從他早期2000年初的軍事武裝風格，用服裝與印花Slogan去強調反戰的思維，到首度登上巴黎裝週的「SCAB 」系列，把手工與拼接元素玩到淋漓盡致；接著在「LIQUID」系列中利用雙胞胎模特兒出場，分別呈現一件衣服原本樣貌，與解構重組後如溶解般的輪廓；爾後的「But Beautiful」系列中以超現實主義導演Jan Svankmajer詭譎風格的電影《ALICE》為靈感，呈現一系列把大量印有內臟、花卉組成的布花，搭配眼球等五金細節，並且以各式挑戰傳統的反車縫或是拼接手縫元素，打造電影中愛麗絲所經歷的超現實詭譎夢境；高橋盾憑著接連幾季極具實驗性，確保有細膩與優雅的服裝系列，奠定了他在時裝界的地位，也讓世人理解到他是一個對事物充滿好奇與實驗精神的設計師，他從不會讓自己的思維沉溺在同一個框架中，每一季的創作他都會為自己尋找一個新的挑戰，開拓自己的極限 在2009年，高橋盾首度把男裝系列搬上國際時裝週的舞台，不過有別於女裝秀上誇張且實驗性的展演，以德國極簡主義設計大師Dieter Rams的設計核心價值「Less But Better」為靈感，以機能性面料與技術，用隱晦內斂的實驗手法，以機能為底蘊，重塑男性時裝系列的面貌，在當時，機能與時裝很難被聯想在一起的年代，高橋盾用他冒險嘗試的精神，探索前人未觸及的領域，又再一次地用不一樣的手法，震撼時裝界。大家可能會納悶，為甚麼高橋盾的男裝跟女裝在設計中，在實穿的本質上有如此的差異？答案很簡單，高橋盾說：『我所創作的女裝是饒富概念性的，但男裝就是我日常穿著的一部份，我只做我想穿的衣服』。而他在2017春夏系列中，環繞「即興創作」的主題，就像那些能夠隨著音樂即興演出的爵士歌手，高橋盾在這十幾年的創作過程中，他經歷了無數的實驗與冒險，累積了廣泛的知識與底蘊，才真的可以運用那些經驗信手捻來，即可把閃過腦海中的靈感與想法轉化為一個完整且實穿的男裝系列 由於高橋盾的男裝是以自身為出發點，所以有很多反映現實裝態的裝束，就像這一次貫穿整個系列的工裝和軍裝的款式，都是先有「因」才在那個世代氛圍下被創造出來的產物，因此高橋盾以投射生活目的為考量，在款式上配置許多口袋的細節，並且如同早期AFFA創作中，恣意的把充滿反叛思想的文字印刷和貼布，做為衣服以外的裝飾細節；在顏色上以大地色為基底，從中穿插明度較高的配色與圖案細節，帶出春夏輕盈的氣息；其中幾款較為突出的款式，莫過於把風衣和襯衫，壓上軍事風格立體口袋的機能性單品，還有改良自工裝風格，把包包結合背心，並印上反映高橋盾內心吶喊的Slogan，令人會心一笑；而被安排在前頭的四套，帶有中東風格的滿版印刷配件，想必也是本季值得入手收藏的注目單品 這次「即興創作」的系列中，高橋盾沒有做太多華而不實的設計，所謂的「即興」，就是把自己放空，讓生活中的一切事物，自然而然地流瀉於腦海之中，哪怕是靈光一閃的文字或圖像，又或是在某一個瞬間聽到的音樂歌詞，藉由重新排列組合後，都可以是創作的一部份。過去人們總是覺得做設計，背後一定要有一個龐大的靈感與脈絡，才能成就好的服裝創作，其實當你累積了足夠的生活歷練後，那些靈感俯拾即是，實為高橋盾在這一季為我們所揭示的想法 活動時間：7/1-7/5止 (門市限定) 門市地址：台北市大安區東豐街52-1號 服務專線：[phone] 營業時間：週一至週日 12:00-19:00 不定休 #DanchuTaipei #Undercover ►DanchuTaipei.com

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Danchu 2017 春夏發表會 J.W.Anderson這顆時裝界耀眼的新星，如同這季春夏的靈感，作家聖修伯裡的經典著作中頂有一頭金髮的小王子，墜落到時裝這個圈子之中，從他最初獲得英國時尚大獎、與Versace合作副牌到被LVMH集團相中接掌旗下歷史悠久的品牌LOEWE，這個年紀輕輕，卻洋溢著無限才華的年輕設計師，短時間內就吸引了無數世人的注目，說他是英國時裝界的金童也不為過 聖修伯裡筆下的小王子，是一個純真無邪少年，隻身來到了未知的地球，展開一段探索這個世界的旅程，其中遇到了各式各樣新奇怪異的人，小王子都用他最純真的一面，不管對方是什麼樣的人，用心去感受與體會和不同的人之間的微妙關係，這份關係就像J.W.Anderson的服裝創作之於消費者，用孩童般的幻想，利用服裝把這份情感傳遞給大眾，不管在他成名之前，到現在受人矚目，在時裝一片商業導向的產業中，他以他從一而終的設計，表現他內在最真摯童心的一面 這一次春夏系列中，以小王子的奇幻冒險為出發點，結合了小說裡頭出現的人物與場景，把這些元素用他簽名式的奇幻風格，隱喻般的鋪陳在整個系列裡頭。秀一開始，從模特兒頭上所配戴飛行員眼鏡與皇冠，提點了整個系列以小說為靈感的主軸，在款式上不乏風衣、飛行員風格的夾克、連身工作服、針織上衣和長板罩衫等款式，但是透過J.W.Anderson富含想像力的濾鏡之下，服裝的版型與比例全都變得不太一樣，風衣外套的袖長彷彿縮了水、針織上衣的袖子像是一不小心織了太長、夾克的肩型與袖型像是吹了氣般膨漲了起來、還有長外套在剪裁中融入偏向女裝的腰身，與超現實般的誇張領型，都是J.W.Anderson把腦海中童話般的幻想，轉化為模特兒身上的服裝，超越了傳統服裝上的比例與美感；在面料與布花的選擇開發上依舊延續他的幻想，除了運用像徵貴族身份的綢緞材質與軍裝風格中較硬挺布料外，也融入了傳統英式風格的格紋元素，加上卡通與圖騰的印刷，結合面料的拼接與材質的堆疊，引領大家進入設計師本人腦海中的奇幻冒險 人們常說J.W.Anderson創作的服裝是無性別的，但對他來說，他只是如同小王子般，很單純的把內心最純真幻想投射在系列之中，就像他所言，他的創作是為了逃離一種無趣的懷舊感，時下許多設計師所設計的衣服，不過是把舊時代的產物重新搬上伸展台，令人頗為乏味，而J.W.Anderson就像孩子般，因為沒有過去的束縛，所以他的想像力可以隨著一針一線綿延至無亙的宇宙之中，應證了小王子裡頭最有名的一句話：「人只有用自己的心才能看清事物，真正重要的東西用眼睛是看不到的」 活動時間：7/1-7/5止 (門市限定) 門市地址：台北市大安區東豐街52-1號 服務專線：[phone] 營業時間：週一至週日 12:00-19:00 不定休 #DanchuTaipei #JwAnderson ►DanchuTaipei.com

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Danchu 2017 春夏發表會 Boris Bidjan Saberi所創作出來的服裝，一向都飽含藝術家在創作時的實驗精神，從無到有的過程中，他從不會預設這個東西最終完美理想的狀態或是性別歸屬，因為實驗的本質沒有一個所謂的終點，所有東西的產生都在過程中的某一個狀態下，設計師用自己最私人的情感去定義他的美與好，並且從各式的面料與版型實驗中去形塑出一個完整的服裝系列 Boris Bidjan Saberi在本季春夏系列中提到了一個有趣的觀點，他說：「黑色金屬生鏽之後其實會變成棕色，不過它的斑駁的表面卻是黃色的」，這個化學變化的過程所帶出的靈感，引發了他這個系列中材質與面料實驗的基礎概念，綜觀整個系列造型的色彩演進，就如同黑色金屬鏽蝕成黃色的過程一般，有層次的帶入不同狀態下的視覺軌跡，加上Boris Bidjan Saberi運用了自己最拿手的面料實驗手法，例如把各式皮革的鞣製、面料用樹脂後加工處理、布料表層上蠟、冷染與後染等技術，Boris Bidjan Saberi利用各種材質實驗，堆砌出屬於設計師獨道的工藝美學，並且在輪廓上維持他一貫遊牧多層次風格，把無袖的風衣、皮革製的外套與包包、日本的袍式外套和長版針織罩衫，運用款式中面料本身的色澤與紋理，去做層次上搭配 本季款式的另一大亮點莫過於雷射切割製成的背心結合了可拆式保暖內裡，構築出的機能貼條外套，將先鋒品牌的工藝技法融合當代服裝演進的脈絡，就此可以理解到，雖然Boris Bidjan Saberi被歸類在先鋒品牌中的一員，但他並沒有高高在上，把自己鎖在這類品牌既有的像牙塔之中，反而融入更多來自街頭文化中的款式與細節設計，加入貼近日常的實穿機能細節，注入服裝創作之中，就像他在這季鞋款的部分，除了讓模特兒穿上他代表性的皮革類手工製鞋款外，出乎意料的找來了與先鋒手工風格截然不同的戶外機能品牌Salomon，為這季打造了一雙低筒，極具未來感的運動球鞋，搭上了時裝結合機能球鞋的熱潮，用前衛的思維去詮釋在工藝與機能兩端互相結合後的樣貌 在這一季春夏系列中，我們可以看到Boris Bidjan Saberi除了持續實踐他在工藝與面料實驗的精神，他進而把更多實穿的機能單品、細節融入設計之中，讓愛好者可以不用拘泥風格或是款式，可以輕易的把這些服裝融入穿搭之中；一件衣服有著外觀再華麗或是獨特，如果沒有辦法融入生活之中，那也只是一種孤芳自賞，而Boris Bidjan Saberi在極為繁複的工藝美學中，仍舊在實穿與機能性拿捏得宜，展現出他在設計平衡上的過人敏銳度 活動時間：7/1-7/5止 (門市限定) 門市地址：台北市大安區東豐街52-1號 服務專線：[phone] 營業時間：週一至週日 12:00-19:00 不定休 #DanchuTaipei #BorisBidjanSaberi ►DanchuTaipei.com

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Danchu 2017 春夏發表會 Rick Owens本季沒有以他常用的陰鬱渾厚的Techno開場，反而是以歌手Neil Young於1970年創作的《After the Gold Rush》拉開了序幕，從Neil Young呢喃詩意般的嗓音中，吟唱著一個毀滅後重生的故事，就如同Rick Owens這幾年在服裝創作上的歷程，他一直以他最私密且個人的情感去創作出一次又一次，摧毀時裝所帶給人們的既定框架，用建築雕塑結構般的版型和立體剪裁劃破當今時尚虛偽且膨脹的泡沫 這一次春夏系列名為「WARLUS」，實為去年秋冬系列的延伸，從邀請函上可以看到印有一個男孩轉化成海象的過程，Rick Owens在秀後說到：「海象對我來說是一個不盡完美的生物，雖然長相醜陋，卻給人一種油亮時髦的感覺，這就是我所要帶給世人的美感 」，此句話應證了他早期的創作至近，從來沒有去迎合時下潮流去創作出大眾所追捧「美」的事物，有人認為他的服裝是一種反時尚或是叛逆的表現，但對他而言，他只是把自身內心所審視過的事物與情感投射在他的服裝創作上罷了 在上一季秋冬系列中，以古生物乳齒象滅絕為靈感，創作出一系列帶有厚實鮮明輪廓的裝束，模特兒身著硬挺寬大的褲子，彷彿就像乳齒像巨大的四肢一般，而衍伸出的春夏系列依舊延續著這樣的輪廓，不過可以看到在用料選材上，比上一季更柔軟細膩，使用了大量的絲紗與斜紋綢緞，去表現出海象身上滑溜的光澤，並帶出服裝上脆弱且纖細的垂墜感；在剪裁上，上半身用皮革或和較硬挺材質，拼湊出的合身短版外套，去搭配上延續秋冬高腰且極為寬鬆的褲型，視覺上給人一種仰視般，神聖崇高的A字輪廓；另外的亮點則是Rick Owens用極為柔軟的材質，以堆疊、立裁和抓皺的方式，表現出如生物解剖後，所呈現出的肌肉紋理，似曾相識的手法，讓人很難不聯想到著名法國設計師Madame Gres，在人體上用纏繞、打褶與立裁，所創造出如雕塑般的服裝結構，令人不得不讚嘆Rick Owens在版型與立體剪裁的功力 秀上除了用皮革與亮片所縫製的短版外套外，Rick Owens的創作中少不了標誌性的日式和服剪裁元素，不管是削肩無袖罩衫，或長版袍式外套，都用一針一線的手縫技法，妝點上如太陽光放射狀的亮片，視覺效果優雅且令人屏息，似乎也呼應著Neil Young《After the Gold Rush》歌曲中的最後一段歌詞：「flying mother nature's silver seed, to a new home in the sun, flying mother nature's silver seed, to a new home」，映照著Rick Owens心中，迎來服裝創作過程中，一切的毀滅與重生，即便未來是如此脆弱，卻依舊對重生後的新世界望眼欲穿 活動時間：7/1-7/5止 (門市限定) 門市地址：台北市大安區東豐街52-1號 服務專線：[phone] 營業時間：週一至週日 12:00-19:00 不定休 #DanchuTaipei #RickOwens ►DanchuTaipei.com