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Zanele Muholi: Bona, Charlottesville (2015). Stevenson Gallery. Cape Town, África do Sul.

Retrato faz parte de uma série ainda em andamento, que começou em 2012, onde a fotógrafa Zanele Muholi, faz auto retratos em preto e branco como uma forma de criticar os estereótipos em relação a mulher negra, que constantemente tem seu corpo violado e minado. Na fotografia Bona, existe uma saturação proposital e sem remorso, exagerando na escuridão da pele da artista. Muholi, está em uma cama com tecidos claros, e um fundo decorado, ela segura o espelho através do qual podemos observar seu olhar penetrante que força um diálogo com o telespectador. Zanele, se considera uma ativista visual, e criou várias séries com temáticas que denunciam crimes de ódio conta homossexuais e de como racial que são cometidos no seu país natal, África do Sul.

#zanelemuholi

Carrie Mae Weems .I Looked and Looked and Failed to See What so Terrified You, from the Louisiana Project series (2003), 94.5 cm x 127.6 cm. Nasher Museum of Art at Duke University, Durham, NC, EUA.

A obra I Looked and Looked and Failed to See What so Terrified You de 2003 faz parte de uma série de fotografias, da artista americana Carrie Mae Weems. No díptico, que é um auto retrato, Carrie usa um vestido de estampas com tecido acolchoado, enquanto se olha em um espelho de mão e a outra mão está tocando o cabelo preso. A imagem é espelhada uma da outra e segue uma característica dos trabalhos de Weems que é operar em diversos níveis simultaneamente. A fotografia trata da lacuna existente entre o espectador e a obra assim como entre a autoimagem e a imagem pública. Também vai considerar a questão da identidade racial e de gênero que vai além da imagem de uma mulher negra se olhando no espelho, vai se refletir no texto da obra.

#carriemaeweems

Angelina Agostini. Vaidade (1913). Óleo sobre tela, 73,5 x 78,5cm. Museu Nacional de Belas Artes (MNBA), Rio de Janeiro, Brasil.

Foi com a tela Vaidade que Angelina Agostini tornou-se vencedora na 20° Exposição Geral de Belas Artes em 1913, concorrendo com outros sessenta e um artistas, sendo 47 homens e 14 mulheres. A obra trouxe inovação para a representação feminina nas artes, onde a pintura de mulheres por artistas mulheres confronta e resgata os corpos femininos da tradição hegemônica. A artista utiliza da figura feminina em um momento de intimidade para reinvindicar a própria sexualidade e levantar questões de gênero e autorepresentação. Em Vaidade, Angelina convida o espectador para um momento íntimo feminino, no entanto a mulher representada não encara quem observa. Traz o espelho como forma de enxergar a individualidade e possibilidade de olhar a si mesmo.

#angelinaagostini

Nan Goldin, Nan one month after being battered (1984), 6,95m x 1,15 m. TATE Museum, Londres, Inglaterra.

Nan Goldin, fotógrafa americana, é conhecida por fazer retratos muito pessoais, usando sua arte como forma de documentar sua vida e a de pessoas próximas a ela. Esta imagem específica, foi feita em um período crítico da vida da artista, que acabava de sair de um relacionamento. A imagem apresenta Nan com o olho esquerdo inchado e com sangue, os hematomas escurecem a pele ao redor do olho direito, mas ela olha diretamente para a câmera, em postura desafiadora. Esta imagem aparece na série de slides “All By Myself” montada em 1995-6. A artista explica que esteve envolvida com um homem por algum tempo e seu relacionamento passava por altos e baixos constantemente, porém a relação ainda se mantinha, baseado em um idealismo romântico que partia da artista. Apesar da relação se desintegrar com o tempo, as relações sexuais ainda aconteciam e, numa dessas vezes, o parceiro espancou Nan severamente, quase a cegando. Esta fotografia pode facilmente causar desconforto no espectador, por retratar alguém desta forma, machucada, mas ainda em postura de imposição, o que resulta numa desconexão entre os dois pontos. O principal questionamento abordado pela artista na série “All By Myself” se baseia na luta entre a autonomia e a dependência dentro de relacionamentos que, por vezes, acabam sendo destrutivos.

#nangoldin

Orlan. Performance Operação bem sucedida (1990-95).

Entre os anos 1990 e 1995, a artista Orlan passou por um total de 9 procedimentos estéticos, todos documentados em vídeo e também fotograficamente, como uma manifestação do feminismo através da arte. Orlan é uma artista que dialoga muito com o padrão de beleza existente na sociedade e suas performances cirúrgicas retratam bem esse questionamento. A primeira intervenção foi feita em seu queixo, para que ficasse com a aparência de Vênus de Botticelli, a próxima foi para que tivesse a testa de Monalisa, conhecida por sua testa grande. Apesar de se inspirar em duas obras de arte muito renomadas na academia, seu propósito não era ficar mais bonita, muito pelo contrário, queria levantar questionamentos sobre os padrões de beleza impostos sobre a mulher. Há um ponto muito interessante também no registro fotográfico cru desses procedimentos, como podemos ver nas duas imagens escolhidas, ela não censura o próprio sangue, usa seu processo como veículo performático, num esforço de mostrar as pequenas (ou grandes), agressões físicas e morais decorrentes das exigências da sociedade sobre o papel da mulher. Utilizando seu corpo como instrumento do ato político, dá voz e rosto a arte feminista, e a chamada “arte carnal” como a própria denomina. Ela cita: “A arte carnal não se interessa ao resultado plástico final, mas sim à operação-cirúrgica-performance e ao corpo modificado, tornado lugar de debate público”. A obra de ruptura de Orlan, além de complexa, tem como inspiração o trabalho de Andy Warhol, a obra “Female Movie Star Composite”, é um ótimo exemplo de algo que estabelece relações com as performances cirúrgicas da artista.

#orlan

Paula Rego. Sem Título, Triptych (1998). Pastel sobre papel, montado em alumínio. Lakeland Arts - Abbot Hall Art Gallery and Museum, Kendal, Reino Unido.

Nessa série, Paula Rego traz cenas de mulheres que foram submetidas ao procedimento de aborto clandestino. A artista, desde a década de 60, utiliza seu trabalho para denunciar questões políticas e sociais. Untitle Triptych surge em 1998, após um grande número de abstenção na votação contra a criminalização do aborto em Portugal. Evidencia o debate ao silenciamento das mulheres e a falta de controle sobre seus próprios corpos.

#paularego

Laura Knight. A Theatre Dressing Room. Óleo sobre tela, 75 x 62.5 cm. Gallery Oldham.

A obra A Theatre Dressing Room (1935) de Laura Knight retrata uma possível atriz ou bailarina do Birmingham Repertory theatre, teatro inglês que a artista frequentava constantemente com o intuito de representar seus artistas, bastidores e peças. Em A Theatre Dressing Room temos a figura feminina representada no local de trabalho, uma bailarina/atriz em sua previa preparação para encenar um personagem no palco do teatro. Knight constrói a figura feminina em sua obra a partir de um modelo estético do academicismo, representando em passividade em frente ao observador, como um objeto de observação.

#lauraknight

Georgina de Albuquerque. Raio de Sol (1920). Óleo sobre tela. Museu Nacional de Belas Artes (MNBA), Rio de Janeiro, Brasil.

Na obra Raio-de-sol (1920) de Georgina Albuquerque temos uma representação do nu feminino dentro dos arquétipos do impressionismo francês, o que demonstra a clara influência que a passagem da artista pela École Nationale Supérieure des Beaux-Arts e a Académie Julian, teve em suas obras. A paisagem campestre do quadro é inteiramente construída com pinceladas fortes e colorida, ao contrario da representação da figura feminina que possui pinceladas mais sutis e trabalhadas, para que a figura não se “perca” em meio ao cenário campestre. Por se configurar como um retrato, a obra tem como figura central o nu feminino iluminado pelo sol de um possível entardecer, a figura feminina construída por Georgina remete a fragilidade, sutileza e candura, sendo uma clara perpetuação dos tramites acadêmicos vigentes no inicio do século XX, em que a figura feminina era construída como objeto de observação, disposta em doce passividade em frente ao observador.

#georginaalbuquerque

Dora Carrington. Female Figure Standing (1913). UCL Art Museum. Londres, Inglaterra.

Em Female Figure Standing (1913), Dora Carrington representa uma modelo posta em pé e de costa para o observador, uma posição comum na estética acadêmica de representação do nu feminino, demonstrando como sua formação na Slade School of Fine Art, impactou em seu modelo representacional. Carrington comumente representava suas amantes em suas obras de nu feminino, o que abre a possibilidade para que em Female Figure Standing, tenhamos a representação de um de seus interesses românticos. Destonando do fundo escuro, a figura feminina pintada por Carrington é iluminada por uma luz disposta fora do campo representado na obra, permitindo assim um foco total do observador na figura retratada, método comumente usado na pintura de retratos. Colocada de costas ao observador, a figura feminina continua passível de uma doce passividade, sendo assim uma clara representação dentro dos arquétipos do academicismo.

#doracarrington

Dora Carrington. Female Figure Lying on her Back (1912). UCL Art Museum. Londres, Inglaterra.

Em Female Figure Lying on Her Back (1912), Dora Carrington representa uma modelo deitada em lencois e possivelmente alguns travesseiros, a posição em que a figura feminina é representada é comumente usada na representação de nus femininos. A obra de Carrington traz uma clara alusão às representações de Vênus, assim como Manet em Olympia, a artista constrói sua Vênus própria, sendo a modelo uma possível amante de Carrington, tornando Vênus assim uma pessoa real. A obra de Carrington por mais que, possivelmente, esteja envolta em um dialogo pessoal, é construída a partir dos arquétipos acadêmicos, onde a figura feminina é representada com candura, suavidade e passividade, construindo-a como um objeto de observação.

#doracarrington

Francesca Woodman. Sem título (1980)

Na fotografia sem titulo (1980) de Francesca Woodman, possuímos um autorretrato nu da artista. Fotografia em Preto e branco que define bem o modo representacional da artista, focada em representar a própria imagem fantasiada ou nua, as fotografias de Woodman se mantinham entre o limiar de performance e fotografia. Ao posar para esta fotografia representa-se em uma pose comum para estética acadêmica de representação dos nus, demonstrando e perpetuando uma figura feminina (a sua figura feminina) de forma cândida, suave, delicada e sensível, além de deter a doce passividade, comum em representações de figuras femininas ao posarem nuas em frente ao observador das obras.

#francescawoodman

Laura Knight. Self Portrait aka The Model (1913). Óleo sobre tela, 152.4 x 127.6cm. National Portrait Gallery. Londres, Inglaterra.

Em Self Portrait with Nude (1913), Laura Knight retrata a si mesma enquanto pinta um nu da artista Ella Naper. Em 1913 não era bem recebido pela sociedade e pela academia, que artistas mulheres retratassem nus, sendo assim, ao pintar Self Portrait with Nude, Knight se impõe diretamente contra as normas acadêmicas vigentes na época. Porém, ainda que por si só, Self Portrait with Nude se construa como uma obra revolucionária, é uma obra feita a partir dos métodos estilísticos acadêmicos, representando uma figura feminina sem “imperfeições” estéticas, de pele alva, delicada remetendo a candura esperada das mulheres pela sociedade.

#lauraknight

Vanessa Bell. Nude (1922–3). 813 × 654 mm. TATE Museum, Londres, Inglaterra.

A pintora inglesa Vanessa Bell, é uma artista desta coleção com grandes feitos no que se refere ao mundo da academia da arte, no seu período ativo. Era conhecida por seus retratos coloridos e suas pinturas de natureza morta. A artista teve sua primeira exposição solo em 1922 em uma galeria de Londres. Na obra escolhida, “Nude”, a artista retrata a nudez feminina num estudo de anatomia. As cores quentes, a postura da pessoa retratada, trazem um ar caloroso e orgânico a essa pintura, que é um bom exemplo de como era o trabalho de Bell.

#vanessabell

Graciela Iturbide. Rosa, Juchitán, México (1979). Fundacion MAPFRE, Madrid, Espanha.

A Artista mexicana Graciela Iturbide, fez essa fotografia em 1979. Nela vemos a jovem indígena Rosa, pertencente a cultura Zapoteca e moradora Juchitán no México. A moça é retratada de semi perfil e nua, somente com uma sandália marrom nos pés. A foto feita em preto e branco faz com o que o corpo seja moldado pela entrada do ambiente, clara e com alguns adornos florais, ao mesmo tempo em que se mistura ao fundo preto. Reflexos de luz entram no pequeno cômodo e iluminam determinadas partes de seu corpo, principalmente o rosto, que nos mostra um sorriso meigo e simples. A nudez é sensual, mas de forma natural que não a torna erótica.

#gracielaiturbide

Amrita Sher-Gil. Self-Portrait as a Tahitian (1934). Kiran Nadar Museum of Art, New Delhi, Índia.

Amrita pintou “Self-Portrait as a Tahitian” aos 21 anos em 1934. A obra teve como inspiração o europeu Paul Gauguin, mais precisamente um confronto direto às representações exotizadas do nu feitas pelo artista. Sher-Gil, artista feminina não branca em Paris, enxergou nas representações europeia uma exotização do corpo não-ocidental. É através do “Self-Portrait as a Tahitian” que responde a Gauguin, como quem reconhece que é observada e ignora, desviando o olhar para fora da tela.

#amritashergil

Amrita Sher-Gil. Marie-Louise Chassany (1932). Óleo sobre tela, 66.5cm x 92cm. National Gallery of Modern Art, New Delhi, Índia.

Amrita pintou esse retrato em 1932, Maria Louise foi sua colega na École des Beaux Arts e também com quem teve um suposto relacionamento. A artista costumava pintar seus parceiros românticos e dedicou outros dois trabalhos para Chassany.

#amritashergil

Orlan: Faceless Body- Sculpture with Ass (1965).

Esta fotografia de Orlan, foi feita em 1965, no início de sua jornada artística. Parte da série “corpo-escultura”, a artista coloca seu corpo em uso, com as posições contorcidas e complexas, inovando no seu modo de “renascer”. Essa fotografia, especificamente, esconde seu rosto, o que faz da obra uma expressão corpórea, dando continuidade à narrativa construída, de dar identidade a um corpo sem sexo, sem pele e sem rosto. A obra de Orlan se apresenta como um instrumento de manifestação e ruptura com os padrões estéticos, sociais e artísticos cabíveis da sociedade em que vivemos e, sobretudo, com o mundo da arte que conhecemos hoje. Ela faz parte de uma certa quantia de artistas com um senso crítico de sociedade, marcado pelo pós-guerra. A forte influência de Marcel Duchamp é muito evidente, utilizando do conceito de corpo sendo “ready-made” (criação de Duchamp) que traz uma nova direção para seu trabalho.

#orlan

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