le temple de l'art

  You came to rain a flood  

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Portrait of a Lady on Fire - Retrato de Uma Jovem em Chamas (2019, Céline Sciamma)

[nightskydyke]

favorite scenes from portrait de la jeune fille en feu / favorite paintings from art history they remind me of

Marianne and Héloïse remove their veils to kiss / René Magritte - The Lovers

“you dreamt of me?” “no, I thought of you” / Simeon Solomon - Sappho and Erinna in a Garden at Mytilene

Marianne and Héloïse kiss / Henri de Toulouse-Lautrec - Dans le Lit, le Baiser

Marianne and Héloïse in bed / Gustave Courbet - Le Sommeil

[understands]

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ARTE METAFÍSICA

 A Arte Metafísica (a tradução da italiana Pittura Metafisica) foi um movimento artístico italiano do início do século XX, caracterizado por vistas oníricas de praças misteriosas de arcadas com justaposições inesperadas de objetos.

Giorgio de Chirico A incerteza do poeta 1913

Arte Metafísica é a tradução da italiana Pittura Metafisica, um movimento criado por Giorgio de Chirico e pelo ex- futurista Carlo Carra, na cidade italiana de Ferrara. 

Usando um estilo realista , eles pintaram os quadrados típicos dessas cidades italianas, mas os quadrados são anormalmente vazios, e neles objetos e estátuas são reunidos em estranhas justaposições. 

Os artistas criaram assim um mundo visionário da mente, além da realidade física - daí o nome. 

Pittura Metafisica também foi altamente influente, mais importante no desenvolvimento da pintura surrealista do tipo onírica ou onírica , particularmente a de Max Ernst .

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ARTE FEMINISTA

A arte feminista é arte de artistas feitos conscientemente à luz dos desenvolvimentos da teoria da arte feminista no início dos anos 70.

Em 1971, a historiadora de arte Linda Nochlin publicou um ensaio inovador Por que não houve grandes artistas femininas? Na década de 1980, historiadores da arte como Griselda Pollock e Rozsika Parker estavam indo mais longe, para examinar a linguagem da história da arte com seus termos carregados de gênero, como "velho mestre" e "obra-prima". Eles questionaram o lugar central do nu feminino no cânone ocidental, perguntando por que homens e mulheres são representados de maneira tão diferente. No que às vezes é conhecido como arte feminista da First Wave, as mulheres artistas se divertiam com a experiência feminina, explorando imagens vaginais e sangue menstrual, posando nuas como figuras de deusas e desafiadoramente usando mídias como bordados que haviam sido considerados 'trabalho de mulheres'. Mais tarde, artistas feministas rejeitaram essa abordagem e tentaram revelar as origens de nossas idéias de feminilidade e feminilidade. Eles perseguiram a idéia da feminilidade como uma mascarada - um conjunto de poses adotadas pelas mulheres para se adequar às expectativas sociais da feminilidade.

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O Guia da vida de Mondrian

Piet Mondrian é um dos mais conhecidos de todos os artistas modernos - e também o mais incompreendido.

1. Siga seu coração - Há algo tão convincente em ver esse caminho constante para a abstração quando suas pinturas estão alinhadas em ordem de data (você pode ver a progressão nos exemplos acima, embora seu trabalho anterior tenha sido ainda mais figurativo). 

Mas ver cada pintura simplesmente como o inevitável próximo estágio pode fazer parecer que o destino de Mondrian foi elaborado desde o início, quando, na verdade, seu estilo de assinatura era algo que ele descobriu, e não planejou. 

Ele trocou sua vida semi-confortável por um quarto em um quarteirão de estúdios de artistas, em uma cidade com poucos contatos pessoais - e seu senso de realização pessoal aumentou enormemente. Ele entrou em um período extraordinariamente produtivo artisticamente, escrevendo de volta para um amigo logo após chegar: 'Você pode ser tão maravilhosamente você mesmo em uma cidade tão grande e cosmopolita'.

2. Crie espaço - As realizações de Mondrian como artista estão intimamente ligadas aos cuidados que ele tomou para criar a atmosfera certa para seu trabalho criativo. 

Ele o transformou constantemente em um ambiente estético completo, com painéis coloridos posicionados nas paredes de acordo com princípios semelhantes aos de suas pinturas, e também em móveis. Em 1938, preocupado com a ameaça de guerra, e particularmente tendo sido considerado um artista "degenerado" pelos nazistas, Mondrian sentiu-se compelido a deixar Paris.

3. Leve o seu tempo - Algumas pinturas de Mondrian não têm mais que duas ou três linhas - veja a Composição C  ( Nº III ) com vermelho, amarelo e azulabaixo, por exemplo. 

Mas volto e volto às pinturas de Mondrian, e percebo continuamente efeitos sutis de composição e cor que eu não havia percebido antes - e isso foi devido ao tempo que ele dedicou a pintá-las. Você pode dizer pelas superfícies lindamente texturizadas das pinturas, nas quais as pinceladas são claramente visíveis, que elas são feitas à mão.

4. Encontre o equilíbrio certo - Ele frequentemente colocava áreas maiores de cor em um lado da tela ou no outro, e os centros geralmente não tinham muitas características. 

Em 1920, Mondrian discordou disso com um colega artista sobre uma de suas pinturas (não sabemos ao certo qual, mas era provavelmente muito semelhante ao  No VI / Composition No II , abaixo): 'Ele disse que [a pintura] não estava equilibrada e que o amarelo era desarmônico contra o vermelho, etc ...

5. Esteja aberto a outras idéias - Em meados da década de 1920, Mondrian adquiriu um fonógrafo e começou a comprar discos, e seu estúdio se tornou um lugar para dançar e fazer arte - e vale a pena pensar mais sobre a conexão entre eles, combinando frases com vôos de expressão livre. 

Embora muitas vezes pareça que Mondrian pretendia reduzir a arte à sua própria essência, na verdade ele estava muito atento às conexões entre ela e outras formas de expressão cultural e estava disposto a aprender com elas.

6. Viva cada novo dia -  Ele poderia ter sido bem-sucedido financeiramente se continuasse pintando paisagens e, mesmo nos últimos anos, ainda tivesse um mercado pronto para pinturas de flores. Ao mesmo tempo, apesar desse elevado senso do que está por vir, Mondrian não renunciou ao prazer de pintar ou abandonou a arte; No entanto, a instrução mais reveladora que Mondrian deu a seus espectadores foi que eles deveriam "viver no espírito do dia que se aproximava". 

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PRÉ-RAFAELITA

Os pré-rafaelitas eram uma sociedade secreta de jovens artistas (e um escritor), fundada em Londres em 1848. Eles se opunham à promoção do ideal da Royal Academy, como exemplificado na obra de Rafael.

O nome Fraternidade Pré-Rafaelita referia-se à oposição dos grupos à promoção da Academia Real do mestre renascentista Rafael. Eles também se revoltaram contra a trivialidade da imensamente popular pintura de gênero do tempo.

Inspirados nas teorias de John Ruskin , que instou os artistas a "irem para a natureza", eles acreditavam em uma arte de assuntos sérios tratados com o máximo de realismo . Seus principais temas eram inicialmente religiosos, mas eles também usavam assuntos da literatura e poesia, particularmente aqueles que lidavam com amor e morte. Eles também exploraram os problemas sociais modernos.

Seus principais membros foram William Holman Hunt , John Everett Millais e Dante Gabriel Rossetti . Após uma forte oposição inicial, os pré-rafaelitas se tornaram altamente influentes, com uma segunda fase do movimento de cerca de 1860, inspirada particularmente pelo trabalho de Rossetti, dando grande contribuição ao simbolismo.

Sir John Everett Millais, Bt Ophelia 1851–2 Tate

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Mulher e livros. Uma reflexão através da pintura ocidental

Imagens de mulheres lendo ou segurando um livro são muito comuns na pintura européia a partir do Renascimento. Os livros têm conotações simbólicas de status, conhecimento e refinamento.

O passeio destaca trabalhos que contêm essa imagem e os classifica em três grupos: cenas da Anunciação, retratos renascentistas e mulheres lendo nos séculos XIX e XX .

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Boy in a Turban holding a Nosegay -  Michiel Sweerts (1655)

Além de pintar cenas da vida nas ruas com personagens pitorescos inspirados por seus anos em Roma, Sweerts também produziu alguns retratos, além de uma série de homens e meninos idosos e jovens de meia e meia altura. Estas figuras são representadas contra um fundo escuro e liso, com a cabeça virada para o lado e a luz entrando pela esquerda. Entre os melhores exemplos está Boy in a Hat no Wadsworth Atheneum, Hartford. A tela atual não faz parte dessa série, mas o tratamento da luz e da modelagem deriva da experiência do artista na Itália. A tela foi publicada e divulgada pela primeira vez ao público em geral quando foi incluída na exposição intitulada Artists in Rome do século XVIIrealizada em Londres em 1955. Nesse momento, foi catalogada como obra por Sweerts e é considerada uma de suas obras mais atraentes desde aquela data. Foi atribuído anteriormente a Francesco de Rosa, de acordo com uma etiqueta no verso.

Garoto em um turbante segurando um Nosegay foi associado ao grupo de pinturas que Sweerts executou no final de seu período em Amsterdã. O tema da pintura atual e o sexo da figura foram o foco do debate e deram origem a diferentes interpretações. As características delicadas e delicadas e o turbante que esconde o cabelo dificultam a definição precisa do assunto, e a tela era anteriormente intitulada Figura em um turbante. Foi somente em 1958, quando a pintura foi incluída em uma exposição em Sweerts, em Roterdã, que a babá foi descrita como um menino, uma leitura que foi mantida nos dias atuais. A imagem desse menino é transmitida com um grande senso de volume através da modelagem e da combinação de cores escolhidas para as roupas. A grande área da capa azul, pintada de maneira altamente linear com relação à aplicação do pigmento e à construção das dobras, contrasta com o amarelo pálido do turbante, o imaculado branco da camisa e o vermelho de alguns dos as flores e a faixa. A brilhante representação do turbante e a pose e modelagem habilidosas da figura fazem desta uma das pinturas de maior sucesso de Sweerts.

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Meisje met de parel -  Johannes Vermeer (1665)

Pouco se sabe da história da tela mais famosa de Vermeer, conhecida como "a Mona Lisa do Norte" ou "a Mona Lisa holandesa". Moça com brinco de pérola é seguramente a obra mais famosa do pintor e traz como protagonista uma jovem com ar sereno, doce, um olhar casto e os lábios entreabertos.

É de se ressaltar como o fundo negro (que na época supõe-se ter sido verde escuro) destaca a presença dessa única figura no quadro e como a pintura carrega um senso de harmonia. A técnica do fundo escuro ajuda a trazer tridimensionalidade a tela.

A figura escolhida tem um ar angelical, simultaneamente feliz e triste, e esconde qualquer coisa misteriosa - não é por acaso o quadro é comparado com a obra prima Gioconda, de Leonardo da Vinci.

O adereço que a jovem de Vermeer carrega nas orelhas dá nome à tela. Há que se sublinhar também o brilho no olhar e na boca da jovem, assim como também se deve perceber o equilíbrio da luz no quadro.

Ao contrário dos retratos da realeza, posados e com traje a rigor, a jovem parece ter sido registrada num momento cotidiano, em meio aos seus afazeres, com um lenço na cabeça. Ela olha para o espectador parcialmente de lado, como se algo a convocasse.

Não se sabe se o trabalho foi uma encomenda nem quem é a moça de olhar ambíguo a protagonizar a pintura. Há quem diga que a jovem é a própria filha do pintor, que teria sido imortalizada na pintura quando tinha apenas 13 anos, mas não há uma confirmação sobre a teoria. 

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Lindo é você se apaixonar por alguém que nunca tocou. Lindo é você se apaixonar por uma voz do que por um beijo. Lindo é você desejar alguém todos os dias e não perder as esperanças.

Por que a distância existe? (via poesografa)

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