厳しくも楽しいアートの道を行こう

北桂樹の写真作家としての活動ブログ。2018年4月に次回の展示が決定しました。これからの2年をどう生きたかを記録していこうと思う。

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ブログ考察 2016年4月~2018年4月

「AA+A」を芸術作品としていくために2016年4月2日よりはじめたこのブログもこの考察をもって完結としたいと思っている。 ■この2年間で一番読まれた記事は2016年4月11日投稿の「コマーシャルギャラリーに売り込む方法」であった。 当然初期の頃からの蓄積もあるが、この「コマーシャルギャラリーに売り込む方法」の一連のシリーズはこの2年間圧倒的にアクセスを稼いだ。 内容は方法論に偏りすぎないようにということだけを気をつけた。 方法は作家と作品とギャラリーの組み合わせの数だけある。 僕自身が今となってはどう考えているのか？ということをその時点、その時点での気持ちを書いていったシリーズだった。 その流れもあって、 ■2018年4月に一番読まれたのは4月24日「完結 コマーシャルギャラリーに売り込む方法 −完結篇−」であった。 4月6日からはじまったギャラリー冬青での個展「AA+A」は確かに芸術作品として世の中に受け入れられた実感があった。 2年間、この作品を芸術作品とするにはどうしたらいいのか？ということを年間365日毎日考え続ける習慣をこのブログは僕にもたらせた。 「ブログを毎日書く」ということが作家と作品にもたらすものは文字面の通りのことだけではない。 「1週間に1日しかそれを考えない人間が365日考えている人間に叶うわけがない」 今は自信をもってそう言える。いや、これが事実であり本質だとして伝えるべきだと思っている。 アーティストになるということはそういうことなのだと思う。 作品を創ることだけがアーティストの仕事ではない。 それだけでは職人の仕事だ。 作品を芸術作品にすることを考えてはじめて芸術を世に送り出すアーティストなのだろう。 25ヶ月でこの記事を入れて767本の記事を投稿した。 最初は自分があまり作品のことを考えていない日常を普通に暮らしていることに愕然とする毎日であった。 書くことがないのだ。 だが、毎日毎日続けていく中で、次第に日常全てが作品につながっているということを感じるようになっていった。 自分の人生そのものがアートに結びついているのだと感じられたのは毎日の繰り返しの中で「作品」と「作家」との関わりを考えてきたからであるし「作品」を「芸術作品」にするのであれば、そこに人生を賭けた戦略が必要であることをこの2年の中で知ったからだ。 その戦略の中では正直お酒もサーフィンもやっている暇はない。 だからやめようと思ったという単純な話だ。 もっと楽しいアートの道を歩き始めてしまったこともあるし、僕は後悔をしたくない。 いい作品があってもそこに確かな戦略と、それを実行できる作家が居てはじめて作品に光があたるのだ。 日本の作品を作る人にありがちだが、自分ではそれが出来ないという話がよくある。 そうであるならば、その自覚をもって他者にそれを任すのも手であろうと思う。 日本ではまだまだ作品を芸術作品として確立するノウハウに長けているという話はあまり聞かない。 そういう意味ではそのことを共に考えられる人間の協力を得て作品を芸術作品としていくべきだと思う。 あちこちにいい顔をしてとっついていけということではない。 いい作品を創っているという自覚があるならば、共に成長していく一人の協力者の信頼だけでも勝ち取るくらいのことをやるのが作家の仕事であろうということだ。 僕にとってはそういうことを知る機会に気がつかせてくれたのがブログを書き、毎日をアートに捧げるということからであった。 この2年間の毎日がいかにアートな期間であったか？はこのままここに残しておこう。 完全なる僕の外部記憶であり、「AA+A」がたどったアートへの道のりの記録だ。 明日から…いや、ちょっと落ち着いたら。 また別のブログとしてもっとディープなアートの世界を考えるブログを書こうと思う。 大学院にも行くので、今度はその研究の日々をおおっぴらに書いていきたい。 アートワールドへの道、戦略会議 ーThe strategic conference to the way of art worldー https://keijukita2018.tumblr.com/

[keijukita]

「AA+A」を創るというこの2年間は何であったか？

昨日は襟のシャツを着て、ジャケットを羽織り戦場に行く緊張感をもって向かったスタイルから解放され、ひさしぶりにギャラリーへ少し軽い気持ちで足を運びました。

選手末の土曜日で会期が終わり、役割を終えた展示会場にひとりで居て、ようやくこの2年間が終わるのだという実感が湧いてきました。

2013年にはじめてギャラリーを訪れ、ここで絶対に展示をすると心に決めた憧れのギャラリーでの2回目の展示。

今回も本当に多くの作品が支持され、その脇に受取り手が決まった証である赤ピンを誇らしげに付けている。

全ての作品が揃ってこの場所に戻ってくることはもうないかもしれないと思うと愛すべき作品たちに囲まれたこの瞬間はとてつもなく贅沢な時間だ。

25か月前にこの場所で同じようにギャラリー冬青での展示という役割を終えた「Máni」の全作品を前に少し先の話を考えていたことを思い出す（参照：「ブログはじめます」）。

今回はさみしさは感じない。

これから何度でも「AA+A」 という作品を前に作家として胸を張らせてもらえる機会があることはこの2年間で知っているからだ。

「作品」とはなんなのだろうか？「芸術」とはなんなのだろうか？

答えがわかったとして、じゃあ「作家」の役割はなんなのだろうか？

7年前に京都造形の通信教育学部に入学し、翌年写真コースに転籍しそこからずっと付きまとっていたこの問題に答えを出すことで、はじめてであることも手伝って大成功を収めた「Máni」という偉大なる前作を超える作品として「AA+A」は世の中に受け入れられたのだと思う。

スタートはしていたが「Máni」がまだシリーズとして体をなしていない6年前に「電気という目に見えないものを目に見えるようにする」という作家のコンセプトを受け継ぐ形でスタートをした「AA+A」。

世界各国の単三乾電池（AA）を収集しながら「絶対に作品になる」という確信以外に何もないままに2年前にビジュアル化をはじめた。

作家としては意外と不器用で、同時進行にいくつものプロジェクトを進められないので、京都造形での卒業制作にこのプロジェクトをあてて、2017年3月までにプロトタイプをつくり、2018年4月を迎えようという算段であった。

その間この2年間どう作品を仕上げていくのか？ということについてこのブログで常に作家の思いを書き続けてきたということだ。

そもそもにそのビジュアルとメディウムに魅力を持っていた「Máni」とは違い「AA+A」を作品化していくことは想像以上に困難を極めた。

ありがたくも多すぎる意見の中から光る言葉を見つけることが出来たのが、卒業制作という段階を踏んだこと最大の収穫であったと思う。

「いろんな国の乾電池があるんだね」

「自動化させては？」

「君にしか出来ない仕事だ」

という3つのことばだった。

他人の作品を創っているのではなく、芸術は作家が世の中をどう見たのか？ということを示すことだから、これ以外のことばは大変ありがたかったが、何一つ取り入れていない。

写真は選択の芸術と言われるが、この点も選択であると思う。

そのかわり選んだことばを一生忘れないほどにそこから考えた思いは作品に刻み込んだ。

卒制展で展示をする必要があるとなって、本音を言えば出したくなかったが2018年4月を見据えた戦略的な展示を行った。

それは「大型作品1点」と作品から距離を置いた「答えのないテキスト」であった。

スポットライトも大量に持ち込み、蛍光灯をスチールメッシュの網で覆って遮光し、自分で思う存分にわがままに展示をした。

写真1点が作品ということではなく、「大型作品1点」と作品から距離を置いた「答えのないテキスト」がかかったこの壁自体が作品で今思えば「AA+A」のプロトタイプであるが「AA」という「AA+A」とはちがう別の作品であったなとも思える。

言うなれば、僕の作品「AA+A」の将来の姿をイメージした未来予想図で、壁面コラージュであったと思う。

それなりに手ごたえはあったが、まだ「芸術」として完成はしてないという実感が付きまとっていたのは今だから言えることだ。

それ故に作品から距離を置いた「答えのないテキスト」だったのだ。

世の中に出したい気持ちを抑え、最高のタイミングで最高のスタートを切らせてあげることが作品のために作家が出来ることだった（参照：「今はまだ我慢だ。」）。

「何かもうひとつ足りない…」

僕と高橋社長とで何度も何度も繰り返し作品を前にこの時期に話をしていたことは「作品」はいいのに最後のひとつ何かが足りないという共通認識であった。

その後にいくつかの転機を迎える。

2017年7月にART OSAKAのあとに神戸に宿泊してMIRAGE GALLERYの杉山さんを訪ねた。

その夜、ホテルで観たテレビ番組の内容で「芸術として魅せる」ことのロジックを知ることとなった。

ミスターチルドレンを勝手に分析するという企画であったのだが、何故ミスチルの歌が人に響くのか？ということをその仕組みを紐解いて分析していた。

要するにどう人の人生に関与していくのか？ということだ（参照：「何からでも学ぶことはある。」）。

今思えば本当に奇跡の夜だった。

「感動のサブリリミナルを曲に埋め込むことが技術だ」

それは「芸術」として人に届く仕組みそのものであった。

目からうろこが落ちるとはそのことであった。

足りない何かが何であるのかの答えはこの時に目の前に突如として現れた。

もし、3月の卒展の時点で作品のとなりに置いたステートメントを自分の思いのままに「作品の答え」として置いてしまっていたら…と思うとぞっとする思いであった。

作品から距離を置いた「答えのないテキスト」 はトーマス・ルフの日本での展示を繰り返し繰り返し近美、21世紀美術館の計8回の中から見つけ出した作品づくり（作品を守る）の方法論だった。

要するに「芸術」としてステージを持ち上げるだけの作家のステートメントがこの時点ではなかったのだ。

今から1年前の卒展の時期は完成していないからこそ、意図的に作品を縛り付ける言葉から距離を置かせていたというのが正しいと思う。

日本じゃないところで少し鑑賞者の反応を見ましょう…と2017年9月にTAIWAN PHOTO 2017にて3点だけ額装し、展示をした。

作品が「芸術」として完成したのは実はこの期間であったと思う。

作品の説明はある程度はして、答えにあたる解釈はそれぞれの鑑賞者にゆだねた形でその反応を見ていた。

I understand Keiju! Your work is great! AA is AA in the world.

It’s same as us. because human is human.

欧米の雰囲気ただようその鑑賞者が述べた感想は鳥肌が立つ瞬間であった。

電気のエネルギーを可視化し、ボーダーレスであることを示すことが結果として鑑賞者にどういう思いを抱かせるのか？どう鑑賞者と関与させるのか？神戸でテレビを観てからその答えとどう結びつけるかをずっと2か月間考えていたその答えは「ひとつの解釈」から急激に 「AA+A」を単なる「作品」から「芸術」へと舵を切らせることとなった。

会期終了後すぐにこの経験をギャラリー冬青の高橋社長と共有し「AA+A」は完成へ向かうこととなった（参照：「「+A」に込めた思い 」） 。

「AA+A」は確かに北桂樹という一人の作家が世の中をどう観ているのか？という視点から生まれた作品である。

しかし 「ブログも含めて作品」と2年間言い続けてきた。

この作品はギャラリー冬青の高橋社長は当然のことであるが、2年間このブログを読み続けてくれた人々、タイミングタイミングでそのプロトタイプに貴重な意見をくれた同時代に生きる鑑賞者との「共犯関係」の中から生まれた作品なのだ。

「作品」とはなんなのだろうか？「芸術」とはなんなのだろうか？

答えがわかったとして、じゃあ「作家」の役割はなんなのだろうか？

2年間 「AA+A」という作品を「芸術作品」にしていく過程の中でその答えの片りんをつかんだと思う。

だからこそ「AA+A」は世の中に提示されたこの4月のアタマの時点ですでに「芸術作品」であった。

自分だけのチカラではない。そして既に自分だけのものでもない。

このブログも含めてこの作品であったという以上、いったんこのブログもここでおしまいにしようと思う。

このブログが何であったのか？

北桂樹が正しく「作家」の役割を知るためのリサーチの記録であり、「AA+A」という作品を「芸術作品」とするプロセスを記録した設計図で過去の僕が必死で未来のために書いた膨大なあとがきだろう。

まさに作品の一部だ。

2年間という長きにわたりわがままな限りを尽くしたつたない文章で書き続けてきたことをお詫びするとともに、多くの方に「作品」の共犯者でいてくださったことを深く感謝いたします。

2年間ありがとうございました。

次回ブログの考察を行って最終回です。

[keijukita]

【御礼】「AA+A」会期終了しました。

4月28日をもちまして、ギャラリー冬青で開催させていただいておりました北桂樹写真展「 AA+A 」の会期は無事終了いたしました。 お越しくださいましたみなさま、作品をコレクションいただきましたみなさま大変ありがとうございました。 「AA+A」という作品をギャラリー冬青の皆に協力していただき、作家としてここまで育ててまいりました。 ここから先、僕の手を離れた作品は皆様の手の中であらたな物語をつなぎ始めると思います。 「芸術」はそうやって人の人生に関与し、受け継がれていくものです。 「AA+A」という作品を創った身としてこれ以上の幸せはありません。 本当にありがとうございます。 皆さまが、今回作品を手にする決意をしたことを誇れるようこれからもひとつひとつ丁寧に先に進めて行きたいと思っています。 引き続き写真集の販売は下記にて行っております。 Keiju Kita official site: http://keijukita.com/book.html ※カード決算は「アカウントを開設する」から可能です（アカウント開設は不要）

[keijukita]

アートの世界に返す。

昨晩はギャラリー冬青のクロージングをして、今日はいよいよ会期最終日になる。 総括というほどではないが、振り返るのは明日以降にしっかりとやりたいと思います。 昨晩のクロージングは集まったメンバーがメンバーだっただけに異様な盛り上がりを見せた。 終始笑いが絶えず、アートのこと、アートのマーケットのこと、美術史、美術評論の話と熱い2時間であった。 ご自身が作品を創る人や作品をコレクションする人も多く、アート世界の世界を楽しみ生きる人たちで、クセは強いが、本当に皆豊かな人生を生きている。 僕は感謝の気持ちとして自分との約束を果たすべくKRUGというシャンパンを用意し、ホストとして迎えただけだが芸術の話で2時間立ちっぱなしでお酒が飲めるのだ！なんて素晴らしいのだろうと思う。 お酒がシャンパンだったことも相まってここは芸術の都なのか？と本当に思えた。 この場にふつつかながらホストとしてその一員でいられたことは最大の幸せの瞬間であった。 まだまだ僕はこの豊かな人生を生きるコレクターの方々とギャラリー冬青に支えられてようやくアートの世界にいられるだけの存在だ。 この世に生まれてきてくれた「Máni」と「AA+A」そしてまだ見ぬこれからの作品を芸術として遺していくためのサポートを引き続きお願いするのだと思う。 昨日はたくさん話をしたが、僕が自分で口にした中で印象的だったことは「アートでいただいたお金はアートに返す」ということだ。 KRUGという、背伸びしすぎたシャンパンを用意する事も僕が大した稼ぎが無くても鬼のような勢いでコレクションを続けるのも同じ理由だ。 僕の作品をアートとして買っていただき、僕が得たお金は確実にアート世界に何かしらの形で還元する。 具体的にはトーマス•ルフ作品の購入資金と6月のART BASELへのスイス渡航費だ。 そして、同時代の作家の作品をコレクションすることに使いたい。 アートに関わり、作品を展示し、豊かな人生を生きる人々に囲まれてアートの話をし、生きることは僕に生きる意味を与え、人生に価値を付け僕にも豊かな人生を与えてくれている。 金銭を得ることだけが豊かな生き方ではない。 今のこの豊かな人生は金銭ではなく、アートの世界に生きることで生まれているのだ。 自分の生きるこのアートの世界を下支えする生き方を選んだことが、僕をアートの世界に生きることを許し、作品を世に芸術として遺すことを許されているのだと思う。 作家だけが売れてひとりいい思いをしたいと思っているうちは恐らく売れない。 展示さえ出来て、見てもらえればそれで満足で売れなくてもいいと思っているのも同じことだ。 そういう写真家はたくさん見てきた。 自覚的にアーティストとして生きるビジョンが出来ていない。 僕の見立てでは、僕が作品で生活していけるようになるのに今のままでいってあと12,3年、3作先の作品が出来た頃からではないか？と思っている。 それまで、アートの世界にどれだけ貢献し、どう強固な関係を構築するかだ。 それは自分の生きようと思うアートの世界とアーティストである自分を守ることだ。

[keijukita]

クロージングパーティーにて

今日はギャラリー冬青で展示会「AA+A」のクロージングパーティーであった。 作品をコレクションしてくれた方々などが再度ギャラリーを訪れてくださり大いに盛り上がった会となった。 展示に向けて、この2年間ずっとプレッシャーと向き合うことが苦しく楽しいと思うことは一度もなかったということ。 ただ、こうしてコレクションをしてもらったことで、その苦しみも報われるということ。 作家はひとりでは作品を世に残していけないということ。 ギャラリーとコレクターさんたちの協力と作家自身の努力で、作品を芸術作品として世に残していくということ。 わりと自分に近い身内が集まったこともあって、2年間人に話せずにいた思いを口にしてしまった。 まだまだこの辺が自分の未熟さであると口にしてから思い反省もした。 「AA+A」はもう自分だけの作品ではない。 それぞれの作品はそれぞれの方々と新しい物語を歩んで行くのだと思う。 この先、どんなになったとしてもコレクターの方々ひとりひとりを忘れることはない。 今日足を運んでくれた方々の顔を忘れることも絶対にない。 会期土曜日が最終です。

[keijukita]

絶対に観ておくべき作品として

平日にも関わらず順調な最終週を過ごしている。

この２、3日意外な方々がギャラリーに足を運んでくださっていて人が絶えずギャラリーにいるような状態であった。

不思議そうに作品を観ている人や、山ほど質問があるという人などその傾向は多様であるが「Máni」になくて「AA+A」にだけあることが少し見えてきた。

2年前の1作目「Máni」と今回の新作「AA+A」は作品のコンセプトの部分で結びついていてそれ以外のところから共通点を見つけることは難しい。

性格の違う2つの作品はだからこそお互いの作品を補完しあっている部分があるのだ。

「AA+A」は以前にも書いたが「スタイルの確立」という選択肢を捨てての冒険であった。

展示をする前からどんな作品を創っているのか多少知っている方々からは「Máni」のある種の成功を考えれば挑戦だね…と半ばため息交じりに言われていた。

「Máni」になくて「AA+A」にだけあることの前に逆に「Máni」にだけあったことという意味で言えば、万人に対して受け入れられる「写真としての万能さ」があったと思う。

「何かを撮影している」ということは大前提として、その上で「写真のルール」の中での謎解きになることがその良さであったのだろうと思う。

ある意味で害がない。

鑑賞者を受け入れる優しさがあったのだろう。

では「AA+A」にそれがあるのか？と聞かれるとビジュアルの中にその手がかりとなる要素はあるが、1歩目でそれを覆すような方向で鑑賞者をまず受け入れる。

「写真のルール」の中でわかろうとすればするほどにわかならいというほどに異質なアプローチではあると思う。

しかもそれを自身で知るにはわかりようもないほどに情報すらそこに出していない。

ただ、実際はそれほどにはむずかしくはない。

以前、ギャラリー冬青のギャラリスト湯本さんと話をしたのはそういう話だ（参照：「作品のわかりやすさ」）。

本棚のイベントの時に渡部さとるさんもおっしゃっていたが、現代におけるアートは「頭の体操」なのだ。

じゃあ「Máni」になくて「AA+A」にだけあることというのは何だろう？

この数日訪れた方々の中の話で「絶対に観ておくべき作品だ」と紹介されたので…という話が何件もあった。

以前に展示を観てくれた方々がこの展示を他者にそう薦めてくださっているのだ。

「写真というものへの考え方が圧倒的に変わる」そう聞いてきたと言っていた。

どうでしたか？と尋ねると。

大物の作家さんで難しく作品を創っている人で、いくら聞いてもわからないという人もいるが、この作品は不思議と腑に落ちてとても面白く鑑賞できたと言ってくださっていた。

まあ、本人を前に「つまらなかった」とは言いづらいだろうからそこはありがたいと受け止めておくとして、問題は

「絶対に観ておくべき作品だ」

「写真というものへの考え方が圧倒的に変わる」

などという部分だ。

これは僕の作品に関して相当に深く解釈をしてくださっている人でないと出てこない。

逆に僕がこれほどの言葉を使い自分の知り合いのために薦めるとしたら「その人の鑑賞の歴史の転換点」になる可能性のある作品である時だけだと思う。

僕自身の経験でいうとThomas Ruff氏の展示とこないだ観たWolfgang Tillmans氏の展示、あとはあいちトリエンナーレで観た小山泰介さん＋名和晃平さんの作品くらいかと思う。

「観ておかないとその次が語れなくなる」

どれもそういう思いに駆られた展示であった。

「AA+A」にはそういうマイルストーンとして「転換点」となるほどの「踏み絵」的要素を持っている。

鑑賞者の気持ちがどちらに触れたとしてもそれはいい。

これを観て「右」と思うか「左」と思うか観ないという選択をするのか？そういうメディアや作品そのもののあり方に対しての批評性を思った以上に持って受け止められていることが展示していてよくわかってきた。

「Máni」はモノの見方の提示であってもそこまでのメディアや作品そのもののあり方に対しての批評性は持っていなかった。

「観る人を選ぶ」というのは確かにあるかもしれないが、それと引き換えに他者へ「転換点」として「絶対に観ておくべき作品」として紹介してもらえるほどの突破力を持っている。

この点は多少自覚があったが、これほどまでとは思わなかった。

「AA+A」がこの先どこまでの「転換点」として作用し、役割を果たしていくのか？は作家としても心して向き合う必要がある。

単に僕自身における「スタイルの転換点」で終わるのか？

長年積み上げていたギャラリーのイメージではない今作をお客さんを怒らせてまで創ってくださった「ギャラリー冬青の歴史の転換点」となるのか？

「日本の写真史」に傷跡を残すほどに影響力を出しはじめた転換点となるのか？

コンテンポラリーアートとしてアートワールドの歴史の一部となる第一歩の転換点となるのか？

いずれにせよ、最初の世の中と「AA+A」との接点は想像上に「芸術表現」として受け入れられたという実感がある。

そして、鑑賞者の人生に干渉し確かに影響を及ぼしている。

これこそがアートだ。

[keijukita]

完結 コマーシャルギャラリーに売り込む方法 −完結篇−

このブログ自体があと1週間ほどで完結するので、おそらくこれが「コマーシャルギャラリーに売り込む方法」というシリーズとしては最後の記事になるかと思う。 僕自身、手探りながらに自分の経験の中からこれがキーになったのではないか？と思うこと、普段から接しているギャラリストの方々の話を聞いたりする中からきっと「コマーシャルギャラリー」という場所へ辿りつくための何かしらのメゾットが示せるのではないか？と思って書き続けて来た。 いつのまにかこのブログにおける最大のキラーコンテンツとなり、どの記事にも毎月驚くほどのアクセスがある。 それほどに、日本においては「コマーシャルギャラリー」というものが正しく認知されていないのだと思う。 先日ヨーロッパのギャラリーのニュースレターでも「コマーシャルギャラリーとは」という記事をいただいたので、それを参考にさせてもらおうと思う。 コマーシャルギャラリーとは作品を芸術作品として販売するギャラリーで、僕が普段このブログに書くコマーシャルギャラリーというのはその中でも価格や評価の定まった作品を取り扱うセカンダリー、いわゆる画商ではなく、プライマリーと言われる作品の価格を設定するギャラリーのことだ。 つまり、プライマリーのコマーシャルギャラリーというのは評価の定まっていない作品にギャラリーの責任で価格を設定（価値づけ）し、世の中との接点をつくるギャラリーのことだ。 以前にも書いたかもしれないが、この種のギャラリーの役割は「若いアーティストをアートワールド（マーケット）に放つことで美術史に足跡を残させる」ことだ ※中村信夫 「少年アート」より ギャラリーは作品を販売することで経営をし、資金を得て、この役割を果たすべく作家と共にマーケットと向かい合う。

つまり「売れない」ということはギャラリーがマーケットへ作家を送り出すためのエネルギー（資金）を持てないということなのだ。 その責任の半分を作家も負っている。 「コマーシャルギャラリー作家を目指す」ということがどういう「責任」を伴った作家となるのか？ということを認識することがコマーシャルギャラリーの作家となる上でとても重要なことであると2回目の展示の会期が終わりに近づき、このブログも終わりに近づいてきている今、核心として書き残しておく必要を感じている。 コマーシャルギャラリーはマーケットと接したギャラリーでアートという一見ビジネスとは無縁に思える側面と同じかそれ以上にビジネスの側面が非常に大きい。 作家としてそのギャラリーで作品を扱ってもらうということはギャラリーと共にそのビジネスの側面に向かい合うことで、作家もそこへ無関心ではいられないということを意味する。 この世界における「アートだけは純粋で美しいもの」という感覚は大間違いだ。 マーケットと隣り合わせになった時点で作品はある意味での商材となり、他の全てのお金を媒介としてやりとりされる商品と同じ土俵で戦うこととなるのだ。 ある人にとっては「プレーステーション4」に使うお金との比較になるかもしれない、ある人にとっては「旅行」に行くお金かもしれない、ある人にとっては大切な人との「おいしい食事」に使うはずだったお金かもしれないそういうすべての可能性の中から作品の「芸術」という価値にお金を払ってもらうのだ。 ご自身が何かしら商売をされていれば少しは想像がつくかもしれないが、自分自身が仕事としていることと同じかそれ以上に販売に関して頭を使い、努力をしてそれでもなお家電や家具のように用途という「価値」があるものとはちがい、なかなかその「価値」が理解されにくく売れないのが「芸術」なのだ。 芸術以外の商品を売るためにする努力と工夫を同じかそれ以上にやって然るべきなのだ。 僕はコマーシャルギャラリーというものそのものが好きだ。 アーティストの概念やコンセプトをカタチにした作品に価値を与え、それを提示してくれている。 僕も多少なりコレクションをつくるコレクターではあるのだが「作品」を買うという行為には作家のコンセプトである「作品」をそれに価値づけをしたギャラリーからその価値で作品を預かるという意味があると今は思っている。 作家がアートワールドに足跡を残す手伝いと、作品を次の世代へ届ける役割を買っているのだ。 アートのマーケットをギャラリーが支えているのは今でも間違いのないことでその一端をコレクターとしても担い、作家としてもアートのマーケットという世界の人間として自分自身を確立させるための行為でもある。 正直いえば、価値づけを作家自身でしている作品にはそれほどには価値を感じない。 コマーシャルギャラリーの作家となるのであれば、そういう背景があることを正しく認識した上で覚悟を決めて臨むべきであろうと思う。 世界のメジャーギャラリーと作家の関係を今年の3月にアートバーゼルで見てきた。 DAVID ZWIRNERでWolfgang Tillmans氏の展示がしてあった。 素晴らしい展示で、はじめてWolfgang Tillmans氏の作品のどこがすごいのかを具体的に知った気がしている。 しかし、そこにはWolfgang Tillmans氏の言葉はなかった。 作品がすごいことは観ればわかる。 なぜすごいのかのその価値を理解させたのはDAVID ZWIRNERがギャラリーの言葉として紹介したWolfgang Tillmans作品のステイトメントだ。 買えはしないが、コレクターである僕に作品のすごさを理解させているのはDAVID ZWIRNERというギャラリーなのだ。 つまり、作家ではなくギャラリーが作品をマーケットに対し価値づけをしている。 Thomas Ruff氏とギャラリーの関係やJeff Koons氏との関係も観てきたが基本的にはすべて同じだ。 マーケットに届く言葉は作家の言葉ではなく、ギャラリーが価値をつけるための言葉だ。 当然に作品が良くなかったらどうにもならないが、マーケットでは作品がいいから売れる価値があるのではなく、売れる作品だからその価値が評価されるのだ。 その上で、ギャラリーは作家と共に作品に価値を与えてそれをアートワールド（マーケット）に送り出すために動くのだ。 それは日本でもちゃんとしたコマーシャルギャラリーであれば同じこと。 「作品が良ければコマーシャルギャラリーの作家になれる」というのは残念ながらまちがいで「作品が良く、売れる作家だからコマーシャルギャラリーの作家になれる」のだ。 しかも、コマーシャルギャラリーに任せれば売ってくれると思ったらそれは大間違いだ。 ギャラリーの仕事はあくまで「価値づけ」することであって、売れるための努力は当然に作家がするのだ。ギャラリーは売れない作品を売る販売店ではない。 日本にはマーケットがないというが、多少はマトを得ていると思うが、それは100％は正しいことではない。 しっかりと努力を続けている作家さんにはそれぞれのマーケットがしっかりとあるのだ。 その努力ができないのであれば、コマーシャルギャラリーで作品を扱われる資格がないと思う。 売れないのはギャラリーのせいではなく作家と作品の問題だ。 ただ、それは直接イコールで作品がいいとか悪いという話ではない。 アートマーケットに向いていないというだけの話だ。 「いい作品」というだけであれば世の中には掃いて捨てるほどある。 「作品がいい」というのは最低条件でマーケットで勝負になるのかどうかはその先の話だ。 本当にありがたいことに僕の作品である「AA+A」はプリントがコレクションとして購入された数が最終週を前に20点を超えた。 多くの方が作品を愛し価値を感じてくださり「作品」と僕自身をアートのマーケットに残して行くことに力を貸してくださっている。 2年前の「Máni」の時は「はじめての個展」ということが大きくはたらいた部分があったことも僕自身もとても理解をしていた。 あまり「努力」という言葉を使いたくはないが、この2年はとてもここには書ききれないほどの「努力」をしてきたと自分でも思っている。 時間もお金も自分の持てるリソースを「作品づくり」だけではないところへ惜しみなく投下してきた。 一昨年の9月よりお酒を止めたのも同時代の別の作家の作品を買うことで自分が生きようとしているアートワールド（マーケット）の世界で一定の存在感を持つためにそちらへリソースをつぎ込みたいことが目的だ。 お酒に使うお金と時間があるのなら、1点でも多く同時代の作家の作品を観てその価値を共有したいと思っている。 この2年でゆうに百万円以上はコレクションに費やしているのは間違いない。 その上で、ようやく会期後半になって僕は作家として自身の中で設定していた最低限の目標に達し、少しは役割は果たせ、「作品」をアートワールド（マーケット）へギャラリーと支えてもらっているコレクションしてくださった方々に送り出してもらう資格があるのではないかと胸をなで下ろしている。 会期中ずっと感じていた胃の痛みと蕁麻疹はこれで治ると思う。 作品を「展示」さえできればそれでいいと思うのなら、コマーシャルギャラリーを目指すのはやめたほうがいい。 それでは作家としての「責任」を果たせないと思う。 作品を有名にすることが目的であったり、作家自身が有名になることが目的であるならば、選択肢は他にいくらでもある。 いい作品をつくり 、その作品を「売る努力」をギャラリーと共に考えることが出来てはじめてコマーシャルギャラリーの作家として作品をマーケットに提示する「資格」があり、売れてはじめてその「責任」を果たしたことになる。 この努力を毎年は繰り返せないので、相談はされたのだが来年の展示はお断りさせていただいた。 努力と時間を費やすことが十分に出来ずに、質と準備が不足した展示は僕にはとても出来ない。 コマーシャルギャラリーと共に目指すのは単なるアートの世界ではない。 アートのマーケットでありアートワールドだ。 作品づくりだけではなく、マーケットを深く知り意識をそこに持つことだ。 そのことを理解し、自覚的な作家であること。 つまり自分が「売れる作家」であることを示す。 これ以上にコマーシャルギャラリーの作家として売り込む時に「売り」になることはないと思う。 仮に僕がギャラリストであったとしたら、そういう自覚的な作家を間違いなく選ぶと思う。 自分自身とギャラリーのスタッフの生活をかけてギャラリーというビジネスをやっているのだ。 そう考えれば、これがきれいごとではすまされないことは分かるだろう。 売れる作品を持っていて、その「責任」を共有できる相手もしくはそうなる可能性を持った相手を当然に選ぶ。 以上がコマーシャルギャラリーを目指しはじめた2013年から今日までの経験の中で至った現時点での結論である。

参照： 「コマーシャルギャラリーに売り込む方法」 「続・コマーシャルギャラリーに売り込む方法 ：ギャラリーとの関係篇」 「続・コマーシャルギャラリーに売り込む方法 ：相手を知り、己を律する篇」 「続々・コマーシャルギャラリーに売り込む方法：作家づくり篇」 「番外 コマーシャルギャラリーに売り込む方法  ー特殊な信頼関係篇」 「完結 コマーシャルギャラリーに売り込む方法 −完結篇−」

[keijukita]

会期ラスト5日間です。

明日の火曜日から土曜日までの5日間がいよいよギャラリー冬青での個展「AA+A」の会期最終週で、ラスト5日となります。

会期開始と同時にプリントをコレクションに加えるために訪れてくれた方々や何度も足を運んでくれる方々がいたりと「AA+A」も間違いなく世の中に愛された作品だ。

中学、高校、大学などの旧知の友人だけでなく、情報デザイン、写真コース、や対話型鑑賞術をはじめとした藝術学舎で知り合った方々など芸術を学び始めてからの人たちもとても多く来ている。

会期中の日常だけではなく、本棚を囲むイベントや昨日のスニーカーワークショップでもアーティステックな話で持ちきりなのは「Mani」の当時よりも僕自身が「アートを語ることば」を少しは知ったからだろうか？

金曜19時からのクロージングパーティーはプリントをコレクションというカタチで最大のサポートでしてくださった皆さま、ほかの多くの選択肢の中から時間を使ってギャラリーに足を運んで作品を観てくれた皆さま、写真集のサポート、プリントづくりをサポートしてくれた方々、1ヵ月間お世話になったギャラリーへのささやかながら感謝として皆様を迎えたいと思っております。

お気軽に足をはこんでいただければと思います。

よろしくお願いいたします。

[keijukita]

青木弘「HEAL AFRICA」は何を示したのか？

先日、ギャラリー冬青で写真家の青木弘さんと作品について話をした。 去年から今年にかけて良く青木さんとはお話をする機会があったのだが、実は写真集を含めてしっかりと作品を拝見するのははじめてであった。 理由は簡単なことで、僕がジャーナリズム的な「ドキュメンタリー」が得意ではなく、勝手に少し苦手なのではないか？と思ってしまっていたからであった。 今回言いたいことは「ドキュメンタリー」と言ってしまうとそれで鑑賞者としては思考が停止して、終わってしまうのだなという経験をしたということ。 青木さんという人物はかなりかっこよく、とても明るく、人間味溢れる方で、僕は同世代といこともあって勝手に好印象を受けている。 しかし、作品は内戦つづくアフリカ諸国へ身を投じてそのことへ目を向けて撮影をしてきている。 そのこと自体とてもマネのできる話ではなく、すごいことをやっているな…とは思いつつもどうしても作品とは向かい合いにくいと思っていた。 22日（今日）に京都写真美術館でギャラリー冬青の高橋社長とトークショーをするその打ち合わせとしてギャラリーにいらっしゃっていた。 僕は少しやらなきゃいけないことがあったので、その話を少し耳にはさみながら自分の作業を進めていた。 話は新しい作品「Conflict Diamonds」についてであった。 トークショーの打ち合わせの内容が話半分で聞いていたせいで、全てが理解に達しなかったことも僕の興味を誘い、青木さんの作品と向き合いながら、手にとってページをめくりはじめた。 写真集「HEAL AFRICA」は中央から東側のアフリカ諸国を撮影してきた写真によって構成された写真集。 「ドキュメンタリー」という言葉と「内戦のアフリカ諸国」というふたつのキーワードは僕の脳内にある程度の勝手なイメージを膨らませる。 貧しく、悲惨で、目を背けたくなる 理解したふりをして対岸に立っていたくなるイメージが自分の中で溢れ出てきた。ある意味での良質なドキュメンタリー（フォトジャーナリズム）というのはたしかにそういうものだという固定概念からだろう。 しかし、一通り写真集を観てそいういう思いを少しは感じたがそれほどでもなかったのだ。 残ったのは不思議な「違和感」。 この違和感がどこからくるのだろう？ということを知りたくなるのは対話型鑑賞術を1年通してやってきたことからかもしれない。 ご本人も目の前にいるし、話を伺った。 フォトジャーナリズムを志した青木さんはロンドンへ語学留学し、そこから直接パレスチナへ向かったということ。 そこで2003年のイラク戦争が起きる。 ある意味で、ジャーナリズムの最前線だ。 しかし、そこで青木さんは自分自身のやっていることに違和感を感じたそうだ。 意外とシステマチックでコントロールされたある意味での欧米主導のフォトジャーナリズム。 日本人である。日本人らしいジャーナリズムということはそこでは不利に働くだけであったらしい。 そして、2006年から自身の軸足をフォトジャーナリズムとしてあまり目を向けられなくなったアフリカへと移すこととなったという。 アフリカは無秩序で危険で、そこには欧米主導でコントロールされたシステムがそこにはなかった。 欧米の得にはならず、お金にならないからフォトジャーナリズムは目を向けないのだ。 しかし、青木さんはそこで自分自身が本来やりたいと思っていた取材ができるようになったという。 自分自身が日本人だと強く意識をしながら取材が進められたという。 このあたりまで話を聞いて、わかったようなわからないような気持ちに陥った。 「ドキュメンタリー」という言葉にひきづられた僕の中の固定概念にあまり当てはまらない…つまり作品をどう理解して良いのか？がますますわからなくなったのだった。 もしかしてこれは「ドキュメンタリー」じゃないのか？ ふたたび頭からページをめくる。 いくつかのことに今度はポジティブな印象を受け始める。 作品が「貧しく、悲惨で、目を背けたくなるアフリカ」がもっとも表現しいという作品でないことが少しずつわかってきたのだ。 怒られても仕方ないという覚悟でご本人に聞いてみた。 「アフリカ」である必要があったのでしょうか？と この作品は「アフリカ」を通しているだけで、フォトジャーナリズムにありがちな変な「使命感」のようなものに突き動かされた感じを受けないと。 「良くそのことに！」という話になりますます話は盛り上がった。 僕はどうもドキュメンタリーというものを誤解していたようだ。 ありのままの世界を切り取ってくるのがドキュメンタリーであると思い込んでいた。 この話のあと、はずかしくなってドキュメンタリー写真について勉強し直した。 フォトジャーナリズムも当然にドキュメンタリーのひとつではあるが、それは雑誌や新聞などに編集を任せたもので作家の仕事ではない。 つまり写真家がコントロールした作品ではない。 青木さんは＜作家（オトゥール）＞としての写真家であるのだろう。 これは「編集者が語る物語」ではなく「写真家が語る物語」なのだ。 ドキュメンタリー写真（作品）は常にある視点を持っているのだ。 そして、ー 過程、出来事、状態 ーというイメージの連鎖によって短い物語を作り出すのだ。 つまり、青木さんの作り出した物語が伝えてくることはアフリカの悲惨さや貧しさではないのだ。 印象的な1枚のイメージの中に青木さん本人を見つけた。 その1枚をきっかけに話は進展する。 「HEAL AFRICA」の中の多くの写真に見られる傾向はその悲惨さや貧しさを象徴したものではなく、こちらを見ている「視線」だ。 中東で感じた青木さんの違和感はシステムの中で自分自身の「見てやろう」と世界を削り取るように向けた本人の視線にであったのではないか？と話を聞いていて思った。 世界を「見る」ということは世界からも「見られる」ということなのだ。 写真の中の「視線」からそこには「青木弘」という写真家が浮かび上がってくる。 どう見られているのかということから、当時の「不確かな青木さんご自身」を表現した作品であるとさえ思える。 青木さんの作品は主観的で自分自身を現場から距離をとった対岸に置いてはいない。常に「見られている」ということを意識し、そのことで世界を見せてくれる。 相手からむけられた視線という「出来事」とそこへ近く「過程」から青木さんが見て感じてきた、見られているという「体験」をイメージの中に遺す。 とても主観的なドキュメンタリーで良質なルポタージュだ。 アフリカのドキュメンタリーだから「ドキュメンタリー＝フォトジャーナリズム」という考えをいったん置いておくことで、その面白さは加速する。 アフリカである必要があったのか？と感じたことから聞いた「もう一度中東に行ってみる気持ちはないんですか？」という質問をもう一度してみた。 「アフリカにこだわってるかなら…」と最初は言っていたが長い時間話をしたことで僕の感じたことが伝わったようで少し答えが違っていた。 「また行きたい気持ちに少しなった」と。 アフリカでご自身のスタイルが確立した今の青木さんならば、場所はどこであってもシステムに流されて暴力的で一方的に視線を向け「見て来てやる」とはもうならないだろうと思う。 どこで撮ったとしてもそこに写真家青木弘がどう関わったのか？ということをイメージに痕跡として遺すのだろう。 危険が伴う仕事なので、中東行って来てくださいよ！とは気軽には言えない。でも、それを観てみたいと思った。 世界をどう見ているのか？そして、僕らは世界からどう見られているのか？ 青木さんの作品は鑑賞者に理解したふりをして対岸に立ってはいられなくさせる。 ご本人は古いスタイルと言われますと笑っていたが、 かつてブレッソンが示してきたようにこれが本質的にドキュメンタリーということなのだろうと思う。 現在、京都写真美術館 展示スペース ギャラリー・ジャパネスクで青木さんはKYOTOGRAPHIEの関連展示KG+として展示をしている。 そして、今日トークショーもある。 僕のブログよりもご本人に話を聞いた方がずっと面白いかと思う。 近くにいる方は是非。 4月22日（日）14:00－15:00 青木 弘×高橋国博（冬青社/ギャラリー冬青） 青木弘 写真展「Conflict Diamonds」 2018.04.17(tue) ~ 04.29(sun) 京都写真美術館 展示スペース ギャラリー・ジャパネスク

http://www.artisan-tokyo.com/wp/news/conflict-diamonds

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AA+Aの引力

どうしても、平日の昼間は人が少ないのだけど、 ありがたいことに本日も夕方からそれなりの数の人がギャラリーに訪れた。 熱心に作品を前に何かをDMにメモとっている方がいた。 何を書いているのか気になった。 「AA+A」だけでなく「Máni」の写真集もくまなくページをめくり、僕の経歴であるCVやステイトメントからも何かを書き取っていた。 はじめてお目にかかる方で、 なんだろ、もしかして何かくれるのか？ 実は自分からは展示に来てくださいとは友人などにあまり声をかけていない。 作品を観てくださいと人に見せるということに責任がつき纏うことを本質的に理解をしようとしているつもりだからだ。 それはポートフォリを人に見せるのと同じで、見せられたら側は何かを思うものなのだ。 それによってバイアスがかかり、作品の本来届いて欲しい思いまで届いてくれなくすることもあると思っている。 作家本人を前に「良い良い」と褒めるのは簡単で、「良くない」とはなかなかに言いにくいものだ。 そしてそれを言わせているのは他ならぬ作家本人だ。 「足を運ぶほどに価値のある作品を意味ある場所に提示し続けること」 これ以外に基本広報は必要ない。 友人の展示だからというバイアスのもとで作品を観てもらいたくもないし、そんなことをしなくても「AA+A」はいい作品であることは疑いようのないことは作家として当たり前に自信を持っている。 何時間も展示をずっと観ている人もいれば、海外から予定を組んで観に来てくれる人、普段使わない脳が刺激されるという人もいる。 東京のあと、Kyotographieに行って週末にもう一度観たいから寄っても良いか？とメールをくれるイギリス人とは写真集を交換する約束をした。 「AA+A」は作品として引力を持っている。 だから、ギャラリーに訪れる人数はそれほど多くはないがありがたいことに「AA+A」も「Máni」に劣らない人気でコレクションが進んでいる。 作品が芸術作品（アート作品）であればこそだろう。 今の時代に世の中をどう観たのか？というこの作品を後世に遺すことにコレクターの方々が手を貸してくださっている。 これは本当に嬉しくて、ありがたいことだ。 ■クロージングパーティー 27日19時からはささやかながらギャラリー冬青で、クロージングパーティーを行います。 今回も作家として「AA+A」を愛してくださったことへの感謝をこめてKRUGを1本ご用意させていただきます。 お時間ありましたら、金曜の夜ですが、アートな時間を共有いたしましょう。 ■写真集「AA+A」 ギャラリー冬青のウェブサイトからも好評発売中です。 是非お手にとってごらんください。 ＜ギャラリー冬青＞ http://www.tosei-sha.jp/TOSEI-NEW-HP/html/EXHIBITIONS/j_exhibitions.html ＜keijukita.com＞ http://keijukita.com/book.html

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じゃあ「写真」って何だ？

昨日ギャラリー冬青で白石さんという作家さんが高橋社長に持ってきたプリントを一緒に拝見させていただいた。 とてもクリエイティブで建設的なディスカッションの時間であった。 高橋社長がその時のことをブログに書かれていたので、詳しくはそちらでご確認いただければと思う。 【高橋国博のブログ「目」】2018年4月18日　可視化された作品に「愛着」が持てない・・・。 そのブログを読んでいて白石さんの話から飛んで僕の話へと話が飛んでいて少し驚いた。 しかし、デジタルに愛着がわかないということではないが、現場で3人で会話をしていて「作品の愛着」というこの件にはとても共感を覚えたのは間違いない。 僕自身「Máni」の時だけでなく、今回の「AA+A」にも異常と言っていいほどに愛着を感じている。 ホント良くすばらしい作品として産まれてきてくれたと思っている。 子どもがいないから正確にはわからないが、おそらく親が子どもに対する感覚の何かに近いものがあるのではないかと思う。

「自分の作品を愛している。」

現在の会期中、毎日このすばらしい作品に囲まれて過ごす在廊時間は何と贅沢な時間かと我ながら思っているのは偽らざる思いだ。 自分の自宅には残念ながらぐるっと囲むほどには飾ることは出来ない。 その思いがいったいどこから来るのか？ということを今日は少し考えてみた まずは、自分が小さいなりにコレクションをしてきた経験が自分自身の作品に対して厳しい目を成長させたのは間違いない。 その結果として、自分が妥協せず「良し」として世に出す作品は間違いなくいい作品だという基準が出来ている。 ある意味で作品にたしてのものさしという「根拠」を持ったのだ。 僕は自分の今回の作品「AA+A」が僕以外の誰かの作品であったとしたら、有無を言わさず自分のコレクションに間違いなく加える。 何年もかけてコツコツと自分の目を信じてコレクションしてきたすばらしいハリー•キャラハンやスティーブン•ギル氏、多くの先輩作家さんたちやこれから来るトーマス•ルフ氏の作品と肩を並べて遜色ないという僕のコレクターとしての判断がそう思わせている。 僕のコレクションの中でも自慢の一品になるのは間違いない。 じゃあ何でそう思うのかということだが、コンセプトにあたる部分とそれを表現する技術（アート）、そして出来上がったプリントのクオリティの全てがすばらしいからだ。

構想に4年、そこから2年かけて作品づくりとともに創りあげられてきた「エネルギーを可視化」するというコンセプトからはじまったこの作品は確かなアートの文脈の中で練り上げられ、唯一無二な制作過程を通して見事にビジュアル化されている。

この唯一無二な制作過程は言ってみればある意味で、世界中他にはどこにもほか無い化学反応とは違った独自のアルゴリズムで行う暗室での現像作業と同じだと思う。 液につけて振ることでネガを創るように、オリジナルのプログラムの中で、撮影されたイメージは見えないものを見えるようにするネガを創る。 オリジナルのプログラムはそれを可能にする「暗室を作った」というで、この作品に厚みを持たせる部分であろう。 この作品で自分のコンセプトを表現するためだけに新しい技法を生み出したと言っても良いかもしれない。 この点は確かにトーマス•ルフ氏に通じる点かもしれない。 結果、観た事の無いものを観たいという鑑賞者の欲求に応える。 そりゃ、場合によってはこれは間違いなく問題作品だろうと思う。 「こんなのはアートじゃない」 アンディ・ウォーホルがキャンベル缶の作品を発表した時に出た批判だった。 じゃあ「アート」って何だ？ 「そういえば、こんなのは写真じゃないって怒って帰った人もいたよ」と今日ギャラリーではじめてプリントを買ってくださったお客様が帰られた時に高橋社長がおっしゃっていた。 これで、この会期中２度目だそうだ。どうやら知らないところで賛否両論なようだ。 申し訳ないと思う反面、僕がその場に入れなかったことが残念で仕方がない。 その人と話ししてみたくて仕方がない。 ちょっと味わってみたいんだよね…アンディ・ウォーホルが感じた気持ちを。 そして、写真の領域を広げ続けているウォルフガング・ティルマンス氏やトーマス・ルフ氏がその最初に感じた気持ちを。 作家の責任として意識を持って作品とともに問い続けるよ！ じゃあ「写真」って何だ？ ■写真集「AA+A」はギャラリー冬青のウェブサイトからも好評発売中です。 是非お手にとってごらんください。 ＜ギャラリー冬青＞ http://www.tosei-sha.jp/TOSEI-NEW-HP/html/EXHIBITIONS/j_exhibitions.html

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やはりブログはやるべき。

ギャラリー冬青の先輩作家の渡部さとるさんがご自身のブログに僕の作品AA+Aのことを書いてくれていた。

それを同じく先輩作家の亀山仁さんがシェアしてくださっていた。 大変恐縮かつ大変ありがたい。 （参照：「実を言うと最初に見たときは「なんじゃこれ？」と思った」渡部さとるさんのブログ「写真生活より」） 思えば、2年前の今頃からブログを毎日書こうと考えたのは渡部さんが長く書き続けているブログを知ったからであった。 【写真生活】 http://satorw.hatenadiary.com/ 「作品は良くて当たり前。そこから一歩前に出るために作家が”作品づくり以外でも”作品のために何が出来るのか？」 そう考えた時にご本人がどう思っているのかはわからないが、渡部さとるさんはそのことをしっかりと実践されている他の作家さんとは違う作家さんであると僕は感じた。 そうやってちゃんとやっている人がいるその同じフィールドでちゃんとやっていない自分が上手くなどいくわけがない…そう思い、2年間毎日ブログを書き続けたそのことにどれだけの意味があったのかは今はよくわかる。 同じことを5年ほど前に京都造形の森政俊先生もおっしゃっていて「その通り！」と思ったものだった。 森先生も言葉とイメージを繋ぐということをあれから5年以上経ってもずっと続けられている。 ある時にどこかのタミングで誰も追いつけなくなるのだ。 入学ガイダンスでも話をしたが、ちいさな成功体験の積み重ねが大きな成功を勝ち取る一番の近道なのだ。まさにブライアン・Jの「夢の扉」だ。 10年前に、映像クリエーターとして起業した時は「ブログも書かない社長が成功などするわけがない」と言う人がよくいた。 今は妙に納得する。だから代わりに言いたい。 「ブログも書かない作家が成功などするわけがない」 これは、イコールブログを書けば成功するという必要十分な条件という意味で言っているのではない。 作家が作品のために出来ることの必要条件をブログを書くことに限らず、何かしらでまず満たす必要があるのではということだ。 結果としてそのことは最低限作家として作品に対してと、それを取り巻く環境に対しての責任を果たすことになる。 たしかにそれはSNSでもいいのかもしれないが、メデイアの特性を考えれば、やはりオウンドメディアとしてやるべきはブログのほうが優先度は高いかと思う。 ただ、あと半月で目標としていた2年と1ヶ月を達成するので、このブログも終わりにする。 今はそこに自身の作品展「AA+A」の成果を書き込めることを楽しみにしている。 ■写真集「AA+A」はギャラリー冬青のウェブサイトからも好評発売中です。 是非お手にとってごらんください。 ＜ギャラリー冬青＞ http://www.tosei-sha.jp/TOSEI-NEW-HP/html/EXHIBITIONS/j_exhibitions.html

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写真が役割を果たす。

昨日自分の展示が休廊だったこともあり、ようやく展示最終日のAtelier NOVAへ足を運べた。 「いまを、生きる〜子供達の再生と希望のひかり」展 という「写真」の展示だ。 展示は「写真」が目的を持ち、大切な「役割」を確かに果たしていることが特徴的な展示であった。 定員割れが続いていることで存続の危機に直面している北星余市高校という場所を守るためにその必要性を人に伝える「写真」だ。 写真そのものが入学者を増やすということはないのかもしれない。 しかし、写真に写ったそこに生活する今の人たちの姿は、未来にこの場所が必要になる人たちのために多くの人を集めていた。 11日間という短い会期の間に驚くほどの人がギャラリーに訪れていた。 「自分にも何か出来ないのか？」 そうも思わされた。 結果はどうなるのかはわからない。 でもその「写真」は確かに役割を果たしていた。 人を呼び、そこに誰かが守りたいと思う「場所」があることを伝えていた。 おそらく僕と同じように何もなかったそれぞれの水面にざわついた波を立てる影響はあったと思う。。

それが、いい結果になればいいとは思うがそこから先は「写真」の「役割」ではない。 僕にとっては「写真」の「役割」について考えさせられる展示であった。 観に行けてよかった。

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作家のダイナミックレンジとスタイルの相関関係。

p.p1 {margin: 0.0px 0.0px 0.0px 0.0px; font: 12.0px '.Hiragino Kaku Gothic Interface'; color: #454545} span.s1 {font: 12.0px 'Helvetica Neue'} span.s2 {font: 12.0px 'Helvetica Neue'; color: #e4af0a}

デジタルカメラを使う人なんかにはよく聞く言葉かもしれないダイナミックレンジという言葉。

Wikipediaによれば、 ダイナミックレンジ（英: dynamic range）とは、識別可能な信号の最小値と最大値の比率をいう。信号の情報量を表すアナログ指標のひとつ。写真の場合、ラティチュードと 同じ意味で用いられることが多い。 ということ。 つまり、表現できる階調の「幅」のことというので正しいかな？ 要するにダイナミックレンジの広いカメラは白飛び、黒つぶれがしにくく表現できる色の階調が広いということ。

100％の真っ白や真っ黒までの表現の領域の中に多くの階調があって、8ビットなら2の10乗で256階調(0-255)のRGBの組み合わせで色を再現しているということになる。 ダイナミックレンジの広さはイコール表現の幅ということになるのだろう。

僕が今回言いたいのはこの表現の幅ということで、カメラの機能のことではない。 「Máni」という僕の一作目を知っていてくれる人は特に、今回の新作「AA+A」という作品に驚く人が多い。 僕自身もその理由は分からなくもなくて、モノクロからカラーへ、アナログからデジタルへさらにデジタルマニピュレーションをプログラミングで…とその表現方法が大きく移行したからに違いないと思う。 僕自身もその点に関しては制作を進めていた当初、大いに頭を悩ませた問題であった。

フィルム、モノクロ、暗室という写真の伝統に沿って産み出された「Máni」は間違いなく僕にとって代表作であり名作である。それ故に2作目に対しての期待されるということが頭を悩ませた一因である。

そこである程度確立した技術とスタイルを次の作品でも踏襲する事はある意味でスタイルの確立にもなるということは当然に理解した上で「スタイルの確立」よりも「コンセプトを正しく表現できるより良い方法」を選択したというのが一番的確な表現であるかもしれない。 僕は芸術作品を世に送り出すアーティストであるという自覚を持って創る必要があると今では思っている。 芸術作品を創る最大の目的は誰かに褒められるためでも、誰かに認められるためでもない。 芸術とは何であるのか？芸術作品とは何であるのか？ 杉本博史氏の言葉を借りれば、 ー 芸術とは自己の精神やコンセプトを可視化するための技術にほかならない。 （美術手帳 BT｜2014.07より） ー 芸術とはコンセプトを表現するための技術であり、芸術作品はそれによって表現されたコンセプトそのものだ。 方法論によって確立されるスタイルよりも、コンセプトを可視化より正しく可視化する方を選ぶのは当然だと思う。 今回大きく舵を切った僕の表現スタイル（芸術）によって生まれた芸術作品である「AA+A」は想像よりも少ない反感と多くの共感を今のところいただいている。 闇雲に表現方法を変えるのもどうかとは思うが「AA+A」に関して言えば、これ以上に僕のコンセプトを表現できる芸術はなかったと確信を持って言える。 それが作家が作品に責任を持つということであろうと思う。 表現方法としてのスタイルの確立はたしかに見えにくくなったかもしれないが「並べてみるとどちらもやっぱり北さんの作品ですね」と1作目「Máni」と2作目「AA+A」を並べながら言う人もいる。 見た目や方法論の問題ではない部分でこの2つの作品がつながっていることを感じ取れる人も少なからずいるのだ。 2年前に「AA+A」が出来上がっていたら、シャーロット・コットン「写真は魔術」に掲載されていたのは「AA+A」であったかもしれないが、1作目、2作目の順番は写真史の歴史と僕のキャリアを考えればこの順番で間違いはなかったと思う。 そして結果、今回の選択は僕自身の作家としてのダイナミックレンジ（表現の幅）を広げたことになるのではないか？と思っている。 コンセプトで作品と作品をつなぐのが僕のスタイルだ。

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新入生ガイダンス

京都造形の18年度の写真コースの新入生ガイダンスが外苑キャンパスで行われた。 16年度にはじめて先輩風を吹かせに行ったんだったかな？京都造形のライアン・マッギンリーになろうとしてなり損ね（参照：「伝説になり損ねた日」）。。。 去年は去年で上手いこと言おうと思って何を言っているのかわからないグダグダな感じになったような苦い記憶があります（参照：「先輩風を吹かせに。」）。 今年も懲りずに先輩風を吹かせに行きました。 「新入生に」ということであれば、16年度の時に書いたスピーチの方がやはり自分の経験から伝えたいことだと思い16年度版のモディファイした内容の話をしてきました。 自分が入学ガイダンスで話をした人たちが今度は先輩となって同じところで新入生に話をしていたり、今年は自分自身も大学院の新入生ということもありで、気持ちが高ぶるものがありました。 目標を持って臨むこと 目標はアップデートしていくもの 共に歩める仲間をつくること 学ぼうとしていることは「芸術」だということ 今立っている厳しくも楽しいアートの道の入り口は必ずその先の道へとつながっているということ。 言いたいのはだいたいそんなこと。 最後のところは僕がこれからも証明し続けていこう。 自覚を持って次は世界に目を向けます。 ＜以下スピーチの内容全文＞ 大学ご入学おめでとうございます。 2016年度東京卒の北です。 2012年に入学し、6年もかけて昨年の3月にようやく卒業しました。 新入生ガイダンスに来て話をするのも3年目ですが、ようやく卒業生として来ることができます。 入学前の自分に、今の自分を想像できたのか？と尋ねたら、 きっと想像できないと答えると思います。 入学にあたり、それぞれに何か目標をもって入学されたと思います。 大学卒業がほしい、カメラが上手くなりたい、仕事に活かしたい、インスタグラムでいいねがほしい、、、 その目標はどんなものでもいいと思います。自分のペースで達成を目指して学生生活を送ってください。ちいさな成功体験の繰り返しが大きな目標を達成するには一番の近道です。 芸術大学の学習はワークショップとはちがいます。さらに通信教育となるとひとりですすめなくてはいけないことも多くあります。 この先、課題がむずかしかったり、意味がないと思えたり 好き勝手には作品を創れななくて苦しく思うことも出てくるかと思います。 「芸術大学で写真を芸術として学ぶ」という選択をしたからには、自分自身の作品について「なぜあなたが今これを創るのですか？」と作品を創る「意味」を問われる時が必ずきます。 その時に向けての訓練だと思って、ただこなすのではなく、課題に対してそれぞれ意味を自分なりに見つけてみてください。 その意味は課題の中だけではなく、写真史や美術史、美術館での展示などの中にあるかもしれません。 それぞれの課題には必ず意味があります。そして、おもしろさも必ずそこにあります。 そして、芸術として写真をやるおもしろさに気がついたら 是非、今日ここへみなさんが持って来た目標をアップデートをしていってください。 そして、どんどんそれを今日いる仲間に対して口にして共有してみてください。 通信教育での学びの良さは、ここでしか会えないような思わぬ人と仲間になれることです。 必ず世界が広がっていきます。 作品を創るということは苦しく、厳しいものです。 ですが、創った作品が芸術として自分以外の誰かとの間に新たな物語を創り始めたその時に、 すべてのことが報われたと思えます。 僕自身が今現在展示会期中で毎日このことを感じているので、これだけは確かです。 皆さんはそんな厳しくも楽しい、アートの道の入口に今立っています。 がんばってください。

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作品のわかりやすさ

昨日は仕事をしながらではあったが、午前中からずっとギャラリーにいた。 仕事がひと段落したところでギャラリストの湯本さんと話をした中で印象的だった言葉。 「この作品はわかりやすくて、説明ができます」 という言葉だった。 「AA+A」はシャッターを押してプリントを創ったらおしまいという作品ではない。 複雑な工程を通して創り上げられた作品が故に「創り方」の説明をすると、たしかにややこしい話になりがちではある。 それはアーティストとしての作品づくりは7年というキャリアであってもこの「作品をテクニカルな創る技術」に関しては17年という映像クリエーターのキャリアから創り出していて、写真家のルールの中で戦っていないのでそれは当然ではないかとも思う。 ただ、コンセプトはそれほどに難しい構造をしていない。 いたってシンプルなのだ。 「Máni」の時と同じく「エネルギーという目に見えないものを可視化する」ということを目的に、今回は単三電池をモチーフに作品を創りはじめた作品だ。 「Máni」の時はそのコンセプトに沿って作品づくりを進める中で街灯に感じ始めた個性（差異）から人物と接するようにポートレートとして丁寧に作品として仕上げることで、結果僕自身の大切な人たちを思う「人を思う」という作品として仕上がった作品だ。 「AA+A」は逆にそれぞれが持った（持たされた）アイデンティティ（差異）である表層の「言語」や「デザイン」といったアイコンを歪ませることで、全てにおいて共通項である「AA（R6）」という国際規格の概念だけをビジュアルに抽出することを試みている。 イメージに残されたこのイメージはまさしく「AA」という規格そのものの姿で、僕ら人類もこのイメージと同じく肌の色や国籍、宗教や言語などの「差異」を取り払えば同じく「人」として同じではないかということのメタファーなのではないか？ということだ。 「アートとは作家の概念やコンセプトを可視化する技術に他ならない」 テクニカルな技術も確かに大事だが、わかりやすい作品構造を構築することもその技術のうちのひとつだと思う。 大切なのは今の時代をどう見ているのか？ということの問いだ。 そして、その上でその作品の問いに鑑賞者に多様な解釈をもってもらうことが一番大事なことだ。 昨日でちょうど会期が1週間終了。 おかげさまですでに多くの作品がコレクターさんの手に渡ることが決まっている。 本当にありがたい。 今日は香港からわざわざ友人が来てくれるようなので14時くらいから在廊の予定です。 お時間ある方はぜひギャラリー冬青まで。 ◆北桂樹 写真展 AA+A 日時：2018年4月6日（金）~28日（土）※日月休廊 場所：ギャラリー冬青 東京都中野区中央５丁目１８−２０ ■写真集「AA+A」　¥4,000-（税別）※送料無料 サイン入り、PAYPALもしくはカード決算（アカウント開設より決算 ※アカウント開設は必要ありません） http://keijukita.com/book.html 展示会期中は送料無料でお買い上げいただけます。 あわせて「Máni」も送料無料でお求めいただけます。