La vigencia de lo espiritual en Kandinsky
“(…) la forma es el medio, y se debe corresponder exactamente con el contenido, cuando el contenido se hace incomprensible la forma se hace perceptible.” [1]
En éste trabajo haré algunos comentarios personales sobre la búsqueda espiritual de Kandinsky y las consecuencias en su obra, sobre su investigación teórica y su propósito respecto a la expresión de la obra. Parto de mi “aquí y ahora” para comprender a Kandinsky, con la distancia temporal y cultural que esto implica. Lo que busco es hallar la relación entre sus propósitos con respecto a la obra en el momento de su creación y lo que yo percibo de la misma alrededor de 100 años después.
En las primeras décadas de 1900 se da un gran desarrollo estético y conceptual en la pintura. A través de diferentes métodos y formas los artistas intentan mostrar algo nuevo, algo que refleja sus necesidades interiores. Se da un fuerte intercambio de influencias entre los artistas más destacados de Europa, principalmente a través de revistas o calendarios y de los Salones de Arte.
Para Kandinsky la pintura se hallaba en el tercer período de su evolución. Originalmente la pintura comenzó como el deseo práctico de fijar el elemento corporal efímero, luego en un segundo período se fue alejando de ese fin práctico y se fue acercando al elemento espiritual, para después -en el momento temporal de Kandinsky- alcanzar un estadio elevado de arte puro donde ya no quedan deseos del fin práctico y lo que domina la obra es su espiritualidad.[2]
Dentro de las categorizaciones de la historia del arte se lo considera a Kandinsky como un pintor expresionista, sin embargo nunca existió un movimiento expresionista. Lo que sí existió fue una tendencia común para determinados artistas que intentaron que su obra transmitiera antes que nada una emoción.
En la búsqueda de la espiritualidad de la obra muchos artistas del momento comenzaron a alejarse de la representación de la naturaleza, es decir, que fueron dejando de lado la representación del objeto exterior o la referencia al mismo. Para los expresionistas el asunto podía suprimirse por completo, lo que no implicaba suprimir el contenido, éste siempre estaba presente y era la esencia misma de la obra. Ellos consideran que la fuerza expresiva de los colores y las formas es suficiente para conmover al espectador. El expresionismo como tendencia floreció más abundantemente en la Alemania Moderna, y tiene importantes influencias del romanticismo de finales de siglo XIX. Quienes aportaron una base para la tendencia expresionista fueron Gauguin, con su rechazo a la civilización europea y su experimentación con la forma y el color en la representación; Ensor con su repugnancia a la pintura bella; Munch con su creación de imágenes alucinantes que transmiten sus angustias personales; Van Gogh y la deformación apasionada y siempre controlada para representar la naturaleza, así como la intensificación de los colores para crear un arte poderosamente comunicativo. [3]
Es importante intentar abstraerme de mí aquí y ahora para tratar de comprender cuál era el grado de ruptura de éstos artistas, todas sus búsquedas personales respondían a una necesidad de transmitir una emoción interna. Estos artistas que vivieron a finales del S. XIX rompieron con las pautas establecidas por la pintura tradicional académica y se aventuraron en nuevas formas de expresión, convirtiéndose en referentes para posteriores generaciones de artistas que conformaron los movimientos de vanguardia.
También tuvo una gran influencia en los artistas expresionistas, principalmente en Kandinsky, el hecho de hacerse conscientes de que la música conmueve por mediación directa. Esto significa que la música llega al alma del espectador sin hacer referencia a un objeto del mundo exterior, la música conmueve prescindiendo de un asunto, y fue justamente esto lo que sirvió de estimulante y pasó a ser un desafío para los pintores expresionistas que pretendían prescindir del objeto para transmitir un contenido. Los músicos más influyentes en Kandinsky fueron: Schonberg, Wagner, Debussy, Scrjabin, Schumann y Mussorgsky, también Wagner, Debussy.[4] Según Kandinsky “Los músicos más modernos, como Debussy, crean impresiones espirituales, que a menudo toman de la naturaleza y transforman en imágenes espirituales por vía puramente musical. “ [5]
Como referencias plásticas Kandinsky consideraba valiosos a Matisse por su uso del color y a Picasso por su uso de la forma.
Al expresionismo se lo asocia con dos grupos informales de artistas: Die Bruke (El Puente), de Dresde, formado en 1905 y disuelto en 1913; y la agrupación de artistas de Munich que exponían bajo la égida de un almanaque titulado Der Blaue Reiter (El caballito azul) del que sólo apareció un número en 1913. La palabra expresionismo propendía a no significar nada más preciso que subjetivismo anti-naturalista.[6]
El clímax de la pintura expresionista se da antes de la guerra, en una sociedad donde el hombre sufría por una industrialización y una urbanización aceleradas y devastadoras. Es importante tener como referencia que Kandinsky escribió “De lo espiritual en el arte” en 1910, fue antes de la primera guerra mundial que realizó sus primeras investigaciones sobre el color. A través de sus investigaciones Kandinsky pretendía crear una obra que llegara al alma del espectador, para que el hombre volviera a conectarse con su mundo espiritual y pudiera reaccionar así ante la alienación y la frialdad del mundo moderno y positivista. El propósito de Kandinsky era liberar el espíritu del hombre moderno que se encontraba oprimido por una angustia material.
Algunos artistas se apoyaron en la expresión más o menos inmediata de sí mismos para llegar a la expresión deseada; otros sintieron la necesidad de poner a prueba sus medios y sus impulsos e ir modelando gradualmente un lenguaje claro en el que formular sus mensajes personales. Los artistas del Jinete Azul pertenecían a éste segundo grupo. El Jinete azul fue un almanaque publicado en 1912, dirigido por Kandinsky y Marc
El proceso a la abstracción:
Kandinsky fue reduciendo cada vez más el naturalismo y dando paso a la expresión propia de los colores. En 1910 experimentó por primera vez con el arte completamente abstracto. Desarrolló un arte sin tema, pero con contenido.
La ausencia del objeto de la naturaleza hoy parece algo común, pero en aquel momento significaba una osadía, porque concebir la obra sin objeto podía ser visto como una obra vacía, sin embargo el resultado era una obra cargada de emociones. Llegar a la conclusión de que lo verdaderamente expresivo es la fuerza emocional de los colores y las formas que los contienen es un logro que perpetuó en la pintura hasta nuestros días, y derivó en numerosos estudios sobre las facultades propias de cada color. Lo que primaba era el deseo de encontrar nuevos medios de expresión a través de los cuales transmitir la esencia profunda de la humanidad.
Kandinsky estuvo relacionado con la teosofía[7], confrontó los avances de la ciencia y la tecnología e intentó compensar el desequilibrio causado por el énfasis que ponía el mundo en el progreso material, comprometiendo su arte con el mundo del espíritu. Kandinsky quiso vincular la naturaleza plástica del arte directamente con la vida espiritual del hombre. Lo imprescindible era la sintonización de los medios pictóricos con el impulso emocional o espiritual del artista. Lo importante es que las personas puedan reconocer su propio mundo espiritual.
Del lado del artista, el expresionismo implica el descubrimiento de cada individuo de sí mismo en cuanto personalidad creativa. El texto didáctico de Kandinsky “Punto y línea sobre el plano” se publicó como uno de los libros de la Bauhaus en 1926; se trata de un intento de codificar los valores perceptivos de los colores y las formas, de manera que permita al artista controlar los medios expresivos a su disposición. [8]
Reflexionando sobre la influencia de éste libro en los ámbitos del arte y en las teorías sobre color, llego a la conclusión de que era verdaderamente innovador que en 1926 se incitara a un estudiante de arte a experimentar con la potencialidad expresiva de cada color, como algo enorme y abstracto, como color puro y como color en su relación con la forma que lo contiene.
¿Por qué era necesario para Kandinsky el paso a la abstracción? Desde mi punto de vista y según lo poco que he leído y lo que percibo en su obra, él se encontraba en una profunda reflexión en torno al color y a su combinación con la forma. En éste sentido el objeto referente a la naturaleza sólo podía alejarlo del camino al que se dirigían sus sus investigaciones. ¿Qué era la abstracción en 1910? Hoy existen diversas opiniones sobre lo que es “la abstracción” en el arte; lo que yo puedo concebir como “abstracción” dista mucho de lo Kandinsky pudo concebir como tal en 1910 ante su primera acuarela abstracta.
Kandinsky tuvo una sensibilidad extraordinaria, y una perseverancia rigurosa. Sé que lo que yo experimento ante sus obras es el resultado de una intención del artista; yo experimento sus investigaciones. “Pretendía poner de manifiesto lo espiritual mediante formas y colores abstractos. Intentó confirmar la secreta relación interna entre el estímulo del color y la impresión espiritual y psíquica sobre el espectador”[9]
De lo espiritual en el arte:
“De lo espiritual en el arte” está impregnado de un tono que había sido influenciado tanto por los filósofos alemanes idealistas (Kant, Fichte, Schekking), como por la postura anti positivista habitual en los círculos artísticos. [10] Concibo “De lo espiritual en el arte” como una ayuda para comprender la obra de Kandinsky. Al enfrentarme a sus conceptos teóricos me acerco al artista, con las limitaciones espacio temporales de mí aquí y ahora que influyen en mi proceso de significación.
“No puede cristalizarse materialmente aquello que no existe aún materialmente. El espíritu que conduce al reino del mañana sólo se reconoce a través de la intuición (a la que conduce el talento del artista).”[11] Kandinsky le daba un importante protagonismo a la intuición al momento de concebir la obra. La intuición es aquello que conecta al hombre con su mundo espiritual; dentro de éste mundo se puede concebir un rojo puro, sin límites, es un concepto abstracto, lo puedo concebir únicamente en mi mente.
“La libertad puede ir hasta donde alcance la intuición del artista. Desde este punto de vista se comprende cuán necesario es el cultivo y el cuidado de esa intuición.”[12]¿Existe esa intuición de la que habla Kandinsky en el artista contemporáneo? ¿Será que el hombre- artista debe ser consciente de su propia intuición para no perderse en el mundo globalizado y súper estimulado en que vivimos? Creo que la intuición es parte de cada uno y puede desarrollársela con más o menos intensidad, puede dársele un espacio mayor o menor en la toma de decisiones.
Para Kandinsky lo fundamental de una obra sería ver si ha nacido de una necesidad interior o no. Lo que busca es percibir ese grado de espiritualidad que conecta esa obra con el espíritu humano y hace vibrar sus emociones. El contenido es el que determina la obra, no existe obra sin contenido.[13]
Él estudió el color y la forma como elementos aislados y en combinación, llegando a conclusiones sobre los efectos pisco-físicos que los colores y las formas que los contienen producen en el espectador. Él experimentó con la creación de tensiones en el lienzo, a través de la combinación de elementos que tienen sus propias fuerzas internas que se modifican al interactuar con las tensiones generadas por los otros elementos. Según Kandinsky la composición no es otra cosa que la suma de tensiones organizadas. [14]
En relación a mi percepción y a mi experiencia de la obra de Kandinsky puedo decir que me afecta enormemente la contaminación visual a la que he sido expuesta desde mi nacimiento y la super estimulación a través de imágenes publicitarias propias del mi mundo y mi tiempo globalizados.
Es frecuente experimentar sus obras a través de la búsqueda en google y esto distorsiona mi relación con la obra. Encontrarme con obras de Kandinsky en tantos formatos fuera de los libros de arte me hace reflexionar sobre el hecho de que no estoy contemplando la obra en sí, sino una reproducción más de las tantas de millones que existen en este mundo globalizado.
Para mi es importante ser consciente de la distancia a la que me encuentro del “aquí y ahora” de la obra. Debido a ésta distancia considero que es imposible comprender enteramente qué significó la obra de Kandinsky en el momento en que fue expuesta al espectador, mi mente no puede despojarse de todas las referencias visuales post Kandinsky y tampoco de la distorsión que implica la vivencia de la obra a través de la virtualidad de internet y de las miles de reproducciones de baja calidad.
Aún siendo éstas las formas en que experimento a Kandinsky, su obra me conmueve, encuentro armonía en lo que veo, percibo el reflejo de sus investigaciones. A pesar de estar contaminadas por la globalización, yo encuentro en su obra algo vivo, latente. La obra de Kandinsky amplía mi universo sensible.
Seminario de las Estéticas II
Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes
Universidad de la República
Becks-Malorny, Ulrike, Vasili Kandinsky – En camino hacia la abstracción. Corea del Sur: Taschen, 2007.
Dutchting, Hajo, Kandinsky. España: Evergreen, 1996
Kandinsky, Pasil, De lo espiritual en el arte. España: Labor, 1992Kandinsky, Pasil, La pintura como arte puro (Artículo publicado en la revista “La Tempestad”, 1913). (Proporcionado por el curso Seminario de las Estéticas II)
Estarnos, Niños, Conceptos de arte moderno. Madrid: Alianza Forma, 1991
Foroalfa.org/artículos/la-gramática-de-Kandinsky (consultado en agosto de 2012).
[1] Stagnos, Nikos, Conceptos de arte moderno. Madrid: Alianza Forma, 1991, p.36
[2] Kandinsky, Wassily, La pintura como arte puro (Artículo publicado en la revista “La Tempestad”, 1913). (Proporcionado por el curso Seminario de las Estéticas II)
[3] Stagnos, Nikos, Conceptos de arte moderno. Madrid: Alianza Forma, 1991, p.31
[4] Dutchting, Hajo, Kandinsky. España: Evergreen, 1996, p.38
[5] Kandinsky, Wassily, De lo espiritual en el arte. España: Labor, 1992, p.43
[6] Stagnos, Nikos, Conceptos de arte moderno. Madrid: Alianza Forma, 1991, p.32
[7] (“Sociedad Teosófica”: Está constituida por logias que intentan aproximarse, por el camino del conocimiento interior, a los problemas del espíritu.). De Kandinsky, Wassily, De lo espiritual en el arte. España: Labor, 1992, p.39
[8] Stagnos, Nikos, Conceptos de arte moderno. Madrid: Alianza Forma, 1991, p.39
[9] Dutchting, Hajo, Kandinsky. España: Evergreen, 1996, p.38
[10] Dutchting, Hajo, Kandinsky. España: Evergreen, 1996, p.38
[11] Kandinsky, Wassily, De lo espiritual en el arte. España: Labor, 1992, p.36
[13] Guerra Meza, Ma. Eugenia, La gramática de Kandinsky. 2012.
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