L'Hypothèse Robbe-Grillet

L'Hypothèse Robbe-Grillet est un centre de recherches informel et multiforme, situé au croisement de la littérature et des arts contemporains.

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Ming Wong, « Next Year / L'Année Prochaine / 明年 » © Ming Wong

Au Festival Extra! 2023

#La Reprise 12

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Nina Beier et Marie Lund, New Novels, New Men (Jealousy, Jalousi, La Ceiosia, Die Jalousie oder Die Eifersucht), 2009, banc, traductions de la Jalousie d'Alain Robbe-Grillet en cinq langues.

#La Reprise 11

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Sinziana Ravini, exposition "The Chessroom", Atelier Rouart, mai 2013

La Reprise #10 / Cérémonies de Catherine #3

Entretien croisé d’Arlène Berceliot-Courtin et Sinziana Ravini

L’une est une fidèle lectrice d’Alain Robbe-Grillet. L’autre est une lectrice passionnée de Catherine Robbe-Grillet. L’une a intitulé l’une de ses expositions d’après le titre d’un film d’Alain. L’autre a fait de Catherine un personnage important de son roman. Un intérêt commun pour le couple Robbe-Grillet en guise de point de départ d’une discussion foisonnante entre deux curatrices qui pensent l’écriture autant que l’exposition, font un usage jubilatoire de la référence interdisciplinaire, interrogent l’autorité du curateur, la dictature du white cube comme la démocratie dans l’exposition et lèvent un coin de voile sur leurs désirs d’expositions futures.

Par Émeline Jaret et Lison Noël

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Florian Viel, Sculpture pour fenêtre ou sculpture pour observer discrètement la piscine de ses voisins, 2015, courtesy de l’artiste

La Reprise #9

Membre fondateur de The Tropicool Company, Florian Viel travaille sur un thème unique : les tropiques et la manière dont le regard occidental les perçoit.

C’est en même temps qu’il lisait La Jalousie d'Alain Robbe-Grillet qu’il a conçu la Sculpture pour fenêtre ou sculpture pour observer discrètement la piscine de ses voisins (prix MAIF 2015), accompagnée d’une vidéo dans laquelle une voix off lit un extrait du roman.

Un roman vers lequel il s’est tourné pour ses descriptions de l’île qui en est le décor et dans lequel il a puisé l’objet qu’allait reproduire la sculpture ainsi que la structure formelle de sa vidéo.

Entretien par Julie Mendez et Lison Noël.

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Philippe Rahm architects, The Effusivity pool, installation view at Istituto Svizzero, Milan, 18 April – 9 May 2018. Courtesy: Philippe Rahm architects and Istituto Svizzero, Milan. Photo © Giulio Boem

La Reprise #8 Grand lecteur d’Alain Robbe-Grillet pendant des années, l’architecte Philippe Rahm l’a rencontré en 2006 après lui avoir commandé des textes pour accompagner son installation « Météorologie d’intérieur » (Canadian Centre for Architecture, 2006). Une collaboration fertile, sous la forme d’un exercice de subjectivité que l’écrivain a poursuivi dans la construction son dernier livre, Un roman sentimental (Fayard, 2007). Discussion avec Lison Noël sur la place de la lecture de l’œuvre de Robbe-Grillet dans une réflexion à la fois dense et limpide qui s’attache moins aux murs, aux sols et aux plafonds qu’au vide qu’ils entourent ; qui s’interroge sur l’objectivité et la neutralité possibles des espaces ; et qui propose d’abandonner le style moderne pour un style « anthropocène » en accord avec notre époque, ses enjeux climatiques et la pensée du Nonhuman turn.

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La Reprise #7

Le duo formé par Pia Rondé et Fabien Saleil est l’auteur d’une exposition récente dont le titre, « Cité-Fantôme », est emprunté au roman Topologie d’une cité fantôme. Notre attention d’abord retenue par cet emprunt, la proposition d’une déambulation labyrinthique dans l’exposition, son érotisme latent et le vocabulaire géométrique dont est parcouru le discours des artistes ont fourni plusieurs points d’accroche pour la regarder avec eux sous un prisme robbe-grilletien. 

Entretien par Emeline Jaret et Lison Noël

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La Reprise #6

"Selon Gilles Mora, commissaire de l'exposition, Gibson, né en 1939 en terre de cinéma, à Los Angeles, fait partie des "derniers héros de la photographie" américaine et a cherché à créer "une œuvre littéraire sans écrit", fortement influencée par le cinéma de la Nouvelle Vague française (Jean-Luc Godard ou Alain Resnais), le Nouveau Roman (Michel Butor, Alain Robbe-Grillet...) ou encore par les nouvelles fantastiques de l'écrivain argentin Jorge Luis Borges."

Suite de l’article.

Exposition “La Trilogie” du 18 octobre 2017 au 7 janvier 2018 au Pavillon Populaire de Montpellier.

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La Reprise #5

Émilie Pitoiset, Élément de cérémonie 1, romans caviardés, La Maison de Rendez-vous, Alain Robbe-Grillet, Éditions de Minuit, 2012

Exposition Vous arrivez trop tard d’Émilie Pitoiset, Les Églises, Chelles, en collaboration avec Catherine Robbe-Grillet et Jean-Max Colard.

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En janvier dernier au BAL #4

Le 7 janvier dernier était lancé au BAL le numéro 5 du fanzine Gomme intitulé Studios from nowhere, conçu par Mathilde Veyrunes et Jean-Max Colard et édité à l’occasion de l’exposition “Belvédère” au Lieu-Commun, Artist-un Spaces de Toulouse (septembre - décembre 2015)

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La Reprise #4

Jusqu’au 13 mars prochain, l’exposition "Last Year in Marienbad: A Film as Art"  à la Kunsthalle de Brême s’intéresse à l’influence de l’esthétique de la Nouvelle Vague sur les arts visuels.

Avec des œuvres de Vito Acconci, Kenneth Anger, Richard Artschwager, Eugène Atget, Vanessa Beecroft, Blur & David Mould, Marc Brandenburg, Pablo Bronstein, Pavel Büchler, Giorgio de Chirico, David Claerbout, Paul Delvaux, Kota Ezawa, Patrick Faigenbaum, Yang Fudong, FORT, Alberto Giacometti, Douglas Gordon, Rodney Graham, Marie Harnett, Howard Kanovitz, Alex Katz, Jeff Koons, Kurt Kranz, Karl Lagerfeld/Chanel, Robert Longo, Bruce Nauman, René Magritte, Roman Opałka, Manuel Outumuro, Georges Pierre, Gerhard Richter, Sam Samore, Cindy Sherman et Cerith Wyn Evans.

Commissaires : Christoph Grunenberg et Eva Fischer‐Hausdorf.

http://www.kunsthalle-bremen.de/home-en/exhibitions-2/current-exhibitions/marienbad-en/

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Vendredi dernier à la BnF #3

Pour la session 4 de L’HYRG, Philippe Rahm était en discussion avec Jean-Max Colard autour de son livre Météorologie des sentiments (Les petits matins, 2015).

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La Reprise #2

A l’occasion de la sortie du numéro III de la revue Turpentine, Jean-Luc Blanc déplie comme une salière les constructions mondrianesques des deux films anagrammes d’Alain Robbe-Grillet, L’Eden et après et N a pris les dés.

Palais de Tokyo, 01/07/2015

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La Reprise #3 Entretien avec Arlène Berceliot-Courtin, curatrice de l’exposition “N a pris les dés”

Lison Noël : Pourquoi avoir repris un titre de film d'Alain Robbe-Grillet pour intituler ton exposition ?

Arlène Berceliot-Courtin : Ça fait longtemps que je connais et vis avec l’œuvre d'Alain Robbe-Grillet. Elle m’est restée en tête un moment, avant que l'idée d'une exposition n’apparaisse. J'ai d'abord découvert l’œuvre littéraire, puis cinématographique à la biennale de Lyon en 2013 : les deux films L’Éden et après et N a pris les dés étaient diffusés en boucle. C'est ce qui m'a le plus séduit dans cette biennale, j'y suis restée un certain temps, peut-être quatre ou cinq heures. J'ai eu un réel choc face à ce miroir, ce long métrage double. C'est ensuite resté dans mes pensées sans prendre immédiatement forme. Petit à petit, ça s'est développé en tant qu’exposition avec l'idée de reprendre les notions de double, de suite, de film sériel et aléatoire. C'est pour cette raison que j'ai choisi N a pris les dés et pas L’Éden et après comme titre, parce que c'est celui-ci qui interroge véritablement les statuts de narration et de ses hasards. Je trouvais que ça s'appliquait parfaitement au format de l’exposition car finalement elle est aussi cette combinaison aléatoire d’œuvres sous le regard d'un commissaire qui devient narrateur à part entière.

Le narrateur c'est toi ?

Le narrateur c'est moi mais c'est aussi l'exposition en tant que telle.

N a pris les dés était un point de départ ou l'alimentation d'une idée d'exposition qui était déjà là ?

C'était vraiment le point de départ mais j'ai mis du temps avant de trouver la forme sous laquelle j'avais envie de le présenter. Je travaille comme curatrice et critique d'art depuis quelques années et ça m'a toujours intéressée de montrer la même œuvre dans deux contextes différents pour créer une sorte de collage temporel. Je pense qu'il y a quelque chose de fascinant dans l'idée de générer un passage entre les expositions et entre les œuvres d'un même artiste, voire la même œuvre d'un même artiste. J'ai eu l'impression que dans ce double film, ça avait trouvé un écho qui pouvait paraître subtil, fin et intellectuel, mais qui m'a tout de suite fascinée.

Je rebondis sur la question de l'exposition comme collage d’œuvres : comment conçois-tu tes collages d’œuvres ?

Personnellement, j’entends l’exposition avant tout comme un collage lié à une temporalité et à un lieu donc beaucoup plus fini, déterminé (ou accompli) qu'un collage au cinéma.

Pourquoi plus accompli qu'au cinéma ?

Parce qu’il ne dure qu’un temps précis et prend place dans un lieu déterminé. C'est à la fois du live et du collage. D'une certaine manière, ce serait comme du surplace. Pour utiliser une métaphore liée à Alain Robbe-Grillet et au Nouveau Roman, c'est une sorte de récit ayant lieu dans un temps et un lieu précis. Ce même récit se développe et s'empêche à la fois de s’épanouir, parce qu'il ne peut se dérouler que dans ce lieu-là.

Mais tu as tenté de développer ce récit ailleurs puisqu'il y a une seconde exposition. Est-ce que le fait d'en faire une seconde vient de l'envie de ne pas rester dans ce lieu unique et de continuer le récit, d'une certaine manière ?

J'ai utilisé le même titre : selon moi c'est la même exposition. Certes, on ne peut pas visiter les deux en même temps, mais idéalement il faudrait que les deux soient simultanément dans ton esprit. Dans le cycle précédent que j'ai organisé pendant un an dans l’artist-run-space Moins Un à Paris, il y a eu trois expositions qui duraient chacune dix jours, à trois ou quatre mois d'intervalle. C’était déjà la même exposition déployée dans le même espace, mais en trois temps différents, avec trois titres différents chapeautés par une appellation commune. Ici, c'est plus pur et notamment par l’emprunt du même titre, mais les expositions ont existé dans deux lieux différents, avec des artistes en commun, mais pas seulement.

Tu t'inscris dans une recherche pour sortir du cadre classique de l’exposition dans un lieu unique et pendant un temps défini.

Oui. C'est en tout cas le fantasme que j'aimerais réaliser - toute modestie gardée. Les questions relatives au format de l'exposition sont abordées depuis de nombreuses années et particulièrement depuis le début des années 1990. Ce n’est donc pas une réflexion très novatrice. En effet, il faut sans cesse redéfinir et interroger ce que signifie le temps de l'exposition, au même titre que le choix de l'espace, des œuvres et des artistes évidemment… Il est nécessaire d’interroger ce temps-là et cet espace-là. L'idée d'avoir deux fois le même titre, mais un lieu différent était comme créer une sorte d'espace paradoxal, une forme de rêve. Quelque chose qui existe, mais relié à une autre histoire. Cependant, le spectateur, le regardeur, le visiteur ou l'amateur n'est pas contraint de connaître toutes ces informations.

Quelle est l’œuvre de l'exposition à Air de Paris la plus évidente dans son rapport à N a pris les dés ?

Je pense que celle dont le lien paraît le plus évident est l’œuvre de Guy de Cointet parce que cet artiste a vécu en même temps que Robbe-Grillet et parce qu'elle joue sur plusieurs dimensions en se plaçant notamment entre 2D et 3D, avec son absence de titre et de date exacte, elle reste très énigmatique. Il y a un petit système d'accroche derrière, donc on peut supposer que Guy de Cointet souhaitait l’exposer au mur, même s’il ne l’a jamais vraiment fait. De fait, elle garde beaucoup d'informations secrètes sur son contexte de production. Elle est apparue comme une sorte de révélation. Ensuite, je l’ai aussi choisie car elle me rappelait une scène du film qui se déroule dans l'usine à sucre (mais je suis peut-être la seule à le voir). Alain Robbe-Grillet a découvert ce lieu en se promenant sur les bords du Danube pendant ses repérages. Il a transformé cette usine en recouvrant tous les tuyaux avec des couleurs primaires. Il en a fait une sorte de mini Beaubourg exactement à la même période, c’est devenu un lieu de tournage incroyable dans lequel il a filmé Catherine Jourdan en pleine poursuite. Elle cherche sans cesse une issue, mais en fait c’est plutôt comme si elle se courait après. Il y a une vraie idée de surplace. Vis-à-vis de l'histoire de l'art, on se sent privilégié en découvrant cette scène parce que ce clin d’œil semble nous être adressé. Cette scène est aussi emblématique, car elle est parmi les seules ayant lieu en intérieur. Ici, nous ne savons plus s’il fait jour ou nuit. La petite peinture de Guy de Cointet me rappelait en quelque sorte ce flou, ce mystère…

Pour revenir aux couleurs primaires, tu as fait le choix après Robbe-Grillet de ne pas mettre de vert dans ton exposition. C'est une transposition en exposition d'un aspect du film ?

C'est une information qui est un peu secrète. Il faut se documenter, ce n'est pas quelque chose qui a été médiatisé - le film ne l'était pas non plus d’ailleurs. Ce qui m'a fasciné, c'était le parallèle avec d'autres artistes et aussi avec une certaine approche de l'histoire de l'art, en l'occurrence Mondrian qui n'utilisait aucun vert dans ses compositions. C'est un peu comme si Robbe-Grillet s'inscrivait dans cette histoire-là. Dans une sorte d'histoire du néo-plasticisme version cinéma.

Et toi tu t'y inscris version exposition ?

J'aimerais bien. Robbe-Grillet raconte qu'il est allé sur les lieux de tournage à la fin de l'été. À ce moment précis, toute la végétation était complètement brûlée par le soleil. À Djerba, les maisons étaient toutes peintes en blanc et bleu. C'est, soi-disant, ce qui lui a donné le stimulus de départ pour faire le film. C'est à dire l'absence d'une couleur. Ce qui, évidemment, pour quiconque ayant étudié d'histoire de l'art paraît complètement fou. Que ce soit juste l'absence d'une couleur qui donne l'envie à un écrivain et réalisateur de faire un film. C'est assez amusant. C'est en quelque sorte un portrait en creux. L’absence de quelque chose l'a véritablement motivé à faire son film. C'est ce qui m'a le plus fasciné lors de mes recherches. Dans la première exposition, il n'y avait pas de vert mais ça n'apparaissait pas autant dans le texte, parce que ce n'était pas encore aussi précis, je n'avais pas encore établi les contours.

L'absence de vert comme principale motivation du film évoque la théorie des générateurs de Robbe-Grillet, qu'il a notamment mis en œuvre dans ses fictions "générées" par la cible de Jasper Johns ou une toile de Jackson Pollock.

C'est exactement ça. Je ne connaissais pas le nom de cette théorie, même si avant de faire un passage entre l'entité Robbe-Grillet, j'ai lu tous ses textes sur l'art contemporain et l'art moderne et c'est assez déroutant.

Oui, on s'attend à lire un texte critique mais c'est une fiction. Tu t'es énormément documentée sur ces films : tu connais les anecdotes de tournage, le point de départ du film etc… jusqu'à en devenir presque une spécialiste.

J'ai une fascination pour ses films, donc il était difficile - comme dans un rapport amoureux - de prendre du recul sans tout connaître. Je vis avec depuis quelques années. Je ne sais pas si ça fait de moi une spécialiste, mais je pense qu'il est difficile de ne pas avoir ce rapport-là avec les auteurs de textes. C'est tout de même un sujet qui se prête à beaucoup de fantasmes. Avant Robbe-Grillet, j'étais complètement fan - je le suis toujours mais de façon distanciée à présent - de Duras, mais le lien entre Marguerite Duras et les arts visuels est moins évident. C'est un peu Robbe-Grillet qui m'a sevrée de sa littérature. Je travaille avec des artistes, des formes plastiques et visuelles, c’est ma matière intellectuelle. Et lui a le génie de pouvoir réunir tout ça.

Est-ce que tu conçois l’exposition comme un art ?

Oui, ça me paraît évident.

Es-tu une artiste ?

Non.

Tu fais de l'art, mais tu n'es pas une artiste ?

Je ne me considère pas du tout comme une artiste, déjà parce que j'invite des artistes et que sans eux, rien n’est possible. Sans œuvres, il n’y a pas d'exposition. Je pense que la mise en exposition développe plutôt un statut d'auteur. C'est peut-être un peu jouer sur les mots mais l’exposition est véritablement le résultat de cette mise en mots et en espace(s).

Parlant de mise en mots, à la lecture des textes accompagnant les deux expositions, on observe bien l'attention que tu y accordes. Dans ces textes, tu expliques l'idée des expositions mais tu ne parles pas des œuvres. Pourquoi ?

Avant je réalisais cet exercice, mais je crois qu’il faut avant tout : venir voir, expérimenter, sentir, pour pouvoir ensuite parler des œuvres. Elles s’inscrivent dans un contexte entier. Il est difficile de les isoler, d'écrire deux ou trois lignes sur chacune. Finalement, je pense que ça ne sert pas les œuvres. Le cadre d'une visite en revanche - donc face aux œuvres - reste le meilleur contexte pour donner quelques informations sur l’œuvre et l’artiste. Les communiqués de presse restent souvent assez superficiels voire « sucré/salé ». Ce sont souvent des textes à la frontière, médians donc peu intéressants. Par exemple, ils situent les œuvres ou l'exposition entre « visible » et « invisible » etc…  Le format du communiqué de presse est un format complètement boiteux, parce que ce n'est pas une notice, ni une légende, mais cela doit tout de même livrer trois ou quatre lignes sur les œuvres. Avant, j'essayais de les « engluer » dans un texte, mais maintenant je me rends compte que cela ne sert à rien. Je crois plus au texte en tant que tel.

Est-ce que l'écriture de Robbe-Grillet a un écho dans ton écriture ?

Je n'aurais certainement pas cette prétention, mais par exemple dans mon texte, j'ai fait exprès que ses paroles, ses mots soient attachés directement au corps du texte. C'est donc plus de la mise en page. Reprendre son jeu de « Qui parle ? Qui est en voix-off ? Qui est le narrateur ? ». « À quel moment j'interpelle le lecteur ? Est-ce que je parle à la première personne ? Est-ce que je parle de quelqu'un d'autre à la première personne ? ». J’ai collé sa citation directement dans le texte, alors que normalement j’aurais dû la mettre à la ligne entre guillemets. C’est donc une interprétation personnelle mais d’ordre grammaticale.

Comment expliques-tu que l’œuvre de Robbe-Grillet et ces deux films en particulier t'ait donné envie de concevoir cette exposition ?

Je ne saurais te dire exactement, mais par exemple, j'ai vu tous les films de Duras et cela ne m'a pas du tout fait le même effet. Plusieurs personnes ont essayé de faire le lien entre Duras et l'art contemporain, mais cela ne me semble pas évident alors que Robbe-Grillet nous laisse plus de place. Il est davantage dans l'invitation à continuer quelque chose, à s'emparer des choses.

Peut-être parce que l’œuvre de Robbe-Grillet laisse des portes ouvertes pour que d'autres s'y immiscent. Alors que Duras prend toute la place dans son œuvre. Elle ne laisse pas la place à d'autres.

Je crois aussi. Et d’ailleurs, c’est ce qu’il laisse entendre à travers les premières pages du Miroir qui revient quand il dit qu’il est plutôt comme une sorte de compagnon de route. (1)

(1) « Je ne suis pas un maître à penser, mais un compagnon de route, d’invention, ou d’aléatoire recherche.» Le Miroir qui revient, p.13, Paris, Éditions de minuit, 1984

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La Reprise #1

“N a pris les dés”, une exposition d’Arlène Berceliot-Courtin à la galerie Air de Paris, 28-32 rue Louise Weiss, Paris. 27 juin 18 juillet 2015.

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Cérémonies de Catherine #2

La Cérémonie, un film de Lina Mannheimer.

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Cérémonies de Catherine #1

Dîner Noir, un film de Catherine Robbe-Grillet, Beverly Charpentier, Tristan Bera et Dominique Gonzalez-Foerster.

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La semaine dernière à la Maison Rouge #2

Le 22 mai s’est tenue la deuxième session de L’Hypothèse Robbe-Grillet dans le cadre des MAD à la Maison Rouge. L’HYRG recevait Julien Carreyn, Christophe Bier et Camille Vivier pour une discussion autour de l’érotisme expérimental.