Cine, libros y más ... @lucianarodriguezdiaz - Tumblr Blog

Marcela, una canción de Cervantes: la voz de una mujer que se adelantó a su tiempo

Todos conocemos a Don Quijote, Sancho Panza y Dulcinea. Sin embargo, entre los numerosos personajes creados por Miguel de Cervantes existe una mujer cuya voz, escrita en 1605, conserva una vigencia sorprendente. Se trata de Marcela, la pastora que se niega a aceptar la culpa por la muerte de Grisóstomo, un hombre que se enamoró de ella sin ser correspondido. Frente a quienes la juzgan por su…

🎭 EL ÚLTIMO RECREO

Día D: Bajo Presión (Pressure)

Resulta casi irónico estar escribiendo esta recomendación en medio de una tormenta importante, después de una jornada soleada y fresca. Pero el clima es así: predecible en algunos lugares y, en otros, tan cambiante como para obligarnos a salir de casa con protector solar y paraguas durante el mismo día. Claro que equivocarnos al mirar el pronóstico hoy en día puede significar mojarnos, pasar…

#Cine #Estrenos #guerra #historia del cine #normandía #Novedades #Películas

Perritos y cine - 8 películas para celebrar el Día Mundial del Perro 🎬🐾

Cada 21 de julio se celebra el Día Mundial del Perro, una fecha dedicada a homenajear a esos compañeros que llenan nuestras vidas de amor, diversión, ternura, algún que otro resongo y muchos pelitos. Los perros además de ser conocidos como “el mejor amigo del hombre” también han dejado una huella imborrable en la historia del cine. Han sido protagonistas, amigos inseparables, héroes, testigos,…

La Odisea - Lo que hay que saber

Se acaba de estrenar “La Odisea”, última película de Christopher Nolan y quería hablar sobre ella, pero la verdad es que no hay mucho más que agregar, ya todo el mundo ha dicho que está bien hecha, que a pesar de su duración (173 min,) el tiempo no pesa, que a nivel cinematográfico es excelente, que desde el punto de vista sonoro también es excepcional, etc, etc, etc, por lo que estoy segura que…

The Invite - La invitación

El jueves 16 de julio se estrena en Uruguay The Invite (La invitación), la nueva película dirigida por Olivia Wilde, quien además integra el elenco junto a Seth Rogen, Penélope Cruz y Edward Norton. A simple vista, la premisa parece ir por el lado de la provocación: una cena entre dos parejas, una propuesta inesperada y el sexo como disparador de una noche que empieza a salirse de control. Sin…

Power Ballad - Letras Robadas

Este jueves 9 se estrena Letras robadas, título local de Power Ballad, la nueva película de John Carney, y lo primero que tengo que decir es que es una linda película musical. De esas que se miran con gusto, que entretienen, que tienen humor, canciones, personajes queribles y una historia que avanza sin hacerse pesada. Pero también es de esas historias que, por debajo de su tono amable, te dejan…

Cine: Toy Story 5: Después de más de 30 años acompañando a varias generaciones, Toy Story regresa a los cines con una nueva aventura que vuelve a poner a prueba el lugar que ocupan los juguetes en la vida de los niños. Pero esta vez el desafío ya no es otro juguete, sino un rival mucho más difícil: las pantallas. Con Jessie ocupando un papel central, la película reflexiona sobre cómo cambió la forma de jugar sin perder el humor, la emoción y ese espíritu que convirtió a la saga de Pixar en una de las más queridas del cine animado. Minions & Monstruos: Los personajes más caóticos de Illumination están de regreso con una nueva aventura que lleva el humor absurdo de los pequeños amarillos a un nivel completamente nuevo. En esta oportunidad, los Minions llegan a Hollywood con el sueño de convertirse en estrellas de cine. Pero, como era de esperarse, las cosas se salen de control y terminan desatando una invasión de monstruos que pondrá al mundo entero en peligro. Más allá de las risas, la película funciona como un divertido homenaje a los orígenes del cine y, especialmente, a la época dorada de Hollywood. Entre referencias al cine clásico, los estudios cinematográficos y las grandes producciones que marcaron la historia de la pantalla grande, Minions y Monstruos celebra el poder de la imaginación y la magia del cine desde una mirada tan caótica como entrañable. Y si están buscando un plan para las vacaciones de invierno que además sea gratuito, les cuento que vuelve Matiné en Sala B, un ciclo organizado por la Agencia del Cine y el Audiovisual del Uruguay junto a Antel y el SODRE. La propuesta está pensada para niñas, niños, jóvenes y toda la familia, e incluye funciones de cine uruguayo acompañadas por una selección de cortometrajes nacionales y de la región. Todas las funciones son con entrada libre y gratuita. Lo único que hay que hacer es canjear los tickets previamente a través de Tickantel, en locales de Red Pagos, Abitab o en las boleterías de los Auditorios Nelly Goitiño y Vaz Ferreira, hasta completar el aforo. (Cupo máximo de 5 entradas por persona) Teatro: “Ki, el lugar de las criaturas”: una aventura inmersiva para descubrir la naturaleza con ojos de niño Del 28 de junio al 5 de julio, la Sala Verdi recibe Ki, el lugar de las criaturas, una experiencia inmersiva para toda la familia creada por Martín L. Romanelli. La propuesta invita al público a ingresar en un universo mágico donde la naturaleza cobra vida a través de criaturas que protegen el agua, los árboles y el equilibrio del mundo natural. El recorrido está guiado por dos personajes opuestos: uno inquieto y acelerado, que siempre llega demasiado rápido, y otro distraído y curioso, que parece llegar siempre tarde. Entre situaciones de humor, escenas poéticas y encuentros sorprendentes, el espectáculo plantea una pregunta muy actual: ¿cómo encontrar la calma en un mundo que parece correr cada vez más rápido? Más allá de su mirada ecológica, Ki propone una reflexión sobre el vínculo entre la naturaleza que nos rodea y aquella que habita en nuestro interior. Una invitación a reconectar con la imaginación, la sensibilidad y la capacidad de asombro. Las funciones serán del 28 de junio al 5 de julio, con horarios a las 15 y 17 horas. Las entradas se encuentran disponibles a través de Tickantel y en la boletería de la Sala Verdi. “Agua” regresa al Teatro Solís con una experiencia poética y sensorial para toda la familia Tras su exitoso recorrido, Agua vuelve a escena con funciones del 8 al 12 de julio en la sala principal del Teatro Solís. Creada y dirigida por Martín L. Romanelli, la obra propone una travesía inmersiva por el universo del agua a través de la figura de un antiguo buzo que guía al público en un viaje lleno de imágenes, música y teatro de muñecos. Durante el recorrido aparecen diversos guardianes del agua: un cardumen que protege los arroyos, una joven anfibia encargada de limpiar los mares, una nube viajera junto a su jineta y una gran ballena blanca que vela por los océanos. Inspirada en mitos y saberes ancestrales de dist...

Cuando me llegó el trailer de Margo’s Got Money Troubles y vi el elenco que encabezaban Elle Fanning, Michelle Pfeiffer y Nick Offerman, enseguida supe que era una serie que quería ver. Sin embargo, lo que encontré fue bastante diferente a lo que imaginaba. El guión está basado en la novela de Rufi Thorpe y adaptada para televisión por David E. Kelley, la serie sigue a Margo, una estudiante universitaria que queda embarazada de su profesor y se enfrenta a una realidad para la que nadie parece estar preparado: criar sola a un bebé mientras intenta sobrevivir económicamente. El título no engaña, Margo tiene problemas de dinero, pero reducir la serie a la historia de una joven que abre una cuenta de OnlyFans sería quedarse únicamente con la parte más visible de una propuesta mucho más rica y compleja. Lo que Margo’s Got Money Troubles explora con mayor profundidad es la fragilidad de las redes de apoyo que rodean a muchas madres jóvenes. La dificultad para acceder a una vivienda, conseguir un empleo compatible con la crianza, pagar las cuentas o simplemente encontrar alguien que cuide al bebé durante unas horas. Margo vive en un estado constante de supervivencia, resolviendo urgencias mientras intenta construir algún tipo de futuro para ella y su hijo. Por momentos, la serie recuerda a Maid. Ambas muestran a mujeres jóvenes atrapadas en sistemas que ofrecen muy poca ayuda y exigen muchísimo esfuerzo para salir adelante. Pero mientras Alex encontraba una salida limpiando casas, Margo termina encontrándola en internet. Y es justamente allí donde aparece una de las cuestiones más interesantes que plantea la serie. A diferencia de otras producciones recientes, Margo’s Got Money Troubles evita juzgar a su protagonista. No la presenta como una víctima absoluta ni como una heroína. Simplemente intenta comprender las circunstancias que la llevan a tomar determinadas decisiones. Sin embargo, eso no impide que surjan preguntas incómodas. Entiendo perfectamente por qué Margo hace lo que hace. La serie construye un contexto donde las alternativas son escasas y la necesidad económica es real. Pero al mismo tiempo resulta inevitable preguntarse por qué cada vez más ficciones contemporáneas terminan presentando la sexualidad femenina como una posible salida económica. No se trata de condenar a Margo ni de cuestionar a quienes generan contenido para adultos. La pregunta es otra. ¿Estamos frente a una forma de empoderamiento o simplemente ante una nueva versión de una lógica mucho más antigua? Porque aunque la serie intenta presentar la actividad de Margo como un espacio creativo donde ella controla su imagen y construye una comunidad, sigue existiendo una tensión difícil de ignorar: una vez más, una mujer encuentra una forma de salir adelante monetizando su cuerpo y su intimidad. La comparación con Euphoria resulta inevitable. Allí también vimos a una joven recurriendo a este tipo de plataformas, aunque desde una perspectiva muy distinta. En aquella serie, la sexualización de sus personajes formaba parte central de la puesta en escena y por momentos parecía buscar deliberadamente la provocación. Margo’s Got Money Troubles, en cambio, utiliza OnlyFans como una herramienta narrativa para hablar de algo mucho más amplio: la supervivencia. Margo no intenta financiar un estilo de vida lujoso ni satisfacer un capricho adolescente. Está intentando alimentar a su hijo, pagar el alquiler y encontrar cierta estabilidad. Eso no elimina las preguntas que la serie plantea. De hecho, quizás las vuelve aún más complejas. Porque una adolescente que vea la serie podría pensar que se trata simplemente de otro trabajo, uno que además promete dinero rápido y desde la seguridad del hogar. Y aunque la ficción muestra consecuencias, prejuicios y conflictos, nunca deja de existir cierta sensación de que esta salida resulta mucho más accesible que muchas de las alternativas disponibles. De todas formas lo que termina elevando a la serie por encima de ese debate son sus personajes. Porque, en el fondo, Margo tiene problemas de dinero también es una hi...

#estreno #Estrenos #Noticias

Hoy llega a los cines uruguayos Amarga Navidad, la película número 24 de Pedro Almodóvar. Y probablemente también una de las más personales y autorreferenciales de toda su filmografía. Algo similar había explorado en Dolor y gloria, donde también aparecían la enfermedad, los recuerdos y la figura del director atravesada por la autobiografía. Pero esta vez Almodóvar parece ir todavía más lejos: ya no solo habla de sí mismo, sino del propio acto de crear. Del caos, la culpa y la vampirización emocional que muchas veces implica escribir. Creo que con Almodóvar pasa algo muy particular: es un director que genera amores profundos o rechazo absoluto. Desde el público no suelen haber demasiados grises. Personalmente hay varias de sus películas que considero realmente extraordinarias, especialmente Volver y Hable con ella. Amarga Navidad no entraría entre mis favoritas, pero sí es una película cuya propuesta logré entender y apreciar. Probablemente mucha gente la encuentre lenta, densa o incluso entreverada. Y honestamente entiendo por qué, pero también creo que es una película a la que hay que seguirle el hilo más desde las emociones y las ideas que desde una estructura narrativa tradicional. La historia sigue a un director (Raúl) interpretado por Leonardo Sbaraglia, una figura que funciona claramente como alter ego de Almodóvar. El personaje comienza a escribir un nuevo guión inspirado en un episodio muy íntimo de su propia vida: el inicio de sus ataques de pánico, sus dolores físicos y especialmente sus fuertes migrañas. Hay algo interesante en cómo la película plantea ese punto. El personaje siente que recién ahora puede contar esta historia porque actualmente existe una mayor comprensión social sobre la ansiedad, los ataques de pánico y ciertos padecimientos físicos asociados al estrés. Algo que quizás décadas atrás habría sido leído simplemente como “nervios” o exageración. Mientras escribe, aparece Elsa, el personaje interpretado por Bárbara Lennie, que representa la ficción naciendo dentro de la propia película, (todo lo que le sucede a Elsa es lo que Raúl está escribiendo). En este punto Amarga Navidad empieza constantemente a moverse entre realidad, recuerdo, imaginación y escritura. Ese juego puede resultar confuso por momentos, pero creo que justamente ahí está una de las ideas más honestas de la película: el proceso creativo rara vez es ordenado. Una idea lleva a otra, una escena deriva en un recuerdo, después aparece una historia ajena y de repente todo termina mezclándose. Y eso es exactamente lo que le sucede al protagonista cuando decide incorporar al guión partes de la vida de su amiga, representante y primera lectora, Mónica, interpretada por Aitana Sánchez-Gijón. A partir de ese momento, la película empieza a reflexionar sobre algo muy incómodo pero profundamente real: la forma en que muchos artistas utilizan la vida de las personas cercanas como material creativo. Acá aparece uno de los temas más fuertes de Amarga Navidad: la vampirización emocional. ¿Hasta dónde un escritor o un director tiene derecho a apropiarse de historias ajenas? ¿Qué sucede cuando una experiencia dolorosa se transforma en arte y quienes la vivieron se reconocen en pantalla? ¿Dónde termina la inspiración y dónde empieza la traición? La película no responde necesariamente estas preguntas, pero sí las pone constantemente sobre la mesa. Tal vez haya escenas demasiado largas o diálogos que se extienden más de lo necesario, pero creo que la discusión entre el personaje de Raúl y Mónica es el verdadero corazón de la película. Ahí Almodóvar parece hacer algo fascinante: convertir las posibles críticas hacia Amarga Navidad en parte de la propia obra. En este diálogo aparecen el ego, la culpa, la manipulación emocional, las contradicciones del artista y también una especie de autoconciencia brutal sobre las falencias de la película. Es Almodóvar justificando, cuestionando y defendiendo su propio cine al mismo tiempo. Amarga Navida...

#Cine #Estrenos #Noticias #Novedades

Hay algo muy valioso en Mamá está acá: se anima a hablar de la maternidad sin idealizarla. La nueva película de Claudia Abend y Adriana Loeff muestra el amor, la ternura y el sostén, pero también el agotamiento, el miedo, la frustración y la incertidumbre que muchas veces quedan fuera del relato más romántico sobre ser madre. El documental sigue a cuatro mujeres artistas mientras trabajan juntas en la obra de teatro Hanami y atraviesan experiencias personales muy distintas. Una madre enfrenta el día a día junto a un hijo con una lesión cerebral; otra transita la adopción y la crianza en solitario; una pareja espera el nacimiento de su primera hija mientras lidia con todas las ansiedades y expectativas que aparecen alrededor de ese momento. Lo interesante es que la película nunca busca dar lecciones ni construir grandes escenas dramáticas. Todo sucede desde un lugar muy íntimo y cercano. En los ensayos, en las conversaciones cotidianas, en el cansancio acumulado, en esos pequeños momentos donde alguien se quiebra o simplemente necesita que otro esté ahí. Y justamente ahí aparece una de las ideas más lindas de la película: la importancia de las redes de apoyo. Mamá está acá habla de madres, sí, pero también habla de la gente que sostiene. De quienes acompañan incluso cuando no tienen respuestas. Después de pasar por el Festival de Málaga y ganar el Premio del Público en el Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay, la película confirma la sensibilidad que Claudia Abend y Adriana Loeff ya habían mostrado en trabajos anteriores como HIT y La flor de la vida. Más que una película “sobre la maternidad”, Mamá está acá termina siendo una película sobre acompañarse. Y quizás por eso conecta tanto: porque muestra que incluso en los momentos más difíciles, hay algo profundamente humano en saber que alguien está cerca. La pelicula está disponible en Cinemateca, Cine Life y Sala B.

Sasha Kasiuha es un director y artista visual cuyo trabajo se sitúa en la intersección entre moda, música y nuevas tecnologías, en particular en el uso de inteligencia artificial aplicada a la creación audiovisual. Su práctica se inscribe en uno de los cambios más significativos del lenguaje visual contemporáneo, donde las formas de producir imágenes están siendo profundamente transformadas. Ha colaborado con artistas de alcance global como Madonna, para quien desarrolló visuales generados con inteligencia artificial en el Celebration Tour, en un momento en que estas herramientas aún estaban en plena etapa experimental. Lejos de utilizar la tecnología como un recurso accesorio, su trabajo explora activamente sus posibilidades y limitaciones, en un contexto que muchos ya definen como una etapa “post-CGI”, donde la producción de imágenes comienza a desplazarse hacia nuevas formas de generación. En el campo de la moda, ha desarrollado piezas visuales para casas como Maison Margiela, donde su enfoque se alinea con una tradición estética que privilegia la experimentación, la construcción de atmósferas y la exploración de identidades visuales no convencionales. En estos trabajos, la imagen no funciona solo como soporte comercial, sino como un espacio narrativo en sí mismo, cercano al lenguaje del cine y el videoarte. Formado originalmente en ingeniería química, Kasiuha traslada a su práctica artística una lógica analítica que le permite abordar los procesos creativos como sistemas abiertos, donde cada proyecto implica encontrar soluciones específicas. Esa combinación entre pensamiento técnico y sensibilidad estética es central en su obra, que no se limita a la innovación tecnológica sino que busca construir una mirada propia. En un momento en que la inteligencia artificial suele pensarse en términos de reemplazo o amenaza, Kasiuha propone un enfoque diferente: la entiende como una herramienta que amplía el campo creativo, pero que depende profundamente de la dirección, el criterio y la sensibilidad humana. En sus propias palabras, el elemento irreemplazable sigue siendo el “gusto”: esa capacidad de decidir, seleccionar y dar sentido dentro de un universo de posibilidades prácticamente infinito. Actualmente, su investigación se orienta hacia un problema aún abierto: la posibilidad de generar experiencias emocionalmente significativas a través de imágenes creadas con inteligencia artificial. Más allá del impacto visual o la novedad técnica, su interés está en explorar si estas herramientas pueden construir narrativas, personajes y situaciones capaces de producir una verdadera resonancia en el espectador. En esta entrevista, conversamos sobre su recorrido, su proceso de trabajo y los desafíos —tanto creativos como éticos— que plantea el uso de inteligencia artificial en el audiovisual contemporáneo.

A más de una década de su partida, China Zorrilla vuelve a escena en El último viaje a China, el primer documental dedicado a su vida y legado. Lejos de la biografía tradicional, la película propone un recorrido íntimo construido a partir de recuerdos, archivos y voces cercanas que la traen al presente. Con los testimonios de Carlos Perciavalle y Soledad Silveyra, y la propia China a través de su voz, el film se convierte en una experiencia emocional que reconstruye no solo a la artista, sino también una época y una forma de vivir el arte. En el marco de su estreno, conversamos con parte del equipo —delante y detrás de cámara— para conocer cómo fue el proceso de darle forma a esta historia y qué significa hoy volver a encontrarse con una figura tan entrañable. El director de El último viaje a China, Alejandro Maci, cuenta cómo fue el desafío de construir un relato a partir de materiales diversos y encontrar la forma de narrar a China Zorrilla desde un lugar íntimo y actual. Amigo y compañero de vida de China Zorrilla, Carlos Perciavalle comparte recuerdos y anécdotas que revelan el costado más cercano y espontáneo de la actriz. Como productor, Pablo Echarry reflexiona sobre el impulso detrás del proyecto y la importancia de volver a poner en circulación la figura de China Zorrilla. Desde la producción uruguaya, Alfredo Caro habla sobre el trabajo detrás de escena y los desafíos de llevar adelante un documental que reconstruye a China Zorrilla desde la memoria y el archivo.

El 44º Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay entregó su premios el sábado 11 de abril en la Sala Zitarrosa, consolidando una edición marcada por la diversidad de miradas y la presencia de un cine contemporáneo atento a lo íntimo, lo político y lo formal. En la Competencia Internacional, el premio a Mejor Película fue para The Loneliest Man in Town, de Tizza Covi y Rainer Frimmel, mientras que el Premio Especial del Jurado distinguió a How to Divorce During the War, de Andrius Blaževičius. El jurado otorgó además una mención especial a Dos estaciones, dos extraños, de Sho Miyake, “por su capacidad para explorar, desde el misterio y la filigrana, la intimidad del proceso creativo y los desplazamientos vitales, así como por su sensibilidad para retratar los intersticios donde conviven extrañezas y reconocimientos”. En actuaciones, fueron reconocidos Léa Drucker, por Por el bien de Adam, y Nicolás Zárate, por Hangar rojo. En la Competencia Iberoamericana, el premio principal fue para En el camino, del mexicano David Pablos. Por su parte, el jurado de la crítica (ACCU) distinguió como Mejor Película a Las corrientes, de Milagros Mumenthaler, “por ser una película que justamente cuestiona la idoneidad de los premios. Mediante una estética hipnótica y elegante, es esbozado un retrato íntimo, donde se descubre una inexorable necesidad de escape y se expresa con precisión una crisis del cuerpo”. También otorgó una primera mención a Historias del buen valle, de José Luis Guerín, “por plantear todos sus temas reivindicando el cine para acercarse a la realidad y a la riqueza de sus personajes, evitando que asuntos vinculados a la gentrificación caigan en una exposición panfletaria”, y una segunda mención a El tren fluvial, de Lorenzo Ferro y Luis A. Vignale, “por establecer, desde una negación del realismo, una forma de merodear la ciudad que dialoga con la tradición del relato oral”. En la sección Nuevos Realizadores, 17, de Kosara Mitic, fue elegida Mejor Película “por revelarse como un poderoso retrato generacional y un escalofriante ejercicio del punto de vista”, mientras que Zorros salvajes, de Valéry Carnoy, recibió una mención especial “por su construcción como fábula sobre las heridas y los fantasmas que atraviesan a un grupo de jóvenes deportistas de élite”. La Competencia de Derechos Humanos premió a Redlight to Limelight, de Bipuljit Basu, “por encarnar con lucidez y ternura la intersección entre derechos humanos, dignidad y el poder transformador del arte”, destacando además su dimensión intergeneracional. El jurado otorgó menciones a As vitrines, de Flávia Castro, “por mantener viva la memoria en tiempos de avance autoritario desde una perspectiva de la infancia”; a The President’s Cake, de Hasan Hadi, “por construir una alegoría política con rigor y humanidad en un contexto de resurgimiento del autoritarismo”; y a Qui vit encore, de Nicolas Wadimoff, “por responder con rigor ético y belleza formal a la pregunta sobre cómo testimoniar lo inimaginable”. En la sección de cortometrajes, el premio internacional fue para Their Eyes, de Nicolas Gourault, “por su relato hipnótico sobre el trabajo autómata, que pone en tensión ideas de progreso y futuro”. La primera mención fue para Control Anatomy, de Mahmoud Alhaj, “por su reinterpretación de imágenes de control estatal en el conflicto palestino”, y la segunda para O Rio de Janeiro continua lindo, de Felipe Casanova, “por transformar un dolor colectivo en una experiencia sensible y política”. En el plano local, Un adulto responsable, de Lorenzo Tocco, fue elegido Mejor Cortometraje Uruguayo “por funcionar como espejo de la fragmentación de la comunidad, apelando al humor y a una fotografía sugestiva”, mientras que 99 fantasmas, de Gonzalo Torrens, recibió una mención “por la solidez de su propuesta de género y la construcción de una atmósfera de creciente tensión”. Las secciones infantiles y juveniles también tuvieron...

En abril de 2026, Montevideo será sede de la primera edición de IN-EDIT Uruguay, el reconocido festival internacional de cine documental musical. Nacido en Barcelona hace más de dos décadas, IN-EDIT se ha consolidado como una de las principales plataformas dedicadas al documental musical a nivel global. Con presencia en distintos países, el festival propone un encuentro entre cine, música e identidad cultural, reuniendo historias que exploran tanto a grandes figuras internacionales como los vínculos entre creación artística, memoria y contexto social. ¿Cuándo y dónde? Del 23 al 26 de abril de 2026 en distintas sedes de Montevideo: Sala Zitarrosa Cinemateca Uruguaya Café La Diaria Programación destacada La jornada inaugural será el jueves 23 de abril en Sala Zitarrosa, con la proyección de It’s Never Over: Jeff Buckley, dirigida por Amy Berg. El documental recorre la vida y obra del músico estadounidense, autor del influyente álbum Grace, a través de material de archivo inédito y testimonios de su entorno cercano. Entre los destacados de la programación La primera edición del festival incluirá una selección internacional de documentales recientes, entre los que se encuentran: The Stones and Brian Jones (Nick Broomfield, 2023) Joan Baez: I Am a Noise (2023) One to One: John & Yoko (2024) Para vivir. El implacable tiempo de Pablo Milanés (2025) Michel Gondry, Do It Yourself (2023) Además de las proyecciones, IN-EDIT Uruguay contará con instancias de formación y reflexión abiertas al público, entre ellas: Diálogo: “Documental musical y patrimonio audiovisual: desafíos y oportunidades” Charla: “Programar la música”, a cargo del director artístico de IN-EDIT Barcelona Estas actividades abordarán temas como el uso de archivos, la industria musical y los desafíos actuales del documental musical.circulación internacional del documental. Programación por día y sede – horarios sujetos a confirmación (chequear antes de cada función en la web de cada sede) Jueves 23 de abril 19:30 — Sala Zitarrosa It’s Never Over, Jeff Buckley (Amy Berg, 2025) Viernes 24 de abril 19:45 — Cinemateca Uruguaya Michel Gondry, Do It Yourself (François Nemeta, 2023) 20:00 — Café La Diaria Diálogo IN-EDIT: Documental musical y patrimonio audiovisual: desafíos y oportunidades Sábado 25 de abril 20:00 — Cinemateca Uruguaya One to One: John & Yoko (Kevin Macdonald y Sam Rice, 2024) 21:30 — (sede a confirmar en dossier, probablemente Cinemateca) Para vivir. El implacable tiempo de Pablo Milanés (Fabien Pisani, 2025) 22:00 — Sala Zitarrosa The Stones and Brian Jones (Nick Broomfield, 2023) Domingo 26 de abril (horario no especificado claramente en el dossier) Joan Baez: I Am a Noise (2023) Actividad especial Charla IN-EDIT: Programar la música — por Toni L. Querol IN-EDIT Uruguay 2026 se presenta así como una nueva ventana para mirar, escuchar y pensar la música desde el cine, en un cruce que promete ampliar la experiencia cultural local y conectar al público con historias que trascienden fronteras.

El colectivo Teatro Sobre Ruedas vuelve a escena con Las Aventuras de Serafín, una propuesta teatral pensada para niñas y niños que combina arte, educación y participación activa. Con más de 10 años de trayectoria, este proyecto itinerante se ha consolidado como una de las iniciativas más sostenidas en la difusión de teatro para las infancias en Uruguay. La obra, inspirada en la vida y obra de Serafín J. García, propone un viaje a través de la imaginación y el descubrimiento personal. Ambientada en el Uruguay de 1915, sigue a Serafín y su prima Valentina en una aventura en busca de su “don”, acompañados por su abuela Blanquita. En el recorrido, atraviesan distintos escenarios —desde un barco hasta un circo criollo y un bosque— enfrentando miedos y encontrando pistas que los acercan a ese tesoro interior. Más allá de la historia, uno de los aspectos más distintivos de la propuesta es su formato: Teatro Sobre Ruedas trabaja desde el teatro foro, una modalidad que invita a la participación del público. De esta manera, los niños y niñas no son solo espectadores, sino también parte activa de la experiencia, interviniendo, opinando y construyendo sentido junto a los personajes. La obra incorpora además música en vivo, juegos y momentos interactivos que refuerzan su carácter lúdico, sin perder de vista un eje central en valores humanos. En ese sentido, la propuesta no termina en la función: incluye material didáctico para docentes, pensado para continuar el trabajo en el aula a partir de lo vivido en escena. El proyecto, declarado de interés cultural y visto por miles de espectadores en Montevideo y el interior del país, apuesta a democratizar el acceso a la cultura, llevando el teatro a distintos territorios y contextos. Su enfoque itinerante responde a una convicción clara: el acceso al arte también es un derecho. Las Aventuras de Serafín se presentará el miércoles 22 de abril en el Centro Cultural Artesano, con funciones a las 10 y a las 14 horas. Está dirigida a niños y niñas de entre 3 y 12 años, y se posiciona como una opción ideal tanto para centros educativos como para familias que buscan una experiencia artística con contenido. Una invitación a jugar, participar y, sobre todo, a descubrir —como sus protagonistas— ese don que cada uno lleva dentro. ¿Cuándo? Miércoles 22 de abril *LAS AVENTURAS DE SERAFÍN* para niños y niñas de 3 a 12 años – 10 y 14 hs ¿Dónde? CENTRO CULTURAL ARTESANO ¿Cómo reservo mi entrada? Entradas en venta en boleterías de la sala 091224997, con reserva previa a [email protected] o 099368121. Costo $150 instituciones públicas $200 privadas consultar por bonificaciones especiales.

Trending Blogs

Recently Viewed Blogs

Cine, libros y más ...