Lucile J.

E-artsup Design Graphic student Blog de travail

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Le célèbre Saul Bass

Je vais aujourd’hui vous présenter un nouvel artiste de renom, le graphiste américain Saul Bass !

Né le 8 mai 1920 à New York et mort le 25 avril 1996 à Los Angeles, il est célèbre pour son travail dans le domaine cinématographique avec ses génériques qui ont révolutionnés le cinéma mais aussi pour ses affiches et les courts métrages qu’il a pu réaliser.

Saul Bass fait ses études au Brooklyn College et semble s’intéresser très rapidement au domaine du design et de l’art, notamment en découvrant le Bauhaus, le constructivisme russe et en s’initiant à l’esthétique moderniste.

Il va se lancer en Freelance comme graphiste publicitaire puis ouvrir son studio « Saul Bass and associates » en 1950 à Los Angeles.

Saul Bass se fait remarquer principalement lorsqu’il fait ses débuts en collaborant avec le domaine cinématographique en donnant une dimension narrative et artistique à ses visuels. Il crée de nombreux courts métrages et des affiches comme « L’homme aux bras d’or ». Il joue sur les détails et le graphisme avec la typographie et plus tard la photographie. Son approche est hors du commun car son sens du graphisme dans ce genre de domaine est en rupture avec ce qui se faisait à l’époque. 

Pour ce qui est du générique, je vais vous laisser cette phrase emblématique de Martin Scorsese à propos de Saul :

« Ses génériques ne sont pas de simples étiquettes sans imagination - comme c'est le cas dans de nombreux films - bien plus, ils font partie intégrante du film en tant que tel. Quand son travail apparaît à l'écran, le film lui-même commence vraiment. »

Il produira notamment de nombreux logos parmi lesquels ceux de United Airlines, AT & T, Minolta, Bell Telephone System et Warner Communications. Il a également conçu l’affiche pour les Jeux Olympiques de Los Angeles de 1984.

Logos réalisés par Saul Bass. Source : IndexGraphik

Cet artiste me plait beaucoup car ses affiches sont audacieuses et j’apprécie beaucoup son style graphique visuellement ! 

Affiche conçue pour le film Sueurs Froides, l'un de ses célèbres collaborations avec Alfred Hitchcock.

Affiche pour le film The Man With the Golden Arm. Collaboration avec le réalisateur Otto Preminger

Affiche du film "West Side Story", réal. Jerome Robbins et Robert Wise, 1961. • Crédits : Affiche Joe Caroff, Collection La Cinémathèque française.

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Un tour chez Bradbury Thompson !

Connaissez vous Bradbury Thompson?

Designer unique pour sa façon d’explorer la typographie  et l’imagerie graphique, il me parait important de vous le faire connaitre si ce n’est pas déjà le cas ! 

En effet, Bradbury Thomson à une vision du design plutôt moderne, vous retrouverez peut-être dans ses visuels des compositions qui ne vous seront pas inconnues !

Né en 1911 et mort en 1995, Bradbury Thompson est un designer graphique américain diplômé en économie au Washburn College, cette formation lui a permis de comprendre le monde et ses besoins dans la communication.

Sa carrière fut bien remplie, il travailla comme directeur artistique, auteur et graphiste tout au long de sa vie et proposa des cours à Yale à la fin de sa vie ! Ce fut un professeur très renommé.

Parmi les projets qu’il a pu réaliser, on retrouve des identités visuelles mais surtout des compositions de pages de couvertures pour des magazins comme Elle ou Cosmopolitan mais aussi la mise en page de ceux-ci travaillé à la manière d’affiches à travers son mélange des images et de la typographie ! Il a énormément aidé l’industrie du graphisme à se developper.

Il réalise ces visuels avec simplicité et élégance en mélange des images monochromatiques noir et blanc ou dans les couleurs primaires d’impression en CMJN. Ses compositions donnent vie à la typographie et au texte qui peut se transformer en élément graphique à part entière. Le jeu de répétition de bruitages et de symétrie est aussi très présent dans ces oeuvres. 

2 extraits de «Westvaco Inspirations 216, War Between the States», 1961. Gracieuseté des collections spéciales de l'Université d'État de San Diego, avec la permission de RockWest Company.

Mais cela ne serait possible sans sa connaissance parfait du processus d’impression qui lui permet d’affiner ses compositions avec style et gout et en jouant avec les tonalités de couleurs mais aussi avec les trames demi-teinte et le placement de la typographie.

Exemple d’utilisation de trames demi-teinte : Extrait de «Westvaco Inspirations for Printers 186», 1951. Gracieuseté des archives de conception graphique de Cary et du Rochester Institute of Technology. Utilisé avec la permission de RockWest Company.

Exemple d’utilisations des couleurs monochromatiques et CMJN : Extrait de "Inspirations Westvaco pour les imprimantes 210." Avec l'aimable autorisation des archives de conception graphique de Cary, Rochester Institute of Technology. Utilisé avec la permission de RockWest Company.

Bradbury Thomson est notamment connu pour son réarrangement du texte de la Bible et phrases plus simple et faciles à lire. Mais aussi pour sa conception de 120 timbres pour le United States Postal Service !

De plus, il a créé l’Alphabet 26, un alphabet composé de seulement 26 caractères qui changent de taille en fonction de s’ils sont minuscules ou majuscule. Cet alphabet permet un apprentissage plus facile et une meilleur compréhension !

Exemples de timbre de sa collection pour the United States Postal Service : De gauche à droite: USA 15 ¢ «Learning Never Ends» timbre avec illustration, «Glow», par Josef Albers, 1980; États-Unis 20 ¢ timbre «America's Libraries / Legacies to Mankind», 1982; USA 20 ¢ «LOVE» stamp, 1984. De l'Université Yale, Collections spéciales, Bibliothèque des arts familiaux Robert B. Haas, Collection Bradbury

The New Testament, «Washburn College Bible», 1979. De Special Collections, Mabee Library, Washburn University.

Extrait de «West Virginia Inspirations for Printers», mettant en vedette Alphabet 26. de Thompson, gracieuseté des archives de conception graphique de Cary, Rochester Institute of Technology.

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Lucian Bernhard

On se retrouve aujourd’hui pour parler d’un artiste Allemand qui a révolutionné le graphisme à l’international, il s’agit de Lucian Bernhard !

Né en 1883 et mort en 1972, Lucian Bernhard s’impose dans son époque comme l’un des graphistes allemand les plus importants. Au cour de sa carrière, il sera graphiste, affichiste, créateur de caractère, architecte d’intérieur et professeur.

Reconnu comme initiateur et représentant du plakatStil, il impose son style minimaliste et travaille pour de nombreuses entreprises. Il crée des affiches publicitaires comme on n’en avait jamais vu auparavant ! Il imagine les identités visuelles de nombreuses marques depuis son studio à New-York et crée plus de 36 polices de caractère comme la Bernhard Antique qu’il utilise dans quelques réalisations.

Son travail le plus reconnu est celui des allumettes Priester, considéré comme un chef d’oeuvre pour son graphisme innovant :

Essais d’affiches Cigarettes Priester,1906, Lucian Bernhard

Mais aussi celui des Cigarettes Manoli,  premier exemple d’identité visuelle totale.

Identité visuelle pour les cigarettes Manoli, 1910, Lucian Bernhard

Lucian Bernhard tient ses inspirations du Jugendstil.Pour en dire un peu plus sur son style si particulier, il présente des affiches aux couleurs vives posées en à-plat avec des formes singulières réduites à de simples silhouettes. Il élimine les détails, les ornements. Le principe est de ne garder que l’objet et le nom de la marque avec une typographie finement choisie. 

Ce type d’affiche est aussi appelé « affiche objet » ou « objet poster » .

Voila encore deux affiches iconiques de Lucian Bernhard :

Affiche pour les machines à écrire Klein Adler, 1914, Lucian Bernhard 

Affiche pour la marque de chaussures Stiller, 1908, Lucian Bernhard

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Abstract, l’art du Design : Paula Scher

J’aimerais vous parler aujourd’hui d’une de mes découvertes les plus cool que j’ai pu faire il y a quelque temps deja! Il s’agit d’une série de documentaires Netflix appelé Abstract: l’art du design qui en toute évidence, nous parle de design, d’art, et plus précisements des métiers dans le domaine de la création et du design allant d’architecte à designer automobile en passant par costumier, scénographe ou encore photographe. 

Cette série m’a énormément inspirée et m’a donnée l’envie et le courage de faire des étude d’art pour peut être un jour faire de ma passion un métier, tout comme ces gens. 

En plus, cette série est une réelle ouverture sur des métiers qu’on ne connais pas forcement. Elle permet d’en savoir plus sur le design et sa conception qui est souvent peu reconnue dans notre société et les métiers peu mis en avant. En effet, on ne connait pas bien tout ces domaines créatifs, on ne voit pas souvent l’envers du décors quand on va au cinéma, quand on achète tel ou tel objet ou quand on visite un monument... 

Pour ma part, je trouve que cette série est passionnante. Elle réveillera peut être quelque chose en vous !

Brève présentation faite, je vais vous parler d’un épisode de cette série consacrée à Paula Scher et le graphisme; l’une des plus grandes figures du design graphique!

Paula Scher  est née 6 octobre 1948 à Washington.

C’est donc une graphiste et peintre américaine de renom. Les américains l’appellent la « maitresse de la magie du familier instantané ».

Après avoir fait ses études à la Tyler School of Art de Philadelphie, elle débute sa carrière comme directrice artistique chez CBS Records. Elle y réalise principalement des pochettes de disques et prend gout à la typographie. Elle réalise notamment la célèbre pochette du groupe Boston. 

Pochette d’album pour le groupe Boston, réalisée par Paula Scher, années 70

En 1984, elle s'associe à Terry Koppel et fonde Koppel & Scher puis rejoint le célèbre studio graphique Pentagram en 1991. Elle y conçoit identités visuelles, packaging et projets éditoriaux pour des clients prestigieux tels que le New York Times Magazine, l'American Museum of Natural History, le Musée d'art de Brooklyn ou encore la Children's Television et le Public Theatre de New York.

Paula se réapproprie les styles et courants artistiques de l’histoire de l’art pour créer sa propre imagerie et devenir, au début des années 80, une des principales figures du style "rétro" aux Etats Unis.

Sa collaboration avec d’autres grands graphistes au sein de Pentagram lui permet de créer des visuels uniques et impactants pour les plus grands monuments ou institut de New York comme le MoMa :

Le logo de MoMa est un des logos les plus reconnus au monde. Paula Scher l'a reconstruit pour qu'il puisse fonctionner partout: en tant que publicités dans un journal ou comme grande affiches. Elle a travaillé avec une grille pour placer correctement images et textes. Le logo, restant en noir et blanc, tient verticalement dans ses compositions.

Identité graphique du MoMa (Musée d’Art moderne) de New York imaginé par Paula Scher en 2013 avec son système de grille et diffusion de visuels et affiches avec l’identité graphique. 

Ou encore son travail pour The Public Theater :

En 1994, Scher a été la première à refaire l'identité visuelle du The Public Theater, qui a influencé le monde du graphisme. Elle a créé un logo à l'aide des différentes formes de typographies, qui devait représenter la ville de New York. Son inspiration était Rob Ray Kelly avec ses American Wood Types retrouvés dans un livre. Les couleurs du logo sont limités a deux ou trois. Plusieurs affiches sont parus depuis.

Logo du Public Theater, Paula Scher et l’équipe Pentagram, 1994

Flyer pour The Public Theater, 1994, Collection of Cooper

Affiches et identité visuelle du Public Theater, New-York par Paula Scher, 1994

De plus, cette épisode nous montre un coté de la vie de Paula que l’on ne connaît pas vraiment. Elle se passionne beaucoup pour la peinture et notamment la création typographique à la main qui a disparu de son travail depuis l’arrivée du numérique. 

Ce projet artistique qui lui est plus personnel appelé MAPS consiste en la création de cartes géantes non pas dans une démarche d’orientation mais pour mettre en scène des stéréotypes de notre société ou des représentations comiques des lieux cartographiés. Un mélange de caricature, cartographie et infographie.  

(1ère carte : Montagne et fronts de mer aux USA, 2ème carte : lignes aériennes actives aux USA, 3ème carte : Europe) 

Elle sera exposée dans le monde entier et est représenté dans de grandes collections permanentes parmi lesquelles le Museum of Modern Art à New York, la Library of Congress à Washington, le Museum of Art de Philadelphie, le Art Museum de Denver, le Victoria and Albert Museum de Londres, le Museum für Gestaltung à Zurich, la Bibliothèque nationale de France et le Centre Georges Pompidou à Paris.

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Adrian Frutiger et son caractère Univers

Adrian Frutiger est un des plus importants créateurs de polices de caractères du 20e siècle. On l’appelle le père fondateur de la typographie moderne. Adrian Frutiger est connu et reconnu pour  l’Univers, sa création typographique linéale.

"Dès mon apprentissage de la typographie, je fus fasciné par la possibilité de rendre le monde de l’esprit par la simple combinaison d'un nombre restreint de caractères en plomb. Ma passion pour la lettre était née", A.F.

Après avoir cree une première typographie a 29 ans, la méridienne, il dessine Univers le célèbre caractère.

Univers est une adaptation des caractères plomb pour la première machine de photocomposition moderne, la photocomposeuse Lumitype commercialisée par la fonderie. 

Sa création est considéré comme un tournant dans l'histoire de la typographie, car elle relie tradition et modernité.

Cette police linéale est dessinée dès sa conception, en 21 séries (quatre graisses, quatre chasses et sept italiques). 

Présentation de Univers (crédit Paqribas via Wikimedia Commons).

Elle apparaît partout à travers le monde et dans tous domaines d’application, ce qui fait sont originalité.

On la retrouves par exemple pour la communication des Jeux olympiques d'été de 1972 à Munich, sur les panneaux de la SNCF, du métro parisien ou dans l'habillage de chaînes de télévision comme BFM TV ou i-Télé.

Utilisation de la typographie Univers d’Adrian Frutiger, Aéroport Roissy Charles de Gaulle, Paris

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Ruedi Baur

Ruedi Baur est un graphiste Franco-Suisse très reconnu dans le milieu.

Il est très demandé car sa sensibilité artistique dans le design est unique et marque les esprits. 

Depuis les années 80, il pense son activité de designer dans le contexte de l’espace public.

Il intervient ainsi sur des problématiques liées à l’identification, à l’orientation, à la scénographie et plus largement à la représentation d’institutions, d’espaces urbains et de territoires politiques souvent aux côtés d’architectes et d’urbanistes. 

A Lyon, il donne des cours autour de la notion « d’espace-information » puis « Espaces civiques et design ».

Cette thématique l’occupe en permanence, notamment via le travail réalisé dans ses ateliers mais aussi dans le cadre de son enseignement.

Il créé dès 1989 le réseau Intégral et ses propres ateliers : Intégral Ruedi Baur à Paris et Zurich. Il continue d ‘enseigner dans différentes écoles.

Pour l’anecdote, il a enseigné à l’université de Strasbourg ! Là-bas, il a dirigé la recherche-action, « Idex : identités complexes, lisibilité et intelligibilité ». Il y a également soutenu sa thèse intitulée Entre Identité et identification, les valeurs civiques des systèmes de représentation territoriaux.

Ce designer graphique, comme beaucoup d’autre travaille dans l’ombre, pourtant, on croise son travail partout… Il suffit de lever la tête !

Travail de Rudi Baur sur la signalétique et l’identité visuelle actuelle du musée Pompidou à Paris. 

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Karel Martens

Karel Martens est un graphiste et typographe néerlandais né en 1939. Il enseigne le design graphique depuis 1977.

Faciné par les illusions d’optiques, il les utilise pour évoquer sensations. Il pratique un travail expérimental et sensible des couleurs et joue sur les transparences, les textures, les teintes..

Il s’interesse dans son travaille à l’impression sur la matière, s’amuse des formes abstraites des caractères d’impression pressés à la main qu’il mêle à des couleurs.

Martens a ainsi créé à la fois une grammaire graphique et un vocabulaire coloré qui ne cessent d’évoluer.

De ces joyeux mélanges émanent des créations originales, 

amusantes ainsi qu’une nouvelle forme de sensibilité.

Karel Martens nous fait vibrer, il est, depuis 1964, une référence dans le graphisme, l’art et le design aujourd’hui 

Ses réalisations vont des timbres aux cartes téléphoniques en passant par la signalétique et des interventions sur bâtiments.

Quelques œuvres ont retenues mon attention :

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Herbert Bayer

Aujourd’hui de vais vous parler d’un artiste qui m’a interpelé ces derniers jours dans mon cour d’histoire de la photographie. 

Je l’ai découvert avec son travail de photographe et son autoportrait reconnu :

 Herbert Bayer, ‘Self-Portrait ’, 1932, Montage, centre Pompidou Paris.

En effet, Hebert Bayer est un photographe, typographe américain. Cependant, après quelques recherches, j’ai découvert qu’il était aussi designer, peintre, architecte et sculpteur !

Son travail de designer graphique m’a beaucoup plu.

Pour lui, la publicité a un rôle économique et social à remplir dont l'instrument doit être la typographie « grotesque » ou « linéale».

Il va notamment faire disparaître les capitales sous prétexte qu'il est plus simple de composer avec un seul alphabet et se consacre en 1925 à mettre au point son propre alphabet de linéales sans majuscules : l’Universal.

 Specimen of the typeface Architype bayer. Jim Hood, 2007.                        Police de caractères Universal créée par Herbert Bayer en 1925.

Vous reconnaitrez sans doute ici le style Bauhaus du visuel et des caractères typographiques…

Eh oui, Herbet Bayer suit aussi les cours de l'école du Bauhaus de Weimar et devient, dès 1925, le premier enseignant titulaire en graphisme publicitaire et typographie. 

Son style Bauhaus s'est alors très vite dégagé de ses créations. 

Dans son atelier, Herbert Bayer n'admet que les formes de composition telles que le cercle, le carré, le rectangle, le triangle ainsi que les couleurs élémentaires comme le bleu, le jaune, le rouge ou le noir.

De plus, Herbert Bayer va aussi diriger l’atelier de typographie au Bauhaus de 1925 à 1928 puis concevoir peu après des documents et des affiches de propagande pour le régime national-socialiste, dans le style du Bauhaus.

Voici encore quelque unes de ses créations qui m’ont plus pour leur identité Bauhaus très marquée et pour le graphisme et les couleurs qui m’inspirent beaucoup ! En espérant qu’elles vous inspireront autant que moi !

Herbert Bayer, advertising for Noreen hair color, Épreuve publicitaire imprimée pour le rinçage des cheveux pour la marque Noreen Color, 1954, national museum of American history, Behring center.

50 Jaar bauhaus, Herbert Bayer, affiche pour l'exposition «Bauhaus 1919-1969» au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris (1969). Imprimé en Allemagne.

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Re- naissance de l’affiche dans les années 70

Rappelons nous rapidement son histoire!

On connaît l’affiche, c’est un moyen de communication graphique apparut déjà dans les années 1840 avec l’invention de l’imprimerie. Les affiches sont au départ des productions graphiques d’artistes divers qui veulent informer et qui y mettent originalité et personnalité dans leurs œuvres originales. L’affiche devient alors le premier média de communication

Or, avec l’évolution des métiers du graphisme et des métiers de la communication, l’automatisation deu travail créatif aboutit donc à une standardisation et perd sa personnalité, son originalité..

De plus, après avoir connu un large succès dans les années 50, elle va être remplacée petit à petit par d’autres médias tels que la télévision, le cinéma, la radio...

Cependant, les années 70 vont faire renaître ce média.

Vous souvenez vous de mai 68? Cette révolte secoue tout le pays. Durant cette période de crise, la paralysie du pays est totale, celle de l’information "normale" également : les journaux ne paraissent plus à cause des grêves, la télévision et la radio, contrôlées par l’Etat ne diffusent qu’une information filtrée. 

L’affiche va donc s’avérer le seul moyen de communication, d’information libre et rapide.

On y retrouve des revendications, des messages dénonçant le manque de liberté des médias, presse, radio et télévision. Elle tient une place privilégiée et revient à sa fonction première est d’informer, le journal mural renaît. Illustrées d’un graphisme sans artifice, ne visant qu’à l’efficacité, de caricatures agressives, elles sont imprimées en sérigraphie, technique rapide et très souple.

Voici quelques exemples d’affiches restées dans les mémoires :

• Début d’une lutte prolongée : L'utilisation d'un visuel stylisé d'une usine faisait référence aux luttes ouvrirères. Le visuel de l'usine a été repris et utilisé dans de nombreuses autres affiches.

Mai 68 - Début d'une lutte prolongée - 78x51 Atelier Populaire / Source : gallica.bnf.fr / BnF

• Nous sommes le pouvoir : Une affiche qui représentait l'implication des ouvriers dans le mouvement et le poids qu'ils pouvaient acquérir dans la défense de leurs propres droits par la lutte.

Nous sommes le pouvoir - 45x51 Atelier Populaire / Source : gallica.bnf.fr / BnF

• Sois jeune et tais-toi : La silhouette de Charles de Gaulle force un jeune au silence, une critique de son refus d'abaisser le droit de vote de 21 à 18 ans, et d'écouter ce qu'avaient à dire les jeunes du mouvement de Mai.

Sois jeune et tais-toi - 83x65 Atelier Populaire / Source : gallica.bnf.fr / BnF

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La Wiener Werckstätte et l’oeuvre d’art totale (Gesamtkunstwerk) ➢ Un tournant majeur dans l’histoire du graphisme et de l’art

C’est en 1903 qu’apparaissent en Autriche les Wiener Werkstätte, les « ateliers viennois ».

Les graphiques parlent même du premier atelier graphique qui à fait naitre un standard et qui à influencé toute une génération.

Voyons cela de plus près…

Ce mouvement, issus de la Sécession Viennoise est nait d’un association d’artistes et d’artisans qui se veulent indépendants, novateurs et très diversifiés dans leur domaine artistiques. 

En effet, la Wiener Werkstatte est un mouvement globale, comprenant la production d’objets décoratifs, de bâtiments, de textile, Enfin tout ce que l’on trouve autours de nous, ce qui fait partit de notre quotidien autant à l’intérieur qu’a l’extérieur. On trouve aussi bien des architectes que des artistes peintres ou designers.

L'objectif était de réaliser des produits artisanaux se réalisant possiblement en série et de mettre la modernité et l’esthétique à la portée de tous. La bourgeoisie était notamment visée pour sa consommation esthétisante, dans le but de généraliser goût et beauté artistique.

Chaque objet de la vie quotidienne doit avoir un haut niveau culturel, façonnant en retour l'esprit qui, se plaisant dans un environnement à son image, se tourne vers la beauté et l’apprécie.

Le palais Stoclet  

Palais Stoclet par Josef Hoffnan situé au 279-281avenue de Tervueren à Woluwe-Saint-Pierre, Bruxelles, Belgique.

L’une des oeuvres illustrant le mieux ce concept d’art total (Gesamtkunstwerk) est le Palais Stoclet qui se situe à Bruxelles. 

Vous allez me dire mais Bruxelle c’est pas en Autriche?! Mais justement! Les Wiener Werkstätte souhaitait et a ont eu une grande visibilité et du retentissement dans toute l’Europe. 

Ce palais est même devenu une véritable entreprise avec des ramifications internationales! 

Il a été conçu en 1903 ou 1904 par l’architecte autrichien Josef Hoffman pour devenir l'hôtel particulier du financier belge Adolphe Stoclet. Sa réalisation s'échelonna de 1905 à 1911. 

Cette oeuvre est significative car elle est indissociable de sa décoration extérieure et intérieure, de son mobilier et objets usuels et de ses jardins. La décoration intérieure a été réalisée notamment par Gustav Klimt et Fernand Khnopff.

Aucun aspect n'est oublié, depuis les poignets de portes jusqu'aux lampes, des bacs à fleur jusqu'aux fenêtres, de la vaisselle jusqu'à la décoration, etc.

Décors réalisé par Gustav Klimt, The Yorck Project (2002).

La coupole du sanatorium.

Le sanatorium de Purkersdorf en Autriche

De plus, ce mouvement totale se présentait à travers la production d'environnements sociaux, comme avec le sanatorium de Purkersdorf en Autriche, un ancien hôpital. 

Le mobilier d'origine a été réalisé par la Wiener Werkstätte avec laquelle l'architecte Hoffmann était impliqué.

Le sanatorium était plus un hôtel qu'un hôpital et transformé en un lieu social et artistique de la société viennoise. Parmi les traitements figuraient des bains minéraux, des thérapies physiques, des massages thérapeutiques et de la physiothérapie. Grâce au silence, à la lumière et à l'air, et à la rationalité de l'installation avec des ornements réduits au minimum, des remèdes contre de nouvelles maladies telles que la nervosité et l'hystérie ont été recherchés. Des salles de lecture, une salle de jeux pour les jeux de cartes, une table de ping-pong, un billard et des salles de musique pour le divertissement des invités étaient également disponibles.

Sanatorium de Purkersdorf, décors des fenêtres photos par Roman Klementschitz, Vienne 

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De la lithographie à la chromolithographie

Je vais aborder aujourd’hui l’une des techniques d’estampes les plus connues : la lithographie.

Cette technique inventé au 19eme siècle peu vous paraître simple... vous dessinez sur une pierre, vous pressez une feuille et voilà, vous avez une lithographie !

Mais non non..! C’est bien plus complexe que ça!

Après avoir gravé son dessin dans une pierre à l’aide de nombreux outils appropriés, le lithographe vient encrer celle ci avec un rouleau et de l’encre lithographique. Il ne dispose que d’une encre monochrome.

Cependant, l’encre ne peut pénétrer totalement dans les traces car le dessin a été réalisé avec un corps gras… Là, ça devient un peu technique ! On applique donc alternativement une solution chimique et de l’eau pour que l’encre se loge exactement sur les traits du dessin. (C’est un peu comme quand l’eau repousse l’huile.)

L’encre est donc bien appliqué sur la pierre. Passons à la phase d’impression.

On utilise une presse qui va imprimer la feuille contre la pierre, et transférer le dessin sur le papier.

Et voila, après quelques efforts, vous avez une lithographie que vous pourrez reproduire à l’infini! 

En parlant de lithographie... comment ne pas parler de la chromolithographie qui est à l’origine même du dessin couleur imprimé!

La chromolithographie est enfaite une technique inventée en 1837, un sorte d’évolution de la lithographie classique qui permettait, par superposition de plusieurs couches de couleurs imprimée séparément, d’obtenir une impression colorée. Chaque couleur était posée sur une pierre lithographique et le même document passait d'une pierre à l'autre avec des repérages précis.

Pour illustrer ces deux techniques, je vous propose une oeuvres qui a marqué l’histoire de la lithographie ainsi que de la chromolithographie!

Voici l’affiche culte de Toulouse Lautrec, Moulin-Rouge - La Goulue. Une affiche réalisée en 1892 Elle mesure ,191 × 117 cm. On parle ici de lithographie en quatre couleurs avec utilisation de la technique du soufflé (ou crachis). En gros, une chromolithographie à laquelle il ajoute sa touche personnelle!

Toulouse Lautrec, Moulin-Rouge - La Goulue,  191 × 117 cm, 1892

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Une histoire de timbres !

Savez vous d’ou viennes les timbres? Connaissez vous leur histoire? 

Une légende vous dira qu'un jour, dans une auberge, un jeune homme du nom de Rowland Hill remarqua une serveuse recevant d'un facteur un pli de son fiancé. Il se trouve qu’avant 1840, c'est habituellement le destinataire qui paye le coût de transport de la lettre qui lui est adressée, et à un prix très élevé. La jeune femme ne pouvait, se permettre la dépense et Hill se proposa de la régler. Elle lui avoua que pour correspondre gratuitement, son fiancé et elle dessinaient de petits symboles sur l'enveloppe pour communiquer.

Le timbre serait née suite à cette histoire. 

Rowland hill proposa alors malgré l'hostilité de Robert Pell, Premier Ministre, une réforme instaurant le paiement par l'envoyeur sous forme d'une vignette postale.

Le tout premier timbre a été émis le 6 mai 1840 en Grande-Bretagne : c'est le "Penny Black » (de couleur noire et valant 1 penny). Il se présente sous la forme d’un portrait de la reine Victoria. L'invention du timbre-poste mobile est attribuée à Sir Rowland Hill (oui oui, c’est bien celui de la légende! ). ... Il est l'architecte de la révolution postale qui a conduit à l'émission du Penny Black. 

Premier timbre, le One Penny Black, Grande Bretagne, 1840

Le succès fut considérable : alors qu'en 1839 les Anglais expédiaient 82 millions de lettres, deux ans plus tard 170 millions de lettres furent échangées.

Cette invention a été une révolution dans le système postal !

Cependant, un Ecossais, James Chalmers, libraire imprimeur affirme que Sir Rowland Hill n'était qu'un imposteur. Il prétend qu'en 1836 il avait déjà imprimé des vignettes gommées sans figurine et que l'Idée du timbre était la sienne. 

La gravure ci-contre, montre Patrick Chalmers, le fils de James se battant avec Sir Rowland Hill, Directeur général des Postes, pour obtenir la reconnaissance de l'invention de son père.

En France, dès 1837 avait été proposée l'adoption d'une réforme analogue. Seulement, il fallut attendre 9 ans, pour que, à la suite de la Révolution de 1848, la décision soit prise.

Et encore ! Ce port-payé fut-il fixé à 20 centimes, c’est-à-dire au double du tarif britannique de 1 penny. C'est en application de cette réforme que fut émis, le 1er janvier 1849, le premier timbre-poste français, le 20 centimes, noir, au type Cérès de Barre.  

Timbre-poste type Cérès, 20 centimes noir, Musée de la Poste, Paris

Le 11 Septembre 1848, Jacques Jean Barre est donc chargé de graver le fameux timbre. 

C'est à partir d'un lavis à l'encre de Chine sur carton, présenté ci-contre, que l'Administration des monnaies et médailles décida de retenir Cérès déesse latine des Moissons pour représenter la république. Le timbre s'appelait à l'époque Liberté. L'effigie de Cérès est entouré d'un cercle de graines.

L'impression en noir était un choix technique : c'était à l'époque la seule couleur que l'on pouvait appliquer avec régularité de jour comme de nuit, puisque les ateliers travaillaient 24 heures sur 24 et étaient éclairés aux becs de gaz. le noir typographique était un mélange de noir de fumée, de bleu de fer, le tout broyé dans un vernis de lin.

Le premier timbre en couleur, la Colombe de Bâle, fut créé en Suisse en 1845 par le canton de Bâle. Non dentelé, il représentait une colombe blanche sur un écu rouge, entouré de la mention « STADT-POST-BASEL » (Poste urbaine de Bâle). Ce fut le premier timbre-poste en relief et en couleur (blanc, rouge et un pourtour bleu clair). 

Premier timbre en couleur, la Colombe de Bâle réalisé par Melchior Berri Suisse, 1945

Aujourd’hui, on trouve une grande variété de timbre, beaucoup les collectionnes et les administrations postales font preuve d'originalité dans l'impression des timbres, en utilisant les techniques modernes d'impression tels que :

Un effet de gaufrage créant un relief en pressant le papier.

Une impression avec une encre gonflante : timbre sur la dentelle en France.

Des timbres servant de ticket de loterie avec numéro au Japon ou à gratter.

Une utilisation de l'encre fluorescente pour des timbres d’Halloween (France).

  Bloc des premiers timbres gaufrés pour le 70ème salon philatélique d’automne de l’espace Champeret, par Nicolas Salagnac, graveur, médailleur, créateurs de gaufrages et poinçons pour marquages à froid.

Timbre dentelle 2/4 collection dentelle France, dentelle mécanique aux fuseaux du Puy-en-Velay et de sa région. 

Ticket de la loterie nationale française, 1975 

Timbre d’Halloween phosphorescent dessiné par Sylvie Patte & Tanguy Besset, 2001

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La naissance du journal

Aujourd’hui, nous allons voir d’où viennent les fameux journaux quotidiens que le facteur dépose dans nos boîtes aux lettres. 

Tout commence dans les années 1600, l’invention de la presse à caractère et de l’impression par Gutenberg va totalement révolutionner les moyens de communiquer. C’est de la que vont apparaitre les premiers journaux d’informations imprimés!

Début 1600 apparaissent alors les brochures informatives précoces.

En France, on ne parle pas encore de « journaux » mais on l’appelle « Coranto » ou encore papier, bulletin d’information, brochure... Celui ci ne s’apparente en effet pas encore à un journal informatif car il ne contient au depart que des publicités ! 

Cependant, le nom « Coranto » est déjà utilisé à partir du 14ème siècle en Angleterre. 

Ces brochures précoces viennent en réalité d'un système où des lettres d'information et discussions philosophiques seraient partagées et envoyés à un point de collecte central pour être regroupés et envoyés à différents correspondants. La banque de Fugger organisait la collecte et l'acheminement de ces lettres, souvent perçues par des étrangers.

Ici, une page de coranto datant du 2 December 1620

Le premier hebdomadaire est enfait lancé à Strasbourg en 1605 et s’intitules « Relation » . Cependant, sa publication n’est pas autorisée par le roi. Il est donc imprimé et distribué de manière officieuse par l’imprimeur Yohan Carolus. 

Le premier grand journal officiel imprimé en France parait entre mai 1631 et le 30 septembre 1915 et s’appelle La Gazette. Créé par Théophraste Renaudot, il est utilisé par le cardinal Richelieu comme outil de propagande. C’est un hebdomadaire payant qui informe sur les nouvelles à l’étranger mais aussi de France ou de la Cour.

Ci dessous, la page d’accueil des Gazettes de 1631.

Le journal continuera à être publié, sous des noms divers, comme La Gazette de France entre 1848 et 1915. On peut le retrouver encore aujourd’hui sous formes de petites affiches.

Le 30 mai 1631, Renaudot, médecin et entrepreneur protégé de Richelieu, obtint un privilège qui lui permit d'imposer sa Gazette malgré les contestations de la communauté des libraires de Paris et face à la concurrence d'une feuille rivale, le Nouvelles ordinaires de Jean Epstein.

Les journaux ont continué d’évoluer sur ce model et notamment dans d’autres pays qui se sont influencés. C’est ainsi que nous retrouvons aujourd’hui ces brochures d’informations précieuses qui nous permettent de suivre l’actualité dans le monde entier.