LUX(E)FECIT @luxefecit-blog - Tumblr Blog

JEFF KOONS, cru 2010 pour le château Mouton-Rothschild

Cette année encore, le château Monton-Rothschild, premier grand cru classé du Médoc, perpétue sa tradition en demandant à un artiste contemporain d'illustrer l'étiquette du cru 2010. En effet, depuis 1945, tous les plus grands artistes ont collaboré avec le célèbre château de l'appellation Pauillac. De Picasso à Dali, de Braque à Miro, sans oublier Chagall, Warhol, Soulages, César, Bacon et tant d'autres ont tous été invités par le château afin de contribuer à l'esthétique d'une bouteille de vin.

La révélation du nom de Jeff Koons n'est pas une surprise. En effet, l'artiste bénéficie d'une renommée internationale, et d'une popularité grandissante. Pour illustrer ce grand millésime, Jeff Koons s'est tourné vers l'Antiquité en revisitant une fresque de Pompéi, "la Naissance de Vénus". Ainsi, il a balayé la fresque originale d'un trait argenté, la transformant en "Vénus au Vaisseau" évoquant à la fois la coupe qui recueille et "le navire qui transporte au loin, sous un clair soleil, un vin exquis" (selon le communiqué du château).

Il est important de préciser que tous les artistes qui ont collaboré avec le château Mouton-Rotschild ne sont pas payés, mais reçoivent une caisse de vin de leur millésime. De plus, ces collaborations font l'objet d'une exposition itinérante: "Mouton Rothschild, l'art et l'étiquette", initiée par la baronne Philippine de Rothschild. Ainsi, l'art et le luxe sont intimement liés, une relation que tient à conserver encore longtemps le château Mouton-Rothschild.

Inès

#art #luxe #wine #rothschld #koons #luxefecit

Louis Vuitton & Takashi Murakami

"Superflat First Love"

#art #artist #vuitton #takashi murakami #luxefecit

Louis Vuitton & Takashi Murakami

C’est en 2003 que nait la collaboration entre l’artiste japonais Takashi Murakami et la maison de couture Louis Vuitton. La marque désirait faire appel à un artiste afin qu’il réinterprète son logo. De cette façon, l’artiste pouvait mêler ses univers et ses créations à ceux déjà existants du directeur artistique de Louis Vuitton : Marc Jacob. Il n’est pas anodin que se soit un artiste de nationalité japonaise qui fut choisi, (Takashi Murakami), acte fort, marquant la volonté de la marque de s’ouvrir vers un nouveau marché déjà très porteur: celui du Japon, en mettant en avant un de leurs artistes contemporains les plus réputés. Cette collaboration met aussi au défi l’acheteur qui accepte de porter la marque sous un autre angle, avec des codes réinterprétés. L’audace de la maison de Couture de réinterpréter ses classiques pousse aussi l’audace de l’acheteur à acheter un modèle classique sous une forme moderne.

En 2007, une nouvelle innovation voit le jour. En effet, Murakami expose ses œuvres au Museum Contemporary Art de Los Angeles, où dans ce même lieu et au même moment, Louis Vuitton installe une boutique temporaire dans laquelle sont vendues une série limitée de sac créée par l’artiste. De cette façon, chaque sac par son caractère limité, devient une œuvre d’art. C’est le paroxysme de la rencontre art, artiste et luxe. Le luxe prend possession d’un lieu ordinairement dédiée à l’art (un musée), tout en y vendant des objets (sacs), mais présentés comme des œuvres d’art. On retrouve dans cette collaboration tous les éléments qui créent la relation étroite en art et luxe. En effet, en faisant appel à un artiste contemporain pour créer des sacs, le luxe devient de l’art et cette union prend vie non plus dans des magasins, mais dans des lieux dédiés spécialement à l’art (un musée). La confusion entre un produit considéré ordinairement comme luxueux et une œuvre d’art est complète. C’est par là une extraordinaire démonstration de la relation si forte entre le monde d’un artiste, le monde d’une marque, tous deux reliés par l’imaginaire et le rêve qu’ils produisent sur un individu.

On remarque également que cette collaboration est mise en scène dans des vidéos créent par Murakami. Ces dernières permettent de montrer que l’artiste a complètement pris possession de la marque tout en gardant l’identité initiale de celle-ci. Les logos, l’histoire, les boutiques sont conservés, bien que l’univers, le graphisme, les personnages soient ceux de Murakami.

Cette collaboration a permis à la maison de luxe Louis Vuitton de rajeunir son image, de s’ouvrir à un nouveau marché. Mais elle a également permis de démontrer que le lien entre le monde du luxe et celui de l’art sont imbriqués, qu’ils se font échos l’un à l’autre.

Inès

#art #artist #luxe #vuitton #takashi murakami #luxefecit

Tailleur de roses

Jeff Leatham, ancien mannequin devenu apprenti fleuriste à l'hôtel Four Seasons de Los Angeles puis designer floral tendance de Paris où il travaille depuis 1999. Il compose et met en scène ses décors : des fleurs, des murs de fleurs, des tapis de fleurs. Il créé au fur et à mesure, en fonction des couleurs et des atmosphères. "Auparavant je dessinais mes compositions. Maintenant, je les réalise en fonction de l'espace, je teste plusieurs possibilités", explique-t-il. "C'est aussi de cette manière que j'ai appris mon métier. Je n'ai pas étudié cette discipline dans une école, j'ai appris en travaillant beaucoup, et en commettant des erreurs". Le style de cet Américain, autodidacte donc, a révolutionné le mode de décoration: quelques immenses tiges où s'épanouissent des corolles couleur sang, des boutons de roses surnageant dans un bol transparent (il a notamment créer collection de vases en cristal de Waterford appelée Fleurology), des centaines de pétales nacrés jonchant le sol ou les tables... la notion de bouquet disparaît, effacée par celle de beauté de la fleur élevée au niveau de matériau qui, sculptée par la main de ce fleuriste de haut vol, se transforme en oeuvre d'art.

Marie

#art #sculpture #georges v #luxefecit

INTERVIEW : Collectionneur Monsieur X, ancien de l’Icart.

M: Pensez-vous qu’une plus-value est opérée sur une pièce lorsqu’une collaboration entre artiste et créateur a lieu?

X: Il est en effet normal qu’une pièce qui quitte les lignes de création d’une griffe pour devenir une pièce unique ou en édition limitée gagne en valeur. Nous en avons d’ailleurs eut la preuve avec Stephan Sprouse qui travaillait avec Vuitton pour l’élaboration de sacs et qui a permis de créer une véritable ligne annexe bien plus recherchée que les sacs traditionnels Monogram ou encore la collection Mondrian chez Yves Saint Laurent.

M : Pensez-vous que ces collaborations sont plus de l’ordre d’une véritable recherche artistique ou plutôt de l’ordre du show-businnes ?

X: La mode est trop peu souvent considérée comme un art à part entière, par conséquent pour beaucoup de néophytes, la mode n’est pas un art et ils la jugeront donc beaucoup plus sur un aspect show-business comme vous dites. Cependant, les personnes aimant un tant soit peu la mode vous diront clairement qu’il s’agit de collaboration dans le but d’un recherche artistique, comme dans beaucoup d’autres arts, on essaye de mettre en corrélation deux univers très proches et à la fois très différents dans un souci artistique, d’unicité.

M : Quels-sont les pièces qui selon vous actuellement, se bonifieront avec le temps ?

X: Si nous restons dans le cadre pur de la collaboration, la « bonification » est un terme tronqué. En effet, dès la création de cette pièce, elle apparaît déjà sur le marché avec une plus-value. Prenons l’exemple de la collaboration entre Alaïa et Vuitton une fois de plus, lorsque les pièces ont fait leur entrée, leurs prix étaient beaucoup plus élevés, de par leur rareté. Cependant nous n’avons pas assez de recul pour dire qu’une bonification a eut lieu, le temps est moins important que la rareté. Dans quelques années, nous pourrons peut-être avoir assez de recul pour parler. Mais il est vrai que comme dans tous les corps de métiers, le temps a une action méliorative.

M : L’œil du collectionneur est-il attiré par le nom, par la marque ou par la pièce en elle-même ?

X: Tout dépend du collectionneur, il y a des collectionneurs spécialisés. Un collectionneur de Saint Laurent cherchera a tout prix une pièce d’exception de cette griffe, par conséquent le nom, la marque et la pièce sont importantes. Après pour d’autres collectionneurs, il peut s’agir d’un coup de cœur. Et comme dans toutes collections, une collaboration ajoute un plus au niveau rareté donc un plus grand désir de la part de l’acquéreur.

Marie

« Petit h » ou « Recup’ poétique ».

En créant des “objet poétiques non identifiés“ à partir de matières récupérées, Hermès érige le recyclage au rang d’art et de jeu. Décryptage par Odilon Cabat, sémiologue, et Daniel Bô, pdg de QualiQuanti. 

Crise énergétique et écologique obligent, nombre de marques cherchent à se rendre respectables en s’appropriant le concept de responsabilité sociale.

Le luxe au service de l’écologie

Avec “petit h“, département créé en 2010 par Pascale Mussard, membre de la famille fondatrice de la marque, Hermès parvient à combiner luxe et écologie: elle offre la possibilité à des artistes et à des artisans de travailler à partir de chutes de matières. Objectif : créer des pièces de collection, les fameux “objets poétiques non identifiés“.

La vocation de “petit h“ s’inscrit dans les pas du tri sélectif, qui consiste à réduire et à recycler les déchets. Une démarche promue par les collectivités et l’Etat. Une démarche qui atteint aujourd’hui un haut niveau de technicité et d’ingéniosité, si l’on en croit les films de l’Ademe, nourris d’entretiens avec des chefs d’entreprise spécialisés dans ce secteur d’activité.

L’envie de combiner luxe et écologie se retrouve à travers le logo. Si le “h“ d’Hermès, signe de qualité, est présent, la lettre “h“, enfermée dans un anneau (une pièce de sellerie) indique l’intention de conserver, donc de récupérer des productions de la marque.

L’art de l’up cycling

Les produits fabriqués dans les ateliers sont souvent plus proches de l’œuvre d’art que du simple produit de consommation. Ce sont des artistes qui choisissent les matières, avant de les assembler en laissant libre cours à leur imagination. Par exemple: la girafe en crocodile de Marjolijn Mandersloot évoque une sculpture de Bugatti. Quant au vase en cristal et en cuir plissé de David Pergier et Frédéric Sionis, sa construction totémique rappelle l’univers de l’environmental artist australien John Dahlsen, qui utilise le recyclage.

Les créations “petit h“ sont exposées et vendues dans les magasins Hermès, aménagés comme un musée ou une galerie d’art. Ici, le client est considéré comme un visiteur d’exposition susceptible d’acheter une œuvre.

Des créations ludiques

L’univers de l’enfance se reflète dans les certaines pièces, tel l’avion de Gilles Jonemann qui fait penser à un jouet, tout comme les petites haltères, l’automobile miniature, la balançoire ou encore le dromadaire aux chaussettes roses. Certaines créations sont agencées à la manière d’une chambre d’enfant, voire d’une maison de poupées. En les regardant forte est la tentation de retomber en enfance, de pénétrer dans un univers enchanté où le jouet et l’art se mélangent.

Rester fidèle aux valeurs de la marque

En plus d’être écologiques, les Objets poétiques non identifiés sont nomades: ils voyagent de façon temporaire sur tous les continents.

L’univers de la sellerie est également très présent“. Dixit la publicité de Marie Clerté et Edouard Bertrand, où la vidéo montre un cheval avec le logo dans le sabot, ainsi que le proverbe Jette ton cœur par dessus l’obstacle, ton cheval ira le chercher.

Les produits (ou œuvres d’art) proposés sont, eux aussi, proches du monde équestre. Les matières utilisées sont souvent des chutes de cuir. Il en est ainsi de la balançoire, que le designer français Godefroy de Virieu a fabriqué à partir d’étriers récupérés. Certaines pièces, comme un buste de cheval en cuir, sont encore plus inspirées de cet univers.

Philippe

INTERVIEW avec Antoine Boudin, designer pour Petit h.

Quand as-tu rencontré Pascale Mussard (DA. de “Petit h”) ?

Je l’ai rencontré lors du festival design parade à la villa Noailles il y a 2ans. J’y faisais une exposition car l’an passé javais remporté le grand prix du jury.

T-a-t-elle demandé tout de suite de créer des objet pour “Petit h” ?

Non, pas immédiatement. J’ai au la chance de gagner la bourse Agora, sponsorisée par Hermès, ainsi à cette occasion, j’ai présenté un matériau particulier : la canne de Provence. Madmae Mussard m’a alors demandé de faire des objets avec cette matière typique de ma region, pour “Petit h”.

Peux-tu nous nous parler des objets que tu as realisé pour cette maison de luxe ?

Les choses se sont accelérées dans ma vie professionelle, je me suis installé a Hyères dans la maison du jardinier de la villa Noailles. L’année dernière, j’ai fait une expo dans mon atelier où j ‘ai présenté plusieurs projets en canne de Provence. Pascal Mussard a vu une lampe qu’elle a beaucoup apprecié. Elle m’a aussi commandé la création un tabouret avec dessus de cuir, projet que j’avais déjà présenté pour ma première exposition. Le seul projet que j ‘ai fait spécialement pour eux est un bilboquet toujours en canne de Provence mais avec une boule faite de chutes de soie .

Quand vont être edités ces objets ?

Je ne sais pas encore vraiment mais je viens d’envoyer les dessins techniques donc ce n‘est pas pour tout de suite, mais je suis confiant pour l’avenir pour ma collboration avec “Petit h”.

Philippe

DE LA PEINTURE SUR MA ROBE

« J'ai de tout temps été passionné par la peinture, il était donc naturel qu'elle inspire mes créations » disait Yves Saint Laurent, couturier regretté qui s’est éteint en 2008.

Je ne vais pas vous raconter la vie de ce génie de la mode, elle est si pleine qu’un article ne suffirait pas ! Mais que diriez-vous d’un petit focus sur l’apport de la peinture dans son œuvre ?

L’exposition Dialogue avec l’Art de 2004 organisée par la Fondation Pierre Bergé-Yves Saint Laurent que j’ai visité reste dans ma mémoire comme une révélation. A l’époque je connaissais mal le travail d’Yves Saint Laurent, pourtant son nom était empreint de sens : il représentait le couturier français (parisien… !) et son nom imposait le respect. J’ai mieux compris pourquoi lors de cette exposition qui réunissait 42 modèles de défilés principalement inspirés par les peintres du XXème siècle. Yves Saint Laurent d’expliquer : « ce sont des hommages rendus aux peintres qui ont exercé sur moi la plus grande influence. Je ne les ai pas copiés - qui pourrait s'aventurer à le faire ? - j'ai voulu tisser des liens entre la peinture et le vêtement, persuadé qu'un peintre est toujours de notre époque et peut accompagner la vie de chacun. »

Créer un lien entre la femme que nous pourrions être et les grands maîtres de la peinture, comment résister ?! Qui refuserait de devenir le temps d’un instant, en enfilant une robe, la muse fictive de Van Gogh, évoluant dans un champ de tournesols ? Ou encore de se faire complice d’Andy Warhol, vêtue à sa façon, en New-Yorkaise androgyne, en femme fatale underground ? Oui, je le veux !

L’attraction irrésistible de ces peintres que nous transmet Yves Saint Laurent se traduit à la perfection dans ses vêtements parce qu’il l’a lui-même expérimentée : « les artistes que j'ai choisis étaient proches de mon travail, c'est pour cela que je les ai sollicités. Mondrian, bien sûr, qui fut le premier que j'osai approcher en 1965 et dont la rigueur ne pouvait que me séduire, mais également Matisse, Braque, Picasso, Bonnard, Léger. Comment aurais-je pu résister au Pop-Art qui fut l'expression de ma jeunesse ? A Jasper Johns, Lichtenstein, Rauschenberg, et à mon cher Andy Warhol ? Et comment aurais-je pu ne pas emprunter à Van Gogh, ses iris, ses tournesols, ses merveilleuses couleurs ? Comment, dans un autre ordre d'idée, n'aurais-je pas habillé de mousseline les deux moulages de Claude Lalanne ? »

Pourtant, il serait réducteur de dire qu’Yves Saint Laurent n’a fait que se nourrir de la peinture pour en donner à la femme une inspiration qui émanerait d’une fabrication purement « vestimentaire », plus proche de l’artisanat que de l’art. Non, Yves Saint Laurent a fait bien plus : il a travaillé avec des peintres, a réinterpréter leur peinture, l’a transformé jusqu’à recréer de pures œuvres. Pour l’historien Dominique Païni « Yves Saint Laurent y aura décisivement contribué : il y eut dialogue entre l’art et la Haute couture (…) dialogue fait de tensions entre les usages (contempler et habiller), d'affrontements entre des états (immobilité de la peinture et mouvement des vêtements), d'oppositions entre les matériaux (la toile uniformément peinte et le vêtement composite), de contradictions volumétriques (la platitude de la surface picturale et le corps humain) ». Si l’on s’en tenait aux réflexions duchampiennes, l’immense défilé-rétrospective qui a eu lieu au Centre Pompidou à Paris le 22 janvier 2002 ou celle qui a eu lieu au Petit palais le29 aout 2010 suffiraient à prouver qu’Yves Saint Laurent est tout autant couturier qu’artiste ! Mais au regard de la réflexion amenée par Païni, par la finesse du travail d’Yves Saint Laurent et par l’impression de grandeur qui s’en dégage il m’apparait plutôt, en bonne kantienne, que la valeur de son œuvre réside bien en une puissance intrinsèque qui force l’admiration.

Marie

LA FONTAINE DE TREVI RELOOKEE PAR FENDI

La Fontaine de Trevi, chef-d’œuvre de l'art baroque immortalisé dans "La Dolce Vita" de Fellini, va s'offrir un lifting de 2,12 millions d'euros financé par la célèbre maison de couture romaine Fendi.

Cette action de mécénat tend à montrer que la collaboration des grandes institutions du luxe avec le monde l'art ne fonctionne pas uniquement dans le sens unique de l'artiste envers la marque X. Ici c'est le patrimoine romain qui en profite avec une collaboration public-privé.

Submergée de touristes et en mauvais état, la fontaine, réalisée entre 1732 et 1762 sur un projet de l'architecte romain Nicola Salvi, va bénéficier d'une restauration tous azimuts: nettoyage et restauration des sculptures en marbre et travertin, réfection de la couverture de plomb de la corniche, imperméabilisation des vasques et nouveau système de vidéo-surveillance.

Le tout pour un coût global de 2,12 millions d'euros pris en charge intégralement par Fendi, qui ne bénéficiera en contrepartie que d'un discret logo sur le panneau du chantier et d'une plaque de remerciement de 30 sur 40 cm apposée sur le monument pendant quatre ans.

Les travaux devraient durer 20 mois à partir du lancement du chantier qui devrait s'achever au plus tard d'ici 2015 sauf imprévu. A condition toutefois que la fontaine ne subisse pas le triste sort du Colisée, dont les travaux de restauration n'ont toujours pas commencé alors qu'ils devaient débuter en mars 2012.

"Le Colisée a servi de cobaye pour relancer le mécénat culturel", s'est justifié le maire de Rome, qui souhaite recourir de plus en plus au mécénat pour restaurer l'immense patrimoine de la ville, dont les finances sont loin d'être florissantes.

Un appel au privé qui ne choque pas Karl Lagerfeld présent lors de la conférence de presse comme représentant de Frandi, maison avec laquelle il collabore depuis 1965. Il explique qu'en cette période de crise l'industrie du luxe doit collaborer à la conservtion du patrimoine: "la mode a la chance d'avoir de l'argent parce que les affaires marchent de manière incroyable, comme jamais auparavant, dans le reste du monde. Alors, que Rome en profite!".

Le styliste va en profiter pour publier un livre sur les fontaines de Rome en recourant au daguerréotype, un procédé photographique mis au point en 1837 par Louis Daguerre qui produit une image sans négatif sur une surface en argent, polie comme un miroir, exposée directement à la lumière.

Dans le cadre de son initiative baptisée "Fendi for Fountains", Fendi a signé le 14 décembre une convention de mécénat avec Rome par laquelle elle s'engage, outre la fontaine de Trevi, à financer aussi la restauration des "Quatre Fontaines", un ensemble monumental actuellement noirci par la pollution situé derrière le Quirinal, le palais du président de la République. Budget prévu: 320.000 euros.

Marie

REPORTAGE : 24h dans la vie de Yann Toma, artiste.

Yann Toma est un artiste contemporain, créateur de l'entreprise artistique Ouest-Lumière.

Ouest-Lumière, c'est l'entreprise d'une vie, mais c'est surtout la première entreprise de distribution d'énergie artistique (E.A). L'énergie artistique, présente en chacun de nous, a été pensée et conceptualisée par Yann Toma. L'artiste-chercheur a ainsi voulu mettre en évidence ce lien énergétique qui nous relie, et ses œuvres sont toujours intimement reliées à cette idée. On peut ainsi évoquer l'installation participative appelée "Dynamo-Fukushima", présentée dans la nef du Grand Palais lors des journées du patrimoine de 2011. Plus de 100 000 personnes sont venues pédaler pour envoyer leur énergie artistique au Japon. En effet, après la catastrophe nucléaire de Fukushima, les visiteurs été invités à pédaler sur des centaines de vélo, ces derniers étant reliés a des dynamos qui permettaient la création d'Energie artistique, qui ensuite "gonflaient" des ballons de lumière pour représenter cette énergie. Celle-ci pouvait alors être envoyée conceptuellement au Japon.

Yann Toma est donc un artiste pleinement dans son temps, et en lien constant avec les problématiques politiques, environnementales, et psychiques actuelles. Il est également un artiste en permanent dialogue avec de grandes maisons de luxe, ce qui lui permet de promouvoir Ouest-Lumière.

Une immersion dans une journée type rendra compte de son travail.

5.AM,Yann Toma se réveille.

En tant que Président a vie auto-proclamé de Ouest-Lumière, ses nuits sont courtes,puisqu'il est investit de nombreuses responsabilités. En effet, l'entreprise artistique qu'il a créée il y a quelques années (200 ans déjà d'après lui), compte des centaines d'actionnaires qui ont tous une fonction bien précise au sein de l'entreprise.Il lui faut penser a l'emploi du temps de la journée...

8.30 AM, Arrivée de Yann Toma à l'université.

Notre Président cumule les mandats, puisqu'il est également professeur d'arts plastiques à Paris 1-Panthéon Sorbonne. Avec ses étudiants et ses assistantes stratégiques (dont j'ai l'honneur de faire partie), Yann Toma discute des événements à mettre en place pour promouvoir son entreprise et diffuser ses œuvres "créées en Ouest-Lumière". Ainsi, il est temps d'évoquer l'exposition au sein de l'hôtel Royal Monceau...

10 AM, Préparation des compte-rendus pour présenter ses Sculptures de CO2.

Les sculptures de CO2 réalisées en collaboration avec Alain Bonneville, un des plus grands spécialistes mondiaux du traitement du CO2 et actuel conseiller du Président Obama pour l'enfouissement du CO2, ont été réalisées par Guillaume Thoraval, souffleur de verre, et ont été montées en pendentifs et bagues (monture en argent ou en or), par Laurence Deschamps, joaillière.Elles seront exposées à la libraire du Royal Monceau afin d'être vendues, et leur seule existence représente parfaitement le lien qui existe entre art et luxe. De plus, la monographie de Yann Toma sera aussi présentée dans cette libraire artistique reconnue.

12 AM, Pause déjeuner, le Président a besoin de force et de repos pour l'après-midi.

2 PM, Rendez-vous au Lutetia, grand hôtel parisien et luxueux s'il en est !

Yann Toma expose ses sculptures de CO2 au sein de cet hôtel, et est actuellement en pourparlers pour pouvoir décorer une suite, tels les grands artistes qui l'ont précédé comme Arman ou David Lynch... La réponse prochainement !

4 PM, Discussion avec Francis Kurkdjian.

Yann Toma réalise un parfum, "Or bleu", en collaboration avec Francis Kurkdjian, nez reconnu qui a collaboré avec des grandes maisons de luxe comme Christian Lacroix, Acqua Di Parma, Dior, Kenzo ou Lancôme. Une vidéo performance décrit les recherches qui ont permis d'aboutir à cette création hors du commun."L'or bleu" se présente comme un parfum et une eau, un condensé de luxe, le premier parfum artistique buvable.

6 PM Préparation des événements à venir.

Yann Toma exposera ses créations à Art Paris Art Fair, grâce à la Galerie Amel Bourouina au Grand Palais. L'occasion pour lui de montrer à un public attiré par le luxe et l'art l'intérêt de ses créations. De plus, le Président organise ses futurs voyages à New York, en tant qu'artiste observateur a l'ONU, Yann Toma se doit de porter l'Or Bleu, qui charmera son auditoire.

8 PM, La journée est terminée mais la nuit de réflexion commence...

Yann Toma, grâce à ses collaborations avec les maison de luxe, est un des premiers artistes qui réalise des œuvres novatrices car étant pleinement des objets luxueux et parfois utilitaires. Toute ses créations véhiculent l'idée directrice de Ouest-Lumière, a savoir diffuser l'énergie artistique et inclure le public comme acteur réel de l'émancipation de l'œuvre. Ainsi, les sculptures de CO2 prennent un sens profond lorsqu'elles sont portées en bijoux, tout comme le parfum "Or bleu" qui délivrera toutes des fragrances une fois vaporisées sur le peau, ou lorsqu'il sera bu, il deviendra un breuvage presque magique, et sera une formidable source d'énergie artistique.

Adalaïs

L'OR BLEU, une eau parfumée en "Ouest-Lumière", création de Yann Toma et Francis Kurkdjian.

ARTKETING, l'utilisation de l'art contemporain par les marques de Luxe

Et si toutes ces collaborations entre artistes et maisons de luxe, n'étaient finalement qu'une grande opération marketing? On remarque effectivement qu'en collaborant avec des artistes, les marques gagnent en crédibilité et attirent un autre public d'acheteurs, plus jeune, plus branché, bref, une nouvelle génération qu'il faut sans cesse attirer et cela en se modernisant et en innovant en permanence.

Veuve Cliquot & le designer Tom Dixon

L'art contemporain a cette qualité, celle de transformer les anciens codes d'une marque. Un artiste possède cette liberté et cette légitimité qui est de changer et de modifier en partageant son univers avec celui d'une marque, sans que celle-ci ne perde son âme. De plus ces collaborations sont très profitables pour les artistes car une marque est avant tout une vitrine, un lieu où un artiste peut être vu facilement et se faire connaître davantage. Aujourd'hui, et c'est une des grandes modifications dans le domaine de la communication, collaborer avec des marques pour un artiste n'est plus quelque chose de honteux, bien au contraire, cela est très bien perçu et annonce même un grand pas pour la carrière d'un artiste. Aujourd'hui un artiste a intérêt à collaborer avec des marques de luxe, que se soit pour sa notoriété, pour la reconnaissance de son travail, ou pour les futurs opportunités que cela offre.

Louis Vuitton et l'artiste japonaise Yayoi Kusama

L'artketing est donc l'exemple dans lequel l'art et le luxe se croisent surement le plus. Ce système est bénéfique pour l'artiste et pour la marque. Il montre une ouverture d'esprit et une recherche de nouveauté de la part des deux parties. L'artketing démontre également que le lien entre l'art et luxe n'est pas si éloigné et qu'il se rejoint chez le consommateur qui trouvera dans ces collaborations une sorte de plaisir à découvrir un artiste, à ne plus seulement consommer une marque mais à découvrir et accéder à sa façon à l'art contemporain, ou l'esthète, qui découvrira peut-être une marque ou se dirigera vers une marque par la voie de l'artiste.

Notons également que le choix de l'artiste n'est pas anodin, et en amont, l'objectif de l'agence de pub et du conseil en image pour ce type d'opération, est de choisir l'artiste le plus en phase avec la marque afin que cette alliance paraisse naturelle. L'artketing est évidemment une opération marketing qui marche parfaitement, mais c'est aussi un bon moyen de promouvoir l'art contemporain et de nombreux artistes.

Inès

#luxe #art #add #luxefecit #artketing

En 1972 Andrée Putman réalisa le showroom Pierre Frey de la rive gauche, avant-gardiste et ultra contemporain , fait de câbles,de béton et d’acier.

En 2011 c’est au tour d’Olivia, fille d’Andrée de faire collaborer les studios Putman et la maison Pierre Frey en élaborant toute une collection de tissus présenté en janvier 2012.

Cette collection moderne, minimaliste et graphique se fait chic est discrète à la fois, est composée de dessins en noir et blanc dont le célèbre damier d’Andrée Putman, ‘sa signature’.

Philippe

#art #luxe #artist #design

Pub Chanel N°5 par Jean-Pierre Jeunet avec Audrey Tautou

Marie

#luxe #art #chanel #add

INTERVIEW avec Dominique CHOMBERT et Françoise STRENBACH

Dominique Chombert et Françoise Sternbach, experts Mode dirigent depuis 1989 un des Cabinets les plus réputé de la place parisienne. Je les ai rencontré et elles m'ont parlé des collaborations entre créateurs et artistes, de la plus-value qu'acquiert un objet quand en plus de la griffe, le nom d'un artiste est apposé à celui du créateur.

Pour Françoise Sternbach, la collaboration entre artiste et couturier est d'abord un question de feeling: il faut qu'il y ait une connection entre ces deux esprits créatifs, à titre d'exemple, Yves Saint Laurent et Mondrian! Ce type de collaboration donne souvent lieu, nous l'avons vu, à la naissance de superbe pièces, sorte d'hybrides issus de deux modes artistiques qui sont moins éloignés qu'on veut bien le croire. Elle explique que cela s'en ressent dans les ventes qu'elle organise aux côtés de Dominique Chombert. Elles m'indiquent notamment une vente qui restera dans les mémoires, celle d'un manteau Schiaparelli auquel Jean Cocteau avait apposé sa patte. L'adjudication avait été de 175 000 euros.

Dominique Chombert souligne par ailleurs que le simple nom d'un artiste donne du cachet à un objet dont la valeur intrinsèque est somme toute nulle. Elle donne en exemple le black Fedora de Michael Jackson qui sera mis en vente le 11 février prochain à Drouot et pour lequel chacun s'attend à un beau résultat de vente. Pourquoi? Parce qu'il a appartenu à cette icône de la pop, véritable symbole de toute une génération. Toujours lors de cette vente, une paire de chaussures spectaculaires ayant appartenues à Lady Gaga par Armani sont proposées aux potentiels acheteurs. Elle m'explique que ceux-ci peuvent être par exemples des collectionneurs fascinés par la chanteuse.

Françoise Sternbach montre qu'en fait, les artistes, qu'ils soient chanteurs, acteurs ou plasticiens sont des alliés pour les créateurs, ils peuvent être des soutiens, des vitrines. Elle évoque notamment Marilyn Monroe qui, quand on lui demandait ce qu'elle portait pour dormir répondait "Chanel number 5"...

Propos recueillis par Marie

#art #mode #Luxe #luxefecit #Interview

LA SAGA CONTINUE...

Andy Warhol, Damien Hirst, Louise Bourgeois: les plus grands artistes d'avant-garde ont collaboré avec Absolut. Dernier projet en date: ABSOLUT BLANK, un défi lancé aux artistes qui les incite à utiliser une toile blanche de la forme de la bouteille pour la "remplir" de leur créativité.

Une "expérience" où pourront s'exprimer toutes les interprétations possibles de l'univers de la marque, et à laquelle ont déjà participé de nombreux artistes. Une fois de plus, le groupe Pernod-Ricard prouve l'importance qu'il accorde à l'art contemporain, et l'intérêt qu'il porte aux artistes, afin de promouvoir l'alcool de luxe.

Inès

#art #luxe #alcool #artist

Jem et caran d’ache

Le créateur de bijoux éthiques JEM s’est associé à la maison de haute écriture Caran d’Ache pour un somptueux coffret contenant des crayons de papier et une bague en or.

Les initiales de JEM signifient Jewellery Ethically Minded, c’est une marque qui privilégie les belles matières et le design en collaborant avec de nombreuses grandes maisons qui ne sont pas issues de l’univers de la joaillerie.

Dans ses collections, JEM détourne souvent des objets du quotidien en les réinventant comme de véritables bijoux. C’est le cas avec cette nouvelle collaboration avec la maison de haute écriture Caran d’Ache pour la création étonnante d’une boîte de crayons de papier designée par le studio be-pôles.

Cette collaboration a donné lieu à la collection H-5B qui consiste en une boîte composée de 7 crayons de papier et d’une bague en or de 18 carats.

L’inventivité de cette bague, c’est qu’elle peut trouver sa place autour d’un crayon ou peut tout à fait se porter comme un pendentif sur une chaîne.

Philippe

#luxe #artiste #design #joaillerie #luxefecit

Trending Blogs

Recently Viewed Blogs

LUX(E)FECIT